extracted_text:
Математический ералаш
Разработка внеклассного мероприятия
Сургутский политехнический  колледж2018
Составитель: Масанина Т.Н., преподаватель математики
Рассмотрено   на   заседании   методического   объединения   «Математика,   физика,
информатика». Протокол №           от                  2018
Рекомендовано к печати Методическим советом Сургутского профессионального
колледжа. Протокол №          от               2018года МАТЕМАТИЧЕСКИЙ ЕРАЛАШ
Внеклассное мероприятие
Цель: Способствовать умению применять свои знания в
нестандартных ситуациях, развитию творческих и коммуникативных
способностей учащихся, стимулированию интереса к предмету,
развитию чувства солидарности и здорового соперничества.
Мероприятие проводится с учащимися  первого курса в группах 712, 713, 714 и 743.
Оборудование: мультимедийный проектор, экран, компьютерное оснащение.
Ход мероприятия:  Игра начинается с представления  участников  и сообщаются правила
игры.
Слово «ералаш» означает «перемешанный, мешанина» и взято из тюркских языков.
Ведущий 1:  О, сколько нам открытий чудных,
Готовит просвещения дух…
И опыт, сын ошибок трудных,
И гений, парадоксов друг…
   (А.С. Пушкин)
Ведущий 2:
Сегодня мы откроем тайну,
Секрет математических чудес необычайных,
Мы все необыкновенные задания
Рассмотрим, докажем и решим,
Ведь дух творчества никем
И никогда не победим!
Ведущий 1:  Доброго  всем  дня,  уважаемые   коллеги,  «учащиеся»,  добро  пожаловать   на
мероприятие, тема которого «Математический ералаш». Эпиграфом к уроку  мы    взяли
замечательные слова А.С. Пушкина. Прежде чем мы начнем мероприятие, я хотела, чтобы
вы обратили внимание на листопроса  «Что значит для Вас математика?»
Учащиеся отвечают письменно на вопрос: что для вас значит математика?
… сухой, скучный, безжизненный предмет;
… темный лес;
… развлечение;
… стройное, красивое, почти философское учение.
Помощники обрабатывают листы опроса.
Ведущий 2:
После   мероприятия   мы   вернемся   к   листуопроса.   Изменится   ли   Ваше   мнение   о
математике?
Ведущий 1: Древнегреческий ученый философ Аристотель сказал: «Познание начинается с
удивления». Не менее удивительно следующее задание, которое я хочу Вам предложить.
Ведущий 2:  А сейчас разминка.  Самым активным участникам выдается жетон. А в конце
мы подведем итоги и определим победителей.
Ведущий 1:  Как называется результат сложения? (Сумма)
Ведущий 2:   Сколько минут в одном часе? (60) Ведущий 1: Как называется прибор измерения углов? (Транспортир)
Ведущий 2:  На что похожа половина яблока? (На другую половину)
Ведущий 1: Назовите наименьшее трехзначное число? (100)
Ведущий 2:  Тройка лошадей пробежала 30 км. Какое расстояние пробежала каждая
лошадь? (30 км)
Ведущий 1: Вы хорошо потренировались, а  сейчас слово предоставляется  Ване. Он
изучил магию чисел и сейчас нам это  продемонстрирует.
Фокус “Угадать задуманное число”.
Фокусник предлагает комунибудь из учащихся написать на
листе бумаги любое трехзначное число. Далее приписать к
нему это же число еще раз. Получится шестизначное число.
Передать  лист  соседу,  пусть  он  разделит   это  число   на  7.
Передать   листочек   дальше,   пусть   следующий   ученик
разделит полученное число на 11. Снова передать результат дальше, следующий ученик
пусть разделит полученное число на 13. Затем передать листочек “фокуснику”. Он может
назвать задуманное число.
Разгадка фокуса:
Когда мы к трехзначному числу приписали такое же число, то мы тем самым умножили его
на 1001, а затем, разделив последовательно на 7, 11, 13, мы разделили его на 1001, то есть
получили задуманное трехзначное число.
Фокус “Угадывание дня, месяца и года рождения”
Фокусник предлагает учащимся выполнить следующие действия: “Умножьте номер месяца,
в котором вы родились, на 100, затем прибавьте день рождения, результат умножьте на 2, к
полученному числу прибавьте 2, результат умножьте на 5, к полученному числу прибавьте
1, к результату припишите 0, к полученному числу прибавьте еще 1 и, наконец, прибавьте
число   ваших   лет.   После   этого   сообщите,   какое   число   у   вас   получилось”.   Теперь
“фокуснику” осталось от названного числа отнять 111, а потом остаток разбить на три
грани справа налево по две цифры. Средние две цифры обозначают день рождения, первые
две или одна – номер месяца, а последние две цифры – число лет, зная число лет, фокусник
определяет год рождения.
Фокус “Угадать задуманный день недели”.
Пронумеруем все дни недели: понедельник – первый, вторник – второй и т. д. Пусть кто
нибудь   задумает   любой   день   недели.   Фокусник   предлагает   ему   следующие   действия:
умножить номер задуманного дня на 2, к произведению прибавить 5, полученную сумму
умножить на 5, к полученному числу приписать в конце 0, результат сообщить фокуснику.
Из этого числа он вычитает 250 и число сотен будет номером задуманного дня. Разгадка
фокуса:   допустим,   задуман   четверг,   то   есть   4   день.   Выполним   действия:
((4×2+5)*5)*10=650, 650 – 250=400.
Фокус “Число в конверте” Фокусник пишет на бумажке число 1089, вкладывает бумажку в конверт и заклеивает его.
Предлагает комунибудь, дав ему этот конверт, написать на нем трехзначное число такое,
чтобы крайние цифры в нем были различны и отличались бы друг от друга больше, чем на
1. Пусть затем он поменяет местами крайние цифры и вычтет из большего трехзначного
числа меньшее. В результате пусть он снова переставит крайние цифры и получившееся
трехзначное число прибавит к разности двух первых. Когда он получит сумму, фокусник
предлагает ему вскрыть конверт. Там он найдет бумажку с числом 1089, которое у него и
получилось.
Фокус “Угадать зачеркнутую цифру”.
Пусть   ктолибо   задумает   какоенибудь   многозначное   число,   например,   число   847.
Предложите ему найти сумму цифр этого числа (8+4+7=19) и отнять ее от задуманного
числа. Получится: 84719=828. в том числе, которое получится, пусть он зачеркнет цифру
–   безразлично   какую,   и   сообщит   вам   все   остальные.   Вы   немедленно   назовете   ему
зачеркнутую   цифру,   хотя   не   знаете   задуманного   числа   и   не   видели,   что   с   ним
проделывалось.
Выполняется это очень просто: подыскивается такая цифра, которая вместе с суммою вам
сообщенных   цифр   составила   бы   ближайшее   число,   делящееся   на   9   без   остатка.   Если,
например, в числе 828 была зачеркнута первая цифра (8) и вам сообщили цифры 2 и 8, то,
сложив 2+8, вы соображаете, что до ближайшего числа, делящегося на 9, т. е. до 18 – не
хватает 8. Это и есть зачеркнутая цифра.
Почему так получается?
Потому   что   если   от   какоголибо   числа   отнять   сумму   его   цифр,   то   останется   число,
делящееся на 9 без остатка, иначе говоря, такое, сумма цифр которого делится на 9. В
самом деле, пусть в задуманном числе а – цифра сотен, в – цифра десятков, с – цифра
единиц. Значит всего в этом числе единиц 100а+10в+с. Отнимая от этого числа сумму
цифр (а+в+с), получим: 100а+10в+с(а+в+с)=99а+9в=9(11а+в), т. е. число, делящееся на 9.
При выполнении фокуса может случиться, что сумма сообщенных вам цифр сама делится
на 9, например 4 и 5.Это показывает, что зачеркнутая цифра либо 0, либо 9.Тогда вы
должны ответить: 0 или 9.
Ведущий 2: А сейчас гимнастика для ума.
Ведущий 1: Назовите число, «разделяющее» положительные и отрицательные числа. (0)
Ведущий 2: Одна сотая часть числа. (1%)
Ведущий 1: Третий месяц летних каникул. (Август)
Ведущий 2: Другое название независимой переменной. (Аргумент)
Ведущий 1: Наименьшее четное натуральное число. (2)
Ведущий 2: Соперник нолика. (Крестик)
Ведущий 1:      А теперь немного истории…
Ведущий 2:    В Древней Греции «софисты» (от греческого слова sofos, означающего
мудрость) – мыслители, люди, авторитетные в различных вопросах.  Их задачей обычно
было научить убедительно защитить любую точку зрения. Ведущий 1:    Софизм формально кажущееся правильным, но по существу ложное
умозаключение, основанное на неправильном подборе исходных положений (словарь
Ожегова).
Ведущий 2:   Математический софизм – удивительное утверждение, в доказательстве
которого кроются незаметные, а подчас и довольно тонкие ошибки.
Ведущий 1:        А сейчас слово предоставляется главному специалисту по софизмам
Татьяне.
Таня. (презентация)
Слайд 1
Софизм №1 «Пять равно шести»
Возьмем тождество
              35+105=42+1254.
   В  каждой  части вынесем за скобки общий множитель:

 c   =
              5(7+29)=6(7+29).
   Теперь, получим, что 5=6. Где ошибка?
Слайд 2     Разбор софизма
  Ошибка допущена при делении верного  равенства
                 5(7+29)=6(7+29)
на число    7+29, равное 0. Этого нельзя делать.
   Любое равенство можно делить только на число, отличное от 0.
Слайд 3
Софизм №2     «Один рубль не равен ста  копейкам»
Известно, что любые два равенства можно перемножить почленно, не нарушая при этом
равенства, т. е.если
     а = b    и

 d  ,   то
   ac = bd
Слайд 4
Применим это положение к двум очевидным равенствам:

