extracted_text:
Михаил Глинка. Опера «Иван Сусанин»
Сюжет на историческую русскую тему был
подсказан композитору великим поэтом В. А.
Жуковским. Новая опера живо обсуждалась на
вечерах в доме поэта, где бывали А. С. Пушкин,
князь П. А. Вяземский, Н. В. Гоголь, князь В. Ф.
Одоевский, М. Виельгорский.
Работа над оперой проходила быстро. Закончив
партитуру, Глинка отдал её в дирекцию
императорских театров. Правда, автору пришлось
выполнить два условия  отказаться от денежного
вознаграждения и переименовать оперу.
Композитор хотел назвать её «Иван Сусанин» (под
этим названием мы и знаем её сегодня), но цензура
заставила назвать произведение «Жизнь за царя». Премьера состоялась 27 ноября 1836 года.
На ней присутствовал весь литературно
художественный цвет Петербурга. Передовая
публика приняла оперу восторженно.
Аристократическая  назвала «кучерской
музыкой». На что композитор ответил в своих
«Записках»: «Это хорошо и даже верно, ибо
кучера, помоему, дельнее господ!» Этот ярлык с
творения Глинки так и не был снят. Зато друзья
композитора устроили ему настоящее чествование.
13 декабря 1836 года на завтрак у А.
Всеволожского в честь успеха оперы собрались
друзья Глинки: Пушкин, Одоевский, Жуковский,
Вяземский, братья Виельгорские, артисты оркестра
и другие. Ими был исполнен канон с текстом,
который написали друзья композитора. Конечно, всех привлекала своеобразная фамилия
Михаила Ивановича. С этой игрой слов и были
связаны многие их стихи.
Пой в восторге, русский хор,
Вышла новая новинка.
Веселися, Русь! Наш Глинка
Уж не глинка,  а фарфор.
(М. Виельгорский)
За прекрасную новинку
Славить будет глас молвы
Нашего Орфея – Глинку
От Неглинной до Невы.
(П. Вяземский)
Слушая сию новинку,
Зависть, злобой омрачась,
Пусть скрежещет, но уж Глинку
Затоптать не сможет в грязь. (А. Пушкин)
Музыка, драматургия оперы оказались подлинно
новаторскими и положили начало новому
оперному жанру  народной музыкальной драме.
Конечно, образ главного героя – простого русского
мужика,  музыка, его рисующая, не могли быть
поняты придворными кругами. И даже более того,
идея Глинки объединить русскую песенность с
европейскими приёмами композиции оказалась
недоступной и для многих музыкантов той поры.
Но значимость этого события признавали все.
«Что развивается в трагедии?
Какая цель её?
Человек и народ.
Судьба человеческая, судьба народная…»
(А. С. Пушкин) Итак, осенью 1836 года заново отделанный
Большой театр в Петербурге было решено
открывать оперой Глинки. Театр был переполнен.
Присутствие царя и его семьи привело на открытие
сезона весь «высший свет»  собрались музыканты,
литераторы, художники.
Ещё не поднялся занавес, оркестр только начал
исполнять увертюру, и все почувствовали в ней
нечто необычное. Необычна была сама музыка. Она
была чемто знакомым и близким и не походила на
привычную музыку зарубежных опер. Она
отличалась своей особой мелодичностью и
звучностью. Это была русская музыка, основанная
на русском музыкальном фольклоре.
Конечно, Глинка был высокообразованным
музыкантом, и все темы и мелодии были
обработаны по всем законам оперного искусства. Но то, что музыкальная основа явно была не
иностранной, а русской, было потрясающе новым.
Новым было и то, что о судьбах крестьян в опере
говорилось с такой же серьёзностью, с какой
обычно в опере речь велась о царях, герцогах и
принцессах. Перед слушателями были не
привычные мужички комических опер или нарядно
одетые крестьяне придворных балетов. Герои
оперы Глинки были крупными личностями. Даже
недоброжелатели были захвачены сценой
героической гибели Сусанина.
Недаром в самом начале работы над оперой Глинка
сделал для себя пометки: «Иван Сусанин (бас)
характер важный. Антонида, дочь его (сопрано)
характер нежнограциозный. Сабинин, жених
Антониды (тенор)  характер удалый. Сирота 13
или 14летний мальчик (альт)  характер простосердечный». В этих определениях
композитор выразил суть характеров и с помощью
музыки сделал своих героев неповторимыми
личностями.
Народный замысел всей оперы подчёркивается и
особым пониманием партии хора. Глинка хорошо
знал итальянские и французские оперы и роль в
них хора. Он с иронией говорил: «Уж эти мне
хоры! Придут неизвестно зачем, пропоют
неизвестно что, а потом и уйдут с тем, с чем
пришли». У Глинки впервые в истории мировой
оперы хор показан как действенная сипа. Это
народ, который активно участвует во всём
происходящем, даже в личной жизни героев. Он
становится действующим лицом и действенной
силой, направляющей сам ход событий. Глинка впервые в русской музыке отказался от
оперы с разговорными диалогами, как было во всех
операх в России в XVIII веке. Но самое главное, он
создал метод симфоническою развития оперной
формы. В его сочинениях устанавливается принцип
слияния вокального и симфонического начал.
В опере описано подлинное историческое событие
– подвиг крестьянина костромского села Домнина
Ивана Осиповича Сусанина, который он совершил
в 1613 году. Москва уже была освобождена от
польской армии, но отряды шляхтичей ещё
бродили по русской земле.
Один из таких отрядов должен был захватить в
плен только что избранного русского царя
Михаила Фёдоровича, который жил тогда возле
Домнино. Враги пытались сделать Сусанина своим
проводником. Но русский крестьянин завёл захватчиков в густой лес и погубил их, при этом
сам погиб.
Патриотическая тема оперы решена композитором
в трагедийном плане  главный герой, простой
русский мужик, погибает, спасая Родину и
молодого царя от иноземных захватчиков. Подвиг
его вошёл в историю. Этот подвиг был воспет в
русской литературе и музыке. Поэтдекабрист
Рылеев создал на этот сюжет стихотворную думу в
1825 году. Композитор К. Кавос в 1815 году
написал оперу «Иван Сусанин».
Основу драматургии оперы составляет
противопоставление двух образных сфер. Главная
из них  русская. Она показана композитором во
всем многообразии душевных и духовных качеств
человека. Она поднята до уровня трагедийности
благодаря идее любви к Отечеству, и вся пронизана интонациями русской песенности. Ей
противостоит польская сфера, показанная
композитором обобщённо. Её воплощением
являются польские танцы  мазурка, полонез,
краковяк, вальс.
Важной особенностью драматургии оперы является
её симфонизация. Всё развитие строится на
системе тематических связей. С её помощью
композитор не только проводит через всю оперу
главную патриотическую мысль, выраженную в
народнопесенных темах, но и воплощает идею
борьбы двух сил – русских и поляков
посредством конфликтного развития.
Начинается опера увертюрой, в которой
средствами музыки передаётся основной
драматический конфликт между русскими и
польской шляхтой. Медленное вступление выражает глубокую печаль о героях, погибших за
народ. В увертюре совершается постепенный
переход от сумрачного, печального вступления
через столкновение противостоящих образов к
торжествующей коде.
Темы, которые звучат в увертюре, потом будут
использованы композитором в различных эпизодах
оперы. Но уже здесь, в увертюре, последовательно
развивается основная идея оперы  идея
народности, патриотизма.
Слушание: М. Глинка. Опера «Иван Сусанин».
Увертюра.
1 действие
Слушание: М. Глинка. Опера «Иван Сусанин».
Интродукция «Родина моя! Русская земля!» За увертюрой следует хоровая интродукция –
пролог «Родина моя! Русская
земля!». (Интродукция  начальный эпизод
музыкального произведения. Так называют
также хоровые сцены или вокальные ансамбли,
которыми начинаются некоторые оперы).Этот
раздел оперы показывает русский народ как
главную движущую силу и одновременно выражает
главную идею оперы – любовь русского народа к
своей Родине.
Действие первого акта переносит нас на улицу села
Домнино, где живёт Иван Сусанин, в далёкий и
грозный 1612 год, когда поляки захватили Москву
и посадили на русский престол своего ставленника.
Враги хозяйничали не только в столице, но и на
окраинах Руси. Композитор показывает нам
мирную жизнь поселян. Слушание: М. Глинка. Опера «Иван Сусанин».
Ария Антониды «Ax, ты поле…»
Дочь Сусанина Антонида ожидает своего жениха
Сабинина. Она готовится к свадьбе.
Антониде отвечает Сусанин.  Скорбные думы о
судьбе Родины омрачают душу Сусанина. «Что
гадать о свадьбе? Горю нет конца»,  поёт он. В
этом первом высказывании Сусанина композитор
использовал подлинный народный напев,
услышанный им от лужского извозчика.
Происходит первый показ  экспозиция этого
главного образа оперы. В «первоначальном плане»
Глинки Сусанин обозначен как «характер важный».
И его первые реплики действительно звучат
«важно», то есть неторопливо, веско, с
достоинством. Сусанин не приемлет мысль о личном счастье в дни
народного бедствия. Так сразу же утверждается
связь героя с народом.
В конце первого акта приезжает Богдан Сабинин. В
своём плане Глинка определил его характер как
«удалой». Это отражается в его музыке, похожей
на молодецкие солдатские песни времён войны
1812 года.
Сабинин рассказывает о победе русских
ополченцев, об изгнании шляхтичей из Москвы.
Хотя молодой ратник привёз добрые вести,
Сусанин непреклонен  свадьбу играть рано. Тогда
в ответ ему звучит прекрасное трио – «Не томи,
родимый». Его начинает Сабинин, подхватывает
Антонида, затем вступает Сусанин.
После того, как к просьбе присоединяются
крестьяне, Сусанин уступает: «Врагов мы разобьём, и свадьбу мы споем». Так радостно
завершается первый акт оперы.
Второе действие
Ярким контрастом является второй акт. Его
называют «польским» актом. Действительно,
русская улица сменяется здесь тронным залом в
замке польского короля. Вместо крестьян на сцене
пирующая шляхта. Музыкальным портретом
поляков являются национальные польские танцы.
И ни одной сольной арии и большого ансамбля.
Это делает характеристику поляков обобщённой.
Во втором действии проходят четыре танца:
полонез, краковяк, вальс и мазурка, которые
образуют большую танцевальную сюиту. Все они
(кроме вальса) являются национальными польскими танцами. Музыка сюиты пленяет
красотой и изяществом (хотя и совсем иного типа,
чем в первом действии). Эти качества особенно
наглядно выступают в средних номерах: краковяке
и вальсе.
Особенно важны здесь два танца  полонез и
мазурка.
Слушание: М. Глинка. Опера «Иван Сусанин».
Полонез.
Полонез  торжественный и помпезный – служит
вступлением ко всему акту. К нему
присоединяется хор хвастливых врагов: «Мы
шляхта, и всех мы сильнее!»
Слушание: М. Глинка. Опера «Иван Сусанин».
Вальс. Очень своеобразен и изящен вальс, более интимный
по своему настроению. Наличие синкоп на второй
доле роднит его с мазуркой, придавая и ему
польский колорит. Вальс отличается особой
тонкостью и прозрачностью оркестровки. В целом
он играет роль лирической интермедии среди
других, бравурных, блестящих танцев.
Слушание: М. Глинка. Опера «Иван Сусанин».
Краковяк.
Краковяк написан с широким размахом и
темпераментом. Его основная тема благодаря
синкопированному ритму отличается особой
упругостью. Далее появляется ещё ряд ярких и
разнообразных тем, и жизнерадостная музыка
краковяка приобретает то молодцеватый, то
грациозный оттенок. Периодически возвращается основная тема (или основная тональность соль
мажор). Это сближает форму танца с рондо.
Слушание: М. Глинка. Опера «Иван Сусанин».
Мазурка.
Особенно важна мазурка, завершающая акт. Она
полна лихости и блеска, с размашистой мелодией и
звонкими аккордами  ударениями на третьей доле,
напоминающими сабельные удары. На интонациях
и ритмах этого танца Глинка строит
заключительную сцену второго действия. Здесь
наиболее полно нарисован портрет польских
захватчиков, за внешним блеском которых скрыты
алчность, пустая самонадеянность и безрассудное
тщеславие.
Вместе с тем танец перерастает в целую
драматическую сцену, передаёт различные стадии
развёртывающегося действия. Так, после прихода гонца, в музыке мазурки слышатся интонации
тревоги, растерянности, а после решения
шляхтичей отправиться в поход, музыка вновь
принимает лихой, воинственный характер. Как
сигнал к походу звучит соло трубы.
