extracted_text:
Ноктюрны Шопена
Ноктюрн  один из характерных жанров
романтического искусства. Французское слово
nocturne в переводе означает «ночной». Термин этот
появился в музыке XVIII века. В то далёкое время
этим словом называли пьесы, исполняемые на
открытом воздухе, чаще всего духовыми или
струнными инструментами. Они были близки
инструментальным серенадам или дивертисментам.
В XIX веке появился совсем другой ноктюрн
мечтательная, певучая фортепианная пьеса,
навеянная образом ночи, ночной тишиной, ночными
думами.
Впервые фортепианные ноктюрны стал писать
ирландский композитор и пианист, Джон Филд. Джон Филд – ирландский музыкант, многие годы
проведший в России и именно здесь создавший свои
многочисленные ноктюрны. «У романтиков впервые
проявился глубокий художественный интерес к
этому жанру «ночной музыки». Картины ночной
природы, сцены любовных свиданий на фоне лунной
ночи, разнообразные настроения одинокого
художникаромантика  то подавленного стихийной
мощью ночной грозы, то мечтающего на берегу реки...
о смутном и далёком счастье...  всё это...
романтические образы, хорошо известные не только в
музыке, но и в поэзии, и в живописи»,  писал В.
Ферман.
Мы находим ноктюрны в
творчестве Глинки, Чайковского, Шумана. Но
наиболее известны ноктюрны Шопена. Мечтательные
или поэтичные, строгие или скорбные, бурные или страстные, они составляют значительную часть
творчества этого поэта фортепиано.
Шопен начал писать эти романтические пьесы в 30х
годах. Ноктюрны Шопена значительно отличаются от
ноктюрнов Д. Филда.
Шопен начал писать ноктюрны ещё в Варшаве.
Ноктюрн, изданный после смерти композитора
под ор. 72, сочинён в 1827 году, а ор. 9 датируется
18291830 годами. Общая хронология шопеновских
произведений ведётся по датам прижизненного
издания, из чего можно заключить, что создание
подавляющего большинства ноктюрнов относится
к периоду 30х и начала 40х годов. За исключением
юношеского ноктюрна cismoll. Всего у Шопена
вместе с посмертно изданным миминорным
девятнадцать ноктюрнов. В основе филдовских ноктюрнов, как правило, один
музыкальный образ, манера изложения напоминает
песню с аккомпанементом: правая рука ведёт
мелодию, остальные голоса ей аккомпанируют. У
Шопена ноктюрны гораздо глубже по содержанию.
Они отличаются богатством музыкальных образов и
силой творческой фантазии. Большинство ноктюрнов
Шопена строится на контрасте двух образов.
Одухотворённый лиризм Шопена находит в
ноктюрнах свои специфические средства выражения.
С чисто моцартовской щедростью рассыпает в них
Шопен свои прекрасные мелодии. Предельно
выразительные, непосредственные, они звучат как
естественно льющаяся песня, как живой
человеческий голос. В ноктюрнах наиболее явны
песенные, вокальные истоки шопеновской мелодики. Волнующий ноктюрн Шопена…
Уносит ночь стихов опавший лист.
Как медленно и вдохновенно
Свой сон играет пианист.
В мгновениях, парящих  вечность,
Аккордов, нот волшебный миг.
Мир из иллюзий  бесконечность,
Парящих фраз…
Луны полночной лик…
Три ноктюрна соч. 15  это произведения, которые
считаются вершиной творчества Шопена.
Одно из лучших произведений Шопена в этом жанре
Ноктюрн Фадиез мажор, Op. 15 № 2. Как льющаяся
в ночной тишине песня, звучит задушевная напевная
мелодия.
Полнота лирического чувства выливается в
страстный порыв. Словно налетевший вихрь (может быть, отчаяния, страсти) прерывает мечтательность
песни. Насколько первый раздел формы спокоен и
мечтателен, настолько взволнован и тревожен
средний раздел. После него совсем подругому
звучит в репризе мелодия первой части. И только в
коде исчезает напряжённость темы и всё
успокаивается.