                            1 рубль = 100 копейкам  и
                        10 рублей = 1000 копеек____________
   Перемножая эти равенства почленно,   получим
                      10 рублей = 100 000 копеек
    и разделив последнее равенство на 10, получим, что
                       1 рубль = 10 000 копеек
   Таким образом,    один рубль не равен ста копейкам.   Где ошибка?
Слайд 5
Разбор софизма:  Ошибка, допущенная в этом софизме,  состоит в нарушении правила
действий с  именованными величинами: все действия,  совершаемые над величинами,
необходимо совершать также и над их размерностями.
Слайд 6.
Софизм №3 «Дважды два    пять»
Напишем тождество 4:4=5:5.
  Вынесем из каждой части тождества общие   множители за скобки, получаем:
            4(1:1)=5(1:1) или  2*2(1:1)=5(1:1)
   Так как 1:1=1, то сократим и получим  4=5.              Где ошибка?
Разбор софизма. Ошибка сделана при вынесении общих множителей 4 из левой части и 5 из
правой. Действительно, 4:4=1:1, но 4:4≠4(1:1).
Слайд 7  Софизм №4  «Уравнение xa=0 не имеет корней»
Дано уравнение xa=0. Разделив обе части этого уравнения на xa, получим, что 1=0.
Поскольку это равенство неверное, то это означает, что исходное уравнение не имеет
корней.     Где ошибка?
Разбор софизма. Поскольку x=a – корень уравнения, то, разделив на выражение xa обе его
части, мы потеряли этот корень и поэтому получили неверное равенство 1=0.
Ведущий 2:  А сейчас снова переходим к разминке
Ведущий 1:  Часть прямой, ограниченной двумя точками? (Отрезок)
Ведущий 2: Число, обратное 2. (0,5)
Ведущий 1:  Одна сотая часть метра. (1 см)
Ведущий 2:  50 разделите на половину. (100)
Ведущий 1:  Чему равен развернутый угол? (180)
Ведущий 2: Наибольшее двухзначное число. (99)
Ведущий 1: Молодцы! А слышали ли вы когда – нибудь о листе Мёбиуса? Как его можно
изготовить, как  он связан с математикой и где применяется в жизни?
Ведущий 2:  Об этой удивительной геометрической фигуре нам поведает Артем.
Артем. Рассказ о листе Мёбиуса (презентация).
Слайд 2. В 1858г. в возрасте 68 лет Мёбиусу удалось сделать открытие
поразительной красоты. Это открытие односторонних поверхностей.
Мебиус   послал   в   Парижскую   академию   наук   работу,   включавшую
сведения об этом листе. Семь лет он дожидался рассмотрения своей
работы и, не дождавшись, опубликовал ее результаты.
Модель   ленты   Мёбиуса   может   легко   быть   сделана:   для   этого   надо   взять   достаточно
вытянутую  бумажную полоску и соединить концы полоски, предварительно перевернув
один из них
Слайд 3. Идея пришла ему в голову, когда служанка неправильно сшила шарф.
Лист   Мебиуса   считается   одним   из   символов   современной   математики,   а   момент   его
открытия стал началом рождения новой науки – топологии. В некотором смысле слово
топология – это наука, изучающая непрерывность.
Сдайд 4. Именем Мёбиуса назван кратер на обратной стороне Луны Слайд   5  .   У   входа   в   Музей   истории   и   техники   в
Вашингтоне   медленно   вращается   на   пьедестале
стальная лента, закрученная на полвитка
Слайд   6.  В   1967   году   в   Бразилии   состоялся
международный математический конгресс.
Его устроители выпустили памятную марку достоинством в пять сентаво. На ней была
изображена лента Мёбиуса.
Слайд 7. Лента Мебиуса понравилась не только математикам, но и фокусникам.
Более 100 лет лента Мёбиуса используется для показа различных фокусов и развлечений.
Удивительные свойства листа демонстрировались даже в цирке, где подвешивались яркие
ленты, склеенные в виде листов Мёбиуса.
Слайд 8. Есть гипотеза, что спираль ДНК сама по себе тоже является фрагментом ленты
Мебиуса и только поэтому генетический код так сложен для расшифровки и восприятия.
Больше   того      такая   структура   вполне   логично   объясняет   причину   наступления
биологической смерти  спираль замыкается сама на себя и происходит самоуничтожение.
Слайд   9.
 Лист   Мебиуса   удивительная   поверхность   и   притягивает   к   себе
внимание   не   только   математиков,   но   и   людей   искусства.   Посмотрите,
скульптуры и картины,  в основе которых лежит лист Мебиуса.
После показа презентации закончить словами:
 Лист Мёбиуса – символ математики,
 Что служит высшей мудрости венцом…
 Он  полон неосознанной романтики:
 В нём бесконечность свернута кольцом.
Рефлексия мероприятия
Ведущий 1: А сейчас вернёмся к вопросу «Так что же для Вас значит
математика?»
… сухой, скучный, безжизненный предмет;
… темный лес;
… развлечение;
… стройное, красивое, почти философское учение.
Помощники подводят  итоги. Студент, набравший наибольшее
количество баллов – является победителем викторины.
Итоги анкетирования «Что значит для Вас математика?»
№п/п Вопросы
1
Сухой, скучный, безжизненный
предмет
Начало
мероприятия
4
Конец
мероприятия
2 2
3
4
«Тёмный лес»
Развлечение
Стройное, красивое, почти
философское учение
7
3
5
5
5
8
Ведущий 2: Окончена игра и подведены итоги.
Ведущий 1:  Хоть проиграли или выиграли вы сейчас.
Ведущий 2: Будут в вашей жизни успехи  и победы ещё не раз.
Ведущий 1: Главное, не забывайте: чтоб профессионалом стать, нужно, прежде всего,
математику знать.
Литература:
1. Величко   М.В.   «Математика   910   классы.   Проектная   деятельность   учащихся»:
Волгоград: «Учитель», 2006. – С. 122.
2. Кордемский Б.А. «Математическая смекалка»: М.: «В  71», 1957. – С. 576.
3. «Математика   «Большой   справочник   для   школьников   поступающих   в   вузы»»:   М.:
«Дрофа», 2002. – С. 864 «Энциклопедия для детей «МАТЕМАТИКА»» том 11, М.:
Аванта +; 2002. С. 687.
4. Трошин В.В. «МАГИЯ ЧИСЕЛ И ФИГУР «Занимательные материалы по математике»»:
М.: «Глобус»,  2007. – С
5. «Я познаю мир «Математика»»: Минск: «АСТ – ЛТД», 1998. – С.475.
6. Материалы сайтов:
      http://arbuz.uz/t_lenta.html
      http://www.frei.ru/golos/books/
      http://umiranie.chat.ru/sphere.htm
      http://www.websib.ru/noos/math/listmebiusa/

file_name: Математический ералаш.docx

intro: Цель мероприятия способствовать умению применять свои знания в нестандартных ситуациях, развитию творческих и коммуникационных способностей студентов, стимулированию интереса к предмету, развитию чувства солидарности и здорового соперничества. Мероприятие проводилось в рамках декады дисциплин естественно-математического цикла. В мероприятии принимали учащиеся первого курса.Текст файла в word. содержит 2015 слов