Получив известие о поражении своего войска,
поляки решают послать на Русь ещё один отряд.
Они все ещё надеются голыми руками победить
русских мужиков.
Надо отметить, что до Глинки танцы в оперу
вводились как вставной дивертисмент из
отдельных балетных номеров. (Этим
французским словом, означающим
«развлечение», называют сценическое
представление разнообразного характера. В
операх и балетах так называют вставные
номера или сцены, не связанные с сюжетом произведения). У Глинки же этим танцам
придаётся большое драматургическое значение.
Они становятся характеристикой действующих
лиц. Более того, эти два танца  полонез и мазурка
 станут своеобразными «лейтмотивами». Они
будут сопровождать польских захватчиков и в
русских сценах, но там они будут носить совсем
другой характер.
«Польским актом» своей оперы Глинка положил
начало русской классической балетной музыке.
Так, в первых двух актах композитор показал нам
две противоборствующие силы. Не просто русских
и поляков, а мирных русских крестьян и польскую
шляхту, мечтающую завоевать Россию.
3 действие В третьем акте происходит их первое
столкновение. Поэтому он состоит из двух
разделов: первый  до прихода врагов, второй  с
момента их появления. В первой половине
господствуют спокойствие и светлое настроение.
Сусанин показан здесь как любящий отец в кругу
семьи, что раскрывает новые стороны характера
героя.
Небольшое вступление воссоздаёт атмосферу того
мрачного и тревожного времени. Оно как будто
предсказывает последующие драматические
события. Но начало акта  спокойно и мирно.
Ничто ещё не предвещает страдания и гибель.
Слушание: М. Глинка. Опера «Иван Сусанин».
Антракт.
Спокойно звучит знаменитая песня Вани
приёмного сына Сусанина, ласковы обращения к нему Сусанина. Всё полно тихой и сердечной
радости и тепла. Пришедшие односельчане,
узнавшие о готовящейся свадьбе, хотят всем
миром принять в ней участие. Все приступают к
радостным хлопотам.
Слушание: М. Глинка. Опера «Иван Сусанин».
Песня Вани «Как мать убили у малого птенца».
И вдруг в эту светлую безоблачную музыку
врываются интонации полонеза. Появляются
поляки. Они требуют, чтобы Сусанин показал им
дорогу на Москву. Решительно и с достоинством
отвечает им крестьянин: «За Русь мы все стеной
стоим, в Москву дороги нет чужим!»  Когда
шляхтичи начинают угрожать Сусанину, он
отвечает: «Страха не страшусь, смерти не боюсь,
лягу за святую Русь». Эта тема нам уже знакома. В начале хоровой
интродукции её пел хор народа, а здесь она звучит
в устах одного из его сынов. Так музыка
объединяет образ отдельного человека  Сусанина
с обобщённым образом великого народа.
Потихоньку отправив Ваню предупредить
ополченцев Минина, Сусанин делает вид, что
соблазнился предложенными поляками деньгами,
уходит вместе с ними.
Слушание: М. Глинка. Опера «Иван Сусанин».
Свадебный хор «Разгулялися, разливалися…»
Композитор с удивительным мастерством
продолжает накалять драматическое напряжение.
После полной отчаяния музыки Антониды изза
сцены раздаётся безмятежнорадостный хор
девушек, пришедших поздравить невесту. Это одна
из жемчужин русской классической хоровой музыки, очень близкая к обрядовым народным
песням.
В ответ Антонида с глубокой скорбью поёт свой
знаменитый романс.
Слушание: М. Глинка. Опера «Иван Сусанин».
Романс Антониды «Не о том скорблю
подруженьки»
Эту музыку Глинка за семь лет до оперы написал
для романса на стихи Дельвига «Не осенний
частый дождичек». Но в ней так проникновенно
выражено чувство печали и скорби, что она могла
быть использована в этой сцене оперы.
Пришедшим гостям Антонида рассказывает о
несчастье, и крестьяне принимают решение:
«Выйти всем селом, вслед врагам погнаться,
Смертным боем драться». И вот уже вооружённые кто чем может крестьяне во главе с Сабининым
идут на бой. «Всех врагов земли родной
покараем!»  клянутся они.
4 действие
Короткое оркестровое вступление к четвёртому
акту переносит нас в зимний настороженный лес. И
сразу  резкая смена настроения: слышен топот
стремительной скачки, биение уставшего
человеческого сердца.
Ваня прибегает ночью к небольшому посаду, чтобы
предупредить о приближении врагов. Эту сцену
Глинка написал уже после премьеры оперы по
просьбе первой исполнительницы роли Вани
замечательной русской певицы А. Я. Воробьёвой. И всё же эта сцена органично вошла в оперу. Слова
Вани взволнованны и торопливы:
Бедный конь... в поле пал...
Я бегом... добежал!
Вот и наш посад...
Ваня настойчиво стучится в ворота, горько сетует
на то, что он ещё не витязь, не богатырь и нет у
него силушки одолеть врага. На его стук посад
просыпается, и ополченцы торопятся в поход.
Слушание: М. Глинка. Опера «Иван Сусанин».
Песня Вани «Бедный конь в поле пал»
И снова картина заснеженного леса  дремучего,
непроходимого. В истинно русскую музыку вдруг
вторгаются интонации мазурки. Это враги,
уставшие и продрогшие, бредут за Сусаниным. Их мазурка утратила свой былой блеск. Выбившиеся
из сил шляхтичи устраивают привал и засыпают.
Сусанин остаётся один со своими мыслями. Его
предсмертная ария не только кульминация
развития его образа. Это драматическая
кульминация всей оперы. В начале арии Иван
Сусанин обращается к заре. Эта заря станет его
последней зарей.
Музыка этой сцены с большой тонкостью передаёт
разнообразные чувства героя, мельчайшие
движения его души. Перед его мысленным взором
проходит вся его жизнь, родные и дорогие сердцу
образы. Он вспоминает недавнее счастье в кругу
любимой семьи. В этой музыке такая трагедийная
сила, страстность, что кажется  большее
напряжение чувств уже невозможно. Но усилием
воли эта боль приглушается: видя уснувших поляков, Сусанин и сам решает отдохнуть,
собраться с силами: «Надо смерть достойно
встретить...»
«Эту сцену в лесу я писал зимой,  вспоминал
Глинка,  всю эту сцену, прежде чем я начал
писать, я часто с чувством читал вслух и так живо
переносился в положение моего героя, что волосы
у меня самого становились дыбом и мороз подирал
по коже».
Предчувствие гибели, смертная тоска Сусанина
выражены прекрасной и высоко трагедийной
музыкой, которая потрясает своей правдивостью.
Начинается метель, изображённая оркестром.
Причём это не только образ беспокойной природы.
Музыка передаёт и внутреннее состояние главного
героя. Но вот шляхтичи проснулись. Они
чувствуют беду и начинают допрашивать Сусанина: «Признайся сейчас  ты хитришь или нет!» На что
русский крестьянин с достоинством отвечает:
«Хитрить мне нужды нет». Эта мелодия уже
звучала во вступлении к четвёртому акту. Её
сопровождает мелодия русской народной песни
«Вниз по матушке по Волге». Так Глинка
утверждает нерасторжимость своего героя с
народом, его русскую национальную природу, его
типичность.
Последние мысли Сусанина о Родине. Последнее
объяснение крестьянина с захватчиками трагично.
На вопрос: «Куда завёл ты нас?»  он отвечает:
«Туда завёл я вас, куда и серый волк не забегал,
куда и чёрный враг костей не заносил». Победным
торжеством звучат последние слова Сусанина:
«Родной край спасён! О, Русь моя, живи вовек!»
Так завершается сюжет оперы. Слушание: М. Глинка. Опера «Иван Сусанин».
Речитатив и ария Сусанина «Чуют правду», «Ты
взойдёшь моя заря…»
Но, чтобы подчеркнуть главную патриотическую
линию оперы, композитор пишет ещё и
эпилог. (Эпилог  раздел, завершающий какое
либо действие или музыкальносценическое
произведение в целом. В нём обычно уже нет
сценического действия, а только вывод из всего
произведения).
Эпилог
Эпилог  не просто завершение событий
торжественным звучанием хора. Вместе с прологом
эпилог образует как бы величественную раму,
обрамляющую всю оперу. Хор ликующего народа, пришедшего на Красную
площадь, чтобы восславить победу, как будто
наполнен ярким солнечным светом.
Слушание: М. Глинка. Опера «Иван Сусанин». Хор
«Славься!»
Народ торжественно славит и погибших героев,
память о которых не умрёт никогда, и живых
Минина и Пожарского. Хор сопровождается
могучим перезвоном колоколов. Это производит
непередаваемое впечатление.
«Этот гимнмарш не может быть отрешён от
Красной площади, покрытой толпами народа, от
трубного звука и колокольного звона,  писал
современник Глинки А. Н. Серов.  ...Во всех
существующих до сих пор операх нет финального
хора, который бы так тесно был сплочён с задачею
музыкальной драмы и такой могучей кистью рисовал бы историческую картину данной страны в
данную эпоху. Тут  Русь времён Минина и
Пожарского в каждом звуке».
Очень высоко ценил эту музыку П. И. Чайковский.
Он говорил, что благодаря ей Глинка «стал наряду
(да, наряду!) с Моцартом, Бетховеном и с кем
угодно».
Создание «Ивана Сусанина» стало поворотным
пунктом в развитии русской оперы. Глинка ввёл в
оперу новых народных героев. Он создал первую
отечественную оперу, отличающуюся подлинной
цельностью стиля, драматургическим и
музыкальным единством. Поэтому день премьеры
оперы  27 ноября 1836 года  считают днём
рождения русской оперы.
Вопросы для закрепления: 1. Что нового внёс Глинка в оперу?
2. Какое подлинное историческое событие легло
в основу сюжета оперы?
3. Как была названа опера при премьере?
Почему?
Раскрой основную идею произведения Глинки.
4.
5. Как можно определить жанр оперы?
6. Как композитор трактует партию хора в своей
опере? Почему?
7. Назовите главных героев оперы. Какие
певческие голоса исполняют их партии?
8. Какова роль эпилога оперы? Сказочный мир Анатолия Лядова
Музыкальная судьба А. К. Лядова поначалу
складывалась очень счастливо: он родился 29
апреля 1855 г. в семье потомственных музыкантов.
Отец и дед его были дирижёрами, отец ещё и
композитором. Авторитет папы как оперного
дирижёра (он был капельмейстером Русской оперы
в Петербурге, дирижёром симфонических
концертов) был очень велик. Даже М. И. Глинка в
некоторых вопросах советовался с ним. Избрание
профессии музыканта для Анатолия и его семьи
было делом решённым. Отец ещё в раннем детстве
заметил большое дарование сына. В 15 лет Анатолий Лядов поступил в
консерваторию. Он был зачислен на стипендию
имени Константина Лядова (своего отца),
учреждённую артистами Русской оперы.
Анатолий начал заниматься по классам
фортепиано, теории и композиции. В числе его
учителей  Н. А. РимскийКорсаков.
Для формирования его таланта большую роль
сыграло общение с М. А. Балакиревым, А. П.
Бородиным, М. П. Мусоргским, высоко
оценившими его дарование. М. П. Мусоргский
писал: «Появился новый, несомненный и русский
талант». А молодому «таланту» в то время было
только восемнадцать лет. Первыми опусами
молодого композитора были четыре романса, а
также циклы фортепианных пьес «Бирюльки» и
«Арабески», которые сразу же стали известны в кругу музыкантов. Но учение в консерватории не
было гладким.
Дарование А. К. Лядова было велико. Его педагог
Н. А. РимскийКорсаков считал его «несказанно
талантливым», но нерадивым студентом. О А. К.
Лядове рассказывали, что, когда он жил в доме
своей сестры, он сам просил не кормить его
обедом, пока он не выполнит консерваторские
задания. Занятия он посещал плохо. И вот зимой
1876 г. «за непосещение занятий» его исключили из
консерватории вместе с его другом  талантливым
пианистом Г. О. Дютшем. Когда молодые люди
пришли к Н. А. РимскомуКорсакову домой с
просьбой о восстановлении и обещанием
заниматься, профессор остался непреклонен: «Я
был непоколебим и отказался наотрез. Откуда,
спрашивается, напал на меня такой бесстрастный формализм? Конечно, Лядова и Дютша следовало
принять как блудных сынов ... Но я этого не
сделал. Утешаться можно разве тем, что все к
лучшему на этом свете,  и Дютш, и Лядов стали
впоследствии моими друзьями».