Ноктюрн Фа мажор, Op. 15 № 1 начинается нежной,
необыкновенно лёгкой мелодией. Вторая часть  con
fuoco («С огнём»)  неожиданно драматичная и
бурная. Мир вновь воцаряется лишь в самом конце, с
возвращением первой темы.
Ноктюрн Соль минор, Op. 15 № 3 начинается
мелодией грустной народной песни. Она звучит всё
жалобнее, пронзительнее и горше. Следующий
фрагмент напоминает хорал, построенный как
секвенция аккордов, обозначающих модуляцию (смену тональностей в пределах одного
произведения). В конце звучит вопросительный мотив
 «плач об утраченной любви».
Ноктюрн Ребемоль мажор, Op. 27 № 2  прекрасен
прозрачной красотой. Кристально чистую мелодию,
лежащую в основе сочинения, Шопен многократно
преобразует, используя самые изысканные
технические средства (трели, мелизмы, пассажи,
уменьшенные кварты и квинты).
Упоение тёплой летней ночью, поэзия ночного
свидания звучат в нежной и страстной музыке этой
пьесы. Основная тема как бы проникнута живым и
трепетным человеческим дыханием.
В средней части ноктюрна слышится нарастающее
волнение, однако оно вновь уступает место
основному ясному и светлому настроению,
господствующему в этой пьесе. Пронзительная, пылкая романтическая мелодия ведёт нас к
страстной кульминации, а затем – к тихому,
спокойному финалу. Ноктюрн заканчивается
чудесным дуэтомразговором 2х голосов.
О ноктюрне Мибемоль мажор, Op. 9 № 2 известно,
что его начало Шопен написал на листе письма к
Марии Водзиньской, своей возлюбленной. Этот
ноктюрн всегда очень нравился публике. Его сонное
течение, спокойные аккорды в партии левой руки,
полная лиризма, неги и романтической чувственности
мелодия завораживают,  околдовывают сердце.
Композитор и сам любил это произведение и часто
исполнял его на концертах или просто играл
ученикам, каждый раз находя удовольствие в том,
чтобы менять орнаментику. Мазурки Шопена
В шопеновской сокровищнице мазурки и полонезы
выделяются яркостью выраженных в них народно
национальных элементов. Особенно это относится к
мазуркам. Они народны в самом прямом и подлинном
понимании слова, в них раскрывается «душа» народа,
все его помыслы и представления, быт и нравы,
чувство красоты, и любовь к родным местам. С
чуткостью гениального художника Шопен
воспроизводит в своих с тончайшим изяществом
отделанных миниатюрах прелесть народных
музыкальнопоэтических образов. Подавляющее количество мазурок Шопен писал
вдали от Польши, в Париже, но остроту
запомнившегося с детских лет не могло приглушить
никакое расстояние. «Слушающему эти композиции
(мазурки) кажется, что автор только что побывал
гденибудь в окрестностях Плоцка, на деревенской
свадьбе и под свежим впечатлением здорового
веселья спешит зарисовать нотами картину танцев
под открытым небом и зафиксировать звуки
примитивного сельского оркестра».
В мазурках Шопен не только сильнее всего выразил
национальную сущность своего творчества; для него
самый жанр мазурки превратился как бы в
музыкальную эмблему Польши, в символ его далёкой
Родины.
Перу Ф. Шопена принадлежат 52 мазурки. Богатый
мир человеческих чувств и мыслей выражен в мазурках Шопена очень искренно и правдиво. Среди
них множество истинных шедевров.
Мазурка  излюбленный польский танец. Он родился
в одной из областей Польши  Мазовии. Поэтому его
правильнее называть мазур. (Слово «мазур»
означает житель Мазовии). Народная мазурка
танец, который танцуют два партнёра, причём в нём
нет заранее придуманных фигур. Его импровизируют.