title: Математический ералаш. Внеклассное мероприятие по математике


extracted_text:
Бетховен это  Шекспир масс. Моцарт отвечал
только за отдельные личности. Бетховен же
только и думал об истории и всём человечестве…
(В. Стасов)
Бетховен  одно из величайших явлений мировой
культуры. Его творчество занимает место в одном
ряду с искусством таких титанов художественной
мысли, как Толстой, Рембрандт, Шекспир. По
философской глубине, демократической
направленности, смелости новаторства Бетховен не
имеет себе равных в музыкальном искусстве, Европы
прошлых веков,
В творчестве Бетховена запечатлелось великое
пробуждение народов, героика, драматизм
революционной эпохи... Мировоззрение Бетховена
формировалось под воздействием революционного
движения, распространившегося в передовых кругах общества на рубеже XVIII и XIX столетий. Как его
своеобразное отражение на немецкой почве, сложилось
буржуазнодемократическое Просвещение в Германии.
Протест против социального угнетения и деспотизма
определил ведущие направления немецкой философии,
литературы, поэзии, театра и музыки.
...Творчество Бетховена явилось наиболее
обобщающим и художественно совершенным
выражением в искусстве народных движений Германии
на рубеже XVIII и XIX столетий.
Великий общественный переворот во Франции оказал
непосредственное и мощное воздействие на Бетховена.
Этот гениальный музыкант, современник революции,
родился в эпоху, как нельзя лучше соответствующую
складу его дарования, его титанической натуре. С
редкой творческой силой и эмоциональной остротой
Бетховен воспел величественность и напряжённость своего времени, его бурный драматизм, радости и
скорби гигантских народных масс. До наших дней
искусство Бетховена остаётся непревзойдённым как
художественное выражение чувств гражданского
героизма.
Революционная тема ни в коей мере не исчерпывает
собой наследия Бетховена. Несомненно, самые
выдающиеся бетховенские произведения относятся к
искусству героикодраматического плана.
Основные черты его эстетики наиболее рельефно
воплощены в произведениях, отражающих тему борьбы
и победы, воспевающих общечеловеческое
демократическое начало жизни, стремление к свободе.
«Героическая», Пятая и Девятая симфонии, увертюры
«Кориолан», «Эгмонт», «Леонора», «Патетическая
соната» и «Аппассионата»  именно этот круг, произведений почти сразу завоевал Бетховену
широчайшее мировое признание...
«Аппассионата»
Весной 1805 года (или предыдущим летом) была
создана ещё одна фортепианная соната, которая
приобрела огромную популярность сразу же после
публикации и по сей день остаётся одной из наиболее
известных и любимых бетховенских сонат. Сегодня мы
знаем, что своё знаменитое название «Аппассионата»
(«страстная») получила благодаря издателю,
потрясённому страстью этого произведения.
«Аппассионата» среди фортепианных сонат
Бетховена, по словам Р. Роллана, «как Монблан царит
над альпийским массивом». Достойная грандиозных
симфоний самого Бетховена, «Аппассионата»  одно из величайших творений мировой музыкальной
литературы.
Всё поражает в «Аппассионате»: нечеловеческая сила
стремлений, прометеевская мятежность духа,
неистовство чувств, сдерживаемых железной волей,
которая организует этот бушующий поток мыслей и,
страстей в классически строгие, прекрасные по
красоте и чистоте рисунка, формы. «Пламенный поток
в гранитном русле», определяет «Аппассионату»
Ромен Роллан.
Ссылаясь на свидетельство ученика Бетховена
Шиндлера, принято называть «Аппассионату» и сонату
ре минор «шекспировскими». Шиндлер рассказывает,
что когда он спросил своего учителя о содержании
этих сонат, Бетховен коротко ответил: «Прочтите
«Бурю» Шекспира». Однако сочинения Бетховена нельзя понимать как
иллюстрации к литературным произведениям.
Центральный мотив шекспировской «Бури»
укрощение стихийных сил природы разумом и волей
поиному преломляется в сознании Бетховена:
титаническое единоборство человека с природой
приобретает у него ярко выраженную социальную
окраску, становится равнозначным борьбе с тиранией,
борьбе, которой человек отдаёт свою жизнь.
Если по красоте тематического материала с
«Аппассионатой» могут соперничать многие другие
сонаты, то интенсивностью динамики она превосходит
все предшествующие и последующие. Именно
динамичность «Аппассионаты» раздвинула до
колоссальных размеров её масштабы.
Первая часть начинается с самой низкой ноты, но
вскоре взлетает почти до высшей. Величественная и в то же время исполненная лиризма вторая часть
сменяется бурным финалом, практически невероятной
технической сложности. Если вторая часть даёт
краткое ощущение покоя и безмятежности, то третья
ввергает слушателя в водоворот стихии.
Чем объясняется такое смятение чувств? Ответ прост.
Музыка Бетховена, как всегда, была отражением его
жизни. Незадолго до сочинения этой фортепианной
сонаты, Бетховен пережил несколько мучительных
месяцев. Венский «Театр ан дер Вин», небольшой
частный театр, дирекция которого не только заказала
композитору написать оперу, но и предоставляла
жильё, перешёл в новые руки. В апреле 1804 года
новое руководство разорвало контракт с Бетховеном.
Затем последовал инцидент с посвящением
«Героической симфонии» и вычёркиванием имени
Наполеона с титульного листа партитуры. В то же время Бетховен страстно влюбился в свою ученицу
Жозефину фон Брунсвик и почти сразу же понял, что
его ухудшающийся слух и её аристократическое
происхождение делают скольконибудь глубокие
отношения невозможными.
В конце августа недоразумения с театром были
закончены, и Бетховен смог продолжить работу над
оперой, однако столкнулся с огромными трудностями,
а в довершение всех злоключений уже готовая опера
«Леонора» (Фиделио») была запрещена цензурой.
В промежутке между созданием «Патетической
сонаты» и «Аппассионаты» Бетховен написал ещё одну
сонату, которую посвятил графу Вальдштейну,
покровительствовавшему ему во время жизни в Бонне.
«Вальдштейновская соната», «Патетическая соната» и
«Аппассионата» стали величайшими фортепианными произведениями Бетховена, написанными в самый
жестокий и мучительный период его жизни.
Под дождём
Бетховен готовил «Аппассионату» к публикации,
когда получил предложение посетить в летней
резиденции князя Лихновски в Силезии (тогда
принадлежавшей Австрии). Во время этого визита
князь попросил Бетховена сыграть для его гостей,
французских солдат, оккупировавших Австрию.
Бетховен пришёл в такую ярость, что выскочил на
крыльцо и уехал, оставив записку следующего
содержания: «Князь, тем, что вы собой представляете,
вы обязаны случайности рождения. Я же стал тем, кем
стал, только благодаря себе. На свете были и будут
тысячи князей, Бетховен же только один!» К несчастью, когда Бетховен выбежал из дома, сжимая
под мышкой рукопись «Аппассионаты», на улице был
ливень. Следы дождя до сих пор видны на партитуре
сонаты.
Звуки музыки
Первая часть. Allegro assai
Первая часть вырастает из мрачнотрагической темы,
состоящей из двух, крепко сцепленных, но
одновременно и драматически противопоставленных
мотивов. Несколько позже присоединяется новый
мотив, обособленный от первых, напоминающий
«удары судьбы» в Пятой симфонии.
Значение этого четырёхзвучного мотива, по аналогии с
Пятой симфонией названного нами «мотивом судьбы»,
велико. Он прорезает всю ткань Allegro и всегда
противопоставлен остальному тематическому материалу. Каждое его появление  знамение
надвигающейся опасности, всё возрастающей, вплоть
до заключительного раздела коды.
Современникам композитора первая часть, полная
мятежного чувства, казалась чемто диким. Она
действительно насыщена угрожающими голосами.
Конфликт заложен уже в строении первой темы.
Затаённо и настороженно звучит героическая фанфара,
за которой следуют интонации трепетного
беспокойства...
Мрачные силы воплощены в коротком мотиве, упорно
повторяющемся, настойчивом и неумолимом...
Вокруг него развёртывается беспощадная борьба.
Человеческое сознание то объято ужасом, то
бесстрашно вступает в единоборство с угнетающим
началом. Но вот звучит вторая, ясная, спокойная тема,
противопоставленная первой... В коде первой части эта тема приобретает
необычайную страстность. Человеческая воля
победила, но победа досталась ценою крови.
Угрожающая тема ещё напоминает о себе, хотя
отступает на дальний план. Только успели исчезнуть
последние отголоски титанической борьбы, как
вступают величественно спокойные, кристально ясные
аккорды второй части Andante con moto…
Вторая часть. Andante con moto
Написана в форме темы с вариациями – это
вдохновенное размышление, излучающее теплоту,
надёжность, задушевность, которое как бы
подготавливает новый эмоциональный взрыв.
Множество вариаций звучит в нижнем тёмном
диапазоне клавиатуры фортепиано. Слышится простая,
но благородная тема, и вслед за тем вариации переносят слушателя в более светлый регистр, перед
тем как вернуться обратно в тень.
3 часть. Allegro ma non troppo
Переход к финалу  многократно повторяющийся
резкий крик боли и страдания, внезапно врывающийся
в спокойный мир Andante. Порывы ветра, волны,
бьющиеся о берег, разбушевавшаяся природа  вот
круг образов, возникающих при слушании финала и
ассоциирующихся с атмосферой ожесточённой борьбы.
Взвихренные звуки словно летят навстречу зрителю и
сбивают его с ног, стремясь унести за собой. Сквозь
звуки бури, то растущей, то замирающей, мы слышим
повелительные призывные интонации первой темы,
главенствующей в финале… Вторая тема не вносит резкого контраста, не приносит
успокоения. В ней то же стремительное движение, но,
пожалуй, ещё больше тревоги, с оттенком жалобы...
В разработке борьба достигает своего апогея. В
середине разработки слышится молящая мелодия...
Лишь к концу разработки постепенно стихает
волнение, наступает минутное успокоение с тем, чтобы
тотчас же снова, с началом репризы, возникла картина
героической борьбы.
В эпилоге даётся завершение предшествующей борьбы.
Проявляется могучий, редкий, по волевой
сосредоточенности, по героической непреклонности
эпизод в ритме массового танца...
Трагические аккорды венчают эту удивительную
сонату один из шедевров мировой классической
музыки. После появления «Аппассионаты» в печати «Всеобщая
музыкальная газета» отозвалась на неё следующей
рецензией: «В первой части этой сонаты Бетховен
вновь расколдовал многих злых духов, но, по правде
говоря, вещь стоит того, чтобы бороться не только
с коварными трудностями, но также и с
приступами недовольства по поводу изысканных
странностей. Некоторые люди вероятно,
улыбнутся, если рецензент признается, что в
высшей степени простая вторая часть, длиной лишь
в три страницы, милее его чувству и пониманию,
чем первая часть... если вы не почувствуете, как эта
музыка идёт от сердца к сердцу, то у одного из нас
сердца нет...» Бетховен. «Патетическая соната» № 8 до минор
Бетховен был гениальным пианистомвиртуозом.
Поэтому область фортепианной музыки была для него
той родной стихией, в которой он чувствовал себя властителем. Если в области симфонии он воплощал
свои монументальные замыслы, то фортепианная
музыка была своеобразным дневником, в который он
записывал свои непосредственные высказывания,
жизненные наблюдения. Поэтому в его сонатах полнее
раскрывается внутренний мир композитора, и это как
бы «очеловечивает» его героику.
Фортепианные сонаты Бетховена можно назвать
маленькими симфониями. В них тот же порыв, та же
революционная страсть, тот же призыв к борьбе.
Достаточно проиграть первую строчку сонаты
«Аппассионата», чтобы почувствовать это.
По фортепианным сонатам можно проследить путь
становления композитора. 32 сонаты написаны
Бетховеном на протяжении его жизни, в разные этапы
его творчества. В них как бы проявляются два начала
творчества композитора: действенное, драматическое, ведущее к поискам новых форм и приёмов, и
философское, созерцательное. Правда, границу между
ними всегда провести трудно, они как будто
переплетаются друг с другом, наслаиваются одно на
другое.
«Патетическая соната» была создана в 1798 году и
сразу была воспринята как сочинение смелое и
новаторское.
Не будет преувеличением сказать, что первые аккорды
«Патетической сонаты» сделали для жанра
фортепианной сонаты не меньше, чем первые ноты
«Героической симфонии» для симфонии (добавим, что
соната была написана почти за четыре года до
появления симфонии). Ни сам Бетховен, ни его
предшественники никогда ещё не сочиняли для
фортепиано музыку такой глубины. С первых звуков она приковывает внимание слушателя
и не отпускает его до самого конца. Эта простая и в то
же время величественная мелодия – произведение
зрелого композитора, в ней нет следа страсти и
борьбы, традиционно ассоциирующихся с
произведениями Бетховена. Композитор и сам
прекрасно осознавал это – он просто заявляет тему,
развивает и повторяет её. Финал сонаты искусно
объединяет две предшествующие темы и превращает
