extracted_text:
Рондо Фарлафа из оперы  М. И. Глинки
«Руслан и Людмила»
Ф. И. Шаляпин исполнял в опере М. И. Глинки
«Руслан и Людмила» партии Руслана и Фарлафа, и
именно во второй роли он, по словам А. Гозенпуда,
достиг вершины, превзойдя своих знаменитых
предшественников.
Дерзость, хвастовство, безудержная наглость,
опьянение собственным «мужеством», зависть и
злоба, трусость, сластолюбие, вся низость натуры
Фарлафа раскрывались Шаляпиным в исполнении
рондо без карикатурного преувеличения, без
подчёркивания и нажима. Здесь певец достигал
вершины вокального исполнительства, с
виртуозной лёгкостью побеждая технические
трудности. Слушание: М. Глинка. Рондо Фарлафа из оперы
«Руслан и Людмила», в исполнении Ф. Шаляпина.
Песня варяжского гостя из оперы Н. А.
РимскогоКорсакова «Садко»
Песня Варяжского гостя в исполнении Шаляпина
суровая, воинственная и мужественная: «О скалы
грозные дробятся с рёвом волны». Тембр низкого
мужского голоса и густая звучность духовых,
преимущественно медных инструментов, хорошо
гармонирует со всем обликом Варяга  отважного
воина и морехода.
Партия Варяжского гостя таит в себе огромные
художественные возможности, позволяющие
создать яркий сценический образ. Слушание: Н. РимскийКорсаков. Песня
Варяжского гостя из оперы «Садко», в исполнении
Ф. Шаляпина.
Ария Ивана Сусанина «Ты взойдёшь моя
заря…» из оперы М. И. Глинки «Иван Сусанин»
«Шаляпинский Сусанин – это отражение целой
эпохи, это виртуозное и таинственное
воплощение народной мудрости, той мудрости,
что в тяжёлые годы испытаний спасла Русь от
погибели».
(Эдуард Старк)
Арию Сусанина Шаляпин с блеском исполнил на
закрытом дебюте в Мариинском театре, когда
приехал из провинции покорять столицу и был
принят на императорскую сцену в день своего полного совершеннолетия 1 (13) февраля 1894
года.
Это прослушивание состоялось по рекомендации
покровителя искусств, крупного чиновника Т. И.
Филиппова, известного своей дружбой с русскими
композиторами и писателями. В доме Филиппова
юный Шаляпин встречался с сестрой М. И. Глинки
Людмилой Ивановной Шестаковой, которая
осыпала молодого певца похвалами, услышав в его
исполнении арию русского национального героя.
Иван Сусанин в творчестве Фёдора Шаляпина
сыграл судьбоносную роль. Весной 1896 года певец
решает на лето ехать в Нижний Новгород. Там
происходит его встреча с С. И. Мамонтовым –
Саввой Великолепным, промышленником и
меценатом, реформатором оперного театра,
создателем Русской Частной оперы и подлинным собирателем талантов. 14 мая спектаклем «Жизнь
за царя» с Шаляпиным в главной роли начались
регулярные выступления труппы Мамонтова,
гастролировавшей в Нижнем Новгороде.
Слушание: М. Глинка. Ария Сусанина «Ты
взойдёшь моя заря» из оперы «Иван Сусанин», в
исп. Ф. Шаляпина.
Шаляпин был необычайно музыкален. Он не просто
понимал и знал музыку, он жил в ней, музыка
пронизывала всё его существо. Каждый звук,
каждое дыхание, жест, каждый шаг  всё было
подчинено ей.
Великий певец всегда «выбирал» из богатейшего
арсенала технических приёмов именно тот,
которого требовал от него музыкальный образ.
Шаляпин полностью отдаёт свой голос на службу
музыке. Он люто ненавидит певцов, которые главным в своей деятельности считают
собственное пение.
«Ведь вот знаю певцов с прекрасными голосами,
управляют они своими голосами блестяще, то
есть могут в любой момент спеть и громко и
тихо... но почти все они поют только ноты,
приставляя к этим нотам слоги или слова...
Поёт такой певец красиво... Но если этому
очаровательному певцу нужно в один вечер
спеть несколько песен, то почти никогда одна не
отличается от другой. О чём бы он ни пел, о
любви или ненависти. Не знаю, как реагирует на
это рядовой слушатель, но лично мне после
второй песни делается скучно сидеть в
концерте».
Не думайте, однако, что глубокое понимание
музыки пришло к Шаляпину само собой. Были у него и ошибки, и неудачи, и срывы. Была
неудовлетворённость собой. Так было даже с
обожаемым им Мусоргским.
«Мусоргскому я упорно не изменял, исполнял его
вещи на всех концертах, в которых выступал. Я
пел его романсы и песни по всем правилам
кантиленного искусства  давал рёберное
дыхание, держал голос в маске и вообще вёл
себя, как порядочный певец, а Мусоргский
выходил у меня тускло...»
Так было в молодости. И Шаляпин пробует,
репетирует, добивается. Пошаляпински страстно
он рвётся к знаниям, жадно впитывает всё, что
кажется ему нужным для достижения
единственной цели. Цель эта  служение музыке.
Бессмертный гений Никколо Паганини «Я едва мог узнать его в коричневой монашеской
рясе, которая скорее скрывала, чем одевала его.
С какимто диким выражением на лице,
наполовину спрятанным под капюшоном,
опоясанный веревкою, босой, одинокий и гордый,
стоял Паганини на нависшей над морем скале и
играл на скрипке. Происходило это, как мне
казалось, в сумерки; багровые блики заката
ложились на широкие морские волны, которые
становились все краснее и в таинственном
созвучии с мелодиями скрипки шумели все
торжественнее. Но все порывистее и смелее
становились звуки скрипки; в глазах страшного
артиста сверкала такая вызывающая жажда
разрушения, его тонкие губы шевелились с такой
зловещей горячностью, что, казалось он бормочет древние нечестивые заклинания,
которыми вызываются бури и освобождаются
от оков злые духи, томящиеся в заключении в
морских пучинах»,  так писал о Никколо
Паганини Генрих Гейне.
Генрих Гейне, немецкий поэт,
публицист и критик (1831, портрет работы
Морица Даниэля Оппенгейма) Поэт, обладающий способностью при каждом звуке видеть волнующие
зрительные образы, писал: «Что это был за шар?
Солнце? Я не знаю. Но в чертах человека я узнал
Паганини, только идеально прекрасного, с
улыбкой, исполненной примирения. Его тело
цвело мужественной силой; светлоголубая
одежда облекала облагороженные члены; по
плечам ниспадали блестящими кольцами черные
волосы; и в то время как он, уверенный,
незыблемый, подобно высокому образу
божества, стоял здесь со своей скрипкой,
казалось, будто все мироздание повинуется его
звукам. Это был человек  планета, вокруг
которого с размеренной торжественностью, в
божественном ритме вращалась вселенная».
Это поэтическое описание как нельзя лучше
соответствует загадочному образу противоречивого итальянского скрипачавиртуоза,
оставившего неизгладимый след в культурной
жизни Европы XIX века. Но почему человек,
обладавший колоссальным талантом, невероятным
трудолюбием, благородством натуры и тонкостью
души, обрел славу тюремщика, убийцы и
страшного колдуна, продавшего душу дьяволу?
Был ли это вымысел? Нелепые легенды? И был ли
на самом деле Никколо Паганини таким
безобразным, каким изображали его на
карикатурных портретах?
В 1782 году на окраине итальянского города Генуя
в переулке Черной Кошки родился мальчик,
которого назвали Никколо. Природа наделила его
правильными чертами лица. Особенно были
красивы его агатовочерные глаза, сверкавшие
даже в темноте, и волосы, вившиеся колечками. Правда, у младенца были чуть кривоваты ноги и не
по росту велики ступни. Но, не говоря о нас,
простых смертных, наверное, даже у самого бога
красоты Аполлона были какието недостатки.
Кто же первым понял, что мальчика ожидает
великое будущее? Его отец Антонио Паганини,
бывший портовый грузчик, выбившийся в мелкие
лавочники. Он был человеком со странностями.
Тяжелый, властный характер, грубость в
обращении с домашними, тяга к вину какимто
образом уживались в нем со здравым смыслом и
прозорливостью. И еще он любил на досуге играть
на мандолине. Это были простые песенки, веселые
и запоминающиеся народные мелодии, которые
исполнялись Антонио с мрачным лицом. На этой
почве у него возникали ссоры с женой. Едва он
брал в руки инструмент, она уходила подальше от дома, чтобы не слышать многочасового
монотонного бренчания, да и соседям его игра не
доставляла удовольствия.
Мать Паганини, Тереза Боччардо, была женщиной
мягкой, кроткой и покорной. Будучи не в силах
переделать характер мужа, всегда недовольного и
ворчливого, она старалась не противоречить ему.
Тереза находила утешение в религии и детях. Их
было у нее пятеро. Однажды матери Никколо
приснился удивительный сон: явился к ней ангел и
спросил, какую милость от Бога она хотела бы
получить. Поскольку глубоко верующая женщина
очень любила музыку, она попросила
божественного посланца о том, чтобы ее сын
Никколо стал великим музыкантом. Рассказ об
этом чудесном сне произвел сильное впечатление
на мужа Терезы, также неравнодушного к музыке. Однажды Антонио, играя, вполне отчетливо
услышал голос четырехлетнего Никколо: «Папа!
Ты в этом месте фальшивишь…» Антонио аж
поперхнулся. Хотел влепить сынишке затрещину,
но чтото его удержало. От жены он не раз слышал,
что Никколо неравнодушен к музыке, весь
обмирает, когда бьют колокола соседней церкви и
по грязному переулку плывут золотистые, как
бронза, которая их издает, звуки… Стерпев упрек
сынишки в фальши, Антонио протянул ему
мандолину и сказал: «Ну покажи, сопляк, как
надо здесь играть…» Обладавший абсолютным
слухом малыш в мгновение ока сыграл как надо…
Этот и другие случаи убедили Антонио в том, что
у него не сын, а настоящий клад, что из его дара
можно извлечь немалую выгоду. Посовещавшись,
родители Никколо твердо решили обучать ребенка игре на скрипке  инструменте, ставшем благодаря
стараниям Гварнери, Страдивари и Амати
музыкальным символом Италии. Поднатужившись,
отец купил для Никколо крохотную скрипочку и
вложил в руки будущего виртуоза. Показав, как
держать ее на плече, как водить смычком по
струнам, он в остальном положился на природные
данные сына. Никколо тогда было семь лет, и
скрипка с того дня стала его единственной
игрушкой. Очень скоро юный скрипач понял, что
занятие музыкой  это не только удовольствие, но и
тяжелый, кропотливый труд. Уходя в лавку,
Антонио запирал сынишку в его комнате наедине
со скрипкой. Много лет спустя Никколо напишет
про «уроки музыки» отца следующие строки: «Он
оставлял меня без еды и голодом вынуждал
удваивать старания, так что мне пришлось много физически страдать, и это сказывалось на
моем здоровье». Истощенный каждодневными
занятиями музыкой, мальчик заболел и впал в
каталепсию  состояние на грани жизни и смерти.
Родители сочли его умершим, положили в гроб и
приготовились похоронить. Никколо пришел в себя
лишь в гробу при душераздирающих звуках
траурной музыки. Его идеальный слух не в
состоянии был воспринимать фальшь даже тогда,
когда Паганини находился между жизнью и
смертью. Вернувшись с «того света», юный
скрипач с еще большим рвением взялся за освоение
сложных технических приемов игры на любимом
музыкальном инструменте. Благодаря своему
усердию и твердости характера за очень короткое
время Никколо достиг столь больших успехов, что
слава о его необычайных способностях шагнула далеко за пределы скромного переулка Черной
кошки.
Попрежнему глядя на Никколо как на свою удачу
в жизни, Антонио нанял для него учителей музыки.
Но, кажется, они особо мальчику и не нужны. Один
из них, послушав его игру, изумленно развел
руками и сказал: «Я ничему не смогу научить
тебя…» И отказался от занятий с чудоребенком.
Другой учитель признался Никколо: «Я не нашел в
твоей игре ни одной ошибки, ни единого
нарушения чистоты формы…»
В восьмилетнем возрасте Никколо написал
скрипичную сонату и несколько трудных вариаций.
Первым серьезным педагогом Паганини стал
генуэзский поэт, скрипач и композитор Франческо
Ньекко. В десять с половиной лет Никколо, в
течение полугода взял 30 уроков у скрипача Джакомо Коста и, в то же время, стал регулярно
играть в церквах на воскресных и праздничных
богослужениях. В генуэзской газете «Аввизи» от
31 мая 1794 года можно было прочитать: «В
понедельник 26 мая в церкви СанФилиппо Нери
состоялась месса. Был исполнен гармонический
концерт искуснейшим молодым человеком
одиннадцати лет  синьором Никколо Паганини,
учеником знаменитого преподавателя музыки
Джакомо Коста, который вызвал всеобщее
восхищение». Нельзя не отметить еще одного
учителя Никколо Паганини  виолончелиста,
прекрасного полифониста Гаспаро Гаретти,
привившего юноше отличную композиторскую
технику. Развивая способность слышать
внутренним слухом, он заставлял его сочинять без
инструмента. Както богатый генуэзец, большой любитель
музыки и обладатель редких скрипок, предложил
мальчику пари: «Если ты сыграешь незнакомую
тебе вещь с листа, я подарю тебе скрипку
Гварнери». Рассказывают, Никколо удивленно
посмотрел на богача своими прекрасными черными
глазами, раскрыл незнакомые ему ноты и сыграл по
ним без остановки и без единой ошибки. Так он
стал владельцем скрипки, стоившей больших
денег…
В возрасте одиннадцати лет он дал свой первый
публичный концерт. Люди были потрясены его
виртуозной игрой. Скоро его признали самым
искусным в мире скрипачом. Это звание
сохраняется за Паганини до сих пор.
По мере того, как искусство владения скрипкой
Никколо становится более виртуозным и отточенным, Антонио Паганини отправляется
вместе с юным скрипачом в первое концертное
турне по городам Италии: Милану, Болонье,
Флоренции, Пизе и Ливорно. Успех сопутствует
маленькому виртуозу повсюду и все больше
воспламеняет душу юного дарования. Никколо
интуитивно понимает, что не сможет наилучшим
образом выразить себя и достичь вершин своего
искусства, если не найдет применения своему
страстному темпераменту в своих сочинениях.
Великими были его предшественники: Корелли,
Вивальди, Тартини, творчество которых глубоко
изучал Паганини, но их музыка, написанная в
спокойной и сдержанной манере, не отвечала
бурному и несдержанному характеру Паганини.
Как ни странно, но именно в юном возрасте
родились многие из его прославленных каприччио, где прослеживается творческое переосмысление