А вот когда мазурка появилась в дворянской,
шляхетской среде, она превратилась в блестящий
танец, символизирующий военную удаль.
Шопен часто называл мазурки словом «obrazki». По
польски это означает «картинки». Кстати,
композитор К. СенСанс заметил: «Музыка Шопена
всегда картина». Действительно, это настоящие
картинки польской жизни. Кажется, сама душа
Польши поёт в этих прекрасных творениях. «Я нахожу их красивыми, они мне нравятся, как
самые младшие дети нравятся своим
престарелым родителям»,  писал он.
Среди шопеновских мазурок можно выделить три
основные группы  задорные народноплясовые,
блестящие бальные и поэтичные лирические.
Мазурка до мажор (ор. 56 № 2) – представляет
первую группу. Это настоящая картинка
деревенского праздника, «с живым чувством
Родины, земли, народа и его лучистой энергией».
Так сказал об этой мазурке замечательный русский
музыковед, академик Б. Асафьев. Поляки называли
её «мазуркой мазурок».
Представьте, что мы попали на праздник в польскую
деревню. Конечно же, танцы сопровождает
деревенский оркестр. Из каких же инструментов он состоит? Обязательная его участница скрипка, не
менее важен был контрабас, который поляки ласково
называли «толстой Мариной». И, конечно, волынка.
Волынка  духовой инструмент. Главная его деталь
мех, то есть кожаный резервуар или пузырь. В него
вставляется несколько трубок. Одна из них  с
отверстиями, как у деревянных духовых
инструментов. На ней играется мелодия. В другую
трубочку, поменьше, вдувают воздух, чтобы волынка
звучала. Все остальные трубочки сопровождают
мелодию непрерывным звучанием каждая на своей
высоте. Поэтому мелодия на волынке всегда звучит в
сопровождении неизменного аккомпанемента.
В начале мазурки Шопена несколько тактов «гудит»
квинта, подражающая деревенскому оркестру. А на её фоне звучит весёлая, задорная мелодия с острым
синкопированным ритмом.
На народных праздниках мазурка не всё время
танцевалась всеми танцорами. В середине танца
вперёд выходил главный танцор, в сольном танце
показывая своё мастерство. На смену ему приходит
танец девушек, более лиричный.
Такую картину рисует средний раздел до мажорной
мазурки. Но завершается всё общим танцем.
Мазурка си бемоль мажор (ор. 7 № 1) является
примером блестящей бальной мазурки. В её первом
разделе (рефрене формы рондо) горделивые взлёты в
мелодии чередуются со смелыми скачками с
форшлагами  будто слышится удалое щёлканье
шпор. На смену этому разделу приходят две контрастные
темы. Одна из них  так любимый Шопеном
деревенский волыночный наигрыш. Можно
вообразить, что это на балу промелькнул некто в
необычном красочном наряде.
Есть среди мазурок Шопена и необыкновенно тонкие,
проникнутые глубоким чувством «лирические
поэмы». «Вот в ритмы мазурок вплетены
грустные, типично славянские напевы... Вот
сознание композитора касается граней сумрачной
меланхолии. Вдруг  солнце, свет, трепет жизни,
воздух полей, песня, танец, игра. Среди радостей
облако: проходя, оно затеняет лазурь неба...»
писал о них музыкальный критик Б. Асафьев.
В них всё сосредоточено на том, чтобы передать
чувство, которое Шопен определял многозначным и
трудно переводимым польским словом zal (жаль). Его можно понимать как жалость и нежность, грусть
и печаль и как множество других настроений, не
поддающихся однозначному словесному
определению. Эта особая краска, присущая самой
природе шопеновского лиризма, проступает уже в
самых ранних его пьесах.
Мазурка ля минор (ор. 68 № 2). Это очень
поэтичная лирическая картина Родины. Затаённая
печаль рассеяна в звуках этой мазурки. Как и
положено, мазурка написана в трёхчастной форме,
где средний раздел также воплощает задорный
деревенский танец.