произведение в единое целое.
Начало первой части написано в тональности до
минор, помечено «мрачно» и исполнено пафоса,
оправдывающего название сонаты (несмотря на то, что
до сих пор остаётся неизвестным, сам ли Бетховен
назвал так своё произведение или это сделал за него
издатель).
Откуда такое горе, такая печаль? Во время написания сонаты Бетховену было около 27
лет, именно тогда он начал испытывать первые
проблемы со слухом.
К тому времени Бетховен жил в Вене уже шесть или
семь лет, два его фортепианных концерта были
исполнены на публике, он опубликовал несколько
камерных произведений, начал занимать своё место в
этом прославленном городе композиторов и виртуозов,
и доказал, что отличается от всех них! И вот теперь,
вдруг – глухота? Неужели судьба может быть к нему
так жестока? Но в «Патетической сонате Бетховен
словно говорит слушателям, что готов сражаться с
недугом. Если начало сонаты исполнено печали, то
дальше следует настоящий взлёт духа и решимости.
Звуки музыки I. GraveAllegro di molto e con brio. Первая часть
написана в быстром темпе и наиболее напряжённа по
своему звучанию. Обычна и её форма сонатного
allegro. Сама же музыка и её развитие, по сравнению с
сонатами Гайдна и Моцарта, глубоко своеобразны и
содержат много нового.
Необычно уже начало сонаты. Музыке в быстром
темпе предшествует медленное вступление. Мрачно и
вместе с тем торжественно звучат тяжёлые аккорды.
Из нижнего регистра звуковая лавина постепенно
движется вверх. Всё настойчивее звучат грозные
вопросы (основная тональность сонаты до минор). Им
отвечает нежная, певучая, с оттенком мольбы
мелодия, звучащая на фоне спокойных аккордов.
Кажется, что это две различные, резко
контрастирующие между собой темы. Но если
сравнить мелодическое строение обеих тем, то окажется, что они очень близки между собой, почти
одинаковы. Как сжатая пружина, вступление затаило в
себе огромную силу, которая требовала выхода,
разрядки.
Начинается стремительное сонатное allegro. Главная
партия напоминает бурно вздымающиеся волны. На
фоне беспокойного движения баса тревожно взбегают
и опускаются верхние голоса:
Связующая партия успокаивает волнение главной темы
и приводит к мелодичной и певучей побочной партии.
Однако широкий «разбег» побочной темы (почти на
три октавы), «пульсирующее» сопровождение, а
главное  приём изложения в разных регистрах  всё
это придаёт ей напряжённый характер. Вопреки
правилам, установившимся в сонатах венских
классиков, побочная партия «Патетической сонаты»
звучит не в параллельном мажоре (мибемоль мажор), а в одноименном к нему минорном ладу (мибемоль
минор).
Энергия нарастает. Она прорывается с новой силой в
заключительной партии (мибемоль мажор). Короткие
фигурации ломаных арпеджио, как хлёсткие удары,
пробегают по всей клавиатуре фортепиано в
расходящемся движении. Нижний и верхний голоса
достигают крайних регистров. Постепенное нарастание
звучности от pianissimo до forte приводит к мощной
кульминации, к высшей точке музыкального развития
экспозиции.
Следующая за ней вторая заключительная тема
является лишь короткой передышкой перед новым
«взрывом». В конце заключения неожиданно звучит
стремительная тема главной партии. Экспозиция
заканчивается на неустойчивом аккорде. На рубеже
между экспозицией и разработкой вновь появляется суровая тема вступления. Но здесь её грозные вопросы
остаются без ответа: лирическая тема не возвращается.
Зато сильно возрастает ее значение в среднем разделе
первой части сонаты  разработке.
Разработка невелика, но очень напряжённа. «Борьба»
разгорается между двумя резко контрастными темами:
порывистой главной партией и лирической темой
вступления. В быстром темпе тема вступления звучит
ещё более беспокойно умоляюще. Этот поединок
«сильного» и «слабого» выливается в ураган
стремительных и бурных пассажей, которые
постепенно затихают, уходя все глубже и глубже в
нижний регистр.
Реприза повторяет темы экспозиции в том же порядке
в основной тональности  до миноре. Изменения
касаются связующей партии. Она значительно
сокращена, поскольку тональность всех тем едина. Зато главная партия расширилась, что подчёркивает её
ведущую роль.
Перед самым окончанием первой части ещё раз
появляется первая тема вступления. Но что это? Она
«потеряла» свой первый «грозный» аккорд и
начинается со слабой доли. В её вопросе осталась
только тревога и даже отчаяние. Неужели опять не
будет ответа? Ответ есть. Но не слабый, умоляющий, а
энергичный, волевой.
Первую часть завершает главная тема, звучащая в ещё
более стремительном темпе. Воля, энергия, мужество
победили.
II. Adagio cantabile. Красота музыки в медленных
частях бетховенских циклов всегда покоряет, а Adagio
cantabile (медленно, певуче) из «Патетической»  одно
из самых прекрасных. Это относительно раннее сочинение так совершенно, что может выдержать
сравнение с наилучшими, созданными Бетховеном в
расцвете творческих сил.
Вторая часть в лябемоль мажоре,  глубокое
размышление о чёмто серьёзном и значительном, быть
может, воспоминание о только что пережитом или
думы о будущем. На фоне мерного сопровождения
звучит благородная и величественная мелодия. Если в
первой части патетика была выражена в
приподнятости и яркости музыки, то здесь она
проявилась в глубине, возвышенности и высокой
мудрости человеческой мысли. Вторая часть
удивительна по своим краскам, напоминающим
звучание инструментов оркестра.
III. Rondo (Allegro). Стремительная, взволнованная
музыка финала во многом роднит его с первой частью
сонаты. Возвращается и основная тональность до минор. Но здесь нет того мужественного, волевого
напора, который так отличал первую часть. Нет в
финале и резкого контраста между темами –
источника «борьбы», вместе с ним и напряжённости
развития.
Финал написан в форме рондосонаты. Основная тема
(рефрен) повторяется здесь четыре раза. Именно она и
определяет характер всей части. Эта лирически
взволнованная тема близка и по характеру и по своему
мелодическому рисунку побочной партии первой
части. Она тоже приподнята, патетична, но патетика её
имеет более сдержанный характер.  Мелодия рефрена
очень выразительна. Она быстро запоминается, легко
может быть спета. Рефрен чередуется с двумя другими
темами.
Финал, а вместе с ним и вся соната заканчиваются
кодой, которая несёт в себе основную идею сонаты. Энергичная волевая музыка, выражающая мужество и
непреклонность, утверждает: соната заканчивается не
смирением, а вызовом судьбе.
Существует мнение, что музыка финала
«Патетической сонаты» имеет лёгкий, нежный
характер, выражает радость  жизни, соединённую со
светлой грустью. Думается, что такое представление
идёт от утвердившейся издавна традиции исполнения и
интерпретации произведений молодого Бетховена,
основанной на известной близости ранних сочинений
композитора к венской школе клавирной музыки Ф. Э.
Баху, Гайдну, Моцарту.
Бальзак однажды назвал стиль классицистической
литературы «пламенем, скрытым в кремне». Эта
характеристика удивительно подходит и к драматизму
«Патетической сонаты» Бетховена, в которой «огненнострастный пафос» облачён в величественную
строгость выражения.
Что же нового внёс Бетховен в «Патетическую
сонату» по сравнению с фортепианными сонатами
Гайдна и Моцарта? Прежде всего, стал иным общий
характер музыки, отразившей более глубокие,
значительные мысли и переживания человека. Отсюда
сопоставление резко контрастных тем, особенно в
первой части.
Контрастное сопоставление тем, а затем их
«столкновение», «борьба» придают музыке
драматический характер. Большая напряжённость
музыки вызвала и большую силу звука, размах и
сложность техники. В отдельных моментах сонаты
фортепиано как бы приобретает оркестровое звучание. «Патетическая соната» имеет значительно больший
объем, чем сонаты Гайдна и Моцарта, она дольше
длится по времени.
Мировой хит
«Патетическая соната» стала первым произведением
Бетховена, всемирная слава которого пережила века.
Знаменитая тема из второй части использовалась в
бесчисленном множестве музыкальных вариаций, от
англиканских кантусов до популярных песен.
Пожалуй, самой знаменитой интерпретацией стала
песня Билли Джоэла «Эта ночь» из альбома
«Невинный человек», вышедшего в 1983 году и
переизданного в 1998 году. На конверте альбома под
названием песни «Эта ночь» значится: «Музыка Л. ван
Бетховена, слова Б. Джоэла».
Вопросы и задания: 1. Когда была написана «Патетическая соната»? Что
означает это название?
2. Каково строение первой части сонаты? Дайте
характеристику её тем.
3. Какой характер имеет основная тема Adagio и в
чём особенность её звучания? Расскажите о строении
этой части.
4. Охарактеризуйте форму финала. Какой теме из
первой части родственна основная тема финала?
Расскажите о коде финала  о её значении как
5.
итога всего произведения. Моцарт. Жизнь и мастерство гения
Жизнь его овеяна легендами, хотя известна до мелких
деталей. Пушкин в трагедии «Моцарт и Сальери»
показал столкновение одухотворённого творца с
упорным и завистливым ремесленником, лишённым
божественного дара, а потому способного на
злодейство. Однако версия об отравлении Моцарта
недостоверна, да и Сальери не мог быть причастен к
убийству хотя бы потому, что при жизни был
прославлен больше него, да и сам обладал немалым
талантом.
Моцарт  редчайшее явление в мировой культуре. Он
был чрезвычайно одарённым ребёнком, имевшим
небывалый успех. В подобных случаях очень немногим
удаётся сохранить свою яркую индивидуальность, не
привыкнув угождать публике. Решающую роль в его судьбе сыграл отец  Иоганн
Георг Леопольд, который был скрипачом,
композитором и замечательным педагогом. Он служил
придворным музыкантом в капелле архиепископа в
Зальцбурге (Австрия).
С младенчества  его  сына  Вольфганга Амадея
сопровождала музыка. Уже с четырёх лет Амадей
играл на скрипке и клавесине, с пяти начал сочинять
музыку, с восьми  сонаты и симфонии, а ещё через три
года  оперы. Пожалуй, только в музыке может столь
рано проявиться гениальность.
Леопольд Моцарт со своим шестилетним сыном и
старшей дочерью начал гастролировать по
европейским странам. Они побывали в Вене, Париже,
Лондоне, городах Швейцарии, Германии.
Несмотря на огромный успех гастролей, богатства они
не принесли и, повидимому, серьёзно подорвали здоровье ребёнка. Он вызывал восторг слушателей
прежде всего как виртуозисполнитель. А в 14 лет ему
довелось уже дирижировать в Милане исполнением
своей оперы «Митридат, царь Понта». В том же 1770
году его после специального испытания избрали в
члены прославленной Филармонической академии в
Барселоне.
Он вынужден был служить капельмейстером у
Зальцбургского архиепископа, который подчас
обращался с ним, как с лакеем. Вольфганг пытался
обрести свободу, отправлялся в гастрольные поездки,
но его искусство не находило признания. Он уже не
привлекал внимания как вундеркинд и был слишком
молод для создания выдающихся произведений.
В 1782 году он женился, пришлось заботиться о семье.
Он давал уроки и концерты, выполнял заказы на
музыкальные произведения. В Вене была поставлена его комическая опера «Бельмонт и Констанца, или
Похищение из сераля», а через четыре года другая
«Директор театра», а также «Свадьба Фигаро», по
революционному направленной против аристократии
пьесы Бомарше «Безумный день».
Венские аристократические круги встретили «Фигаро»
с прохладцей. Зато на следующий, 1787 год в Праге
она имела шумный успех. Для чешской публики он
написал оперу «Наказанный распутник, или Дон
Жуан», принятую в Праге с не меньшим восторгом и
провалившуюся в Вене.
Моцарт собирался покинуть Австрию, когда
император Иосиф II предложил ему должность
придворного композитора  освободившуюся после
смерти великого Кристофа Виллибальда Глюка.
Пришлось сочинять танцы для балов, маскарадов,
комическую оперу «Все они таковы». По обычаю того времени тексты опер писались на
итальянском языке, да и характер музыки во многом
соответствовал считавшейся образцовой итальянской
школе. У Вольфганга Амадея была мечта, о которой
он рассказал в 1777 году отцу. «И как любили бы
меня, если бы я помог подняться немецкой
национальной сцене и в области музыки!  И мне
это, наверное, удалось бы». Осуществилась его мечта
в 1791 году, когда была поставлена  на немецком
языке  его опера «Волшебная флейта».
Часто биографы подчёркивают, что Моцарт жил в
бедности, умер в нищете, а потому похоронен в общей
могиле. Однако, по некоторым данным, его скромное
материальное состояние объясняется не столько тем,
что он мало зарабатывал, сколько небрежным
отношением к деньгам и большими расходами. Работал
он много, проявил свой гений в самых разных жанрах, сочинил 41 симфонию и 27 концертов для фортепиано.
Но следует помнить, что, несмотря на недолгую жизнь,
он отдал музыке 30 лет.
За последние три года жизни, словно предчувствуя