скрипичных технических приемов и принципов в
музыке, впервые введенных итальянским
композитором Локателли, которые представляли
собою скорее технические упражнения. Но стоило
руке гения коснуться сухих формул, и они,
преобразившись, превратились в оригинальные,
блестящие миниатюры, ошеломляющие своей
виртуозностью. 24 каприччио Паганини до сих пор
остаются одним из самых уникальных явлений
музыкальной культуры скрипичного искусства,
поражают неудержимой страстностью,
невероятной смелостью и оригинальностью
мышления. Эти небольшие произведения оказали
колоссальное воздействие, как на музыкантов
современников великого итальянца, так и на
композиторов будущих поколений. Похожий на ангела мальчик стал молодым
человеком. Но в залах также всех берет оторопь,
когда на сцену торопливым шагом выходит какое
то несуразное существо со скрипкой в руке,
похожее одновременно на человека и обезьяну.
Сквозь длинные черные волосы проглядывают
горящие углями черные глаза. Маэстро так худ,
что черный фрак болтается на нем как на вешалке,
длинные ноги тонки и кривы, вдеты в несообразно
большие туфли… Конечно, временами Паганини
нарочно подыгрывал публике, изображая
загадочную, демоническую личность, выпячивая
несуразности своей фигуры. Начав же игру, он
забывал про всё на свете, и вот тогда люди
становились свидетелями еще более удивительного
явления: Паганини и его скрипка превращались
словно в одно существо! Он становился её частью, а она  его. Весь организм музыканта, включая
сердце, мышцы, кости и даже потовые железы,
охлаждавшие чрезмерный перегрев тела,  всё
приспосабливалось к игре на скрипке, всё работало
на музыку!
Никколо Паганини (1830
1831, портрет работы Георга Фридриха Керстинга) Это поможет скрипачу из Генуи в
исполнительском искусстве переступить грань
возможного и невозможного. «У него с
остальными скрипачами общее  только скрипка
и смычок»,  скажет о нем один знаток музыки. В
самом деле, никто, кроме Паганини, не мог играть
на одной струне, как на четырех, а на четырех, как
на одной. У него одна и та же нота могла звучать
сразу в трех октавах. Скрипка Паганини выводила
трели, не отличимые от пения птиц, звучание
флейты, трубы, рожка, мычание коровы и
человеческий смех, используя контрасты тембров
и регистров, Никколо применял ошеломляющее
разнообразие эффектов. Иногда его скрипка,
словно соревнуясь со своим хозяином в
возможностях, вдруг человеческим голосом
произносила какието слова. Однажды Паганини заменил обычный смычок длинным, что поначалу
вызывало смех у слушателей, но вскоре он был
награжден за эту странность горячими
аплодисментами.
Нетрудно представить, что делалось в зале, когда
выступал Паганини. Стоило ему извлечь из
скрипки первые звуки волшебной красоты, как все
тотчас забывали про нескладную фигуру
музыканта: перед ними представал совершенный
человек, соединивший в себе дивный дар и
неотразимое обаяние.
Однажды осознав достигнутый им уровень
скрипичной техники, Никколо понял, что должен
вырваться из семейного круга  ему необходимо
было стать свободным и независимым. В сентябре
1800 года он покидает родительский кров, и в
девятнадцать лет, став самостоятельным человеком, оказывается в Лукке, где ему
предстоит прожить несколько лет. Здесь, он
продолжает с успехом давать концерты,
совершенствуя свое мастерство, и становится
первой скрипкой Луккской Республики. В это
время, в жизнь музыканта впервые приходит
возлюбленная, образ которой окутан ореолом
загадочности и неизвестности. Паганини никогда и
никому не называл ее имени, и такая застенчивая
сдержанность позволяет думать о глубоком
чувстве к достойной и благородной женщине.
Роман со знатной дамой, длился с начала 1802 года
по конец 1804 года. Почти три года, Паганини с
увлечением занимался игрой на гитаре и скрипке, а
также сельским хозяйством, поскольку прекрасное
имение его дамы сердца давало ему такую
возможность. За это время Никколо пишет двенадцать сонат для гитары и скрипки, но в один
прекрасный момент, словно пробудившись ото сна,
вновь возвращается в Геную.
Не смотря на то, что роман длился недолго,
Паганини никогда больше не испытывал такой
привязанности ни к одной другой женщине. Она
была его единственной возлюбленной, и о ней он
всегда вспоминал с нежностью и сожалением. С тех
пор чувство глубокого одиночества его никогда не
покидало, не смотря на кажущуюся «веселую»
жизнь и многочисленные любовные приключения
бродячего музыканта. В фейерверке страстей
скрипач черпал силы и вдохновение, но ни одна
женщина не смогла заставить его забыть образ
единственной и неповторимой первой
возлюбленной. Элиза (МарияАнна)
Бонапарт, по мужу фамилия Бачокки, младшая
сестра французского императора Наполеона
(1805, портрет кисти МариГийемин
Бенуа) Вскоре слава генуэзского скрипача докатилась и до Элизы Бонапарт, сестры
Наполеона, подарившего ей герцогство Лукку и
Пьомбино. Княгиня предложила Паганини
вернуться в Лукку и поступить на службу к ее
двору в качестве скрипача и дирижера оркестра.
Паганини согласился и, получив титул «камерного
виртуза», приступил к своим обязанностям.
Однажды Никколо заключил любопытное пари. Он
взялся дирижировать целой оперой, с помощью
скрипки, на которой будут всего две струны
третья и четвертая. Паганини выиграл пари  ужин
на 24 персоны. Пылкая игра скрипача так
волновала Элизу, что нервы ее не выдерживали, и
она падала в обморок. Несомненно, корсиканскую
кровь могла воспламенить только такая же
страстная натура итальянца. Вспыхнувшая между
ними страсть разгорелась в полную силу, однако, скрывать ее нужно было самым тщательным
образом.
В один прекрасный день Никколо заявил при
дворе, что написал новую музыкальную пьесу под
названием «Любовная сцена». Новость вызвала
живейший интерес, и каково же было удивление
присутствующих, когда они увидели, что на
скрипке, с которой вышел Паганини всего две
струны: одна должна была выразить сердце
девушки, другая голос его пылкого возлюбленного.
«Нежный и взволнованный разговор
возлюбленных» не оставил равнодушной Элизу, но
гордый нрав итальянки незамедлительно бросил
вызов таланту Паганини, — теперь ему предстояло
сыграть на одной струне. Эта идея понравилась
Николо, и несколько недель спустя он написал
сонату для четвертой струны под названием «Наполеон». 15 августа, в день рождения
императора, он блестяще исполнил ее перед
многочисленной аудиторией. Успех превзошел его
ожидания, и с того дня он всегда отдавал
предпочтение игре на 4ой струне.
Паолина Боргезе, более
известная как Паолина Бонапарт, младшая и самая любимая сестра французского императора
Наполеона (1808, портрет кисти МариГийемин
Бенуа) Скрипач быстро охладел к Элизе, и вскоре
увлекся другой представительницей семьи
Наполеона, с которой встретился в 1808 году в
Турине. Это была любимая сестра императора,
очаровательная Паолина Боргезе. Однако их связь
длилась недолго,  страстным натурам свойственно
быстро загораться и также быстро остывать.
Терпкий запах дамасской розы с темнокрасными
лепестками лишь на мгновение опьянил скрипача
во время недолгой остановки в череде бесконечных
странствий.
Теперь, следуя неумолимой судьбе, Никколо
Паганини снова отправлялся в путь. Генуэзскому
скрипачу необходимо было безоговорочно покорить широкую публику далеко за пределами
своей Родины непревзойденной виртуозной
техникой и стать одним из самых знаменитых
скрипачей мира. Завоевав города Италии:
Флоренцию, Милан, Неаполь, Рим, великий
музыкант отправляется в многолетнее плавание на
«паруснике» своей судьбы, влекомый
необозримыми просторами и бесконечными
далями. Австрия, Германия, Франция, Англия и
Ирландия  эти страны стали временным
пристанищем для неутомимого странника,
снискавшего повсюду головокружительный успех,
славу и уважение. Став странником, завоевателем
необъятных просторов, он совершил «блестящий
триумфальный полет» над всей Европой.
Восторг, вызванный Паганини в Европе был
неописуем: за аплодисментами, восторженными криками, овациями публики, доходившими до
настоящего безумия, следовали статьи в газетах и
журналах и невероятное множество хвалебных
стихов.
Никколо Паганини и Гектор
Берлиоз. Гравюра с картины Ивона Адольфа,
опубликованная в Le Monde Illustré, 22 марта 1884 года, представляет собой сцену в Парижской
консерватории после концерта Берлиоза в
декабре 1838 года... Гениальный музыкант мог
одерживать победу в любых состязаниях со своими
коллегами и импровизировать в любой
экстремальной обстановке. Мария Тибальди Кьеза,
излагая биографию великого маэстро в своей книге
«Паганини», рассказывает о состязании скрипача
Лафона и Паганини: «Лафон принялся
тщательно настраивать свой инструмент,
затем, обратившись к Паганини, хотел было
дать ему «ля», но тот пренебрежительно
пожал плечом и тут же заиграл. Поначалу,
пока звучали обе скрипки, генуэзец точно
придерживался своей партии. Но в сольных
местах он давал волю своей итальянской фантазии и свободно импровизировал, создавая
совсем новую музыку на фоне оркестрового
сопровождения, что вызывало необычайный
восторг публики, но было не очень по душе его
«милому противнику».
Ясно, что творческий пыл Паганини, причудливое
разнообразие звуков и эффектов при мастерском
исполнении «Ведьм» совершенно затмили Лафона.
Это была неоспоримая победа своеобразия, поэзии
и романтизма над чистотой и сдержанностью
классики и традиционности». Немец  Людвиг
Шпор, считавшийся в то время лучшим скрипачом
Германии, приехал специально в Италию, чтобы
услышать Паганини. Он пишет в
«Автобиографии»: «Когда же спрашиваешь, чем
объясняется такой огромный успех, люди,
несведущие в музыке говорят, что он маг и волшебник и извлекает из своей скрипки звуки,
которых никто никогда раньше не слышал на
этом инструменте. Это искусственные
флажолеты, пиццикато только левой рукой и
без смычка, вариации на одной струне после
того, как сняты три другие и многие другие
фокусы, и звуки несвойственные скрипке,
например звук фагота или старушечий голос».
Говоря о магическом воздействии итальянского
скрипача на слушателей, нельзя не отметить
высказывание великого композитора, впоследствии
ставшего другом Паганини  Россини, который мог
осмеять что угодно: «Я плакал только три раза в
своей жизни. Первый раз, когда провалилась моя
первая опера, второй раз, когда во время
прогулки на лодке упал в воду фаршированный трюфелями индюк, и третий раз, когда услышал
игру Паганини...»
Невероятную технику игры скрипача часто
связывали с его строением кисти.  Франческо
Беннати  мануанский врач, лечивший Паганини в
Вене и Париже, писал о нем: «По своему уму
Паганини мог бы быть выдающимся композитором,
достойнейшим музыкантом, но без своего
утонченного слуха, и без особого строения тела,
без своих плеч, рук и кистей он не мог бы стать
бесподобным виртуозом, которым мы
восхищаемся. Необычайно, надо сказать
растяжение связок его плеч, расслабленность
связок, соединяющих кисть с предплечьем,
запястья с кистью и фаланги друг с другом...
Пальцы без малейшего смещения кисти
передвигаются в сторону, противоположную их естественному сгибу, причем делает это легко,
изумительно и быстро».
«Музыка» в образе великого
итальянского скрипача и композитора Николо
Паганини (скульптурная композиция Марины
Лукьяновой) Интересно, что анатомической
особенностью великого скрипача явились именно
руки, которые можно уподобить крыльям птицы,
без которых полет был бы невозможным. Людвиг
Берне, слушая концерт в «Грандопера» 9 марта
1831 года делился своим впечатлением: «Это
было божественно, это было дьявольское вдохновение! Публика обезумела, да он и впрямь
сводит с ума... И тут посмотрели бы вы на
смущенную фигуру этого кровного врага
балетного искусства. Он качался во все
стороны, словно пьяный. Он подталкивал одну
ногу другой и выставлял ее вперед. Руки он то
вскидывал к небу, то опускал к земле,
протягивал их к кулисам, взывая к небесам,
земле и людям о помощи в его великой скорби». Никколо Паганини (1832,
портрет работы Эжена Делакруа) В жизни
Паганини было много прозы. Самой главной
проблемой музыканта стало здоровье. Его страстно
чувствовавшая душа и несравненный талант были
заключены в хрупкую оболочку. Болезни (начиная с того дня, когда его чуть не закопали в могилу
живым) преследовали Никколо всю жизнь. В то
время, когда ценители музыки, восторгаясь его
игрой, млели от удовольствия, сам Паганини
испытывал адские боли в своем искривленном
позвоночнике. Много раз его укладывали в постель
больные почки. Случалось, приступы этой болезни
начинались прямо во время игры: он ощущал почки
как два раскаленных камня, вогнанных ему в
спину. Но со сцены не уходил. И при этом в зале
никто не знал, что чудо его игры одновременно
есть крик боли и страдания.
Паганини год от года физически слабел. Он часто
терял сознание. Случалось, у него горлом шла
кровь. Его некогда красивое лицо быстро
покрылось морщинами и грубыми складками. К
сорока семи годам он потерял почти все зубы. «Не вредит ли скрипка вашему здоровью?»
участливо спросил его один человек. «Уже нет,
с грустной улыбкой ответил Паганини, — Она
отняла у меня все силы…»
Конечно, ответ скрипача  не более, чем горькая
шутка. Но ведь недаром говорят, что в каждой
шутке есть доля правды. Скрипка сыграла в судьбе
великого музыканта почти такую же роль, что и его
суровый отец. Невинный сам по себе набор
деревянных пластин и струн, она, точно
прекрасная, но коварная чародейка сумела ему
дать все, что может пожелать для себя человек:
богатство, всемирную славу, поклонение
миллионов… И она же все, что могла, отняла у
него: молодость, красоту, здоровье, жизнь…
Он был единственным и неповторимым скрипачом,
по следу которого не смог пройти более никто. Все головокружительные скрипичные фокусы, почти