Исключение из консерватории было тяжёлым
ударом для А. К. Лядова. Но через два года его
восстановили. Представленная на экзамен кантата
поправилась Художественному совету. И ему
присудили малую золотую медаль и диплом
свободного художника. Сразу после этого
двадцатитрёхлетний композитор был зачислен в
состав преподавателей консерватории.
Среди учеников А. К. Лядова были Н. Я.
Мясковский, С. С. Прокофьев, С. М. Майкапар и
др. Знаменитые педагогические афоризмы передавались учениками «по наследству» от
старших к младшим. «Слух ведь мыслит,
развивайте слуховое мышление», «Надо быть
аристократом чувств и вкусов»,  так он говорил
ученикам. Вы тоже запомните эти слова и
постарайтесь им следовать. Конечно, не все его
ученики были так талантливы, как перечисленные.
И работа в консерватории отнимала много сил и
энергии. Но он не мог оставить её и полностью
посвятить себя творчеству. В поэтическом
«Послании к другу» А. К. Лядов со свойственным
ему юмором, но и с некоторой грустью писал:
Уж лето красное промчалось!
Так дни за днями и бегут ...
Недолго жить мне здесь осталось
Опять за ненавистный труд.
Чтоб обучать девиц, мальчишек, Терпенья должен быть излишек,
А я устал уже давно
Твердить год целый все одно.
Как жалок тот, кто поясняет
Глухому звук, слепому цвет.
Ейбогу, в этом проку нет!
Лишь время попусту теряет.
К такому делу еду я
Печальная судьба моя.
В СанктПетербурге А. К. Лядов познакомился с
М. П. Беляевым и примкнул к новому
многочисленному художественному объединению
Беляевскому кружку. Значение композиторов
Беляевского содружества заключалось не только в
их новых творческих достижениях, но и в
огромной просветительской работе, укреплявшей в
России высокий музыкальный профессионализм. Как говорил Н. А. РимскийКорсаков, «кружок
Балакирева соответствовал периоду «бури и
натиска» в развитии русской музыки, кружок М. П.
Беляева  периоду спокойного шествия вперёд».
В эти годы А. К. Лядовым создано огромное
количество фортепианных миниатюр, программные
пьесы «Багатель», «Музыкальная табакерка», «Про
старину» и др., «Детские песни», обработки
народных песен.
Одна из лучших миниатюр А. К. Лядова
«Музыкальная табакерка». С каким остроумием
композитор подражает в ней звучанию
игрушечного заводного инструмента. Автор дал
миниатюре единственное обозначение:
«automaticamente», то есть «автоматично».
Ритмическое однообразие, повторность
незатейливого вальса, «стеклянная» звучность, тонко подмеченные типичные для «музыкального
ящика» форшлаги и трели передают особый
механический характер музыки.
«И как это у вас так мило в «Табакерке», когда
вдруг чтото крякнет или чихнёт вверху! Ах, как
мило, ах, как комично и грациозно!»  писал В. В.
Стасов Лядову после исполнения «Табакерки» в
авторской редакции для небольшого
инструментального состава.
Очень характерна для А. К. Лядова пьеса «Про
старину». Уже при первых звуках возникает образ
древнерусского певца Баяна. В гусельном
перезвоне  немного изменённая подлинно
народная мелодия «Подуй, подуй, непогодушка».
Позднее А. К. Лядов переложил эту пьесу для
симфонического оркестра и предпослал эпиграф из «Слова о полку Игореве»: «Поведём же, братия,
сказанье от времён Владимировых древних».
Революционные события 1905 г. всколыхнули и
его. В знак протеста против увольнения Н. А.
РимскогоКорсакова А. К. Лядов и А. К. Глазунов
покинули консерваторию. На вынужденный уход из
Московской консерватории С. И. Танеева А. К.
Лядов откликнулся «открытым письмом» в газете:
«Дорогой Сергей Иванович! С глубоким
сожалением я узнал из газет, что Вы вынуждены
оставить Московскую консерваторию. Но я не Вас
жалел, мне жаль консерваторию, которая в лице
Вас потеряла незаменимого профессора, чудного
музыканта и светлого, чистого человека, всегда
готового неослабно стоять за правду. Вы  золотая
страница Московской консерватории, и ничья рука не в состоянии её вырвать. Глубоко уважающий
Вас Ан. Лядов».
В. В. Стасов, узнав об этом, в восхищении писал:
«Милый Лядушка, только вчера узнал я Ваше
письмо к С. И. Танееву в «Руси». Вы меня чёрт
знает, как восхитили. Вот это  люди, вот это
художники». Лишь после избрания директором А.
К. Глазунова и возвращения Н. А. Римского
Корсакова вернулся в консерваторию и А. К.
Лядов.
1900е гг. были периодом огромного творческого
расцвета композитора. В этот период он создал
симфонический цикл «Восемь русских народных
песен для оркестра» и замечательные программные
миниатюры «Баба –Яга», «Волшебное озеро»,
«Кикимора». В них выразились поиски
композитора идеала в искусстве неземном. Сказка  вот тот «просвет» в другую жизнь, манивший
художника, уводивший от обыденного в мечту.
«Сказочные картинки», как композитор назвал эти
произведения,  одночастные симфонические
пьесы. Яркая живописность, «картинность»
замысла обусловили красочность всех
выразительных средств.
«Кикимора» имеет программу: «Живёт, растёт
Кикимора у кудесника в каменных горах. От утра
до вечера тешит Кикимору Котбаюн  говорит
сказки заморские. Со вечера до бела света качают
Кикимору во хрустальчатой колыбельке.
Ровно через семь лет вырастает Кикимора.
Тонешенька, чернёшенька та Кикимора, а голова
то у ней малыммалёшенька, со наперсточек, а
туловище не спознать с соломиной. Стучит, гремит
Кикимора с утра до вечера; свистит, шипит Кикимора со вечера до полуночи; со полуночи до
бела света прядёт кудель конопельную, сучит
пряжу пеньковую, снуёт основу шёлковую. Зло на
уме держит Кикимора на весь люд честной».
Очень образно музыка миниатюры рисует и
сумрачный край, где поначалу живёт Кикимора,
Котабаюна с его колыбельной песней, и
призрачное звучание «хрустальчатой колыбельки».
Но какой злобной рисует музыка саму Кикимору!
Она выражает не только её уродство, но и
внутреннюю суть Кикиморы, готовой уничтожить
всё живое. Завершается пьеса жалобным писком
флейты пикколо, как будто ктото шутя
уничтожил, раздавил источник этого большого
шума. Эту пьесу надо обязательно послушать.
Близка «Кикиморе» по сюжету и «Баба Яга». Из
сказки Афанасьева «Василиса Прекрасная» композитор выбрал самый динамичный эпизод:
появление Яги, её полёт через дремучий лес на
ступе и исчезновение. Музыка точно изображает
детали этой программы: свист Яги, а потом
стремительное движение, как будто БабаЯга
приближается к нам, а потом уносится прочь. Эту
миниатюру тоже послушайте. Стремительность,
полётность, юмористичность позволяют назвать её
русским симфоническим скерцо.
Кстати, эта образная сфера  скерцозная,
юмористическая  была близка А. К. Лядову.
Огромный материал для характеристики его юмора
дают альбомы его рисунков и три тетради стихов.
Он был хорошим поэтом и мог тут же, в разговоре,
сочинить небольшой каламбур, эпиграмму,
поздравление. Его письма к друзьям почти всегда
содержали стихотворения. Например, живя на даче, в одном письме он жаловался на жару в
четверостишии:
Ах, зачем я не скелет!
Ветер в рёбрах бы играл,
Я б жары совсем не знал
И стыда, что не одет.
Если «Баба –Яга» и «Кикимора» близки по
колориту, то «Волшебное озеро» имеет совсем
другой характер. Это было одно из немногих
произведений А. К. Лядова, которое он сам очень
любил: «Ах, как я его люблю! Как оно картинно,
чисто, со звёздами и таинственностью в глубине!»
В этой пьесе композитор хотел подчеркнуть, что
это не столько зарисовка с натуры какогото
конкретного озера (хотя оно и существовало, и А.
К. Лядов часто ходил к нему в своей Полыновке),
сколько таинственное озеро, в котором фантазия художника могла увидеть самые необычные вещи.
«Волшебное озеро» это не сама сказка, а
состояние, в котором может зародиться сказка.
Конечно, по широте охвата действительности
творчество А. К. Лядова уступает великим его
современникам. Но композитор занял всё же
видное место в истории русской музыки. Он внёс
вклад во все затронутые им области музыки.
Черты нового самобытного стиля проявились и в
его фортепианных пьесах, а особенно  в
симфонических миниатюрах, открывавших новую
самостоятельную линию в русском симфонизме.
Вопросы:
1. Назовите годы жизни А. К. Лядова.
2. С каким городом связана деятельность
композитора? 3. Как отреагировал А. К. Лядов на увольнение из
Петербургской консерватории Н. А. Римского
Корсакова?
4. Что являлось главной особенностью
творчества А. К. Лядова?
5. Перечислите известные вам произведения А. К.
Лядова.
Скрябин. Поэма огня «Прометей»
Флейты звук зоревоголубой,
Так подетскому ласковомалый,
Барабана глухой перебой,
Звук литавр торжествующеалый... (К. Бальмонт)
Музыкантфилософ Александр Николаевич
Скрябин, чьё творчество оказалось созвучным
бурной эпохе рубежа двух веков, отразило его
смелые поиски новых путей. Стремление к идеалам
добра, справедливости и всеобщего братства
людей пронизывает всё его музыкальное искусство.
Александр Скрябин родился в Москве 6 января
1872 года в семье дипломата, рано потерял мать, и
его взяла на воспитание родная тётушка Любовь
Александровна Скрябина, давшая ему первые
уроки музыки. Она вспоминала, что уже с грудного
возраста он тянулся к звукам фортепиано. А в три
года уже часами просиживал за инструментом. К
роялю мальчик относился как к живому существу. Он и сам их мастерил в детстве  маленькие
игрушечные рояли...
Музыку Скрябин стал сочинять рано  в семь лет
он написал свою первую оперу, назвав её именем
девочки, в которую был тогда влюблён.
В 11летнем возрасте, параллельно обучению в
московском кадетском корпусе в Лефортове,
начались и его регулярные музыкальные занятия в
классе известного преподавателя Московской
консерватории Н. С. Зверева, у которого в ту пору
уже учился Серёжа Рахманинов.
В ранней юности его любимый композитор
Шопен, позднее  Бетховен. Искусство композиции
он изучал у С. И. Танеева, а Московскую
консерваторию закончил в двадцать лет по классу
фортепиано, получив малую золотую медаль. В то же время он испытал большое чувство любви.
Его избранницей была пятнадцатилетняя Наташа
Секерина. На своё предложение он получил отказ,
но чувство, испытанное к ней, осталось с ним на
всю жизнь и больше не повторилось.
Скрябин начинает рано и успешно гастролировать
Берлин, Дрезден, Люцерн, Генуя, Париж.
Рецензенты, как и публика, благосклонны к нему.
«Он  весь порыв и священное пламя», «он
раскрывает в своей игре неуловимое и
своеобразное очарование славян  первых
пианистов в мире»,  писали о нём.
Скрябин обретает славу и в отечестве, и за
рубежом. Композитор Анатолий Лядов
приветствовал его новые творения словами:
«Появилось новое и великое искусство». Николай
РимскийКорсаков о нём писал: «Звезда первой величины». Лев Толстой, услышав одну из
фортепианных миниатюр композитора,
откликнулся так: «Очень искренне, искренность
дорога. По одной этой вещи можно судить, что он
большой художник».
Музыка его оказалась столь новой и непривычной,
столь дерзкой, что, например, исполнение его
Второй симфонии в Москве 21 марта 1903 года
превратилось в форменный скандал. Мнения
публики разделились: одна половина зала свистела,
шикала и топала, а другая, встав возле эстрады,
бурно аплодировала.
«Какофония»  таким страшным словом назвал
симфонию мэтр и учитель Н. А. Римский
Корсаков, а вслед за ним и десятки других
музыкальных авторитетов. Но Скрябин ничуть не
был смущён. Он уже ощущал себя мессией, провозвестником новой религии. Такой религией
для него было искусство. Он верил в его
преобразующую силу, он верил в творческую
личность, способную создать новый, прекрасный
мир.
Скрябин считал, что только искусство способно
очистить человека от злобы мира. Это
стихотворение  яркое подтверждение
поэтического дара композитора:
О, дивный образ Божества,
Гармоний чистое искусство!
Тебе приносим дружно мы
Хвалу восторженного чувства!