приближение смерти, Моцарт кроме «Волшебной
флейты» и множества небольших сочинений создаёт
три симфонии (среди них  «Юпитер») и полный
трагизма «Реквием». Этот заказ на заупокойную мессу
приводит его в мистическое состояние, вызывает
сильное душевное потрясение. Он сообщает в
письме: «Мысли путаются, силы слабнут, а образ
незнакомца всюду преследует меня. Он постоянно
торопит меня, упрекает и требует заказанной
работы. Я продолжаю композицию, потому что
работа утомляет меня меньше, чем бездействие.
Чего мне страшиться? Я чувствую, близок мой час!
Близка моя смерть!» Теперь уже трудно отделить переживания и образы,
созданные воображением Моцарта, от происходивших
событий, в которых он видел нечто символическое.
Можно согласиться с мнением А.
Виноградовой: «Потомки, разбирая архивные
документы в надежде найти подтверждение или
опровержение разным версиям, не способны, однако,
воссоздать подлинный диалог Моцарта со Смертью;
их обмен репликами был непонятен для чужих
ушей; нам доступны лишь обрывки, записанные или
слышанные кемто. Пусть тайна останется
тайной. Следующим поколениям было завещано
бесценное достояние: оперы и симфонии,
фортепианные и скрипичные концерты, квартеты,
сонаты — словом, вся музыка Моцарта и в ней  его
душа, обрётшая бессмертие».
Симфония № 40 соль минор «Достичь небес  это нечто прекрасное и
возвышенное, но и на милой земле несравненно
прекрасна жизнь. Поэтому оставьте нас быть
людьми»  эти слова величайшего композитора В. А.
Моцарта раскрывают его творческое кредо.
Моцартовские симфонии настоящие
инструментальные драмы. От них  прямой путь к
симфониям Бетховена и откровениям композиторов
романтиков. Л. Бернстайн, выдающийся американский
композитор и дирижёр ХХ века, писал: «Музыка
Моцарта переступила пределы своего времени. Она
обращена назад  к Баху и вперёд  к Бетховену,
Шопену, Шуберту... Верди и даже к Вагнеру.
Моцарт  это сама музыка; что бы вы ни пожелали
найти в музыке, вы найдёте у Моцарта... Моцарт...
дух милосердия, всеобщей любви, даже страдания  дух, который не знает возраста, который
принадлежит вечности».
В 1788 г. Моцарт сочиняет три симфонии (№ 39, 40, 41
«Юпитер»). Через три года жизнь его трагически
оборвётся. Этим грандиозным симфоническим циклом
композитор словно венчает своё творчество. В этих
симфониях композитор раскрывает «неизмеримые
богатства человеческой души», готовит путь героике
Бетховена. Увлечённость и страстность, с которой
Моцарт предавался сочинению, выражена в письме к
отцу: «Я всецело поглощён музыкой, я занимаюсь ею
весь день, всё время размышляю о ней, постоянно
разучиваю, обдумываю её…»
Симфония № 40 занимает особое место в творчестве
композитора. Внутреннее содержание её богато,
сложно и широко развито. Эта музыка затрагивает
самые глубокие человеческие чувства, отражает драматическое, даже трагическое состояние души.
Симфония как бы опередила своё время. Многим
современникам композитора она казалась странной,
непонятной.
Симфонию № 40 Моцарта можно сравнить с другим
величайшим шедевром  «Джокондой» Леонардо да
Винчи. Читаем о картине Леонардо да Винчи (эти
характеристики приводит в своей книге о Моцарте
исследователь его творчества Г. Чичерин), а каждое
слово как будто о музыке Моцарта!
«Этот портрет изображает молодую женщину не то с
улыбкой на губах, не то с какимто особым
выражением лица, похожим на улыбку. Но вовсе не
радость или веселье выражает это лицо: чувствуется
чтото нежное, глубокое и вместе страстное и
чувственное в этом удивительном портрете».
«Матовое лицо выступает из дымки. < ... > Взгляд коричневых глаз производит двойственное
впечатление. Он и целомудрен, и обольстителен, в нём
светятся истома и ирония, лукавство и очарованье. На
губах играет непостижимая улыбка».
В музыке Моцарта, как и в «Джоконде» Леонардо да
Винчи, загадка мира и внутренней жизни, неизмеримое
богатство человеческой души... Глубина и
непостижимость образа возникает от слияния
контрастов в едином, внутренне противоречивом
целом...
Музыка симфонии с первых звуков захватывает
слушателя удивительной искренностью высказывания
автора. У многих людей создаётся при её
прослушивании впечатление, что для понимания этой
музыки не надо прикладывать никакого усилия, что
всё в ней предельно ясно и просто. Но если
прослушать симфонию много раз, вы поймёте, как много в ней скрыто такого, что не поддаётся
мгновенному осмыслению. В ней всё сосредоточено на
человеке, его личности. Его душа предстаёт перед
нами ищущей гармонию, разумность, ясность. Эта
симфония едва ли не самое трагичное произведение
XVIII века. Автор размышляет в ней о несовершенстве
мира, о невозможности разрешения жизненных
конфликтов.
Но самое главное, что делает эту музыку столь
популярной, это простота выражения трагического её
содержания. Здесь нет «сгущения красок». Как будто
сам Моцарт, глядя сверху на эту скорбь, видит
красоту самой жизни, человеческих чувств в их
разнообразии и напряжённости и изливает эти
впечатления в музыке.
В симфонии четыре части. I. Allegro molto
Первая часть написана в сонатной форме сонатного
allegro.
Главная партия звучит с первых же тактов
произведения. Это несколько грустная, трепетно
нежная музыка. Эта тема очень похожа на речь
взволнованного жалующегося человека. Послушайте её
внимательно, и вы услышите, что герой симфонии, как
бы захлёбываясь и вздыхая, жалуется нам на чтото.
Эту взволнованность, трепетность и беспокойство
придают музыке нисходящая секунда, повторение
одного звука, учащённый ритм. Мелодию исполняют
скрипки, и это придаёт музыке большую певучесть,
мягкость, теплоту.
Всё, что дальше будет происходить в первой части
симфонии, связано с развитием главной партии.
Противостоит ей только побочная партия, но она лишь ненадолго уводит из мира главной. Тем более светло и
безоблачно звучит побочная партия. Она изложена в
параллельной к соль минору тональности  сибемоль
мажоре. Лукавая, несколько танцевального склада, эта
тема звучит мягко и изящно.
Кажется, что герой достиг своей цели и погрузился в
мир отрешения от острых коллизий, мир душевного
покоя. Но это лишь миг. Покой рассеивается, и вновь
главенствует образ главной партии.
В разработке развивается исключительно только
основная тема. Напряжение всё более усиливается,
нарастает драматизм. Тема предстаёт то мрачной, то
исступлённогорестной, то проникнутой безысходной
скорбью. Постепенно она приобретает энергичный
характер. Вместо задушевной вокальной «жалобы»
появляется грозное и решительное звучание главной партии. Кажется, что весь оркестр приходит в
движение.
После напряжённых изменений главной партии в
разработке её полное проведение в репризе похоже на
попытку героя вновь обрести душевные силы. Но
восстановить утраченную целостность чувств не
удаётся. Безутешны страдания. И даже побочная
партия в репризе меняет свой характер. Она теряет
свою светлую окраску, а вместе с ней задорный,
лукавый оттенок. Минор окрашивает её в грустные,
печальные тона. Так исчезает единственный солнечный
«островок».
Всем своим образным строем реприза уже предвещает,
чем закончится развитие всего симфонического цикла.
Тщетны порывы к гармонии. Можно трактовать 1ю часть симфонии поразному: с
одной стороны, она по своему интонационному и
образному строю выделяется среди других частей
сонатносимфонического цикла, составляет его «точку
отсчёта» (явное присутствие двух начал: мужского
главная партия и женского  побочная; их
сопоставление и взаимодополнение); с другой стороны,
сравнение лирикодраматических образов 1й части с
образами финала даёт возможность подчеркнуть
драматичность, стремительность движения,
порывистость, мятежность последней части. Если 1я
часть сродни внутреннему монологу героя симфонии,
то финал ближе к объективному повествованию,
открытому для других. Именно исключительность
музыки 1й части Симфонии № 40 сделала её любимой
и узнаваемой несколькими поколениями слушателей, дала повод современным музыкантам обращаться к её
разнообразным интерпретациям.
II. Andante
Вторая часть  Анданте (неторопливо). Как после бури
наступает затишье, так после взволнованно
прозвучавшей первой части следует светлая,
умиротворённая, напевноласковая музыка Анданте.
Неторопливо, с некоторой величавостью струнные
инструменты исполняют основную тему. Характерные
для Моцарта восходящие задержания («запаздывания»
очередного звука мелодии) придают ей мягкость и
изящество.
Этому же способствует и короткая мелодическая
фигурка из тридцать вторых, которая пронизывает
собою музыку всей части. Во второй части симфонии отсутствуют резкие
контрасты тем. Все голоса оркестра поют, и пение это
как бы излучает мягкий тёплый солнечный свет.
III. Menuetto Allegretto
Третья часть  оживлённый менуэт. Следуя
установившейся традиции, Моцарт пишет в качестве
третьей части менуэт, контрастирующий со второй
частью. Общий замысел симфонии заставляет
композитора наделить его чертами, мало
свойственными этому танцу. Ещё более чем в сонате,
волевой и энергичный, менуэт резко отличается от
произведений подобного рода.
И лишь в средней части танца  в трио  Моцарт
возвращает менуэту его характерные черты. Проходя
поочерёдно у струнных и деревянных духовых
инструментов, тема трио звучит мягко и светло, в соль мажоре. Изящные окончания фраз вызывают
представление о галантных поклонах танцующих,
присущих придворному менуэту того времени.
Третья часть менуэта представляет собой точное
повторение первой (da саро).
Так в третьей части симфонии с новой силой
проявляется серьёзность и глубина её общего замысла.
IV. Allegro assai
Четвёртая часть  финал. Чувства и настроения,
выраженные в финале, роднят его с музыкой первой
части: та же взволнованность главной и светлая
грациозность побочной партии (финал написан в
форме сонатного allegro). А некоторые разделы финала (заключительная партия,
начало разработки) имеют даже мелодическое
сходство с первой частью.
Но это не только возврат к основным настроениям
первой части. Финал  итог развития всей симфонии.
Значительнее становится различие между главной и
побочной темами, резче контраст внутри самой
главной партии. А развитие основной темы в
разработке бурное, порывистое и возбуждённое,
достигает огромной напряжённости. Это кульминация
произведения, то есть высшая по напряжённости точка
всего цикла.
Вот эта взаимосвязь чувств и настроений всех частей,
их постепенное и неуклонное развитие существенно
отличают симфонию Моцарта от симфоний Гайдна,
где цикл основан на выразительном контрасте частей. Вопросы и задания:
1.
минор?
В каком году и где была написана симфония соль
2. Дайте характеристику основных тем первой части
симфонии, опишите их оркестровое звучание.
3. Какой характер свойствен музыке второй части?
4.
Расскажите о третьей части симфонии (менуэте) и
финале.
5. Какие черты отличают симфонию Моцарта от
симфонии «С тремоло литавр» Гайдна?
Можно предложить учащимся высказаться о
музыке каждой из четырёх частей симфонии от
имени разных реальных лиц (методика А.
Пиличяускаса): 1я часть  композитор о себе,
жизни и окружающих его людях; 2я часть
Констанца, жена Моцарта; 3я часть  композитор Й. Гайдн, старший современник Моцарта, высоко
ценивший его талант; 4я часть  Леопольд Моцарт,
отец композитора, музыкант, педагог. Вслед за
этой своеобразной «ролевой игрой» необходимо
более детально обсудить музыкальные особенности
тем симфонии, приёмы их развития, сопоставление
различных образных сфер в сонатносимфоническом
цикле. Импрессионизм в музыке
В конце XIX века во Франции появилось новое
направление, получившее название «импрессионизм».
Слово это в переводе с французского языка означает
«впечатление». Импрессионизм возник в среде
художников.
В 70е годы на различных парижских выставках
появились оригинальные картины К. Моне, К. Писсаро,
Э. Дега, О. Ренуара, А. Сислея. Их искусство резко
отличалось от приглаженных и безликих работ
живописцевакадемистов.
Импрессионисты вышли из своих мастерских на
вольный воздух, научились воспроизводить игру живых
красок природы, сверкание солнечных лучей, разноцветные блики на водной глади, пестроту
праздничной толпы. Они применяли особую технику
пятенмазков, которые вблизи казались
беспорядочными, а на расстоянии рождали реальное
ощущение живой игры красок. Свежесть мгновенного
впечатления в их полотнах сочеталась с тонкостью
психологических настроений.
Позднее, в 8090е годы, идеи импрессионизма нашли
выражение и во французской музыке. Два композитора
 К. Дебюсси и М. Равель  наиболее ярко
представляют импрессионизм в музыке. В их
фортепианных и оркестровых пьесахэскизах с особой
новизной выражены ощущения, вызванные созерцанием
природы. Шум морского прибоя, плеск ручья, шелест
леса, утренний щебет птиц сливаются в их
произведениях с личными переживаниями музыканта
поэта, влюблённого в красоту окружающего мира.