акробатические пассажи остаются пустыми и
мёртвыми без исполнения того, кто их создал.
Волшебство растворилось вместе с волшебником.
И именно в этом волшебстве заключалась
исключительная и высокая миссия величайшего
скрипача...
Бетховен. Увертюра «Эгмонт»
Почти все увертюры Бетховена связаны с
драматическими произведениями, являясь
вступлением к пьесе или опере: «Эгмонт»  к
трагедии Гёте, «Кориолан»  к драме Коллина,
«Леонора»  к опере «Фиделио».
В своих увертюрах Бетховен завершил долгий путь
развития классической увертюры. Отправной
точкой для него служила увертюра, сложившаяся в творчестве Глюка, Моцарта, Керубини. Но
свойственное Бетховену стремление к широким
идейным обобщениям, умение в лаконичных
образах выразить большие чувства и мысли,
изменили положение увертюры. У Бетховена она
перестала быть вступлением и последующему
развитию драмы: центр как бы перемешается в
увертюру, которая в обобщённых образах передаёт
содержание всего произведения. Таким образом, у
Бетховена увертюра превращается в своеобразную
разновидность симфонии.
Композитор положил начало новому виду
музыкального творчества  программной
одночастной увертюре.
Работа над музыкой к трагедии Гёте «Эгмонт»
протекала в годы высшего подъёма творчества
Бетховена. В этом произведении Гёте многое привлекало Бетховена: героические образы,
трагедийный пафос, массовые народные сцены.
Бетховен написал 10 музыкальных номеров к
трагедии: увертюру, 4 антракта, 2 песни Клерхен,
«смерть Клерхен», монолог Эгмонта и Победную
симфонию. Но наибольшей известностью
пользуется увертюра к трагедии. В ней
концентрируется идея всего произведения  борьба
за свободу и радость достижения.
Темой трагедии Гёте стала борьба народа
Нидерландов за независимость в XVI веке против
испанского владычества. Герой и вождь
фламандцев граф Эгмонт стал жертвой коварных
замыслов герцога Альбы  наместника испанского
короля. Эгмонт был брошен в тюрьму и приговорён
к смерти. Его возлюбленная Клерхен, девушка из народа, призывает горожан к восстанию.
Отчаявшись спасти Эгмонта, она погибает.
Накануне казни Эгмонт видит сон. Перед ним в
облике Клерхен возникает сияющее видение
свободы. Со словами, обращёнными к народу: «За
родину сражайтесь, за вольность, за свободу!»,
Эгмонт идёт к месту казни. Шествие его
сопровождает звучание Победной симфонии.
Увертюра начинается медленным вступлением.
Здесь даны две резко контрастные темы.
Зная содержание трагедии Гёте, можно с
определённостью говорить о воплощении здесь
образов двух враждебных сил: угнетателей
испанцев и страдающего под их властью
нидерландского народа. Борьба этих сил
составляет основу трагедии Гёте, развитие соответствующих музыкальных тем является
содержанием увертюры.
Слушание Первой темы вступления. Первая из
них, аккордовая, звучит торжественно, властно.
Низкий регистр, минорный лад придают ей
мрачную, зловещую окраску. В оркестре её
исполняют струнные инструменты. Медленный
темп, характерный ритм темы напоминают
величавую поступь сарабанды.
Слушание Второй темы вступления. Вторую
тему «запевает» гобой, к которому
присоединяются другие деревянные духовые
инструменты, а затем и струнные. В основе
мелодии лежит очень выразительная секундовая
интонация, которая придаёт ей скорбный характер.
Тема воспринимается как просьба, жалоба. Если в медленном вступлении композитор как бы
показал нам противоборствующие силы, в
сонатном allegro происходит их столкновение и
борьба. Причём тематический материал allegro как
бы произрастает из тем вступления.
Слушание Главной партии. Главная партия имеет
волевой, героический характер. Сила и энергия её
постепенно возрастают. Вначале она звучит в
нижнем регистре у виолончелей и других струнных
инструментов piano, затем подхватывается всем
оркестром fortissimo. Ход на секунду в начале
мелодии раскрывает родство главной партии со
второй темой вступления  темой «страданий»
народа. Её героический характер говорит уже не о
покорности, а о возмущении нидерландцев и
восстании их против поработителей. Слушание Побочной партии. Побочная партия
также тесно связана с музыкой вступления, она
совмещает в себе черты обеих его тем. В первой
фразе  аккордовой, тяжеловесной  без труда
можно узнать тему «поработителей». Изложенная в
мажоре, она звучит теперь не только торжественно,
но и победно. И здесь эта тема поручена струнным
инструментам. Тихое звучание деревянных
духовых инструментов во второй фразе роднит
побочную партию со второй темой вступления.
Мужественная и решительная заключительная
партия завершает экспозицию.
Разработка очень невелика. В ней как бы
продолжается сопоставление контрастных тем
вступления, «борьба» обостряется. На робкие
«просьбы» каждый раз следует неумолимый и
жестокий «ответ». Многократное повторение мелодии начала главной партии каждый раз
завершается двумя отрывистыми и резкими
аккордами.
Но «борьба» на этом не заканчивается. Тема
«испанских поработителей» звучит здесь особенно
непреклонно и яростно, и ещё более жалобно и
умоляюще  тема народа. Неравный поединок
внезапно обрывается. Реприза заканчивается рядом
выдержанных, тихо и печально звучащих аккордов.
Бетховен хотел, очевидно, передать здесь
последнюю жестокую схватку народа с врагом и
гибель героя, Эгмонта.
Слушание Коды. Увертюра заканчивается большой
кодой, в которой показан итог борьбы. Её
торжественный и ликующий характер говорит о
победе народа. Начало коды напоминает гул приближающейся
толпы, который быстро нарастает и выливается в
поступь грандиозного массового шествия. Звучат
призывные возгласы труб и валторн, а в конце
увертюры флейты пикколо.
Значение этой коды равнозначно финалу Пятой
симфонии. Она вырастает в грандиозный,
величественный апофеоз, подлинный гимн свободе.
Интерес Бетховена к судьбам народов, стремление
в своей музыке показать «борьбу» как неизбежный
путь к достижению цели и грядущую победу
основное содержание героических произведений
композитора, в том числе «Патетической сонаты»,
Пятой симфонии, увертюры «Эгмонт».
Слушание полной версии увертюры «Эгмонт».
Вопросы: 1. Перечислите литературные произведения,
музыку к которым писал Бетховен.
2. Сколько увертюр Бетховена вы знаете?
Назовите их.
3. Какие музыкальнотеатральные произведения
Бетховена вы можете назвать?
4. С каким литературным произведением связано
возникновение увертюры «Эгмонт»? О каких
исторических событиях здесь идёт речь?
5.
Расскажите о строении увертюры.
ЗВУКИ МУЗЫКИ
Жарптица Написать эту балетную партитуру Стравинскому
предложил Дягилев. Премьера балета в Париже
обернулась триумфом для них обоих.
Это было первое крупное сочинение Стравинского.
Премьера балета,  написанного для труппы
Дягилева «Русский балет», состоялась в 1910 году.
Великая балерина Тамара Карсавина исполняла
главную партию, и этот спектакль открыл новую
главу в истории балета.
Сценарий «Жарптицы написан на сюжет русской
сказки. ИванЦаревич ловит Жарптицу, которая
отдаёт ему одно из своих волшебных перьев в
обмен на свободу. Затем Иван входит в волшебный
сад Кощея Бессмертного, пленившего тринадцать
прекрасных царевен. Кощей со своей свитой чудищ
нападает на ИванаЦаревича и угрожает
превратить его в камень. Но последний вызывает Жарптицу с помощью пера, которое она отдала
ему, и та приводит его к гигантскому яйцу, в
котором заключена жизнь Кощея. ИванЦаревич
разбивает яйцо, убивает Кощея и женится на самой
прекрасной из пленённых царевен.
Музыка к «Жарптице»  захватывающая смесь
красочной причудливой оркестровки  здесь
сказывается влияние педагога РимскогоКорсакова
и формирующегося музыкального языка самого
Стравинского.
Жарптица неслыханно прекрасна, её оперение
сияет всеми мыслимыми цветами и оттенками,
буквально ослепляет. Музыка в «Плясе Жар
птицы» переливается гармониями, словно
красочное оперение птицы, в высоком звучании
духовых и глиссандо арфы. «Игра царевен золотыми яблочками» изображает
заколдованных пленниц Кощея, резвящихся среди
золотых яблонь в его саду.
Мощнейшие грохочущие аккорды в оркестре
объявляют о начале «Поганого пляса Кощеева
царства». Сильно синкопированные ритмы,
объединённые с рельефным звучанием ксилофона,
помимо других ударных инструментов, и
удивительные глиссандо тромбона, делают этот
номер наиболее захватывающим и напряжённым.
Аполлон Мусагет
Балет «Аполлон Мусагет», созданный в 1927 году,
принадлежит к неоклассическому периоду
творчества Стравинского, без русского влияния и
намёков на фольклор. Аполлон был богом солнца и
предводителем муз (покровительниц наук, поэзии и искусств) у древних греков. Музыка написана для
нежных звуков струнного оркестра и по образцу
элегантных «классических» балетов, исполняемых
при дворе французского короля Людовика XIV.
Названия самих танцев соответствуют
«классическому» стилю.
Четыре действующих лица  Аполлон и три музы,
которые имеют непосредственное отношение к
балету: Терпсихора  воплощение танца, Каллиопа
 олицетворяет поэзию и её ритмику, Полигимния
искусство пантомимы. Они рассказывают о
рождении Аполлона, его обучении и восхождении
на Парнас.
Сюжет
На острове Делос (первоначальное название
Астерия) в глубине пещеры рождается сын Зевса
Аполлон. Аполлон появляется из пещеры, у подножия скал,
делая первые, ещё неловкие движения. Две богини
подходят к нему, чтобы сопровождать в жилище
богов, на гору Олимп. Они надевают на Аполлона
золотой пояс в знак его божественного
происхождения, обвивают чело виноградными
гроздьями и вкладывают в руки арфу  символ
искусства. По воле своего отца он должен стать
покровителем искусств.
Аполлон на Олимпе. Он овладел искусством игры
на арфе, а теперь делает первые шаги в танце.
Подходят музы Полигимния, Терпсихора и
Каллиопа и склоняются перед своим повелителем
водителем муз Мусагетом. Аполлон предпочитает
Терпсихору двум другим музам. Все прославляют
великую силу искусства. Петрушка
«Петрушка»  второй из ряда удивительных
балетов, которые Стравинский написал для
балетной компании Дягилева, в его премьере,
состоявшейся в Париже в 1911 году, участвовал
знаменитый танцор Вацлав Нижинский. Это
произведение более зрелое по сравнению с «Жар
птицей»  музыка более дерзкая в своей
самобытности и пронизана цитатами из русских
песен и танцев. Этот новый реализм
распространяется  на характер Петрушки –
традиционной куклыперчатки, наполненной
человеческими чувствами и переживающей
серьёзную романтическую драму. Такой
психологический аспект был весьма нов для
танцевального мира. «Гулянье на масленице в Петербурге».  Музыка
поражает необычайной жизненностью, яркостью в
обрисовке праздничного уличного быта старого
Петербурга. Адмиралтейская площадь, яркий
зимний день. В центре сцены  театрик Фокусника.
Тут же карусели, перекидные качели, ледяные
горы, лавки со сластями. С первых же тактов в
оркестре слышится общий неумолкающий
вибрирующий гул: говор, выкрики торговцев,
обрывки песен и т. д.
Завораживающей мелодией своей флейты
фокусник привлекает толпу в свой театр, где три
куклы – Петрушка, Балерина и Арап – исполняют
живой и яркий «Русский танец».
Вопросы для закрепления материала:
1. Назовите годы жизни композитора. 2. Кого Стравинский считал своим «великим
учителем»? Какое произведение композитор
посвятил его памяти?
3. Какую дату мы считаем началом мировой
славы Стравинского?
4. Назовите имя русского театрального деятеля, с
которым связано создание ранних балетов
композитора.
5. Лидером какого направления в искусстве
Стравинский стал в 2030е годы?
6. Когда Стравинский в последний раз посетил
Россию?
Феликс Мендельсон. Гармония и равновесие Чувствуя себя в салонах и при дворе как дома,
Мендельсон при этом был одним из самых
серьёзных композиторов своего времени.
Создав за свою короткую жизнь множество
шедевров, он стал известен как «Моцарт XIX
века».
Феликс МендельсонБартольди родился 3 февраля
1809 года в Гамбурге в богатой семье банкиров
евреев, впоследствии принявших лютеранство. В
1816 году Феликса крестили, тогда же семья
Мендельсонов добавила к своей фамилии вторую
часть (Бартольди), чтобы отличаться от
родственников, оставшихся в иудаизме.
Идеи Мендельсона оказали огромное влияние на
развитие идей немецкого просвещения и
реформизма в иудаизме в XIX веке. Семья Мендельсонов могла похвалиться богатыми
культурными традициями  дед композитора,
Мозес Мендельсон, был крупным философом,
представителем немецкого просвещения. Отец
Феликса Мендельсона, Абрахам Мендельсон,
говаривал порою: «Раньше я был сыном своего
отца, а теперь я  отец своего сына». Но и он сам,
банкир, не принадлежал к породе «классических
дельцов». Он много читал, знал иностранные языки
и неплохо разбирался в музыке. А в 1820 году
Мендельсоны, переехавшие к тому времени в
Берлин, «обзавелись» своим салоном, где бывали
Гегель, Гумбольдт, Гейне и многие другие
известные люди того времени.
Таким образом, юный Феликс Мендельсон рос в
атмосфере любви к искусству. Родители старались
дать ему наилучшее образование  как общее, так и музыкальное. Первым «музыкальным наставником»
стала для Феликса и его сестры Фанни мать, затем
к одаренным детям пригласили профессионального
пианиста.
Заметив, что сын делает большие успехи и, кроме
того, обнаруживает способности к композиции,
Абрахам Мендельсон договорился с Карлом
Фридрихом Цельтером, самым известным в
Берлине композитором и дирижером (а также
другом Гёте), что он будет преподавать Феликсу
музыкальную теорию. Незадолго до этого будущий
композитор начал брать еще и уроки игры на
скрипке. Помимо музыки Феликс Мендельсон
изучал классическую филологию и живопись (сам
он довольно неплохо писал акварелью).
Уже семилетним мальчиком Мендельсон выступал
как пианист, а в одиннадцать лет всерьез увлекся