Ты жизни светлая мечта,
Ты праздник, ты отдохновенье,
Как дар приносишь людям ты
Свои волшебные виденья. В тот мрачный и холодный час,
Когда душа полна смятенья,
В тебе находит человек
Живую радость утешенья.
Ты силы, павшие в борьбе,
Чудесно к жизни призываешь.
В уме усталом и больном
Ты мыслей новых строй рождаешь.
Ты чувств безбрежный океан
Рождаешь в сердце, восхищённом,
И лучших песней песнь поёт
Твой жрец, тобою вдохновлённый.
Царит всевластно на Земле
Твой дух свободный и могучий.
Тобой поднятый человек
Свершает славно подвиг лучший. Придите, все народы мира,
Искусству славу воспоём!
(А. Скрябин)
Скрябин много сочиняет, его издают, исполняют,
но всё же он живёт на грани нужды, и желание
поправить свои материальные дела снова и снова
гонит его по городам и весям. Исполнение его
произведений в Европе и Америке, как правило,
вызывало восторженный приём слушателей.
Издатель журнала «Новое звено» А. Брянчанинов,
в корреспонденции из Лондона писал, как
восторженно принимала аудитория концерт
Скрябина: «Меломаны, тридцать лет посещающие
лондонские концерты, не забудут тех оваций,
которыми отблагодарила зала Скрябина. В зале
стоял какойто вопль, махали платками, чем попало. Оркестр, заражённый общим настроением,
встал и поклонился новому светилу».
Композитор всё больше чувствовал постоянное
переутомление. Это находило отражение в его
музыке. Например, в Девятой сонате появился
мотив, который произвёл впечатление на
внимательных слушателей. Когда у композитора
спросили, что он означает, Скрябин ответил: «Это
 тема подкрадывающейся смерти».
Ответ сразу стал известен друзьям композитора. И
смерть не замедлила: прервав работу над всеми
грандиозными замыслами, она наступила через два
месяца после произнесённых слов. Он умер 27
апреля 1915 г. от внешне незначительной причины
карбункула на губе, вызвавшего общее заражение
крови. Весть о смерти композитора мгновенно облетела
всю Москву. На кладбище Новодевичьего
монастыря его провожала многотысячная толпа.
16 января далёкого 1896 года в Парижской газете
«Музыкальный гид» было напечатано: «Александр
Скрябин! Запомните это имя! Оно ещё прозвучит в
веках!» Предсказание сбылось. Его имя, его
творения продолжают звучать в веках и радовать
человечество.
Звуки музыки
Каждый воистину великий поэт, художник,
композитор дарит потомкам частицу своей души,
величайшие творения мировой культуры. Их с
увлечением читают, ими любуются, их слушают.
Такова судьба каждого из гениальных творцов. Но трём композиторам Вселенной подарено было
нечто большее.
Можно ли себе представить, скольких младенцев
матери в разных странах мира уже в первые дни
жизни приветствуют колыбельной «Спи моя
радость, усни», написанной, как утверждает
легенда, великим Моцартом? А сколько миллионов
молодожёнов вступают в брак под торжественную
и ликующую музыку «Свадебного марша»
МендельсонаБартольди! И уж совершенно
неожиданный масштаб оказался предуготован
наследию Скрябина. Не миллионы, а миллиарды
землян повседневно встречаются с его наследием.
Где бы они ни родились, где бы ни жили, чем бы ни
занимались  хоть раз в жизни им доводилось
общаться с его подарком человечеству. В далёком 1910 году (более ста лет назад!) он
завершил своё гениальное творение
симфоническую поэму «Прометей».
Прометей – один из древнейших мифологических
героев. В мифах Древней Греции он предстаёт как
благодетель (человек, который оказывает
бескорыстную помощь) человечества, наделивший
разумом «слепых, жалких людей, живших как
муравьи в пещерах». Именно Прометей научил их
строить дома, заниматься ремёслами, писать и
считать, понимать искусство.
Для блага людей, Прометей похитил у
всемогущего Зевса божественный огонь.
Рассерженный Зевс жестоко наказал дерзкого
героя. По его повелению Прометея цепями
приковали к скале, где огромный орёл клевал его
печень, за ночь, выраставшую вновь. Позже Зевс смиряет свой гнев: его сын Геракл
освобождает героя.
И поскольку героем является в поэме легендарный
похититель огня, подаривший человечеству этот
символ цивилизации, композитор впервые вводит в
партитуру музыкального произведения «голос»
огня. Впервые сочетает музыку со светом и цветом.
Попробуйте представить себе сегодня землянина,
пусть и далёкого от музыки, пусть и не
слышавшего никогда даже имени Скрябина  но не
встречавшегося с его наследием в области
цветомузыки! Ведь наверняка каждый человек хоть
раз в жизни побывал в дискотеке, на эстрадном
концерте, хоть когданибудь слушал концерт по
телевидению. И всё это происходило в
содружестве: музыки симфонической, эстрадной,
джазовой и празднества цвета и света! Александр Скрябин сразу же стал
родоначальником нового направления в
музыкальном искусстве  цветомузыки.
«Прометей» должен был сопровождаться
светоэффектами с помощью световой клавиатуры.
Зал должен был погружаться в сияние красного,
синего и других цветов. В этом сочинении
воплощались мечты композитора о синтезе
искусств, о «световой симфонии». В партитуру
была введена особая нотная строка. Композитор
обозначил её итальянским словом «luce»,
означающим «свет». Она предназначалась для ещё
не существующего инструмента.
В течение многих лет люди пытались осуществить
это световое сопровождение. К сожалению, мы так
и не узнаем, как представлял себе это световое
сопровождение сам композитор. Оркестровая ткань произведения то ювелирно
прозрачна (соло фортепиано, скрипки,
виолончели), то сгущается до мощных эпизодов
всего оркестра. В главной кульминации в конце
коды «громадный лучезарный подъем» (хор, орган,
колокол, весь состав медных и ударных
инструментов). Однако, при всей грандиозности
кульминации «Прометей» воспринимается скорее,
как самое утончённое, нежели как самое мощное
произведение Скрябина.
Вопросы и задания:
1. Что олицетворяет образ Прометея в
одноимённом симфоническом произведении А.
Скрябина?
2.
В чём состоит необычность партитуры этого
произведения? 3. Послушайте заключительный фрагмент поэмы,
воплощающий «громадный лучезарный подъём.
Какие группы симфонического оркестра
усиливает главную кульминацию произведения?
4.
Во время прослушивания обратите внимание на
введение в состав оркестра редких партий –
фортепиано, хора, органа и колоколов.
Подумайте. С какой целью они использованы.
Оливье Мессиан. Турангалила
симфония. Вознесение к звёздам
...Таинство,
Лучи света в ночи,
Отражение радости,
Птицы безмолвия... (О. Мессиан)
Его называли: сын Франции и всего мира. Оливье
Мессиан  один из самых ярких, универсальных и
своеобразных музыкантов ХХ века.
Современникам казалось, что творческий путь
Мессиана был спокоен и тих, ведь всю жизнь он
был верен двум занятиям  музыке и орнитологии,
а историки музыки нередко сравнивают его с
Бахом. Будучи примерным католиком,
значительную часть своей жизни он проработал
церковным органистом, написавшим немало
произведений духовного содержания.
Оливье Мессиан  композитор, который придумал
свою музыкальную и мировоззренческую
Вселенную, свой музыкальный и ритмический порядок, при этом сам уверял, что не придумал
ничего нового.
Детские годы будущий композитор провёл в
Авиньоне и Гренобле, городах, где его отец
знаток английской литературы, переводчик
Шекспира  преподавал в лицее английский язык.
Сильное влияние на формирование
художественной натуры ребёнка оказала его мать,
довольно известная в своё время поэтесса Сесиль
Соваж.
Сам Оливье с раннего детства проявил склонность
и талант к музыке и в 11 лет уже поступил в
Парижскую консерваторию, где занимался с
Жаном Галлоном гармонией, с Марселем Дюпре
игрой на органе и с Полем Дюка композицией.
Блестящие способности мальчика обратили на себя
внимание музыкантов и за пределами консерватории. Его сочинения для органа и для
фортепиано, написанные ещё в стенах
консерватории, были услышаны в концертах и
встретили благоприятный отклик критики.
После окончания в 1930 году консерватории
Мессиан получает назначение органистом в один из
крупнейших парижских соборов  Святой Троицы,
где проработал свыше шестидесяти лет. Уже в ту
эпоху молодой композитор проявляет себя как
пытливый искатель новых технических средств в
музыке. Он разрабатывает свою систему ладовых
формул и ритмических конструкций, основанных
отчасти на пристальном изучении древних
музыкальных источников  греческих, индийских,
григорианских. Особый интерес молодого
композитора вызывает «музыка птиц». Он
приступает к систематической записи звучаний голосов различных представителей царства
пернатых.
Мессиан нотами записывал голоса птиц,
пренебрегая всеми правилами орнитологов
традиционалистов. Специалист Московского
зоопарка Иннокентий Сметанин говорит, что
правильную картину голосов птиц дают только
графическая и фонозапись. «Были попытки
записывать голоса и нотной записью, но адекватно
записать не удалось»,  утверждает он. Не удалось
никому, кроме Мессиана, который сам ходил по
лесам с нотной тетрадкой в руках, а потом
переносил пение птиц на бумагу.
С началом в Европе Второй мировой войны Оливье
пошёл на фронт, а через несколько месяцев, во
время отступления, он оказался в немецком плену.
Один из немецких офицеров из лагерной охраны оказался любителем музыки. Он подарил Мессиану
нотную бумагу, карандаш и резинку. Среди
товарищей по заключению были скрипач,
кларнетист и виолончелист.
«Квартет на конец мира» написан для скрипки,
кларнета, виолончели и фортепиано. Однако
поскольку в распоряжении композитора не было
фортепиано, его партия была сочинена позже,
когда в лагерь было доставлено старое разбитое
пианино и устроен концерт для заключённых.
Конечно, самый факт создания музыкального
произведения в столь трагической обстановке, и
организация его исполнения перед пятитысячной
толпой заключённых, испытывавших тяжкие муки
голода, холода (исполнение состоялось 15 января
1941 года в лютый мороз), болезней, унижений, является актом высокого мужества и стойкости
перед лицом суровых испытаний.
Освобождённый из концлагеря летом 1942 года,
Мессиан возвратился в Париж где продолжил
работать при церкви, а также преподавать в
Парижской консерватории по классу гармонии.
У него учились Булез, Штокхаузен, Ксенакис. Есть
последователи Мессиана и в России.
Среди наград композитора  премия Эрнста
Сименса 1975 года, Премия Эразмус 1971го,
награда от Королевского филармонического
общества и много прочих. Кроме того, Мессиан
был удостоен почётных степеней от нескольких
учебных заведений Франции.
Оливье Мессиан много выступал как органист и
пианист, исполнитель собственных сочинений. Яркое отражение в творчестве Оливье Мессиана
нашла тема Востока. Увлечение этой
интереснейшей темой возникло у композитора
после того, как он ознакомился с трактатом
(трактат – научный труд), содержащим 120
индийских ритмов. Глубокие смыслы, заключённые
в них, были связаны с древневосточными учениями
о божествах, о космосе, о Вселенной.
После изучения культуры восточных народов
Мессиан создаёт одно из своих лучших творений –
«Турангалилусимфонию», написанную по заказу
Бостонского симфонического оркестра.
Название турангалила имеет древнеиндийское
происхождение. «Туранга» означает «бегущее
время», «движение и ритм», «гимн радости».
«Лила»  «божественная игра», «игра творения»,

description:
Конечно, всех привлекала своеобразная фамилия
Михаила Ивановича. С этой игрой слов и были
связаны многие их стихи.
Пой в восторге, русский хор,
Вышла новая новинка.
Веселися, Русь! Наш Глинка
Уж не глинка,  а фарфор.
(М. Виельгорский)
За прекрасную новинку
Славить будет глас молвы
Нашего Орфея – Глинку
От Неглинной до Невы.
(П. Вяземский)
Слушая сию новинку,
Зависть, злобой омрачась,
Пусть скрежещет, но уж Глинку
Затоптать не сможет в грязь.

intro:
Сюжет на историческую русскую тему был подсказан композитору великим поэтом В. А. Жуковским. Новая опера живо обсуждалась на вечерах в доме поэта, где бывали А. С. Пушкин, князь П. А. Вяземский, Н. В. Гоголь, князь В. Ф. Одоевский, М. Виельгорский.
Работа над оперой проходила быстро. Закончив партитуру, Глинка отдал её в дирекцию императорских театров. Правда, автору пришлось выполнить два условия - отказаться от денежного вознаграждения и переименовать оперу.