музыка

group: Дисциплины

доп. образование детей

group: Другое

title: Урок: Разработка уроков по музыке 15 часть


extracted_text:
Стравинский был одним из величайших
композиторов ХХ столетия, игравшим ключевую
роль в развитии самых разных направлений в
музыке на протяжении почти полувека...
Игорь Стравинский  легендарная фигура в музыке
ХХ века. За долгую жизнь этому композитору
удалось использовать все достижения современной
авангардной музыки.
Русская народная песня, богатство её ритмико
мелодической структуры были для Стравинского
источником создания собственной мелодики
фольклорного типа. Стравинский никогда не был
просто эпигоном какихлибо стилей. Напротив,
любая стилистическая модель преображалась им в
исключительно индивидуальное творение.
Стравинский утверждал, что его музыка словно развивается сама по себе, но все же и в ней
содержатся идеи, доступные всеобщему
восприятию.
Игорь Стравинский родился 17 июня 1882 года в
Ораниенбауме близ Петербурга. С артистической
средой он был знаком с ранних лет: его отец
прославленный певец Мариинского театра, где
помимо сослуживцев бывали и Стасов, и
Мусоргский, и Достоевский, и Н. А. Римский
Корсаков, и балетмейстер М. И. Петипа.
Фантасмагорию театра, приволье и произвол его
закулисной жизни Стравинский впитал в себя с
детства.
В доме Стравинских постоянно звучала музыка.
Возможно, поэтому родители не обращали особого
внимания на музыкальные занятия маленького
Игоря. С девяти лет у него появилась учительница музыки. Но главным воспоминанием Стравинского
об этих уроках осталось то, что наставница
запрещала ему импровизировать за роялем.
Юношей он уже принадлежал к высшим кругам
Петербургской художественной интеллигенции,
стал участником «Вечеров современной музыки»
их возглавляли А. П. Нуроки и В. Ф. Нувель.
Через них он сблизился с деятелями «Мира
искусства» и с тем, кто задавал здесь тон  с
Сергеем Павловичем Дягилевым, при решающем
воздействии и покровительстве которого
утвердилась блистательная композиторская
карьера молодого Стравинского.
Позднее именно благодаря Дягилеву, но,
возможно, не без участия и другого ревнивого
покровителя – Клода Дебюсси  он быстро проник
в сферы аристократической элиты Парижа. Где и как Стравинский знакомился с народной
песней доподлинно неизвестно. В дни детства под
Петербургом? В Устилуге бывшей Волынской
губернии, в имении своей жены, где жил после
женитьбы с 1906 года? На ярмарках в Ярмолинцах,
находившихся неподалёку от Устилуга? Однако
именно русская народная песня была основным
источником его новаторства, его откровения.
Профессиональным композитором Стравинский
стал сравнительно поздно  только после того, как
весной 1905 года в возрасте 23 лет окончил
университет. До того он лишь обращался за
советами к РимскомуКорсакову. Но с осени 1905
года занятия стали регулярными  дважды в
неделю. Пять лет близкого общения с Николаем
Андреевичем РимскимКорсаковым многое дали
Стравинскому. Он воочию  на примере своего учителя  познакомился с техникой
композиторского труда.
«Юношеское» творческое созревание было очень
недолгим, а взлёт оказался столь стремительным,
что в отличие от биографий многих других
композиторов первый же творческий период
Стравинского, который открывается «Жар
птицей», явился периодом творческой зрелости.
Таким образом, «русский» этап предстаёт во всем
великолепии своих свершений как период зрелого
мастерства.
Первое крупное сочинение Стравинского
фортепианная соната  датируется 1904 годом. Его
музыка впервые прозвучала 27 декабря 1907 года
на одном из концертов «Вечеров современной
музыки» в скромном зале Петербургской
музыкальной школы. Певица Е. Ф. Петренко исполнила «Пастораль» и «Весну священную». Эти
песни были им написаны незадолго до того. Вскоре
последовали другие премьеры.
Слава пришла к нему неожиданно в 28 лет вместе с
показом «Жарптицы» в Париже в 1910 году и
закрепилась там же спустя три года небывало
скандальной премьерой «Весны священной». Слава
прилепилась к его имени и не оставляла более.
Русская сказка об Иванецаревиче, освободившем
прекрасную царевну от чар Кащея, воплощена в
музыке «Жарптицы».
Мир русской ярмарки с её озорными плясками,
балаганами, уличными наигрышами шарманки и
гармоники нашёл своё яркое отражение в
«Петрушке»; на фоне праздничного разгула толпы
представлены трагические смятения кукольного
героя Петрушки, обманутого ветреной Балериной. Впечатление оглушительного взрыва произвела
музыка «Весны священной»  балета, рисующего
картины языческой Руси. «Весна священная»
ознаменовала начало нового этапа в истории
мировой музыки. Стремясь передать «варварский»
дух далёкой древности, автор применил
неслыханно дерзкие созвучия, стихийные ритмы,
буйные оркестровые краски. В ряде его сочинений
использованы необычные ритмы, оригинальные
инструментальные эффекты.
После парижской премьеры «Жарптицы» 1910
года Стравинский сблизился с Дебюсси. Они были
дружны в течение девяти лет, до самой смерти
француза. Поначалу Дебюсси видел в Стравинском
близкого по стилю композитора. Но внезапная
эволюция Стравинского озадачила Дебюсси: со
смешанным чувством одобрения и недоумения он отнёсся к «Весне священной»  его молодой друг в
этом эпохальном сочинении порвал с
импрессионизмом, преодолел его.
Стравинский входит в моду, он посещает
великосветские парижские салоны, связанные с
некогда известными именами. Это  графиня
Эдмон де Полиньяк, дочь богатейшего фабриканта
швейных машин Зингера, в салоне которой впервые
исполняются заказанные ею произведения не
только Стравинского, но и Форе, Равеля, Сати, де
Фальи, Пуленка. Это и Габриэль Шанель –
владелица аристократического ателье мод, одна из
самых щедрых покровительниц Дягилева;
Стравинский получает также заказы от актрисы и
танцовщицы Иды Рубинштейн, от Элизабет Спрэг
Кулидж  меценатки из США и т. д. Он завязывает
близкие сношения с представителями других видов искусства, с философами, физиками, теологами. С
ним встречаются и крупные государственные
деятели. А бесконечные интервью, в которых, по
замечанию Стравинского, «слова, мысли и даже
самые факты искажались до полной
неузнаваемости» и которые он, тем не менее,
охотно давал, поражая интервьюеров
находчивостью, остроумием, парадоксальностью
суждений,  разве ктолибо из композиторов ХХ
века удостаивался такого внимания?
Второй период творчества композитора
приходится на годы после Первой мировой войны,
когда он постоянно жил в Париже и в 1934 году
принял французское гражданство. С новым
окружением его объединяло как духовное, так и
творческое родство. Таким образом, он стал
блестящим представителем международного авангарда в музыке. Новый стилистический период
его творчества, по числу произведений наиболее
плодотворный (около 45 сочинений), можно
охарактеризовать как возвращение к стилю
прошлых времён (от античности до классицизма).
Это так называемый «неоклассицизм».
Новый переломный момент в творчестве
композитора обозначает «Пульчинелла»  балет с
пением (19191920). Произошло это не случайно,
не было капризом творца: закончилась война,
закончился период убийств, бесчеловечных
разрушений, и у Стравинского появилась
потребность освежить свою палитру. Радостный,
солнечный свет излучает музыка «Пульчинеллы»;
бодрым, жизнедеятельным характером отмечен
Октет (19221923); улыбкой озарена комическая
опера «Мавра» (19211922). А более поздние произведения – «Аполлон» (19271928) и
«Поцелуй феи» (1928) отбросят свет на творчество
Стравинского ближайшего десятилетия; отзвуки
тенденций, в них заложенных, скажутся и в
сороковые годы.
Всего для балетного театра композитор написал
восемь оркестровых партитур: «Жарптица»,
«Петрушка», «Весна священная», «Аполлон
Мусагет», «Поцелуй феи», «Игра в карты»,
«Орфей», «Агон». Также он создал три балетных
произведения с пением: «Байка», «Пульчинелла»,
«Свадебка».
Трудно оспаривать значение новаторской музыки
Стравинского в развитии хореографии ХХ века.
Тем не менее, сценическая судьба его балетов  то
ли по вине консервативных вкусов театральных
зрителей, то ли изза недостаточной изобретательности постановщиков  оказалась не
столь счастливой, как это следовало бы ожидать, и
музыка Стравинского подчас была отмечена
большим признанием не в театре, а на концертной
эстраде. Яркие тому примеры – «Весна священная»
и «Свадебка».
Затяжной кризис начался у композитора с
середины 1930х годов. Жесточайший смерч
проносится над человечеством, вызвав
неисчислимые жертвы; он утихает лишь в 1945
году. Своим беспощадным крылом этот смерч
коснулся и Стравинского, заставив его
эмигрировать из Франции в США. А перед тем, в
19381939 годах, он похоронит жену, мать, дочь и
над ним самим нависнет смертельная опасность
(острая вспышка туберкулёза, от той же болезни
умерли жена и дочь). Потеряв родных, отторгнутый от привычной
обстановки, от друзей и близких, на пороге 60
летия он будет заново строить жизнь (вместе с
новой женой) в культурносоциальных условиях,
которые до конца дней останутся ему чуждыми.
Растерянность ощущается в его действиях, в
невольных уступках «американскому вкусу».
В 1945 году, после войны, которую он пережил на
Американском континенте, Стравинский стал
гражданином США. После 30 лет творчества в
стиле неоклассицизма композитор вновь совершает
поворот, на сей раз ориентируется на серийную
технику, которую в Европе развивает новая
венская школа, в основном Антон Веберн.
Без преувеличения можно утверждать, что ни один
зарубежный композитор ХХ века не был так
образован, как Стравинский. Философия и религия, эстетика и психология, математика и
история искусства  все находилось в поле его
зрения; проявляя редкую осведомлённость, он во
всем хотел разобраться как специалист, имеющий
свой взгляд на затронутый вопрос, своё отношение
к трактуемому предмету. Стравинский  неистовый
читатель  с книгой не расставался до самого
преклонного возраста. Его библиотека в Лос
Анджелесе насчитывала около 10 тысяч томов.
Он был очень деятельным в общении, в переписке.
Нетерпеливо быстрым был Стравинский как в
ходьбе  до тех пор, пока после удара в 1956 году
не ослабла левая нога, так и в реакции на реплики
собеседника.
Но главное  работа: он был великим тружеником,
не позволял себе расслабляться, и в случае
необходимости мог, не отрываясь, заниматься по 18 часов. Роберт Крафт свидетельствовал в 1957
году, что он трудился тогда  то есть в возрасте 75
лет!  по 10 часов в сутки: до обеда над сочинением
музыки 45 часов и после обеда 56 над
оркестровкой или переложением.
Три произведения являются главными в творчестве
Стравинского последнего пятнадцатилетия. Это
«Священное песнопение» (19551956), «Плач
пророка Иеремии» (19571958), «Заупокойные
песнопения» (19651966).
Высшее достижение Стравинского  Реквием
«Заупокойные песнопения». В 84 года
Стравинский создал произведение, отличающееся
истинными художественными прозрениями.
Музыкальная речь стала более ясной и
одновременно образной, эмоционально
контрастной. Реквием  это итоговое сочинение Стравинского, и не только потому, что это его
последнее крупное произведение, но и потому, что
оно вобрало в себя, синтезировало, обобщило
многое из предшествующего художественного
опыта композитора.
В 1969 году здоровье его резко ухудшилось.
Однако продолжало биться сердце, продлевая
угасающую жизнь. Он скончался 6 апреля 1971
года  за два месяца до своего 89летия.
Основные произведения композитора:


Оперы: «Соловей» (19081914), «Мавра»
(1922), «Царь Эдип» (1927), «Похождения
повесы» (1951);
Балеты: «Жарптица» (1910), «Петрушка»
(1911), «Весна священная» (1913), «Пульчинелла»
(1920), «Аполлон Мусагет» (1928), «Поцелуй феи» (1928), «Игра в карты» (1936), «Орфей»
(1947), «Агон» (1957);
 Музыкальносценические произведения:
«Байка про Лису, Петуха, Кота да Барана» (1916),
«История солдата» (1918), «Свадебка» (1923),
«Персефона» (1934), «Потоп» (1962);
Для оркестра: 3 симфонии (1907, 1940, 1945),
«Фантастическое скерцо»,  «Фейерверк» (1908) и
др.;
Камерноинструментальные ансамбли;
Произведения для хора и оркестра;
Кантаты;
Вокальные, инструментальные произведения;
Сочинения для хора а cappella и многое другое.






ЗВУКИ МУЗЫКИ Жарптица
Написать эту балетную партитуру Стравинскому
предложил Дягилев. Премьера балета в Париже
обернулась триумфом для них обоих.
Это было первое крупное сочинение Стравинского.
Премьера балета,  написанного для труппы
Дягилева «Русский балет», состоялась в 1910 году.
Великая балерина Тамара Карсавина исполняла
главную партию, и этот спектакль открыл новую
главу в истории балета.
Сценарий «Жарптицы написан на сюжет русской
сказки. ИванЦаревич ловит Жарптицу, которая
отдаёт ему одно из своих волшебных перьев в
обмен на свободу. Затем Иван входит в волшебный
сад Кощея Бессмертного, пленившего тринадцать
прекрасных царевен. Кощей со своей свитой чудищ
нападает на ИванаЦаревича и угрожает превратить его в камень. Но последний вызывает
Жарптицу с помощью пера, которое она отдала
ему, и та приводит его к гигантскому яйцу, в
котором заключена жизнь Кощея. ИванЦаревич
разбивает яйцо, убивает Кощея и женится на самой
прекрасной из пленённых царевен.
Музыка к «Жарптице»  захватывающая смесь
красочной причудливой оркестровки  здесь
сказывается влияние педагога РимскогоКорсакова
и формирующегося музыкального языка самого
Стравинского.
Жарптица неслыханно прекрасна, её оперение
сияет всеми мыслимыми цветами и оттенками,
буквально ослепляет. Музыка в «Плясе Жар
птицы» переливается гармониями, словно
красочное оперение птицы, в высоком звучании
духовых и глиссандо арфы. «Игра царевен золотыми яблочками» изображает
заколдованных пленниц Кощея, резвящихся среди
золотых яблонь в его саду.
Мощнейшие грохочущие аккорды в оркестре
объявляют о начале «Поганого пляса Кощеева
царства». Сильно синкопированные ритмы,
объединённые с рельефным звучанием ксилофона,
помимо других ударных инструментов, и
удивительные глиссандо тромбона, делают этот
номер наиболее захватывающим и напряжённым.
Аполлон Мусагет
Балет «Аполлон Мусагет», созданный в 1927 году,
принадлежит к неоклассическому периоду
творчества Стравинского, без русского влияния и
намёков на фольклор. Аполлон был богом солнца и
предводителем муз (покровительниц наук, поэзии и искусств) у древних греков. Музыка написана для
нежных звуков струнного оркестра и по образцу
элегантных «классических» балетов, исполняемых
при дворе французского короля Людовика XIV.
Названия самих танцев соответствуют
«классическому» стилю.
Четыре действующих лица  Аполлон и три музы,
которые имеют непосредственное отношение к
балету: Терпсихора  воплощение танца, Каллиопа
 олицетворяет поэзию и её ритмику, Полигимния
искусство пантомимы. Они рассказывают о
рождении Аполлона, его обучении и восхождении
на Парнас.
Сюжет
На острове Делос (первоначальное название
Астерия) в глубине пещеры рождается сын Зевса
Аполлон. Аполлон появляется из пещеры, у подножия скал,
делая первые, ещё неловкие движения. Две богини
подходят к нему, чтобы сопровождать в жилище
богов, на гору Олимп. Они надевают на Аполлона
золотой пояс в знак его божественного
происхождения, обвивают чело виноградными
гроздьями и вкладывают в руки арфу  символ
искусства. По воле своего отца он должен стать
покровителем искусств.
Аполлон на Олимпе. Он овладел искусством игры
на арфе, а теперь делает первые шаги в танце.
Подходят музы Полигимния, Терпсихора и
Каллиопа и склоняются перед своим повелителем
водителем муз Мусагетом. Аполлон предпочитает
Терпсихору двум другим музам. Все прославляют
великую силу искусства. Петрушка
«Петрушка»  второй из ряда удивительных
балетов, которые Стравинский написал для
балетной компании Дягилева, в его премьере,
состоявшейся в Париже в 1911 году, участвовал
знаменитый танцор Вацлав Нижинский. Это
произведение более зрелое по сравнению с «Жар
птицей»  музыка более дерзкая в своей
самобытности и пронизана цитатами из русских
песен и танцев. Этот новый реализм
распространяется  на характер Петрушки –
традиционной куклыперчатки, наполненной
человеческими чувствами и переживающей
серьёзную романтическую драму. Такой
психологический аспект был весьма нов для
танцевального мира. «Гулянье на масленице в Петербурге».  Музыка
поражает необычайной жизненностью, яркостью в
обрисовке праздничного уличного быта старого
Петербурга. Адмиралтейская площадь, яркий
зимний день. В центре сцены  театрик Фокусника.
Тут же карусели, перекидные качели, ледяные
горы, лавки со сластями. С первых же тактов в
оркестре слышится общий неумолкающий
вибрирующий гул: говор, выкрики торговцев,
обрывки песен и т. д.
Завораживающей мелодией своей флейты
фокусник привлекает толпу в свой театр, где три
куклы – Петрушка, Балерина и Арап – исполняют
живой и яркий «Русский танец».
Вопросы для закрепления материала:
1. Назовите годы жизни композитора. 2. Кого Стравинский считал своим «великим
учителем»? Какое произведение композитор
посвятил его памяти?
3. Какую дату мы считаем началом мировой
славы Стравинского?
4. Назовите имя русского театрального деятеля, с
которым связано создание ранних балетов
композитора.
5. Лидером какого направления в искусстве
Стравинский стал в 2030е годы?
6. Когда Стравинский в последний раз посетил
Россию? Феликс Мендельсон. Гармония и равновесие
Чувствуя себя в салонах и при дворе как дома,
Мендельсон при этом был одним из самых
серьёзных композиторов своего времени.
Создав за свою короткую жизнь множество
шедевров, он стал известен как «Моцарт XIX
века». Феликс МендельсонБартольди родился 3 февраля
1809 года в Гамбурге в богатой семье банкиров
евреев, впоследствии принявших лютеранство. В
1816 году Феликса крестили, тогда же семья
Мендельсонов добавила к своей фамилии вторую
часть (Бартольди), чтобы отличаться от
родственников, оставшихся в иудаизме.
Идеи Мендельсона оказали огромное влияние на
развитие идей немецкого просвещения и
реформизма в иудаизме в XIX веке.
Семья Мендельсонов могла похвалиться богатыми
культурными традициями  дед композитора,
Мозес Мендельсон, был крупным философом,
представителем немецкого просвещения. Отец
Феликса Мендельсона, Абрахам Мендельсон,
говаривал порою: «Раньше я был сыном своего отца, а теперь я  отец своего сына». Но и он сам,
банкир, не принадлежал к породе «классических
дельцов». Он много читал, знал иностранные языки
и неплохо разбирался в музыке. А в 1820 году
Мендельсоны, переехавшие к тому времени в
Берлин, «обзавелись» своим салоном, где бывали
Гегель, Гумбольдт, Гейне и многие другие
известные люди того времени.
Таким образом, юный Феликс Мендельсон рос в
атмосфере любви к искусству. Родители старались
дать ему наилучшее образование  как общее, так и
музыкальное. Первым «музыкальным наставником»
стала для Феликса и его сестры Фанни мать, затем
к одаренным детям пригласили профессионального
пианиста.
Заметив, что сын делает большие успехи и, кроме
того, обнаруживает способности к композиции, Абрахам Мендельсон договорился с Карлом
Фридрихом Цельтером, самым известным в
Берлине композитором и дирижером (а также
другом Гёте), что он будет преподавать Феликсу
музыкальную теорию. Незадолго до этого будущий
композитор начал брать еще и уроки игры на
скрипке. Помимо музыки Феликс Мендельсон
изучал классическую филологию и живопись (сам
он довольно неплохо писал акварелью).
Уже семилетним мальчиком Мендельсон выступал
как пианист, а в одиннадцать лет всерьез увлекся
сочинением музыки. Спустя год ему
посчастливилось — благодаря Цельтеру
познакомиться с Гёте. Талантливый мальчик
произвел большое впечатление на великого поэта.
В его лице Мендельсон обрел и духовного
наставника, и покровителя, и друга, и поклонника. В 1822 году состоялось первое концертное турне
Феликса Мендельсона  по Швейцарии, а в 1825
году он побывал в Париже, музыкальной столице
Европы. Музыкальная столица поразила юного
композитора и  разочаровала его. Он обнаружил,
что здесь почти никто не знает Бетховена;
 Аллегри, Гендель и Бах  позабыты. А ведь
творчество именно этих композиторов было для
Мендельсона основной духовной пищей во все
годы его учения у Цельтера. Баха он боготворил со
всем пылом впечатлительного юноши. Страдая, что
лучшие произведения «великого немца» находятся
в забвении, он принял решение  вернуть к жизни
«Страсти по Матфею».
Дабы воплотить это решение, Мендельсону
пришлось преодолевать сопротивление
берлинского музыкального сообщества и даже самого маэстро Цельтера. И все же, после двух лет
упорной работы, Феликс Мендельсон достиг своей
цели. 11 марта 1829 года он дирижировал
«Страстями», и исполнение имело огромный успех.
Это выдающееся событие ознаменовало собой
начало возрождения интереса к музыке Баха, и
«баховский ренессанс» более чем на век стал
определяющим фактором в развитии немецкой
культуры. Благодаря тому же эпохальному
концерту музыкальная публика заметила и высоко
оценила дирижерский талант двадцатилетнего
Мендельсона.
Но успех на «исполнительскодирижерском»
поприще не отвлек Мендельсона от его главного
призвания  сочинения музыки. Чувствуя, что
Берлин становится тесен для него и больше не дает
ему новых впечатлений для его творчества, он уехал за границу. В апреле 1829 года он
отправился в Англию, где и состоялись премьеры
его Первой симфонии до минор и увертюры «Сон в
летнюю ночь». Лондонцы приняли музыку
Мендельсона более чем доброжелательно.
Спустя несколько недель композитор уже снова в
пути  едет в Шотландию, а затем на Гебриды.
Дикий, суровый пейзаж этих мест вдохновил
Мендельсона на создание лучших его
произведений. Возвращаясь в Берлин, музыкант
вновь ненадолго остановился в Лондоне и с
изумлением обнаружил, что его популярность
здесь стремительно возросла за то время, что он
отсутствовал. С тех пор Англия стала его второй,
«духовной», родиной.
Пробыв некоторое время в Берлине, Мендельсон
отправился в новое путешествие  на этот раз он решил навестить Италию. С октября 1830 года до
лета 1831 года он посетил Венецию, Болонью,
Флоренцию, Рим, Неаполь, Геную и Милан.
Ласковая природа этой страны пришлась по душе
композитору. Но больше, чем природа, его
занимала, конечно же, культура Италии.
Величественные фрески ее церквей, руины
античных зданий, произведения итальянских
композиторов  во всем этом Мендельсон находил
новые источники вдохновения. Покинув Италию,
он побывал в Швейцарии, а зиму 183132 годов
провел в Париже. Конечным пунктом этого
путешествия стала, разумеется, Англия, столь
любимая композитором.
Вернуться в Берлин Мендельсона заставило
известие о неожиданной смерти Цельтера. Абрахам
Мендельсон надеялся, что его сыну предложат занять освободившееся место директора
Певческой академии, но этого не произошло. В
1833 году, однако, нашлась должность и для
Мендельсона  он стал мюзикдиректором в
Дюссельдорфе. Теперь в его обязанности входило
проводить репетиции и концерты Музыкального и
театрального общества. Правда, уже через
несколько месяцев композитор оставил
Дюссельдорф и возвратился в Берлин, где стал
почетным членом Академии искусств.
В это время Мендельсон уже известен во всех
немецких городах. От выгодных предложений нет
отбоя. Кельн доверяет ему проведение
музыкального фестиваля, Лейпциг предлагает
университетскую кафедру. От этого заманчивого
предложения музыкант, впрочем, отказался. Зато с
радостью согласился руководить знаменитым (Лейпцигским же) оркестром Гевандхаус.
Благодаря Мендельсону Лейпциг стал на
некоторое время одним из важнейших центров
музыкальной Европы. Оркестр, руководимый
Мендельсоном, блистательно исполняет шедевры
старых мастеров и произведения новых
композиторов, а сам композитор много пишет, и
его премьеры проходят с неизменным успехом.
По его инициативе в Лейпциге установлен
памятник Баху, открылась в 1843 году
консерватория, которой суждено было оказать
огромное влияние на музыкальную жизнь всей
Германии. Здесь, в Лейпциге, прошли лучшие и
плодотворнейшие годы Мендельсона, сюда он
привез свою молодую жену  Сесиль Жанрено.
В мае 1847 года внезапно умирает любимая сестра
Феликса Мендельсона  Фанни. С ее смертью композитор почувствовал, что силы начинают
оставлять и его самого. 4 ноября 1847 года он
скончался.