title: Урок:  Рондо Фарлафа из оперы  М. И. Глинки «Руслан и Людмила»


extracted_text:
ВЕЛИКИЕ РОССИЙСКИЕ КОМПОЗИТОРЫ
Русская, и как ее продолжение советская и российская композиторская
школа,   берет   свое   начало   в   18   веке.   Один   из   скольконибудь   значимых
профессиональных композиторов того времени, заслуживающий упоминание в
Великой Истории российской музыки стал Д.С. Бортнянский (17511825)
Однако,   как   это   часто   бывало   в   истории   России,   профессиональная
русская музыка начиналась подражанием и копированием Запада. В случае с
Бортнянским  это "копировка" с музыки Вивальди. Чисто русского в ней
ничего,   практически,   нет.   Собственно,   это   очень   непростой   вопрос,   а   что
должно   обозначать   принадлежность   музыки   к   той   или   иной   национальной
школе?
Русский композитор первой половины 19го века Михаил Глинка (1804
1857) (считающийся основоположником русской профессиональной музыки)
так решил этот вопрос: в музыке должны присутствовать интонации и даже
целиком   мелодии   народной   музыки   той   национальности,   к   которой
принадлежит автор.
Сама   по   себе   постановка   вопроса   может   показаться   спорной   (что,
например, "американского" в музыке Ч. Айвза?  почти ничего), но в период
становления   русской   профессиональной   музыки,   это   было,   наверное,
единственно   верным  подходом.  И  потому   Глинка  (на  самом  деле    гений)
вошел в историю как первый великий русский композитор. Он действительно
очень   удачно   и   талантливо   использовал   в   своей   музыке   руссконародные
интонации и мелодии. Его гениальная музыка, по духу  чисто русская, а по
форме  европейская. Слова Глинки " музыку сочиняет народ, я мы ее только
оркеструем"   подхватили   другие   композиторы.   Идея   понравилась   и   стала
постулатом,   непреложным   правилом,   которому   стали   следовать   многие
композиторы.   Объединенная   этой   идеей,   стала   формироваться   русская 2
композиторская   школа.   В   историю,   как   всегда   вошли   только   самые
талантливые  и  гениальные:  Балакирев (1836   1910),  Бородин  (18331887),
Кюи   (18351918),   Мусоргский   (18391881),   РимскийКорсаков   (18441908),
Чайковский   (18401893),   Лядов   (18551914),   Даргомыжский   (18131869),
Танеев   (18561915)   В   конце   19го   начале   20го   веков   великую   русскую
  Глазунов   (18651936),
традицию   подхватили   Скрябин   (18721915),
Рахманинов   (18731943),  Глиер   (18751956)   и   великий   композиторноватор
Стравинский   (18821971).   Конечно,   в   творчестве   этих   композиторов   уже
изменились   принципы   подхода   к   "национальной"   принадлежности   той   или
иной   музыки.  Прямого   цитирования   народных   мелодий   уже   почти   нет,  но
осталась интонационная русская основа, русский "дух", русская душа.
Несколько особняком в этом ряду стоит Стравинский, который взял за
основу   национальной   русской   структуры   языческую,   древнюю   Русь,
обратился, так сказать, к праистокам. В 20м веке на русскую, советскую и
позже российскую музыку повлияли три очень важных глобальных фактора:
Взаимное   проникновение   и   смешение   культур   разных   народов,   так
сказать, "культурная глобализация"
Появление   нового   музыкального   языка,   придуманного   австрийским
композитором Шёнбергом (18741951)  додекафонии.
Принцип,  заложенный   в этом  языке  (нельзя  повторять   ноту, пока   не
будут сыграны остальные одиннадцать) давал, с одной стороны, возможность
создать совершенно уникальную мелодию (не повторенную никаким другим
композитором), но с другой стороны, вел к обезличивании мелодии, потери
какойлибо "узнаваемости" и связи с национальной музыкой.
Общая тенденция к усложнению музыки, основанной на симфонической
европейской   традиции   1719   веков,   стремление   композиторов   этого
направления выразить в музыке все более сложные чувства и мысли.
Эти   три   фактора   привели   к   тому,   что   музыкальный   язык
симфонической   музыки   20го   века   становится   сложным,   и   такая   музыка 3
теряет   свою   массовую   аудиторию.   Ее   стали   называть   "серьезной",   в
противоположность   появившейся   в   20м   веке   "легкой",   эстрадной   музыке.
Среди   великих   имен   композиторов   советской   и   постсоветской   эпохи:
Шостакович,   Прокофьева,   Кабалевского,   Хачатурян,   Щедрин,   Свиридов,
Губайдуллина, Денисов, Шнитке, Гаврилин и др…
Музыка...   Она   все   время   с   нами.   Она   приносит   счастье,   радость,
надежду и веру  в лучшее, утешение, опору, силу. Является поддержкой  в
трудных жизненных ситуациях. И не зря бытует мнение, что музыка имеет
преобразующую   чудотворную   силу.   Все   великие   композиторы   (как
зарубежные, так и русские композиторы) доказали это своими гениальными
произведениями.  Каждая  временная  эпоха   преподнесла   нам  своих   великих
композиторов. И  композиторы  19 века, и композиторы 20 века, и советские
композиторы, все они писали произведения, которые уже заняли свою веху в
истории   человечества,   и   стали   для   всех   поколений   образцом   не   только   в
музыке,   и,   несмотря   на   давность   создания,   призваны   служить   на   радость
людям.
ВЕЛИКИЕ КОМПОЗИТОРЫ
Великие   композиторы      это   не   просто   словосочетание,   это   гордое
название. Ведь композиторы огромным упорным трудом и талантом добились
того, чтобы классическая музыка  и современная, осталась в сердцах людей
не   на   месяцы,   а   на   долгие   годы   и   века.   Именно   классическая   музыка,
влияющая на настроение, выражающая чувства и заставляющая задуматься,
пользуется популярностью  современные произведения в большинстве своем
однодневки.   И   советские   композиторы,   и   зарубежные   композиторы,   над
созданием   своих   шедевров   много   и   тяжело   работали.   Взять,   к   примеру,
великого   композитора   Л.   Бетховена.   Этот  композитор  был   поистине 4
гениальным. Ведь он смог продолжать музыкальную деятельность даже после
того, как полностью потерял слух. Помня точное звучание нот, композитор
записывал   музыку,  которая   возникала   в   его   голове.   Франц   Шуберт   Франц
Шуберт писал музыку во время перехода от периода венского классического
стиля к романтическому периоду. Его произведения  очень выразительные,
эмоциональные, написанные с помощью идиом венского классического стиля.
Шуберт толькотолько перешагнул 30летний рубеж, когда он умер, но он
успел   оставить   обширное   музыкальное   наследие   для   грядущих   поколений.
Сегодня классическая музыка без произведений Шуберта не представляется
возможной. До сих пор неизвестно, почему Шуберт умер  в начале 20 века
немецкие   врачи   были   уверены,   что   он   умер   от   брюшного   тифа,   болезнь
бедных.  Сегодня   некоторые   врачи   полагают,   что   он   умер   от   сифилиса   на
поздней   стадии.   Можно   утверждать,   что   Шуберт   и   сам   знал   о   своей
неизлечимой   болезни   уже   в   1823   году.   Кроме   того,   он   страдал   еще   и
лихорадкой   в   последние   дни,   но   сегодня   мнение   о   сифилисе   более
укрепилось. Лично мы считаем, что нужно учитывать тот факт, что Шуберт
жил в антисанитарных условиях, и что он во время своих последних дней
очень мало ел и пил  а это типично для желудочнокишечных заболеваний.
Фредерик Шопен Интерес, привлекаемый к тому, как и какие композиции
писал   Шопен,  вызывается  естественным   образом  его  творения  не  только
хороши с эстетической точки зрения, но и с точки зрения техничности. Взгляд
на  ноты,  которые  писал   Шопен,  сразу   объяснит   всю  его   неординарность
рукописи его произведений кишат перечеркиваниями, вставками и т.д. Редко
можно  найти  несколько   вариантов  одного  произведения, которые  были  бы
идентичны.   Ноты,   опубликованные   "одновременно"   в   различных   странах
различаются      даже   после   того,   как   произведение   было   издано,   Шопен
находил способ исправить его. В целом, Шопен считал, что композиторский
труд должен быть творческим, неограниченным ни пределами публикации, ни
прочими   причинами.   Наверное,   именно   это   привело   к   тому,   что   музыка 5
Шопена включается в большой перечень, называемый "классическая музыка".
Подробнее о  Шопене  Вольфганг Амадей Моцарт Моцарт  один из самых
интересных   композиторов,   вундеркинд,   уникальный   ребенок,   который
проявлял   невероятные   таланты   в  музыке.  Моцарт  уже   в 34  года   неплохо
играл   на   клавесине   и   придумывал   собственные   композиции.   Многие
приписывали   ему   магические   способности      и,   по   известной   истории,   его
конкурент   Сальери,   не   перенес   зависти   и   отравил   Вольфганга.   Моцарт
обладал совершенным слухом, великолепно чувствовал музыку и с легкостью
создавал сложнейшие партитуры. Большинство произведений Моцарт писал
для развлечения придворных особ, поэтому они легкие, воздушные, хотя с
точки зрения пианиста достаточно серьезные. Пожалуй, Моцарт  это и есть
классическая музыка. Многие русские композиторы оставили значимый след в
истории музыкального искусства, классическая музыка также не обходится
без их участия. Их произведения давно вошли в сокровищницу музыкальных
шедевров   всего   мира.   В   истории,   как   всегда   запечатлены   лишь   самые
талантливые   и   гениальные   русские   композиторы.   Вот   некоторые   из   них:
Мусоргский, Чайковский, Скрябин, Шостакович, Рахманинов, Стравинский и
многие др. Необходимо также отметить, что отечественные композиторы не
только известны, но и почитаемы по всему миру. Так Чайковский является
наиболее   любимым   русским   композитором   в   Америке.   И   большинство
американцев даже полагают, что он  их композитор. Петр Чайковский Автор
"Лебединого   озера",   Петр   Ильич   Чайковский   был   весьма   интересным
человеком.   Он   писал   чудесные   композиции,   которые   до   сих   пор   остались
популярными      и   все   подозрения   по   поводу   того,   что   Чайковский   имел
нетрадиционную   ориентацию,   по   нашему   мнению,   являются   пустыми
домыслами, никаким образом не влияющими на красоту музыки. Подробнее о
Чайковском  Модест   Мусоргский   Гвардеец,  без   музыкального   образования,
Модест Мусоргский, тем не менее, был весьма впечатляющим композитором.
Мусоргский входил в "Могучую кучку", образование композиторов, одно из 6
самых знаменитых его произведений  "Хованщина", удивляет мощью и силой
звука.   "Борис   Годунов"      опера,   которую   также   написал   Мусоргский,   по
мнению и его, и наших современников, является мощным аккордом в русском
музыкальном   наследии.   Работа   в   "Могучей   кучке"   позволила   ему   достичь
вершины   мастерства,   освоить   сложные   жанры,   там   же   Мусоргский   нашел
друзей,   правда,   алкоголизм   довел   его   до   могилы.   Сергей   Прокофьев