title: Урок: Михаил Глинка. Опера «Иван Сусанин»


extracted_text:
Сказочный мир Анатолия Лядова
Музыкальная судьба А. К. Лядова поначалу
складывалась очень счастливо: он родился 29
апреля 1855 г. в семье потомственных музыкантов.
Отец и дед его были дирижёрами, отец ещё и
композитором. Авторитет папы как оперного
дирижёра (он был капельмейстером Русской оперы
в Петербурге, дирижёром симфонических
концертов) был очень велик. Даже М. И. Глинка в
некоторых вопросах советовался с ним. Избрание
профессии музыканта для Анатолия и его семьи
было делом решённым. Отец ещё в раннем детстве
заметил большое дарование сына.
В 15 лет Анатолий Лядов поступил в
консерваторию. Он был зачислен на стипендию имени Константина Лядова (своего отца),
учреждённую артистами Русской оперы.
Анатолий начал заниматься по классам
фортепиано, теории и композиции. В числе его
учителей  Н. А. РимскийКорсаков.
Для формирования его таланта большую роль
сыграло общение с М. А. Балакиревым, А. П.
Бородиным, М. П. Мусоргским, высоко
оценившими его дарование. М. П. Мусоргский
писал: «Появился новый, несомненный и русский
талант». А молодому «таланту» в то время было
только восемнадцать лет. Первыми опусами
молодого композитора были четыре романса, а
также циклы фортепианных пьес «Бирюльки» и
«Арабески», которые сразу же стали известны в
кругу музыкантов. Но учение в консерватории не
было гладким. Дарование А. К. Лядова было велико. Его педагог
Н. А. РимскийКорсаков считал его «несказанно
талантливым», но нерадивым студентом. О А. К.
Лядове рассказывали, что, когда он жил в доме
своей сестры, он сам просил не кормить его
обедом, пока он не выполнит консерваторские
задания. Занятия он посещал плохо. И вот зимой
1876 г. «за непосещение занятий» его исключили из
консерватории вместе с его другом  талантливым
пианистом Г. О. Дютшем. Когда молодые люди
пришли к Н. А. РимскомуКорсакову домой с
просьбой о восстановлении и обещанием
заниматься, профессор остался непреклонен: «Я
был непоколебим и отказался наотрез. Откуда,
спрашивается, напал на меня такой бесстрастный
формализм? Конечно, Лядова и Дютша следовало
принять как блудных сынов ... Но я этого не сделал. Утешаться можно разве тем, что все к
лучшему на этом свете,  и Дютш, и Лядов стали
впоследствии моими друзьями».
Исключение из консерватории было тяжёлым
ударом для А. К. Лядова. Но через два года его
восстановили. Представленная на экзамен кантата
поправилась Художественному совету. И ему
присудили малую золотую медаль и диплом
свободного художника. Сразу после этого
двадцатитрёхлетний композитор был зачислен в
состав преподавателей консерватории.
Среди учеников А. К. Лядова были Н. Я.
Мясковский, С. С. Прокофьев, С. М. Майкапар и
др. Знаменитые педагогические афоризмы
передавались учениками «по наследству» от
старших к младшим. «Слух ведь мыслит, развивайте слуховое мышление», «Надо быть
аристократом чувств и вкусов»,  так он говорил
ученикам. Вы тоже запомните эти слова и
постарайтесь им следовать. Конечно, не все его
ученики были так талантливы, как перечисленные.
И работа в консерватории отнимала много сил и
энергии. Но он не мог оставить её и полностью
посвятить себя творчеству. В поэтическом
«Послании к другу» А. К. Лядов со свойственным
ему юмором, но и с некоторой грустью писал:
Уж лето красное промчалось!
Так дни за днями и бегут ...
Недолго жить мне здесь осталось
Опять за ненавистный труд.
Чтоб обучать девиц, мальчишек,
Терпенья должен быть излишек,
А я устал уже давно Твердить год целый все одно.
Как жалок тот, кто поясняет
Глухому звук, слепому цвет.
Ейбогу, в этом проку нет!
Лишь время попусту теряет.
К такому делу еду я
Печальная судьба моя.
В СанктПетербурге А. К. Лядов познакомился с
М. П. Беляевым и примкнул к новому
многочисленному художественному объединению
Беляевскому кружку. Значение композиторов
Беляевского содружества заключалось не только в
их новых творческих достижениях, но и в
огромной просветительской работе, укреплявшей в
России высокий музыкальный профессионализм.
Как говорил Н. А. РимскийКорсаков, «кружок
Балакирева соответствовал периоду «бури и натиска» в развитии русской музыки, кружок М. П.
Беляева  периоду спокойного шествия вперёд».
В эти годы А. К. Лядовым создано огромное
количество фортепианных миниатюр, программные
пьесы «Багатель», «Музыкальная табакерка», «Про
старину» и др., «Детские песни», обработки
народных песен.
Одна из лучших миниатюр А. К. Лядова
«Музыкальная табакерка». С каким остроумием
композитор подражает в ней звучанию
игрушечного заводного инструмента. Автор дал
миниатюре единственное обозначение:
«automaticamente», то есть «автоматично».
Ритмическое однообразие, повторность
незатейливого вальса, «стеклянная» звучность,
тонко подмеченные типичные для «музыкального ящика» форшлаги и трели передают особый
механический характер музыки.
«И как это у вас так мило в «Табакерке», когда
вдруг чтото крякнет или чихнёт вверху! Ах, как
мило, ах, как комично и грациозно!»  писал В. В.
Стасов Лядову после исполнения «Табакерки» в
авторской редакции для небольшого
инструментального состава.
Очень характерна для А. К. Лядова пьеса «Про
старину». Уже при первых звуках возникает образ
древнерусского певца Баяна. В гусельном
перезвоне  немного изменённая подлинно
народная мелодия «Подуй, подуй, непогодушка».
Позднее А. К. Лядов переложил эту пьесу для
симфонического оркестра и предпослал эпиграф
из «Слова о полку Игореве»: «Поведём же, братия,
сказанье от времён Владимировых древних». Революционные события 1905 г. всколыхнули и
его. В знак протеста против увольнения Н. А.
РимскогоКорсакова А. К. Лядов и А. К. Глазунов
покинули консерваторию. На вынужденный уход из
Московской консерватории С. И. Танеева А. К.
Лядов откликнулся «открытым письмом» в газете:
«Дорогой Сергей Иванович! С глубоким
сожалением я узнал из газет, что Вы вынуждены
оставить Московскую консерваторию. Но я не Вас
жалел, мне жаль консерваторию, которая в лице
Вас потеряла незаменимого профессора, чудного
музыканта и светлого, чистого человека, всегда
готового неослабно стоять за правду. Вы  золотая
страница Московской консерватории, и ничья рука
не в состоянии её вырвать. Глубоко уважающий
Вас Ан. Лядов». В. В. Стасов, узнав об этом, в восхищении писал:
«Милый Лядушка, только вчера узнал я Ваше
письмо к С. И. Танееву в «Руси». Вы меня чёрт
знает, как восхитили. Вот это  люди, вот это
художники». Лишь после избрания директором А.
К. Глазунова и возвращения Н. А. Римского
Корсакова вернулся в консерваторию и А. К.
Лядов.
1900е гг. были периодом огромного творческого
расцвета композитора. В этот период он создал
симфонический цикл «Восемь русских народных
песен для оркестра» и замечательные программные
миниатюры «Баба –Яга», «Волшебное озеро»,
«Кикимора». В них выразились поиски
композитора идеала в искусстве неземном. Сказка
 вот тот «просвет» в другую жизнь, манивший
художника, уводивший от обыденного в мечту. «Сказочные картинки», как композитор назвал эти
произведения,  одночастные симфонические
пьесы. Яркая живописность, «картинность»
замысла обусловили красочность всех
выразительных средств.
«Кикимора» имеет программу: «Живёт, растёт
Кикимора у кудесника в каменных горах. От утра
до вечера тешит Кикимору Котбаюн  говорит
сказки заморские. Со вечера до бела света качают
Кикимору во хрустальчатой колыбельке.
Ровно через семь лет вырастает Кикимора.
Тонешенька, чернёшенька та Кикимора, а голова
то у ней малыммалёшенька, со наперсточек, а
туловище не спознать с соломиной. Стучит, гремит
Кикимора с утра до вечера; свистит, шипит
Кикимора со вечера до полуночи; со полуночи до
бела света прядёт кудель конопельную, сучит пряжу пеньковую, снуёт основу шёлковую. Зло на
уме держит Кикимора на весь люд честной».
Очень образно музыка миниатюры рисует и
сумрачный край, где поначалу живёт Кикимора,
Котабаюна с его колыбельной песней, и
призрачное звучание «хрустальчатой колыбельки».
Но какой злобной рисует музыка саму Кикимору!
Она выражает не только её уродство, но и
внутреннюю суть Кикиморы, готовой уничтожить
всё живое. Завершается пьеса жалобным писком
флейты пикколо, как будто ктото шутя
уничтожил, раздавил источник этого большого
шума. Эту пьесу надо обязательно послушать.
Близка «Кикиморе» по сюжету и «Баба Яга». Из
сказки Афанасьева «Василиса Прекрасная»
композитор выбрал самый динамичный эпизод:
появление Яги, её полёт через дремучий лес на ступе и исчезновение. Музыка точно изображает
детали этой программы: свист Яги, а потом
стремительное движение, как будто БабаЯга
приближается к нам, а потом уносится прочь. Эту
миниатюру тоже послушайте. Стремительность,
полётность, юмористичность позволяют назвать её
русским симфоническим скерцо.
Кстати, эта образная сфера  скерцозная,
юмористическая  была близка А. К. Лядову.
Огромный материал для характеристики его юмора
дают альбомы его рисунков и три тетради стихов.
Он был хорошим поэтом и мог тут же, в разговоре,
сочинить небольшой каламбур, эпиграмму,
поздравление. Его письма к друзьям почти всегда
содержали стихотворения. Например, живя на
даче, в одном письме он жаловался на жару в
четверостишии: Ах, зачем я не скелет!
Ветер в рёбрах бы играл,
Я б жары совсем не знал
И стыда, что не одет.
Если «Баба –Яга» и «Кикимора» близки по
колориту, то «Волшебное озеро» имеет совсем
другой характер. Это было одно из немногих
произведений А. К. Лядова, которое он сам очень
любил: «Ах, как я его люблю! Как оно картинно,
чисто, со звёздами и таинственностью в глубине!»
В этой пьесе композитор хотел подчеркнуть, что
это не столько зарисовка с натуры какогото
конкретного озера (хотя оно и существовало, и А.
К. Лядов часто ходил к нему в своей Полыновке),
сколько таинственное озеро, в котором фантазия
художника могла увидеть самые необычные вещи. «Волшебное озеро» это не сама сказка, а
состояние, в котором может зародиться сказка.
Конечно, по широте охвата действительности
творчество А. К. Лядова уступает великим его
современникам. Но композитор занял всё же
видное место в истории русской музыки. Он внёс
вклад во все затронутые им области музыки.
Черты нового самобытного стиля проявились и в
его фортепианных пьесах, а особенно  в
симфонических миниатюрах, открывавших новую
самостоятельную линию в русском симфонизме.
Вопросы:
1. Назовите годы жизни А. К. Лядова.
2. С каким городом связана деятельность
композитора? 3. Как отреагировал А. К. Лядов на увольнение из
Петербургской консерватории Н. А. Римского
Корсакова?
4. Что являлось главной особенностью
творчества А. К. Лядова?
5. Перечислите известные вам произведения А. К.
Лядова.
Скрябин. Поэма огня «Прометей»
Флейты звук зоревоголубой,
Так подетскому ласковомалый,
Барабана глухой перебой,
Звук литавр торжествующеалый... (К. Бальмонт)
Музыкантфилософ Александр Николаевич
Скрябин, чьё творчество оказалось созвучным
бурной эпохе рубежа двух веков, отразило его
смелые поиски новых путей. Стремление к идеалам
добра, справедливости и всеобщего братства
людей пронизывает всё его музыкальное искусство.
Александр Скрябин родился в Москве 6 января
1872 года в семье дипломата, рано потерял мать, и
его взяла на воспитание родная тётушка Любовь
Александровна Скрябина, давшая ему первые
уроки музыки. Она вспоминала, что уже с грудного
возраста он тянулся к звукам фортепиано. А в три
года уже часами просиживал за инструментом. К
роялю мальчик относился как к живому существу. Он и сам их мастерил в детстве  маленькие
игрушечные рояли...