Звуки музыки
Концерт для скрипки с оркестром  ми минор,
соч. 64, 1 часть
Этот концерт, написанный в 1844 году,  одно из
последних и самых зрелых инструментальных
произведений Феликса Мендельсона. Композитор
достиг здесь той высокой драматичности, которая
позволяет говорить о его связи с бетховенскими
симфоническими традициями. Вместе с тем
концерт насыщен духом романтизма  от первой до
последней ноты. В нем сосредоточились
характернейшие черты творчества Мендельсона  лиричность, песенность, изящество, чувство
красоты и гармоничности окружающего мира.
Тонкий и выразительный музыкальный колорит
сочетается здесь со строгостью формы.
Появление концерта стало настоящим событием в
музыкальной жизни Европы. Сейчас нам кажется,
что первая половина XIX века ознаменовалась
расцветом всяческих искусств  и, в частности,
музыки. Однако у современников было совсем
другое ощущение. Шуман, например, с горькой
язвительностью замечал, что многие
преуспевающие композиторы заняты тем, что
сочиняют виртуозные пассажи, а затем уже думают
 чем бы заполнить пространство между ними. На
этом скорбном фоне скрипичный концерт
Мендельсона выделялся исключительной серьезностью чувства и «обоснованной»
виртуозностью.

Песни без слов
Сестра Мендельсона Фанни, благодаря огромному
богатству семьи, получила  прекрасное домашнее
образование. Ее музыкальные способности
всячески поощрялись. Она стала прекрасной
пианисткой, исполняла многие пьесы своего брата
и даже дирижировала оркестром. Ей принадлежит
более пятисот музыкальных произведений,
включая оратории. В творчестве Фанни очень
зависела от мнения своего гениального брата, но, в
свою очередь, часто давала ему важные советы.
Так, уже невозможно узнать, кому из них двоих
принадлежит идея «Песен без слов». Задумка с самого начала была в корне новаторской
– легкая, ни к чему не обязывающая форма, не
обремененная особыми правилами. Напевность,
миниатюрность и возможность творческой свободы
«Песен без слов» привлекли мастеров
романтического направления. Жанру,
изобретенному братом и сестрой, стали подражать.

Песня без слов № 6 ля мажор «Весенняя песня»,
соч. 62
В течение своей жизни Мендельсон написал 48
подобных пьес под названием «Песни без слов».
Каждая – тщательно сделанная миниатюра, нежная
и экспрессивная. В «Весенней песне» мелодию
сопровождает легкий, невесомый аккомпанемент.
Весна была одной из любимых тем композитора, а
тональность ля мажор явно казалась для него такой же весенней. У Мендельсона немало музыки
о весне, и вся она – в ля мажоре.

Рондокаприччиозо ми мажор, соч. 14
Мендельсон написал это произведение в
пятнадцать лет. А в 1830 году в Мюнхене, следуя
из Веймара (где встречался с Гёте) в Зальцбург и
Вену, он презентовал его пианистке Дельфине фон
Шаурот. Феликса на написание этой пьесы
вдохновил «Концертштюк» Вебера. В эпоху
романтизма блестящие концертные рондо
открывались медленным вступлением (часто
лирическим), за которым следовала искрометная
быстрая часть. Слушая рондокаприччиозо, легко
можно представить, каким виртуозом был сам
Мендельсон. Браво, Феликс!
Трудно поверить, но двести лет назад никто не
помнил старину Иоганна Себастьяна Баха и его
музыку! В моде была другая — легкая и
незамысловатая. А фамилия Бах ассоциировалась
у публики с его сыном Иоганном Христианом,
автором модных изящных шлягеровсонат.
И вот в 1809 году рождается Феликс Мендельсон.
Его отец был банкиром и любителем искусств, дед
— философом. В их доме встречались передовые
люди того времени — музыканты, поэты, писатели.
Уже в детстве у Феликса проявился музыкальный
талант, в 16 лет он написал одно из лучших своих
произведений — «Сон в летнюю ночь» по
Шекспиру (откуда, кстати, его знаменитый свадебный марш). Юношу ждала блестящая
музыкальная карьера, сам Сальери готов был
принять его в ученики... Но Феликс, во многом
благодаря влиянию Гете, посещавшего их салон,
решает посвятить свою жизнь Служению
классической музыке — возрождению ее забытых
образцов и просветительству на своей родине!
В 18 лет, работая музыкантом в Лейпциге в той же
церкви, где когдато служил Бах, Феликс находит
в архивах партитуру грандиозной мессы «Страсти
по Матфею», исполнявшейся при жизни Баха лишь
один раз и отвергнутой современниками. Он решил
во что бы то ни стало вернуть эту музыку людям!
Его учитель был потрясен величием произведения
и замысла юноши, но не поверил, что этот замысле
осуществим, ведь исполнение требовало
высочайшего мастерства и участия нескольких сотен музыкантов и певцов… Однако юный Феликс
вдохновил своей мечтой многих друзей
музыкантов. Целый год они вдохновенно и
абсолютно бесплатно репетировали под
руководством юноши. И вот в 1829 году, ровно
через 100 лет после первого «выхода в
музыкальный свет» Баха, в том же Лейпциге при
большом стечении общественности состоялось
второе рождение шедевра! Юный Мендельсон сам
дирижировал и вдобавок исполнял партию
клавесина! Он так волновался, что по ошибке взял
с собой томик с нотами совсем другого
произведения. Но чтобы музыканты, певцы и
публика ничего не почувствовали и премьера не
сорвалась, он усердно переворачивал страницы
партитуры, безошибочно дирижируя наизусть все несколько часов этой сложнейшей мессы! Успех
был потрясающим.
С этого момента началось возрождение
музыки Баха, которое поддержали очень многие
музыканты, хотя треть наследия композитора
оказалась утеряна безвозвратно. Мендельсон
дирижировал оркестрами, исполняя бессмертные
классические образцы Баха, Генделя, Моцарта.
Следуя своей миссии, он организовал в Лейпциге
первую в Германии консерваторию.
В ней начали преподавать лучшие таланты, в том
числе молодой Шуберт. Это были те, кто вновь
откликнулись на страстный призыв Мендельсона!
В эти же годы Мендельсон успел написать лучшую
свою музыку. Умер он, прожив 38 лет, всего на два
года больше Моцарта. Но исполнил свою миссию — наполнил мир великой музыкой, без которой
уже трудно представить нашу жизнь.
Страсти по Матфею
Высочайшая вершина творчества Баха – «Страсти
по Матфею», объединяет все дарования
композитора в этом заявлении искренней веры. В
нем рассказывается история о предательстве и
распятии Христа, согласно Евангелию св. Матфея.
Распятие Христа  центральный образ
христианского искусства. Сотни, тысячи
художников создавали свои интерпретации этого
сюжеты. Один из шедевров  «Изенгеймский
алтарь» Маттиаса Грюневальда. По силе
выражения этот живописный шедевр конгениален
баховским «Страстям по Матфею». И хотя нет
никаких исторических свидетельств того, что Бах
был знаком с этим творением Грюневальда, этика и

intro:
Игорь Стравинский - легендарная фигура в музыке ХХ века. За долгую жизнь этому композитору удалось использовать все достижения современной авангардной музыки.
Русская народная песня, богатство её ритмико-мелодической структуры были для Стравинского источником создания собственной мелодики фольклорного типа.
Игорь Стравинский - легендарная фигура в музыке ХХ века. За долгую жизнь этому композитору удалось использовать все достижения современной авангардной музыки.
Русская народная песня, богатство её ритмико-мелодической структуры были для Стравинского источником создания собственной мелодики фольклорного типа.

title: Урок: Разработка уроков по музыке 16 часть