Большинство   считают,   что   Сергей   Прокофьев   писал   для   детей,   и   помнят
только его музыкальную сказку "Петя и волк". Однако именно Прокофьев
является   автором   нашумевшей   благодаря   М.   Задорнову   оперы  "Повесть   о
настоящем   человеке"      по   нашему   личному   мнению,   это   большая   шутка
композитора.
Прокофьев   также   сумел   создать   оперу   по   "Войне   и   мир",   написал
несколько балетов, в том числе "Сказ о каменном цветке", с фантастическими
музыкальными переходами. Сергей Прокофьев писал странную, не похожую
на другие, музыку, даже тот же самый Петя у него звучит так, что можно без
пояснения представить все происходящее.
Дмитрий   Шостакович.   Достаточно   мрачный   композитор,   Дмитрий
Шостакович   умел   писать   такую   музыку,   которая   полностью   меняла
настроение человека. Диссонансы, режущие слух, нестройные аккорды, сила
воздействия музыки  все это был Шостакович, и все это вызывало смешанную
реакцию   у   слушателей.   Т.к.   Шостакович   жил   в   сложное   время      когда
менялась   власть,   менялись   нравы,   отношение   к   его   произведениям   тоже
менялось.   Например,   сегодня   произведение   встречали   на   ура      а   завтра
освистывали.   Тем   не   менее,   Шостакович   смог   создать   весьма   обширное
музыкальное   наследие,   состоящее   из   разножанровых   произведений.
Подробнее о Шостаковиче КОМПОЗИТОРЫ 20 ВЕКА
7
20   век   для   музыки   был   довольнотаки   плодотворным.   Музыка
претерпевала   различные   изменения   и   подвергалась   влиянию   множества
событий,  которые   происходили   в   то   время.  Войны,   революции   достаточно
ощутимо   влияли   на   музыкальные   произведения.   Помимо   этого   еще   одним
немаловажным  фактором, стало появление кинематографа. В связи с этим
многие   советские   композиторы   20   века   взялись   за   написание   музыки   к
различным кинолентам и добились в данной области отличных результатов.
Многие советские композиторы 20 века стали настоящими профессионалами
в области написания музыки к кинофильмам. Правда, они еще не прошли в
большинстве своем достаточного испытания временем, чтобы относиться к
категории "классическая музыка". В это время творил советский композитор
М. Таривердиев. Композитор писал музыкальное сопровождение для таких
кинолент, как, например, "КорольОлень", "Любить", "Ирония судьбы". Тогда
же работал Дога. Е.Д. Дога  молдавский советский композитор, написавший
музыку для многих известнейших кинолент. Среди которых: "Табор уходит в
небо", "Бульварный роман" и др. Однако композиторы 20 века  это отнюдь не
только   композиторы,
  Имена   таких
  прославленные   киномузыкой.
композиторов   как   Кальман,   Хачатурян,   Пуччини,   Прокофьев,   Дебюсси,
Рахманинов, известны многим ценителям хорошей музыки.
Такой богатый репертуар есть только в  театр моссовета, хотя другие
театры тоже ничего.
Дарование Рахманинова проявилось рано и ярко. Ко времени окончания
консерватории он был уже автором нескольких сочинений, среди которых
знаменитая Прелюдия додиез минор, Первый фортепианный концерт, опера
"Алеко".   Последовавшие   за   ними   Пьесыфантазии,   Сюита   для   двух
фортепиано,   "Музыкальные   моменты",   романсы      подтвердили   мнение   о 8
Рахманинове как о таланте сильном, глубоком, самобытном. Решительный и
властный   в   исполнительстве   и   творчестве,   Рахманинов   по   натуре   был
человеком   ранимым,   часто   испытывал   неуверенность   в   себе.   Сильное
потрясение, вызванное провалом его Первой симфонии в 1897 году привело к
творческому   кризису.   Несколько   лет   Рахманинов   ничего   не   сочинял,   зато
активизировалась его исполнительская деятельность как пианиста, состоялся
дирижёрский дебют. Только в начале 1900х годов у Рахманинова произошло
возвращение   к   творчеству.   Новый   век   начался   с   блистательного   Второго
фортепианного концерта. Современники услышали в нём голос Времени с его
напряженностью,   взрывчатостью,   ощущением   грядущих   перемен.   В   жизни
Рахманинова   наступает   новый   этап.   Всеобщее   признание   в   России   и   за
рубежом получает пианистическая и дирижёрская деятельность Рахманинова,
в 1909 году он сочиняет свой гениальный Третий фортепианный концерт. В
конце   1917   года   Рахманинов   с   семьёй   покинул   Россию,   как   оказалось,
навсегда.   Более   четверти   века   прожил   он   в   США,   и   этот   период   был   в
основном насыщен изнурительной концертной деятельностью, подчинявшейся
жестоким   законам   музыкального   бизнеса.   Первые   годы   пребывания   за
границей   Рахманинова   не   покидали   мысли   об   утрате   творческого
вдохновения:   "Уехав   из   России,   я   потерял   желание   сочинять.   Лишившись
родины, я потерял самого себя". Только спустя 8 лет после отъезда за рубеж
Рахманинов   возвращается   к   творчеству,   создает   Четвертый   фортепианный
концерт,   Третью   симфонию,   "Симфонические   танцы".   Эти   произведения
последний,   самый   высокий   рахманиновский   взлёт.   Скорбное   чувство
невосполнимой утраты, жгучая тоска по России рождает искусство огромной
трагической   силы,  достигающей   своего   апогея   в  "Симфонических   танцах".
Так через все творчество Рахманинов проносит незыблемость своих этических
принципов, высокую духовность, верность и неизбывную любовь к Родине,
олицетворением которой стало его искусство. 9
Отличие от многих своих предшественников и современников, Шопен
сочинял   почти   исключительно   для   фортепиано.   Он   не   оставил   ни   одной
оперы, ни одной симфонии или увертюры. Тем более поразительно дарование
композитора,   сумевшего   создать   так   много   яркого,   нового   в   области
фортепианной музыки.
ФРИДЕРИК ШОПЕН
Фридерик   Шопен   родился   1  марта   1810   года   недалеко   от   Варшавы,
столицы Польши, в местечке Желязова Воля. Мать Шопена была полька, отец
 француз. Семья Шопена жила в имении графа Скарбека, где отец служил
домашним учителем. После рождения сына Николай Шопен получил место
учителя   в   Варшавском   лицее   (среднем   учебном   заведении),   и   вся   семья
переехала в столицу. Маленький Шопен рос в окружении музыки. Его отец
играл   на   скрипке   и   флейте,   мать   хорошо   пела   и   немного   играла   на
фортепиано.  Ещё   не   умея   говорить,   ребёнок   начинал   громко   плакать,   как
только слышал пение матери или игру отца. Родители полагали, что Фридерик
не любит музыку, и это их сильно огорчало. Но скоро убедились, что это было
совсем   не   так.   К   пяти   годам   мальчик   уже   уверенно   исполнял   несложные
пьесы, разученные под руководством старшей сестры Людвики. Вскоре его
педагогом   стал   известный   в   Варшаве   чешский   музыкант   Войцех   Живный.
Чуткий и опытный воспитатель, он привил своему ученику любовь к музыке
классиков и особенно к произведениям  И.С. Баха. Клавирные прелюдии и
фуги Баха впоследствии всегда лежали у композитора на рабочем столе.
Первое выступление маленького пианиста состоялось в Варшаве, когда
ему исполнилось семь лет. Концерт имел успех, и имя Шопена скоро узнала
вся Варшава. В это же время было издано одно из первых его сочинений
полонез   для   фортепиано   сольминор.   Исполнительский   талант   мальчика 10
развивался   настолько   быстро,   что   к   двенадцати   годам   Шопен   не   уступал
лучшим   польским   пианистам.   Живный   отказался   от   занятий   с   юным
виртуозом, заявив, что ничему больше не может научить его.
Одновременно с занятиями музыкой мальчик получил хорошее общее
образование.   Уже   в   детстве   Фридерик   свободно   владел   французским   и
немецким   языками,   живо   интересовался   историей   Польши,   читал   много
художественной литературы. Тринадцати лет он поступил в лицей и через три
года   успешно   его   закончил.   В   годы   учения   проявились   разносторонние
способности будущего композитора. Юноша хорошо рисовал, особенно ему
удавались карикатуры. Его мимический талант был настолько ярким, что он
мог   бы   стать   театральным   актером.   Уже   в   юные   годы   Шопен   отличался
остротой ума, наблюдательностью и большой любознательностью.
С   детства   у   Шопена   проявилась   любовь   к   народной   музыке.   По
рассказам   его   родителей,   во   время   загородных   прогулок   с   отцом   или
товарищами мальчик мог подолгу простаивать под окном какойнибудь хаты,
откуда доносились народные напевы. Бывая летом на каникулах в имениях
своих товарищей по лицею, Фридерик и сам принимал участие в исполнении
народных песен и плясок. С годами народная музыка стала  неотъемлемой
частью его творчества, сроднилась с его существом.
После   окончания   лицея   Шопен   поступил   в   Высшую   школу   музыки.
Здесь   его   занятиями   руководил   опытный   педагог   и   композитор   Иосиф
Эльснер. Эльснер очень скоро понял, что его ученик не просто талантлив, а
гениален. Среди его заметок сохранилась краткая характеристика, данная им
юному   музыканту:   "Изумительные   способности.   Музыкальный   гений".   К
этому времени Шопен уже был признан лучшим пианистом Польши. Достиг
зрелости и его талант композитора. Об этом свидетельствуют два концерта
для фортепиано с оркестром, сочиненные в 18291830 годах. Эти концерты
неизменно   звучат   и   в   наше   время   и   являются   любимыми   произведениями
пианистов всех стран. 11
Тогда   же   Фридерик   познакомился   с   юной   певицей   Констанцией
Гладковской, учившейся в Варшавской консерватории. Гладковской суждено
было   стать   первой   любовью   Фридерика.   В   письме   своему   другу
Войцеховскому он признавался: "... у меня, быть может, к несчастью, есть уже
свой идеал, которому я верно служу, не разговаривая с ним уже полгода,
который мне снится, воспоминанием о котором стало Adagio моего концерта,
который   вдохновил   меня,   чтобы   написать   сегодня   утром   этот   вальсик,
посылаемый   тебе".   Именно   под   впечатлением   этого   юношеского   чувства
любви   Шопен   сочинил   одну   из   лучших   песен   "Желание"   ("Если   б   я
солнышком на небе сияла").
В 1829 году молодой музыкант ненадолго ездил в Вену. Его концерты
прошли с огромным успехом. Шопен, его друзья и родные поняли, что ему
следует отправиться  в  длительное  концертное  турне. Шопен  долго  не  мог
решиться на этот шаг. Его мучили плохие предчувствия. Ему казалось, что он
навсегда   покидает   родину.   Наконец,   осенью   1830   года   Шопен   выехал   из
Варшавы. Друзья подарили ему на прощание кубок, наполненный польской
землей.   Трогательно   простился   с   ним   его   учитель   Эльснер.   В   предместье
Варшавы,   где   проезжал   Шопен,   он   вместе   со   своими   учениками   исполнил
специально для этого случая написанное им хоровое произведение. Шопену