Музыку Скрябин стал сочинять рано  в семь лет
он написал свою первую оперу, назвав её именем
девочки, в которую был тогда влюблён.
В 11летнем возрасте, параллельно обучению в
московском кадетском корпусе в Лефортове,
начались и его регулярные музыкальные занятия в
классе известного преподавателя Московской
консерватории Н. С. Зверева, у которого в ту пору
уже учился Серёжа Рахманинов.
В ранней юности его любимый композитор
Шопен, позднее  Бетховен. Искусство композиции
он изучал у С. И. Танеева, а Московскую
консерваторию закончил в двадцать лет по классу
фортепиано, получив малую золотую медаль. В то же время он испытал большое чувство любви.
Его избранницей была пятнадцатилетняя Наташа
Секерина. На своё предложение он получил отказ,
но чувство, испытанное к ней, осталось с ним на
всю жизнь и больше не повторилось.
Скрябин начинает рано и успешно гастролировать
Берлин, Дрезден, Люцерн, Генуя, Париж.
Рецензенты, как и публика, благосклонны к нему.
«Он  весь порыв и священное пламя», «он
раскрывает в своей игре неуловимое и
своеобразное очарование славян  первых
пианистов в мире»,  писали о нём.
Скрябин обретает славу и в отечестве, и за
рубежом. Композитор Анатолий Лядов
приветствовал его новые творения словами:
«Появилось новое и великое искусство». Николай
РимскийКорсаков о нём писал: «Звезда первой величины». Лев Толстой, услышав одну из
фортепианных миниатюр композитора,
откликнулся так: «Очень искренне, искренность
дорога. По одной этой вещи можно судить, что он
большой художник».
Музыка его оказалась столь новой и непривычной,
столь дерзкой, что, например, исполнение его
Второй симфонии в Москве 21 марта 1903 года
превратилось в форменный скандал. Мнения
публики разделились: одна половина зала свистела,
шикала и топала, а другая, встав возле эстрады,
бурно аплодировала.
«Какофония»  таким страшным словом назвал
симфонию мэтр и учитель Н. А. Римский
Корсаков, а вслед за ним и десятки других
музыкальных авторитетов. Но Скрябин ничуть не
был смущён. Он уже ощущал себя мессией, провозвестником новой религии. Такой религией
для него было искусство. Он верил в его
преобразующую силу, он верил в творческую
личность, способную создать новый, прекрасный
мир.
Скрябин считал, что только искусство способно
очистить человека от злобы мира. Это
стихотворение  яркое подтверждение
поэтического дара композитора:
О, дивный образ Божества,
Гармоний чистое искусство!
Тебе приносим дружно мы
Хвалу восторженного чувства!
Ты жизни светлая мечта,
Ты праздник, ты отдохновенье,
Как дар приносишь людям ты
Свои волшебные виденья. В тот мрачный и холодный час,
Когда душа полна смятенья,
В тебе находит человек
Живую радость утешенья.
Ты силы, павшие в борьбе,
Чудесно к жизни призываешь.
В уме усталом и больном
Ты мыслей новых строй рождаешь.
Ты чувств безбрежный океан
Рождаешь в сердце, восхищённом,
И лучших песней песнь поёт
Твой жрец, тобою вдохновлённый.
Царит всевластно на Земле
Твой дух свободный и могучий.
Тобой поднятый человек
Свершает славно подвиг лучший. Придите, все народы мира,
Искусству славу воспоём!
(А. Скрябин)
Скрябин много сочиняет, его издают, исполняют,
но всё же он живёт на грани нужды, и желание
поправить свои материальные дела снова и снова
гонит его по городам и весям. Исполнение его
произведений в Европе и Америке, как правило,
вызывало восторженный приём слушателей.
Издатель журнала «Новое звено» А. Брянчанинов,
в корреспонденции из Лондона писал, как
восторженно принимала аудитория концерт
Скрябина: «Меломаны, тридцать лет посещающие
лондонские концерты, не забудут тех оваций,
которыми отблагодарила зала Скрябина. В зале
стоял какойто вопль, махали платками, чем попало. Оркестр, заражённый общим настроением,
встал и поклонился новому светилу».
Композитор всё больше чувствовал постоянное
переутомление. Это находило отражение в его
музыке. Например, в Девятой сонате появился
мотив, который произвёл впечатление на
внимательных слушателей. Когда у композитора
спросили, что он означает, Скрябин ответил: «Это
 тема подкрадывающейся смерти».
Ответ сразу стал известен друзьям композитора. И
смерть не замедлила: прервав работу над всеми
грандиозными замыслами, она наступила через два
месяца после произнесённых слов. Он умер 27
апреля 1915 г. от внешне незначительной причины
карбункула на губе, вызвавшего общее заражение
крови. Весть о смерти композитора мгновенно облетела
всю Москву. На кладбище Новодевичьего
монастыря его провожала многотысячная толпа.
16 января далёкого 1896 года в Парижской газете
«Музыкальный гид» было напечатано: «Александр
Скрябин! Запомните это имя! Оно ещё прозвучит в
веках!» Предсказание сбылось. Его имя, его
творения продолжают звучать в веках и радовать
человечество.
Звуки музыки
Каждый воистину великий поэт, художник,
композитор дарит потомкам частицу своей души,
величайшие творения мировой культуры. Их с
увлечением читают, ими любуются, их слушают.
Такова судьба каждого из гениальных творцов. Но трём композиторам Вселенной подарено было
нечто большее.
Можно ли себе представить, скольких младенцев
матери в разных странах мира уже в первые дни
жизни приветствуют колыбельной «Спи моя
радость, усни», написанной, как утверждает
легенда, великим Моцартом? А сколько миллионов
молодожёнов вступают в брак под торжественную
и ликующую музыку «Свадебного марша»
МендельсонаБартольди! И уж совершенно
неожиданный масштаб оказался предуготован
наследию Скрябина. Не миллионы, а миллиарды
землян повседневно встречаются с его наследием.
Где бы они ни родились, где бы ни жили, чем бы ни
занимались  хоть раз в жизни им доводилось
общаться с его подарком человечеству. В далёком 1910 году (более ста лет назад!) он
завершил своё гениальное творение
симфоническую поэму «Прометей».
Прометей – один из древнейших мифологических
героев. В мифах Древней Греции он предстаёт как
благодетель (человек, который оказывает
бескорыстную помощь) человечества, наделивший
разумом «слепых, жалких людей, живших как
муравьи в пещерах». Именно Прометей научил их
строить дома, заниматься ремёслами, писать и
считать, понимать искусство.
Для блага людей, Прометей похитил у
всемогущего Зевса божественный огонь.
Рассерженный Зевс жестоко наказал дерзкого
героя. По его повелению Прометея цепями
приковали к скале, где огромный орёл клевал его
печень, за ночь, выраставшую вновь. Позже Зевс смиряет свой гнев: его сын Геракл
освобождает героя.
И поскольку героем является в поэме легендарный
похититель огня, подаривший человечеству этот
символ цивилизации, композитор впервые вводит в
партитуру музыкального произведения «голос»
огня. Впервые сочетает музыку со светом и цветом.
Попробуйте представить себе сегодня землянина,
пусть и далёкого от музыки, пусть и не
слышавшего никогда даже имени Скрябина  но не
встречавшегося с его наследием в области
цветомузыки! Ведь наверняка каждый человек хоть
раз в жизни побывал в дискотеке, на эстрадном
концерте, хоть когданибудь слушал концерт по
телевидению. И всё это происходило в
содружестве: музыки симфонической, эстрадной,
джазовой и празднества цвета и света! Александр Скрябин сразу же стал
родоначальником нового направления в
музыкальном искусстве  цветомузыки.
«Прометей» должен был сопровождаться
светоэффектами с помощью световой клавиатуры.
Зал должен был погружаться в сияние красного,
синего и других цветов. В этом сочинении
воплощались мечты композитора о синтезе
искусств, о «световой симфонии». В партитуру
была введена особая нотная строка. Композитор
обозначил её итальянским словом «luce»,
означающим «свет». Она предназначалась для ещё
не существующего инструмента.
В течение многих лет люди пытались осуществить
это световое сопровождение. К сожалению, мы так
и не узнаем, как представлял себе это световое
сопровождение сам композитор. Оркестровая ткань произведения то ювелирно
прозрачна (соло фортепиано, скрипки,
виолончели), то сгущается до мощных эпизодов
всего оркестра. В главной кульминации в конце
коды «громадный лучезарный подъем» (хор, орган,
колокол, весь состав медных и ударных
инструментов). Однако, при всей грандиозности
кульминации «Прометей» воспринимается скорее,
как самое утончённое, нежели как самое мощное
произведение Скрябина.
Вопросы и задания:
1. Что олицетворяет образ Прометея в
одноимённом симфоническом произведении А.
Скрябина?
2.
В чём состоит необычность партитуры этого
произведения? 3. Послушайте заключительный фрагмент поэмы,
воплощающий «громадный лучезарный подъём.
Какие группы симфонического оркестра
усиливает главную кульминацию произведения?
4.
Во время прослушивания обратите внимание на
введение в состав оркестра редких партий –
фортепиано, хора, органа и колоколов.
Подумайте. С какой целью они использованы.
Оливье Мессиан. Турангалила
симфония. Вознесение к звёздам
...Таинство,
Лучи света в ночи,
Отражение радости,
Птицы безмолвия... (О. Мессиан)
Его называли: сын Франции и всего мира. Оливье
Мессиан  один из самых ярких, универсальных и
своеобразных музыкантов ХХ века.
Современникам казалось, что творческий путь
Мессиана был спокоен и тих, ведь всю жизнь он
был верен двум занятиям  музыке и орнитологии,
а историки музыки нередко сравнивают его с
Бахом. Будучи примерным католиком,
значительную часть своей жизни он проработал
церковным органистом, написавшим немало
произведений духовного содержания.
Оливье Мессиан  композитор, который придумал
свою музыкальную и мировоззренческую
Вселенную, свой музыкальный и ритмический порядок, при этом сам уверял, что не придумал
ничего нового.
Детские годы будущий композитор провёл в
Авиньоне и Гренобле, городах, где его отец
знаток английской литературы, переводчик
Шекспира  преподавал в лицее английский язык.
Сильное влияние на формирование
художественной натуры ребёнка оказала его мать,
довольно известная в своё время поэтесса Сесиль
Соваж.
Сам Оливье с раннего детства проявил склонность
и талант к музыке и в 11 лет уже поступил в
Парижскую консерваторию, где занимался с
Жаном Галлоном гармонией, с Марселем Дюпре
игрой на органе и с Полем Дюка композицией.
Блестящие способности мальчика обратили на себя
внимание музыкантов и за пределами консерватории. Его сочинения для органа и для
фортепиано, написанные ещё в стенах
консерватории, были услышаны в концертах и
встретили благоприятный отклик критики.
После окончания в 1930 году консерватории
Мессиан получает назначение органистом в один из
крупнейших парижских соборов  Святой Троицы,
где проработал свыше шестидесяти лет. Уже в ту
эпоху молодой композитор проявляет себя как
пытливый искатель новых технических средств в
музыке. Он разрабатывает свою систему ладовых
формул и ритмических конструкций, основанных
отчасти на пристальном изучении древних
музыкальных источников  греческих, индийских,
григорианских. Особый интерес молодого
композитора вызывает «музыка птиц». Он
приступает к систематической записи звучаний голосов различных представителей царства
пернатых.
Мессиан нотами записывал голоса птиц,
пренебрегая всеми правилами орнитологов
традиционалистов. Специалист Московского
зоопарка Иннокентий Сметанин говорит, что
правильную картину голосов птиц дают только
графическая и фонозапись. «Были попытки
записывать голоса и нотной записью, но адекватно
записать не удалось»,  утверждает он. Не удалось
никому, кроме Мессиана, который сам ходил по
лесам с нотной тетрадкой в руках, а потом
переносил пение птиц на бумагу.
С началом в Европе Второй мировой войны Оливье
пошёл на фронт, а через несколько месяцев, во
время отступления, он оказался в немецком плену.
Один из немецких офицеров из лагерной охраны оказался любителем музыки. Он подарил Мессиану
нотную бумагу, карандаш и резинку. Среди
товарищей по заключению были скрипач,
кларнетист и виолончелист.
«Квартет на конец мира» написан для скрипки,
кларнета, виолончели и фортепиано. Однако
поскольку в распоряжении композитора не было
фортепиано, его партия была сочинена позже,
когда в лагерь было доставлено старое разбитое
пианино и устроен концерт для заключённых.