было   двадцать   лет.   Счастливая   юношеская   пора,   полная   поисков,   надежд,
успехов,   закончилась.  Предчувствия   не  обманули   Шопена.  Он   расстался   с
родиной навсегда.
Помня хороший приём, оказанный ему в Вене, Шопен решил начать там
свои концерты. Но, несмотря на усиленные хлопоты, ему так и не удалось
дать   самостоятельный   концерт,   а   издатели   соглашались   напечатать   его
произведения только бесплатно.
Неожиданно  с родины  пришла  тревожная  весть. В  Варшаве   началось
восстание   против   русского   самодержавия,   организованное   польскими
патриотами. Шопен решил прервать концертное турне и вернуться в Польшу. 12
Он знал, что среди восставших  его друзья, может быть, и отец. Ведь в дни
молодости   Николай   Шопен   принимал   участие   в   народном   восстании   под
предводительством   Тадеуша   Костюшки.   Но   родные   и   друзья   настойчиво
советуют ему в письмах не приезжать. Близкие Шопену люди боятся, что
преследования могут коснуться и его. Пусть лучше он останется свободным и
служит   родине   своим   искусством.   С   горечью   композитор   покорился   и
направился   в   Париж.   В   дороге   Шопена   настигло   потрясшее   его   известие:
восстание жестоко подавлено, его руководители брошены в тюрьмы, сосланы
в Сибирь.
С мыслями о трагических судьбах родины непосредственно был связан
созданный   ещё   до   приезда   в   Париж   самый   знаменитый   этюд   Шопена,
получивший название "революционного". В нём воплотился дух ноябрьского
восстания, а также гнев и скорбь.
Осенью 1831 года Шопен прибыл в Париж. Здесь он прожил до конца
своей жизни. Но Франция не стала второй родиной композитора. И в своих
привязанностях, и в своем творчестве Шопен оставался поляком. И даже своё
сердце после смерти он завещал отвезти на родину.
Шопен  "завоевал"  Париж  сначала  как  пианист.  Он  сразу  же  поразил
слушателей своеобразным и необычным исполнением. В то время Париж был
  Наибольшей
наводнен   музыкантами   из   самых   различных   стран.
популярностью   пользовались   пианистывиртуозы:   Калькбреннер,   Герц,
Гиллер.   Игра   их   отличалась   техническим   совершенством,   блеском,
ошеломлявшим   публику.   Вот   почему   первое   же   концертное   выступление
Шопена   прозвучало   таким   резким   контрастом.   По   воспоминаниям
современников,   исполнение   его   было   удивительно   одухотворённым   и
поэтичным.
О первом концерте Шопена сохранилось воспоминание прославленного
венгерского   музыканта   Ференца   Листа,   также   начавшего   в   то   время   свой
блестящий   путь   пианиста   и   композитора:   "Нам   вспоминается   его   первое 13
выступление в зале Плейеля, когда аплодисменты, возраставшие с удвоенной
силой, казалось, никак не могли достаточно выразить наш энтузиазм перед
лицом   таланта,   который,   наряду   со   счастливыми   новшествами   в   области
своего   искусства,   открыл   собою   новую   фазу   в   развитии   поэтического
чувства".   Шопен   покорил   Париж,   как   когдато   покорили   Вену   Моцарт,
Бетховен. Подобно Листу, он был признан лучшим пианистом мира.
На   концертах   Шопен   большей   частью   исполнял   свои   собственные
сочинения:   концерты   для   фортепиано   с   оркестром,   концертные   рондо,
мазурки, этюды, ноктюрны, Вариации на тему из оперы Моцарта "Дон Жуан".
Именно об этих вариациях писал выдающийся немецкий композитор и критик
Роберт Шуман: "Шапки долой, господа, перед вами гений".
Музыка Шопена, как и его концертные выступления, вызывала всеобщее
восхищение.   Выжидали   только   музыкальные   издатели.   Они   публиковали
произведения Шопена, но, как и в Вене, бесплатно. Поэтому первые издания
не принесли Шопену дохода. Он вынужден был давать уроки музыки по пять
семь часов ежедневно. Эта работа обеспечивала его, но отнимала слишком
много времени и сил. И даже впоследствии, будучи композитором с мировым
именем, Шопен не мог позволить себе прекратить эти так сильно изнурявшие
его занятия с учениками.
Вместе с ростом популярности Шопена как пианиста и композитора
расширяется   круг   его   знакомых.   В   числе   его   друзей      Лист,   выдающийся
французский   композитор   Берлиоз,   французский   художник   Делакруа,
немецкий   поэт   Гейне.   Но   как   бы   интересны   ни   были   новые   друзья,
предпочтение   он   отдавал   всегда   своим   соотечественникам.   Ради   гостя   из
Польши   он   изменял   строгий   порядок   своего   рабочего   дня,   показывая   ему
достопримечательности Парижа. Часами мог он слушать рассказы о родине, о
жизни родных и друзей. С юношеской ненасытностью наслаждался народными
польскими песнями, а на понравившиеся стихи нередко писал музыку. Очень
часто эти стихотворения, превращенные в песни, попадали обратно в Польшу, 14
становились достоянием народа. Если же приходил близкий друг, польский
поэт Адам Мицкевич, Шопен сразу садился за фортепиано и играл для него
часами. Вынужденный, как и Шопен, жить вдали от родины, Мицкевич тоже
тосковал   по   ней.   И   только   музыка   Шопена   немного   ослабляла   боль   этой
разлуки, переносила его туда, далеко, в родную Польшу. Именно благодаря
Мицкевичу, исступленному драматизму его "Конрада Валленрода", родилась
Первая   баллада.   И   Вторая   баллада   Шопена   связана   с   образами   поэзии
Мицкевича.
Встречи с польскими друзьями были особенно дороги композитору и
потому, что своей семьи у Шопена не было. Его надежда жениться на Марии
Водзиньской, дочери одного из богатых польских вельмож, не осуществилась.
Родители Марии не пожелали видеть свою дочь замужем за музыкантом, хотя
бы и всемирно известным, но добывающим средства для жизни трудом. На
многие годы он связал свою жизнь со знаменитой французской писательницей
Авророй Дюдеван, выступавшей в печати под псевдонимом Жорж Санд.
Судя по "музыкальным портретам" Констанции Гладковской и Марии
Водзиньской, Шопен превыше всего ценил в них созданное его воображением
обаяние чистоты. В Жорж Санд можно было найти все что угодно, только не
это. К тому времени она пользовалась скандальной репутацией. Шопен не мог
не   знать   этого.   Но   Лист   и   его   подруга   Мари   д'Агу   высоко   ценили
литературное дарование Жорж Санд и именно об этом беседовали с Шопеном
и Мицкевичем, подчёркивая, что они ценят её прежде всего как писательницу.
Они же способствовали появлению Жорж Санд на музыкальных вечерах у
Шопена. Нужно сказать, что об истории отношений Шопена с Жорж Санд не
так много достоверной информации.
Далеко   не   все   согласны   с   самой   Жорж   Санд,   изображавшей   ангела
хранителя   Шопена   перед   его   друзьями   и   описывавшей   им   свое
"самопожертвование" и "материнские заботы" о композиторе. Лист в книге, 15
изданной ещё при жизни Жорж Санд, весьма недвусмысленно обвинил её в
том, что именно она была причиной его безвременной смерти.
Войцех Гжимала, один из ближайших друзей Шопена, также считал, что
Жорж Санд, "которая отравила все его существование", была виновницей его
гибели. "Ядовитым растением" называл её Вильгельм Ленц, ученик Шопена,
до   глубины   души   возмущавшийся   тем,   как   нагло,   высокомерно   и
пренебрежительно обращалась Жорж Санд с Шопеном даже в присутствии
посторонних.
С годами Шопен давал концерты все реже, ограничиваясь исполнением
в узком кругу друзей. Он отдался всецело творчеству. Появились его сонаты,
скерцо, баллады, экспромты, новая серия этюдов, поэтичнейшие ноктюрны,
прелюдии и попрежнему любимые мазурки и полонезы. Наряду со светлыми
лирическими   пьесами   всё   чаще   изпод   его   пера   выходили   произведения,
полные драматической глубины, а нередко и трагизма.
Такова Вторая соната (с похоронным маршем), принадлежащая к числу
высших достижений композитора, всей польской музыки и романтического
искусства в целом. Юзеф Хоминьский, характеризуя первые две части сонаты,
говорил:   "После   героической   борьбы   похоронный   марш   является   уже,
очевидно, последним актом драмы". Шопен рассматривал похоронный марш
как эмоциональный итог, драматически завершающий развитие образов. Мы
вправе назвать эту драму, образы которой развертываются в сонате Шопена,
национальной трагедией.
Похоронный   марш   Шопена   признан   наиболее   выдающимся
произведением   данного   жанра.   Этот   марш   занял   особое,   исключительное
место не только в музыкальной литературе, но и в жизни человечества, ибо
трудно найти более возвышенного, более прекрасного и более трагического
воплощения чувства скорби.
Жизнь   Шопена   в   Париже   сложилась   если   и   не   счастливо,   то
благоприятно   для   творчества.   Талант   его   достиг   вершины.   Издание 16
произведений   Шопена   уже   не   встречает   препятствий,   брать   у   него   уроки
считается большой честью, а услышать его игру  редким счастьем, доступным
немногим избранным.
Последние годы жизни композитора были печальны. Умер его друг Ян
Матушиньский, вслед за ним  горячо любимый отец. Ссора и разрыв с Жорж
Санд сделали его совсем одиноким. Шопен так и не смог оправиться от этих
жестоких   ударов.   Обострилась   болезнь   легких,   которой   Шопен   страдал   с
юных лет. Последние два года композитор почти ничего не писал. Средства
его иссякли.
Чтобы   поправить   свое   тяжёлое   материальное   положение,   Шопен
предпринял поездку в Лондон по приглашению английских друзей. Собрав
последние силы, больной, он дает там концерты, уроки. Восторженный прием
вначале радует его, вселяет бодрость. Но сырой климат Англии быстро оказал
свое   губительное   действие.   Беспокойная   жизнь,   полная   светских,   часто
пустых   и   бессодержательных   развлечений,   начала   утомлять   его.   Письма
Шопена из Лондона отражают его мрачное настроение, а нередко и страдание.
"Я же ни беспокоиться, ни радоваться уже не в состоянии  совсем перестал
чтолибо   чувствовать      только   прозябаю   и   жду,   чтобы   это   поскорее
кончилось",  писал он одному из своих друзей.
Свой   последний   концерт   в   Лондоне,   оказавшийся   последним   в   его
жизни, Шопен дал в пользу польских эмигрантов. По совету врачей он спешно
возвратился в Париж. Последним произведением композитора была мазурка
фаминор, которую он уже не мог сыграть, записал лишь на бумаге. По его
просьбе из Польши приехала его старшая сестра Людвика, на руках которой
он умер.
Похороны   Шопена   были   торжественными.   Лучшие   артисты   Парижа
исполнили Реквием так любимого им Моцарта. Прозвучали и его собственные
сочинения, среди них  похоронный марш из фортепианной сонаты сибемоль
минор в исполнении оркестра. Друзья принесли на его могилу кубок с родной 17
польской землей. Похоронен Шопен в Париже, рядом с могилой своего друга
Беллини. А сердце его, как он и завещал, было отправлено в сосуде в Польшу,
в Варшаву, где до сих пор бережно хранится в костеле Св. Креста.