Конечно, самый факт создания музыкального
произведения в столь трагической обстановке, и
организация его исполнения перед пятитысячной
толпой заключённых, испытывавших тяжкие муки
голода, холода (исполнение состоялось 15 января
1941 года в лютый мороз), болезней, унижений, является актом высокого мужества и стойкости
перед лицом суровых испытаний.
Освобождённый из концлагеря летом 1942 года,
Мессиан возвратился в Париж где продолжил
работать при церкви, а также преподавать в
Парижской консерватории по классу гармонии.
У него учились Булез, Штокхаузен, Ксенакис. Есть
последователи Мессиана и в России.
Среди наград композитора  премия Эрнста
Сименса 1975 года, Премия Эразмус 1971го,
награда от Королевского филармонического
общества и много прочих. Кроме того, Мессиан
был удостоен почётных степеней от нескольких
учебных заведений Франции.
Оливье Мессиан много выступал как органист и
пианист, исполнитель собственных сочинений. Яркое отражение в творчестве Оливье Мессиана
нашла тема Востока. Увлечение этой
интереснейшей темой возникло у композитора
после того, как он ознакомился с трактатом
(трактат – научный труд), содержащим 120
индийских ритмов. Глубокие смыслы, заключённые
в них, были связаны с древневосточными учениями
о божествах, о космосе, о Вселенной.
После изучения культуры восточных народов
Мессиан создаёт одно из своих лучших творений –
«Турангалилусимфонию», написанную по заказу
Бостонского симфонического оркестра.
Название турангалила имеет древнеиндийское
происхождение. «Туранга» означает «бегущее
время», «движение и ритм», «гимн радости».
«Лила»  «божественная игра», «игра творения», «любовь». Симфония «Турангалила»  это песнь
любви, гимн радости» ...
Для воплощения грандиозных смыслов,
заключённых в названии, композитор обратился к
крупному музыкальному жанру симфонии. При
этом симфонический цикл он расширил до десяти
частей!
Потрясает огромный состав оркестра, в котором
особенно выделяется группа ударных
инструментов. Помимо большого барабана мы
слышим мощные, «колокольные» удары тамтама,
сверкающие серебристые звоны турецких тарелок,
шумовой гул китайских тарелок.
Ярчайший фрагмент симфонии – пятая часть
«Ликование звёзд». В огненном вихре звучаний
перед нами проносятся мириады (неисчислимое
множество) звёзд, освещаемых красочными потоками света. Не только звёзды, но и вся
природа – горы, моря, океаны – участвует в
грандиозном музыкальном действии. Мы
наблюдаем космическую игру, по словам
Мессиана, «ослепительную, безмерную,
сверхчеловеческую радость».
В середине и в заключении солирует музыкальный
инструмент «Волны Мартено». Его необычное,
«космическое «звучание достигается за счёт
электрозвуковых вибраций.
Во время Первой мировой войны, когда на долгое
время гул разрывающихся снарядов, свист пуль,
скрежет гусениц танков и т.п. наполняли
окружающий мир, французский радист Морис
Мартено, сидя в окопах, мечтал найти новое
звучание, которое бы заглушило ноты войны.
Экспериментируя с военной радиостанцией, он заинтересовался необычным «поющим» звуком,
который издавали лампы оборудования. Будучи
музыкантом по призванию (он в совершенстве
играл на скрипке), ему не составило труда
превратить случайные электрические звуки
радиостанции в незатейливые мелодии.
После окончания войны, увлечённый
электрическим звучанием, Морис Мартено
продолжил свои эксперименты. Почти десять
лет он работал над своим проектом и только
лишь в 1928 году достиг желаемого результата.
В этом же году на Парижской выставке он
представил мировому сообществу своё
изобретение, назвав его «Волны Мартено.
Поскольку это был один из первых подобных
инструментов, изобретение Мартено вызвало
оживлённый интерес. Мартено действительно удалось найти новое
звучание. Люди, впервые услышавшие в 1928 году
его инструмент, окрестили его «космическим
пианино», поскольку он издавал необычные для
того времени неземные звуки, которые
одновременно кажутся и радостными, и
загадочными, и величественными!
В настоящее время, когда современные
синтезаторы способны воспроизвести
множество сложнейших звуков, инструмент
Мориса Мартено потерял свою актуальность, но
некоторые музыканты, отдавая дань истории,
всё же продолжают его использовать в своём
творчестве.
Вопросы и задания: 1. Какие смыслы заключает в себе
древнеиндийское слово «турангалила»?
2. Послушайте пятую часть «Турангалилы
симфонии» О. Мессиана. За счёт каких средств
музыкальной выразительности достигается
эффект грандиозности звучания? Слова для
справок: ритм, мелодия, лад (мажор, минор),
динамика, тембр, оркестровка.
Роберт Шуман. Карнавал. Арлекин и Пьеро
Музыка  воспоминание о самом прекрасном,
что когдалибо жило и умирало на земле.
(Р. Шуман) Роберт Шуман родился 8 июня 1810 года в городе
Цвиккау, в музыкальной семье. Отец его был
известный торговец книгами, книгоиздатель, и
Роберт был младший из 5 детей. От отца Шуман
унаследовал страстную любовь к поэзии и
литературе. Учась в гимназии он организовал там
поэтический кружок, сам писал стихи и даже
драмы. Увлечение поэзией сыграло очень важную
роль в будущем музыкальном творчестве Шумана.
С семи лет Роберт обучался музыке, брал уроки
фортепиано у местного органиста,
импровизировал, сочинял пьесы. Его
импровизации, его дирижирование маленьким
оркестром товарищей по гимназии, когда ему было
12 лет, указывали на то, что в нём наряду с
литературным таится музыкальное дарование. До 16 лет мальчик не знал, кем он будет, какую
дорогу в жизни ему избрать. Хотя, он по желанию
матери, и поступил в университет города
Лейпцига, чтобы стать юристом, но занятия
юридическими науками не особенно увлекали его.
Юноша уже почувствовал вкус удачного старта в
мире музыкального искусства. Он достиг больших
успехов как виртуозный пианист и органист. Он
старательно изучал музыку великих композиторов
Моцарта и Вебера. Он сам создавал музыкальные
зарисовки, которые музыкальными звуками умело
передавали изображение человека. Он полюбил
творчество Шуберта, и сам написал несколько
песен.
Добившись разрешения матери посвятить себя
музыке, Шуман начинает готовить себя к карьере
пианиставиртуоза. Молодой музыкант понимал, что упустил много времени в совершенствовании
игры на фортепиано. Желая поскорее добиться
совершенства, он изобрёл аппарат, который, по его
мнению, должен был ускорить процесс развития
его рук. Он представлял собой гирю, которая
подвешивалась к потолку и прикреплялась к
пальцу пианиста. К сожалению, аппарат этот не
помог, а, наоборот, привёл к тому, что Шуман
повредил себе палец. Для пианиста это было
непоправимое горе!
Шуман понял, что карьера великого пианиста для
него стала недосягаемой, и тогда он решил
заняться композиторством. Он стал ещё усерднее
изучать музыкальные труды других авторов, в
первую очередь И. С. Баха. Композиторская
деятельность Шумана продолжалась 24 года. В его
сочинениях присутствует удивительная самобытность – его мелодии узнаются с первых
звуков. Красивые напевы, полные необычайной
прелести и выразительности, широкий полёт
романтической фантазии придают фортепианным
пьесам Шумана особенное звучание.
В 1844 году Шуман вместе со своей женой –
пианисткой Кларой Шуман – совершил
концертную поездку в Россию. В Петербурге и
Москве музыка Шумана имела большой успех.
Великие русские музыканты
– Чайковский, Рубинштейн, представители
«Могучей кучки»  были подлинными ценителями
его творчества.
Во время поездки в Россию Клара Шуман вела
путевой дневник, и об этом она написала в своём
дневнике. Сейчас её дневник издан в виде книги, и
каждый может прочитать о том, как Шумана встречали в России. Русским музыкантам
пришлись по душе новаторство Шумана,
оригинальность его музыки, свобода творческих
замыслов и поэтичность, всё это привлекло к нему
симпатии широких кругов слушателей и передовых
музыкантов.
Немецкий композитор Роберт Шуман хотел,
чтобы, по его словам, «музыка исходила из
глубины настоящего и была не только приятной
забавой, красивой по звучанию, но и стремилась к
чемуто ещё». В своей музыке – и для детей, и для
взрослых – Шуман дал именно такие
замечательные образцы, способные вызывать
восторг у слушателей до сих пор.
Каждое из произведений Шумана  это прекрасная
музыка, полная соцветия образов, равнозначных по яркости и глубине мыслей. Шуман вкладывал в
каждое своё сочинение всего себя, всю свою жизнь.
Жизнь композитора закончилась рано. Но,
несмотря на это, мы всётаки можем считать его
счастливым. Он выполнил задачу своей жизни:
оставил нам на память образец настоящего
артиста, который был исполнен честного
прямодушия, благородства и духовности.
Поэтому, перечисляя имена великих
композиторов, люди будут вспоминать и имя
Роберта Шумана.
Звуки музыки
Карнавал – это народный танецшествие,
первоначально возникший в Италии. Карнавал –
это веселье и радость, море красок, обилие зажигательных мелодий и ритмов. Его участники
одеты в яркие костюмы и маски.
Привычными гостями итальянских карнавалов
являются любимые народнокомедийные
персонажи. Среди них задира и насмешник
Пульчинелла (итальянский «брат» русского
Петрушки. Нескладный и ребячливый Арлекин,
мечтательный Пьеро. Эти персонажи показывают
весёлые представления. Развлекая народ, они
много балагурят, танцуют и поют.
Итак, поднимем крышку рояля, пригласим
пианиста и  на карнавал! Мы отправляемся на
«Карнавал» немецкого композитора Роберта
Шумана.
...Рояль зазвучал точно фанфары  весело и
торжественно. Фанфары возвещают нам, что
праздник уже начался. Вот он, непременный участник всех карнавалов  вальс. Танцуют пёстрые
маски, кружится, кружится вальс. Потом музыка
изменилась, теперь рояль звучит взволнованно,
страстно... Мы, кажется, услышали чейто
разговор? Нетнет, не будем подслушивать чужие
секреты. Скорее дальше за пёстрым и ярким
хороводом. Звучит уже не вальс, а задорный галоп.
Закончилось вступление к «Карнавалу».
Теперь будем рассматривать маски.
...Нехорошо смеяться над грустным человеком. Но
удержаться от смеха трудно  уж очень он
неуклюж. Бродит среди толпы и каждую минуту на
чтото натыкается. Чемто он напоминает нам
гномика из «Картинок с выставки». Но гномик был
деловитым, серьёзным и таинственным, а этот
унылый и меланхоличный. Таким нам рисует его
музыка  медленная, словно нехотя сыгранная фраза, и сразу же её обрывает другая, коротенькая
 из трёх нот, громких и резких. Помните, в
«Гноме» тоже так чередовались музыкальные
фразы. Только там энергично, напористо, а здесь
вяло, медленно.
Да, удивительно нелепая фигура встретилась нам
на карнавале. А ведь вы очень хорошо знаете эту
маску. Вы встречались с ней, когда читали
«Золотой ключик» Алексея Толстого. Это Пьеро.
Унылый Пьеро в белом балахоне с чёрными
помпонами, с рукавами, свисающими почти до
полу. Топчется среди весёлых гостей, скучает...
Казалось бы, ему здесь и быть не хочется. А вот
поди ж ты  ни один карнавал без него не
обходится.
Ну, а там, где Пьеро, там ищи его всегдашних
спутников  Арлекина и Коломбину. Эта троица всегда неразлучна. С самых давних времён, когда
только начинал создаваться народный итальянский
театр масок, или, как его называют в Италии,
«комедия дель арте». Мы сказали, что эта троица
неразлучна. Почему же тогда в «Золотом ключике»
один только Пьеро? Где же остальные?
А они там есть, только зовут их иначе. Ведь
озорной деревянный мальчишка, непоседа и хитрец
Буратино, очень похож на Арлекина. А место
Коломбины заняла кокетливая, хорошенькая
Мальвина.
Значит, и здесь, на карнавале, они тоже втроём.
Так и есть.
Живая, лёгкая и чуть поддразнивающая музыка.
Вот он, насмешник и весельчак Арлекин! Так и
видишь перед собой его изящную фигурку в
пёстром трико. Сквозь прорези маски блестят лукавые живые глаза. Этот не станет спотыкаться
на каждом шагу. Слышите, как озорно взлетает
музыка... Несколько лёгких шагов  и взлёт,
прыжок. Ещё, ещё... Только что был здесь, и вот
его уже нет  стремительно пронеслась вихрем
музыка  и закончилась.
Снова проходят перед нами маски... Наконецто!..
Вот она, Коломбина. Музыка кокетливая,
дразнящая  Коломбина танцует... А кто её
партнёр? Смешной старик Панталоне  тоже один
из героев комедии дель арте. Он уморительно
ковыляет на своих худых, негнущихся ногах,
ухаживает за красоткой Коломбиной. Коломбина
подшучивает над стариком Панталоне,
кокетничает с ним и, конечно же, убегает  зачем
ей старый Панталоне, когда гдето здесь, на
карнавале, её Арлекин. Снова проходят перед нами маски... Эвзебий,
Флорестан, Киарина, Эстрелла…
А теперь попрошу вас пройти вот сюда. Здесь
собралась группа людей без карнавальных
костюмов и масок. Это друзья Шумана.
«Шляпы долой, господа! Перед вами  гений!»
сказал об этом человеке Шуман. Сказал тогда,
когда этот человек был ещё очень молод, когда его
музыку знали ещё очень немногие. Музыку?
Значит, этот человек композитор? Совершенно
верно.
Что напоминает нам музыка, изображающая этого
человека? Пожалуй, вот что  прелюдию Шопена.
Те же мелодические обороты, то же настроение
лирическое и грустное, та же поэзия звуков, а
главное  звучание рояля... Помните? «Он  душа
фортепиано». Сам Шуман тоже гениально чувствовал природу рояля, он очень много писал
для фортепиано. Так ему ли не понять душу юного
Шопена!..
Да, друзья мои, это Шопен.
Ещё один человек без маски в пёстрой толпе.
Подойдём к нему.
...Как удивительно, непривычно звучит рояль!
Стремительные резкие скачки, неудержимое,
вихревое движение  всё это скорей подошло бы
скрипке в руках виртуоза.
Маэстро Паганини! И вы пришли на карнавал?
Простите, пожалуйста, вы не встречали здесь
композитора Шумана? Нам непременно нужно его
найти. Должен же он быть на этом карнавале. Торжественно зазвучал марш. В нём чувствуется
какойто воинственный задор. Началось финальное
шествие.
Но куда же делись маски? Панталоне, Пьеро,
Коломбина, Арлекин?.. Их больше нет. Карнавал
окончен.
О! Здравствуйте, композитор Шуман. Наконецто
мы встретились. Снята последняя маска  и под
ней то же, знакомое всему миру лицо гениального
немецкого композитора Роберта Шумана.
Ярко, красиво нарисовал Роберт Шуман
музыкальные портретымаски!
В юности Шуман был очень весёлым человеком,
неистощимым выдумщиком. В музыке «Карнавала»
это чувствуется особенно сильно. Вот что писал
русский композитор и критик Цезарь Кюи, когда услышал «Карнавал»: «Нужно иметь
неисчерпаемый талант Шумана, чтобы так
беспечно и в таком количестве расточать его в
одном произведении».
В России карнавальные шествия появились в XVIII
веке. Впервые они прошли в Петербурге 300 лет
назад в честь проводов зимы и встречи весны.
Вопросы и задания:
1. Можно ли считать пьесы Р. Шумана
«Арлекино» и «Пьеро» музыкальными
портретами? Какими показаны персонажи этих
пьес? Что отличает их характеры, походку,
движения?
2. Послушайте романс К. Дебюсси «Пьеро».
Только ли потешным комедиантом предстаёт его
герой? В чём причина несчастья Пьеро? Франц Шуберт. Песни и танцы
Австрийский композитор Франц Шуберт,
современник Моцарта и Бетховена, Шуберт
прожил очень мало – всего 31 год. Но зато его
наследие огромно. За свою короткую и притом
нелёгкую жизнь Шуберт успел создать более
тысячи произведений и в них одарил человечество
настоящими россыпями музыкальных
драгоценностей.
Это прежде всего его песни для голоса с
фортепиано, которых он написал более шести
сотен, подняв жанр на небывалую художественную высоту. Много шедевров и среди других его
произведений  симфоний, фортепианных сонат и
пьес, камерных инструментальных ансамблей.
Однако самыми популярными его сочинениями
остаются песни и фортепианные пьесы. Никто из
юных музыкантов не прошёл мимо вальсов или
других его танцев для фортепиано.
Очень жаль, что композитор прожил такую
недолгую жизнь. Но и то, как он её прожил,
заставляет говорить о настоящем творческом
подвиге.
Юный Франц Шуберт ещё в школьные годы начал
сочинять музыку, причём он делал это настолько
профессионально, что это вызывало у его отца
тревогу. Отец Шуберта хорошо знал, как труден
был путь музыкантов, даже всемирно признанных,
таких, как Моцарт и Бетховен. Отец хотел уберечь своего сына от подобной участи, и его усилия
вылились в серьёзную ссору с сыном, в результате
чего юный Шуберт был вынужден уйти из дома.
В течении всей жизни композитор не имел своего
собственного угла. Он проживал то у одного из
своих приятелей, то у другого. Большей частью он
жил в столице Австрии – городе Вене. И венцы
узнали и полюбили его музыку. Главным образом
его песни. Секрет их выразительности заключался
в близости к народным – австрийским, венгерским,
славянским.
Песни занимали в творчестве Шуберта главное
место. Интересно отметить, что в своих
произведениях Шуберт выводит нового героя –
простого скромного человека, который
рассказывает с помощью музыки о своих
маленьких жизненных событиях, об эпизодах счастья или страданий. Словом, песни Шуберта
повествуют о том, с чем в жизни обычно
сталкивается каждый человек.
Часто единственным другом героя Шуберта
становится природа. Природе он поверяет свои
мысли, надежды и печали. Поэтому в песнях
присутствуют образы ручейка, леса, цветов, птиц,
ночного простора. Эти художественные образы
окружают героя песен, разделяют его странствия,
радости и горести.
Одна из песен называется «В путь». Эта песня
открывает целый музыкальный цикл Шуберта под
названием «Прекрасная мельничиха». Юноша
мельник отправляется в путь на поиски счастья.
Это рассказ о первой встрече на пути странника –
встрече радостной, созвучной его настроению. Музыкальное сопровождение песни «В путь»
рисует игру воды в ласковом и приветливом
ручейке. Водяная мельница с крутящимися
колёсами, бегущей водой создаёт образ весёлого
движения. Простая бесхитростная мелодия очень
хорошо передаёт радостное настроение мельника.
Песня Шуберта «Форель»  одна из самых
популярных его произведений. В песне говорится о
том, как поэт наблюдает за игрой весёлой
серебристой рыбки в горном ручье. Но рыбак,
ловящий рыбу, чтобы поймать её, замутил воду в
ручье, и бедняжка форель попалась на его удочку.
Поэт сострадает бедной рыбке, описывая
злорадство рыбака: «Он взял её с улыбкой, я волю
дал слезам». Мелодия песни звучит на фоне
быстрых скользящих вверх фраз, напоминающих
всплески воды. Вечная материальная необеспеченность и
беспрерывные жизненные неудачи тяжело
отразились на здоровье Шуберта. Однако никто из
его друзей не отмечал, чтобы Шуберт впадал в
мрачное настроение. Маленького роста, плотный,
коренастый и близорукий, Шуберт превращал
встречи с друзьями в настоящие музыкальные
праздники, которые даже прозвали
«шубертиадами». В такие вечера композитор не
отходил от фортепиано, на глазах у публики
сочиняя свои замечательные вальсы.
Но вместе с тем композитор был большим
тружеником. Он много работал, систематически,
изо дня в день. Сам он так и говорил: «Я сочиняю
каждое утро. Когда кончаю одну пьесу, я начинаю
другую». Были дни, когда он сочинял до десяти
песен в день! Также Шуберт мог к одним и тем же словам
написать по нескольку различных мелодий. Так, к
одному варианту текста он однажды сочинил семь
различных мелодий. Музыкальные мысли посещали
его даже во время сна. Тогда он просыпался и
стремился скорее их записать. Поэтому он даже
спал в очках! А друзья старались помогать ему в
покупке нотной бумаги.
Настоящей жемчужиной вокальной лирики
является «Серенада» Ф. Шуберта. Песни под
названием серенада обычно исполнялись
влюблёнными юношами под окнами у
возлюбленных. Пелись они в вечернее или ночное
время. Исполнители серенад аккомпанировали
себе на гитаре или мандолине. Серенада Шуберта
полна светлых, мечтательных настроений. Её
мелодия льётся плавно и неторопливо, а написана она в мягком ритме вальса. Фортепианное
сопровождение серенады напоминает нам звучание
гитары.
«Ave, Maria»  одно из самых светлых и
лирических вокальных произведений Ф. Шуберта.
Неземная красота этой музыки сделала молитву
Деве Марии наиболее популярным религиозным
сочинением Шуберта. «Ave Maria»  начальные
слова католической молитвы, обращённой к
Святой Деве Марии, которую у нас называют
Богородицей.
Текст для этой песни Шуберт взял из поэмы «Дева
озера» английского писателя Вальтера Скотта
автора «Айвенго» и многих других увлекательных
романов. В поэме, действие которой происходит в
XVI веке, это слова песни, которую поёт юная
девушка Эллен. Вместе с отцом, храбрым воином, оклеветанным перед королём Шотландии и
изгнанным им, и верным старым бардом она
скрывается в глухих дебрях  краю диких скал,
мрачных лесов и хрустальных озёр. (В
средневековой Шотландии бардами называли
странствующих поэтовпевцов.) В своей песне,
которой бард аккомпанирует на арфе, Эллен
обращается к Деве Марии, прося защиты от
жестоких преследователей.
Песня Шуберта пленяет красотой своей плавной
мелодии, сочетающей лирическую
выразительность, женственность и возвышенность
настроения.
Музыкальный момент  это небольшая
инструментальная пьеса, в которой могут быть
выражены разные переживания человека: лёгкая
грусть и грустьскорбь, взволнованность и тревога.

description:
3. Как отреагировал А. К. Лядов на увольнение из
Петербургской консерватории Н. А. Римского
Корсакова?
4. Что являлось главной особенностью
творчества А. К. Лядова?
5. Перечислите известные вам произведения А. К.
Лядова.
Скрябин. Поэма огня «Прометей»
Флейты звук зоревоголубой,
Так подетскому ласковомалый,
Барабана глухой перебой,
Звук литавр торжествующеалый...

description:
В тот мрачный и холодный час,
Когда душа полна смятенья,
В тебе находит человек
Живую радость утешенья.
Ты силы, павшие в борьбе,
Чудесно к жизни призываешь.
В уме усталом и больном
Ты мыслей новых строй рождаешь.
Ты чувств безбрежный океан
Рождаешь в сердце, восхищённом,
И лучших песней песнь поёт
Твой жрец, тобою вдохновлённый.
Царит всевластно на Земле
Твой дух свободный и могучий.
Тобой поднятый человек
Свершает славно подвиг лучший.

description:
3. Послушайте заключительный фрагмент поэмы,
воплощающий «громадный лучезарный подъём.
Какие группы симфонического оркестра
усиливает главную кульминацию произведения?
4.
Во время прослушивания обратите внимание на
введение в состав оркестра редких партий –
фортепиано, хора, органа и колоколов.
Подумайте. С какой целью они использованы.
Оливье Мессиан. Турангалила
симфония. Вознесение к звёздам
...Таинство,
Лучи света в ночи,
Отражение радости,
Птицы безмолвия...

description:
1. Какие смыслы заключает в себе
древнеиндийское слово «турангалила»?
2. Послушайте пятую часть «Турангалилы
симфонии» О. Мессиана. За счёт каких средств
музыкальной выразительности достигается
эффект грандиозности звучания? Слова для
справок: ритм, мелодия, лад (мажор, минор),
динамика, тембр, оркестровка.
Роберт Шуман. Карнавал. Арлекин и Пьеро
Музыка  воспоминание о самом прекрасном,
что когдалибо жило и умирало на земле.
(Р. Шуман)

description:
Франц Шуберт. Песни и танцы
Австрийский композитор Франц Шуберт,
современник Моцарта и Бетховена, Шуберт
прожил очень мало – всего 31 год. Но зато его
наследие огромно. За свою короткую и притом
нелёгкую жизнь Шуберт успел создать более
тысячи произведений и в них одарил человечество
настоящими россыпями музыкальных
драгоценностей.
Это прежде всего его песни для голоса с
фортепиано, которых он написал более шести
сотен, подняв жанр на небывалую художественную

музыка

group: Дисциплины

title: Урок: Сказочный мир Анатолия Лядова