intro:
Русская, и как ее продолжение советская и российская композиторская школа, берет свое начало в 18 веке. Один из сколько-нибудь значимых профессиональных композиторов того времени, заслуживающий упоминание в Великой Истории российской музыки стал Д.С. Бортнянский (1751-1825)
Однако, как это часто бывало в истории России, профессиональная русская музыка начиналась подражанием и копированием Запада. В случае с Бортнянским - это "копировка" с музыки Вивальди. Чисто русского в ней ничего, практически, нет. Собственно, это очень непростой вопрос, а что должно обозначать принадлежность музыки к той или иной национальной школе?курсовая

музыка

group: Дисциплины

title: реферат на тему: Великие композиторы


extracted_text:
Муниципальное автономное дошкольное образовательное учреждение
                                          детский сад № 132 г. Тюмени

                                        Конспект
          интегрированной образовательной деятельности
                           «Угощение для кота»
             для детей второй младшей  группы.
                                                            Воспитатель первой категории
                                                                        Маренина Т.А.
                                                 Тюмень, 2016г.
Проект НОД (лепка) во второй младшей группе «Угощение для кота»
Подготовила: Воспитатель Маренина Т.А. Образовательная область: Художественно – эстетическое развитие.
Тема недели: «Наша Армия сильна!»
Цель: Обучение разным приемам действий с солёным тестом: разминание, катание
шарообразной формы, сплющивание.
Задачи по областям:
Социально – коммуникативное развитие: Развитие мелкой моторики рук, формирование
интереса с работой пластичных материалов.
Познавательное развитие: Закрепить полученные знания у детей о празднике День
защитника Отечества.
Речевое развитие: Совершенствовать речь как средство общения; развивать
диалогическую форму речи во время рассматривания предметов.
Художественно – эстетическое развитие: Способствовать развитию эстетического
восприятия.
Физическое развитие: Сохранять и укреплять физическое и психологическое здоровье
детей; осуществлять контроль за осанкой.
Методы и приёмы:
Словесный: вопросы, беседа, пояснения.
Сюрпризный момент: гость – танцующий кот (игрушка).
Исследовательский: Методом исследования дети знакомятся со свойствами предметов
(камешки, вата, тесто).
Практический: Продуктивная деятельность детей.
Работа над словарём: Защитник Отечества.
Создание среды для организации и проведения НОД:
Планируемые результаты:
Критерии оценки деятельности детей в непосредственно образовательной  деятельности:
1. Дети активно участвуют в непосредственно образовательной – деятельности.
2. Проявляют инициативу, самостоятельность, взаимодействуют со сверстниками и
взрослыми. Проектирование организации взаимодействия с детьми.
Организационный момент:
 Каждое утро мы говорим друг другу: «Доброе утро», чтобы весь день был добрым, и было
у нас отличное настроение. А ещё можно улыбнуться:
Собрались все дети в круг
Я  твой друг и ты – мой друг.
Дружно за руки возьмёмся
И друг другу улыбнёмся!
А теперь поздороваемся с гостями:
Все мы ручками помашем
Скажем дружно: «Здравствуйте!»
Сюрпризный момент.
Спрятан кот, его надо найти. Узнать: почему грустит? Не успел приготовить угощение к
празднику. А какой праздник скоро будет? Праздник всех мужчин – 23 февраля день
защитника Отечества.
Как мы с вами можем помочь? (ответы детей).
Воспитатель: Пройдите все к столу, на подносах вы видите набор предметов (камешек,
вата).
 Сейчас мы выберем то, из чего можно печь прянички? Найдите камешек. Что у вас в руке?
Попробуйте мять камешек, его можно мять? (Нет).
Воспитатель: Какой он? (Твёрдый).
Воспитатель: Постучите камешками по столу. Сильный стук?
Можно из камушка чтонибудь вылепить? (Нет).
Воспитатель: А теперь возьмите вату. Какая она по цвету?
Она мнётся? Постучите по столу, слышно? Вата какая?
Можно из ваты чтонибудь вылепить? (Нет).
Тогда из чего мы можем слепить пряники? (Из теста).
Какие продукты надо взять, чтобы приготовить тесто? ( Муку, яйцо, соль, сахар). Что ещё
добавляют в тесто? (Молоко).
Перед тем как начать стряпать пряники, что надо сделать? (Вымыть руки). Пальчиковая гимнастика: «Моем руки»:
Ах, вода, вода, вода!
Будем чистыми всегда!  ритмично потирать ладошки, имитируя мытье рук.
Брызги – вправо, брызги – влево!  пальцы сжаты в кулачок, затем с силой выпрямить
пальчики, как бы стряхивая водичку.
Мокрым стало наше тело!
Полотенчиком пушистым
Вытираем ручки очень быстро   энергичные движения имитируют поочередное вытирание
каждой руки полотенцем.
Возьмите в руки тесто, какое оно на ощупь? (Мягкое).
Разминаем тесто, скатываем шарик, сплющиваем между ладонями и с помощью формочки
получаем фигурный пряник.
Теперь положим на поднос и покажем нашим гостям и коту: Вот какие красивые
получились пряники.
В конце кот и дети танцуют.
Список литературы:
1. Основная образовательная программа МАДОУ д/с № 132 г. Тюмени.
2. «От рождения до школы». Основная общеобразовательная программа дошкольного
образования / под ред. Вераксы Н.Е., Васильевой М.А., Комаровой Т.С.

file_name: конспект1.docx

intro:
Социально – коммуникативное развитие: Развитие мелкой моторики рук, формирование интереса с работой пластичных материалов.
Познавательное развитие: Закрепить полученные знания у детей о празднике День защитника Отечества.
Речевое развитие: Совершенствовать речь как средство общения; развивать диалогическую форму речи во время рассматривания предметов.
Художественно – эстетическое развитие: Способствовать развитию эстетического восприятия.
Физическое развитие: Сохранять и укреплять физическое и психологическое здоровье детей; осуществлять контроль за осанкой.В конспекте представлено обучение разным приемам действий с солёным тестом: разминание, катание шарообразной формы, сплющивание.


extracted_text:
Государственное автономное учреждение
дополнительного профессионального образования
 «Институт развития образования Пермского края»
(ГАУ ДПО «ИРО ПК»)
КУРСЫ ПОВЫШЕНИЯ КВАЛИФИКАЦИИ ПО ДОПОЛНИТЕЛЬНОЙ
ПРОГРАММЕ
«РАЗВИТИЕ ТВОРЧЕСКОГО ПОТЕНЦИАЛА ДЕТЕЙ
СРЕДСТВАМИ ХУДОЖЕСТВЕННОГО ОБРАЗОВАНИЯ»
«Использование возможностей театрального искусства в
развитии творческих способностей детей»

 Педагогическое Эссе
«Я педагог дополнительного образования»

                                                             Выполнила:
                                                                             г. Березники МАУДОЦДТ «Гном»
Тарасова Галина  Геннадьевна
педагог дополнительного образования
высшей квалификационной категории
Итоговая аттестационная комиссия в составе:
Коровина В.С.
Рочева Н.В.
Ильев В.А.
01.10 – 09.10.2016
г.Пермь Все мы – родом из детства…
А.деСантЭкзюпери.
С чего все началось…
В небольшом шахтерском городке   жила девочка Галя. Она часто болела и
оставалась   дома   одна.   Когда   мама   уходила   на   работу,   что   бы   не   было
страшно,   Галя   придумывала   сказки   и   воображала   себя     главной   героиней.
Однажды   в   школе   учительница   объявила   конкурс   сказок.   Нужно   было
придумать   сказку   и   нарисовать   рисунок.   Галя   с   большим   удовольствием
взялась за дело, ведь у нее сказок было много, надо было только выбрать
какую  то одну. Не один деньГаля творила и получилась книжка –складушка.
С трепетом и тревогой она ждала, когда учитель объявит результат конкурса.
Всех хвалили за рисунки и подобранные сказки (но никто не сочинил, а просто
написал о  любимой сказке). Самую последнюю вызвали Галю и сказали, что
надо было проявить хоть какую  то фантазию, а не переписывать книжку.
Долго  Галя   плакалаот  обидыи  сказала   маме, что  больше  никому  не  будет
показывать свои сказки. Потом подружки пригласили Галю в клуб, где все
ребята находили  любимое занятие, кто танцевал, кто мастерил поделки, кто
просто   играл   в   настольные   игры.   И   всем   этим   руководила   очень   добрая
женщина. Она ко всем находила подход. И скромная Галя вдруг потянулась к
ней,   поверила     и   с   помощью   кукол   стали   оживать   Галины   сказки.   Но,   к
сожалению, на первое свое выступление Галя не попала, т.к. в очередной раз
заболела…
Что было потом… А   потом   я   окончила   школу,   поступила   в   педагогическое   училище   и
дипломированным   воспитателем   стала   работать   в   детском   саду.   Эта
профессия   мне   очень   нравилась,возможно,   потому,   что   нашла     маленьких
зрителей, которые с удовольствием слушали мои истории.  В вечернее время
мы с ребятами стали делать  кукол, разучивать сценки и показывать истории
родителям. Все были в восторге. Каждую пятницу у нас был настоящий театр.
Вскоре   мои   артисты   подросли,   пошли   в  школу,  а  я   вслед   за   ними   в   Дом
пионеров,   где   был   организован     наш   кукольный   кружок   «Петрушка»   и
первыми   актерами   стали   мои   воспитанники.  Шло   время,  и   я  уже  34  года
работаюв Центре детского творчества «Гном» педагогом   дополнительного
образования,имею   высшую   категорию,руковожу   образцовым   театральным
коллективом «Маска» и очень рада, потому что это лучшая профессия на
земле.
Почему театр….
Современные   дети   остро   чувствуют   «взрослые   проблемы»:   инфляцию,
экономическую   дороговизну   жизни,   рост   преступности.   Они   болезненно
переживают   по   поводу   социальных  коллизий   материального  неравенства,
различия возможностей. Поэтому развитие духовного мира ребёнка  одна из
сложных и наиболее важных проблем современности.
 Отсутствие полноценной художественно  творческой практики приводит
  лишенного   возможности   проявления   своей   личностной
ребёнка,
индивидуальности,   к   внутренней     дисгармонии,   к   нарушениям   общения   с
окружающим миром. В результате у многих детей наблюдается эстетическая
неразвитость,  эмоциональная   обеднённость,  пессимизм,  замкнутость,  порой
озлобленность.   Таким   образом,   актуализируется   проблема   гармоничного
целостного развития детей. Театр,   как   художественное   явление,   как   творческий   организм,   где
неоднозначно   переплетены   различные   стороны   человеческой   деятельности,
может   стать   той   средой,   которая   даёт   неограниченные   возможности   в
решении актуальных задач:


 в адаптации ребёнка к новой социальной реальности;
  в   удовлетворении   социальных   потребностей   ребёнка     в
общении, в познании себя и окружающего мира, в творчестве.
 Опыт театральной педагогики успешно подтверждает тезис «Театр  мощное
педагогическое   и   психотерапевтическое   средство».   Театр      есть   игра.
Театральноигровой вид деятельности изначально присущ детской природе
и   является   неотъемлемой   частью   полноценной   познавательной   жизни
ребёнка. Театральноигровая деятельность активно " здесь и сейчас " влияет
на эмоциональную память, на образноцелостное восприятие окружающего
мира. Синтетическая природа театра позволяет развивать многосторонний
''полифонический " язык общения. Театральное чувство, театральная игра,
  на
являясь   глубоко   индивидуальными,
  направлены   на   слияние,
коллективность творчества. В основе театра лежит действие «соучастие»,
которое обеспечивает формирование активного типа личности.
Почему дополнительное образование?
Наше   законодательство   дает   много   свободы   для   дополнительного
образования, но свободен педагог тогда, когдапонимает рамки этой свободы.
Дополнительное   образование   имеет   свою   особенность      оно   не   имеет
стандартов. Поэтому здесь много возможностей для реализации творческих
идей.   Надо   только   выбрать   вид   деятельности,   составить   образовательную
программу,   определить   содержание,   формы   и   методы   работы.   Программа
педагога – это орудие убеждения. Педагог пишет программу для того, чтобы
убедить   в   своих   идеях,   объяснить   свою   точку   зрения,   доказать,   что   его направление деятельности одно из самых перспективных. Это занимательный
творческий процесс, позволяющий реализовать любые педагогические идеи.  Я
работаю   по   инновационной   образовательной   программе   «Творческая
мастерская   «Маска»,   которая   получила   диплом   1   степени   в   городском
конкурсе дидактических материалов, а так же легла в основу образовательной
программы областной школы творчества «Ступени».
Педагог   дополнительного   образования   должен   быть   профессионалом,
волшебником,   творцом   и,как   говорят   обучающиеся,   второй   мамой.   Это
ответственный   груз.Как   педагог   я   решаю   важные   задачи:   каждый   ребенок
талантлив,   имне   надо   увидеть,   разглядеть   и   не   пропустить   в   ребенке   то
лучшее, что в нем есть.Самое главное не навредить, а создать условия для
развития способностей ребенка, в которых ему будет комфортно иинтересно.
Где   он   может   получить   новые   знания,   достигнуть   результатов,   само
реализоваться и почувствовать себя успешным.
  У каждого ребенка есть зона ближайшего развития и у каждого она своя.
Весь образовательный процесс должен вестись в соответствии с этой зоной.
Это   можно   сравнить   с   тем,     как   взрослые   учат   ребенка   кататься   на
велосипеде.На   первом   этапе   поддерживают   его   впереди   и   сзади,   потом
отпускают   руль,но   держат   за   сидение,
  когда   ребенок   едет
увереннее,отпускают  велосипед, ноидут рядом. Когда ребенок уже научился
кататься   самостоятельно,   взрослые,   не   отвлекаясь,   наблюдаютза   его
передвижением  и в любую секунду, готовы прийти на помощь.Затем, уже
занятыесвоими делами, разговорами по телефону,  изредка посматривают,как
катается ребенок. Потом следят за ним из окна, а дальше ребенок только
предупреждает, что идет кататься на велосипеде.  А теперь представьте, что
первый этап  будет несколько часов, дней  ребенок запротестует, ему будет
не интересно, над ним будут смеяться друзья и он вообще  не захочет больше
кататься     на  велосипеде.  Понимая   зоны   ближайшего   развития   ребенка,     я выстраиваю обучение так  сначала вместе, затем под наблюдением, а потом
самостоятельно и на помощь прихожу  тогда, когда он сам попросит ее. Это
схема, которая помогаетребенку, обучатся с удовольствием.
Весь процесс обучения направлен на максимальное раскрытие возможностей
каждого   ребенка.   Я   стараюсь   выстроить   отношения   с   детьми   на   основе
доверия,   взаимопонимания.   Обучаю   основам   мастерства   через   игру   и
творчество. Мое кредо   «Учи играя». Через игру я передаю детям знания и
прививаю навыки, которые дадут возможность им реализовать себя в жизни.
Составляю занятия таким образом, чтобы каждый ребенок мог оказаться в
ситуации   успеха.   В   процессе   воспитательной   работы   с   детьми   стараюсь
привить   базовые   национальные   ценности,   любовь   к   малой   Родине,   матери,
семье,   толерантное   отношение   к   окружающим,   уважение   к   старшему
поколению,   гордость   за   свою   страну,   через   беседы,   творческие   встречи,
концерты, акции, флэшмобы, спектакли.
В   работе   придерживаюсь   дидактических   принципов:   принцип   учета
возрастных   и   индивидуальных   особенностей,   принцип   систематизации   и
последовательности     «от   простого      к   сложному»и,   конечно   же,   принцип
гуманного отношения и любви к детям. Все это позволяет мне чувствовать
свою значимость и востребованность как специалиста.
Профессия педагог дополнительного образования  уникальна. Только в этой
профессии   можешь   получить   столько   тепла   от   благодарных   и   успешных
учеников,  что  хочется  этим  теплом  согреть  всех   обиженных, непонятых  и
оскорбленных   детей,   которые,   приходя   на   первое   занятие,   смотрят
огромными глазенками, как бы спрашивая: «А ты меня не обманешь?». И я
сразу вспоминаю маленькую Галю   и того педагога, который встретился на
моем  пути, который в меня поверил, и стал моим кумиром. И хотя в то время
даже  не существовала профессия педагог дополнительного образования, но я уверенна, что это был человек и педагог с большой буквы.  Только такие люди
должны быть в дополнительном образовании. Эта профессия вечного детства.
Я счастливый человек, потому что на работе не работаю, а всю жизнь играю с
детьми.

file_name: эссе тарасова г.г..docx

intro: Все мы – родом из детства…А. деСант-Экзюпери. Так начинается мое эссе, а этими словами мое эссе заканчивается -" Эта профессия вечного детства. Я счастливый человек, потому что на работе не работаю, а всю жизнь играю с детьми". С чего все началось… что было потом... Почему театр? Почему дополнительное образование? - эти главы  как ступеньки к  моей профессии.Профессия педагог дополнительного образования  уникальна. Только в этой профессии можешь получить столько тепла от благодарных и успешных учеников, что хочется этим теплом согреть всех....

администрации

group: Педагогика

доп. образование взрослых

group: Другое

title: Педагогическое эссе   «Я педагог дополнительного образования»


extracted_text:
Обобщающий урок по теме «Умножение дробей».
Тип урока: урок повторения, систематизации и обобщения знаний,
закрепления умений.
Формы урока: повторительно-обобщающий урок;
Цель: обобщить и систематизировать знания по теме «Умножение
дробей» .
Задачи: образовательные: выявить качество и уровень овладения
знаниями и умениями, полученными на предыдущих уроках по теме
«Умножение дробей»; углубить знания.
воспитательные: воспитывать культуру общения, создать условия
для реальной самооценки учащихся.
развивающие: развивать умение формулировать выводы; развивать
коммуникативные компетенции.
Ход урока
Орг. момент.
1.
Здравствуйте ребята, садитесь.
Эпиграфом к нашему уроку мне хотелось бы взять слова русского
геолога, исследователя, академика В. А. Обручева «Способности,
как и все мускулы, растут при тренировке».
Вопросы:
1.Согласны ли вы с его мнением?
2. Выскажите своё отношение к данному высказыванию.
3. А что значит тренировать способности относительно
математики?
Тема нашего урока «Умножение дробей».
Мы будем сегодня повторять, тренировать свои способности, но к
способностям надо ещё добавить знания. Желаю всем успехов на
сегодняшнем уроке!
Устный опрос.
1.
Сначала мы с вами повторим правила. Проведем опрос в
виде перестрелки.
Один учащийся читает начало правила и называет имя
учащегося, который должен это правило закончить, если
отвечающий не знает, то отвечает сам задающий. После
ответа передает права начать правило любому ученику.
Решение задач.
1.
А сейчас откройте тетрадочки, запишите число и тему
урока. Сегодня я предлагаю вам игру «Кот в мешке». Надо
выбрать задания из предложенных мной.
1.
2.
3.
4.
«Математический диктант»
«Найди ошибку»
«Задачи – исследования»
«Математический лабиринт».
«Математический диктант»
1. Сократите дробь 7/21.
2. Сравните 3/5 и 15/23.
3. Выделите целую часть 27/13.
4. Удвойте число 2/5.
5. Увеличьте в 3 раза число 5/6.
6. Найдите половину числа 640.
7. Найдите 50% числа 500.
«Найди ошибку»
 «Задачи – исследования»
Сравните числа, сделайте вывод об умножении числа на правильную
и неправильную дробь. У доски.
Что происходит с числом, если его умножить на неправильную
дробь? (увеличиться).
Что произойдёт с числом, если его умножить на правильную дробь?
(уменьшиться). Физминутка
1.
После трудной работы мы с вами устали. Давайте ребята отдохнем и
сделаем внимательную разминку.
На каждое число больше 6 – руки поднимаем вверх. На каждое число
меньше 6 – руки опускаем вниз, а если число делится на 6 – руки на
пояс.
Числа: 6: 4; 2; 9; 7; 24; 3; 5; 18; 6; 1; 8; 12; 0;1; 37; 54.
Итог урока.
1.
Какие правила мы сегодня повторили и применяли при решении
заданий? (умножение дроби на натуральное число, дроби на дробь,
смешанных чисел, нахождение дроби от числа)
Учащиеся называют и рассказывают правила. Выставление оценок.
Рефлексия.
Домашнее задание.
1.
Синий цвет – не получилось, не понравилось
Жёлтый цвет – всё понравилось, но мог бы работать лучше.
Зелёный цвет – работал на уроке хорошо, всё понравилось.
1.
Составьте задачу, для решения которой требуется умножить:
а) 60 км. на ¾;
б) 110 кг. на 2/5.
Закончить урок мне хотелось бы словами Л.Н. Толстого
«Человек есть дробь. Числитель – это сравнительно с другими
– достоинства человека; знаменатель – это оценка человеком
самого себя. Увеличить своего числителя – свои достоинства,
не во власти человека, но всякий может уменьшить своего
знаменателя - своё мнение о самом себе, и этим уменьшением
приблизиться к совершенству.»

file_name: Обобщающий урок по теме «Умножение дробей»..docx

intro:
обобщить и систематизировать знания по теме «Умножение дробей» .выявить качество и уровень овладения знаниями и умениями, полученными на предыдущих уроках по теме «Умножение дробей»; углубить знания.Сравните числа, сделайте вывод об умножении числа на правильную и неправильную дробь. У доски.
Что происходит с числом, если его умножить на неправильную дробь?