Вначале звучит задумчивая, грустная мелодия.
Движение по основным звукам ляминорного
трезвучия в медленном темпе придаёт ей мягкость и
плавность, а лёгкий акцент на третьей доле такта
большое изящество. Воспоминания композитора как бы уходит всё
глубже и глубже. И вот уже звучит задорный
деревенский танец с характерной «гудящей» квинтой
в басу. Мажор, оживлённый темп придают музыке
весёлый, зажигательный характер. А акцент на
третьей доле такта напоминает притопывание в
танце. Это средняя часть мазурки. Затем
возвращается первая тема – нежная, грациозная,
полная задумчивой грусти.
Последние мазурки
Последние месяцы жизни Шопена в Париже были
очень печальны. Он почти не мог играть и ежедневно,
хотя бы несколько часов, вынужден был проводить в
постели. Поначалу он пытался продолжать уроки со
своими учениками, но довольно скоро ему пришлось
отказаться и от этого. И всё же он пишет новую замечательную музыку; две
мазурки  соль минор и фа минор. Мягкая грусть и
свет воспоминаний озаряют их,  быть может, это
прощальный привет Родине...
Время шло, болезнь не отступала. По просьбе
Шопена в Париж приехала его сестра Людвика с
дочерью. Это было большой радостью для
композитора, теряющего силы. «Играю всё меньше и
меньше. Писать ничего не могу... Я еле могу
вспомнить, как поют на Родине...»
Вопросы:
1. Каковы отличительные черты польского
народного танца мазурки?
2. Назовите польские танцы, использованные в
мазурках Ф. Шопена. 3. Сколько мазурок сочинил Ф. Шопен, и какие
основные группы можно выделить среди них?
4.
Расскажите о характере музыки и построении
мазурок Шопена до мажор, сибемоль мажор и ля
минор.
Бетховен. «Патетическая соната» № 8 до минор
Бетховен был гениальным пианистомвиртуозом.
Поэтому область фортепианной музыки была для
него той родной стихией, в которой он чувствовал
себя властителем. Если в области симфонии он
воплощал свои монументальные замыслы, то
фортепианная музыка была своеобразным дневником,
в который он записывал свои непосредственные высказывания, жизненные наблюдения. Поэтому в его
сонатах полнее раскрывается внутренний мир
композитора, и это как бы «очеловечивает» его
героику.
Фортепианные сонаты Бетховена можно назвать
маленькими симфониями. В них тот же порыв, та же
революционная страсть, тот же призыв к борьбе.
Достаточно проиграть первую строчку сонаты
«Аппассионата», чтобы почувствовать это.
По фортепианным сонатам можно проследить путь
становления композитора. 32 сонаты написаны
Бетховеном на протяжении его жизни, в разные этапы
его творчества. В них как бы проявляются два начала
творчества композитора: действенное,
драматическое, ведущее к поискам новых форм и
приёмов, и философское, созерцательное. Правда,
границу между ними всегда провести трудно, они как будто переплетаются друг с другом, наслаиваются
одно на другое.
«Патетическая соната» была создана в 1798 году и
сразу была воспринята как сочинение смелое и
новаторское.
Не будет преувеличением сказать, что первые
аккорды «Патетической сонаты» сделали для жанра
фортепианной сонаты не меньше, чем первые ноты
«Героической симфонии» для симфонии (добавим,
что соната была написана почти за четыре года до
появления симфонии). Ни сам Бетховен, ни его
предшественники никогда ещё не сочиняли для
фортепиано музыку такой глубины.
С первых звуков она приковывает внимание
слушателя и не отпускает его до самого конца. Эта
простая и в то же время величественная мелодия –
произведение зрелого композитора, в ней нет следа страсти и борьбы, традиционно ассоциирующихся с
произведениями Бетховена. Композитор и сам
прекрасно осознавал это – он просто заявляет тему,
развивает и повторяет её. Финал сонаты искусно
объединяет две предшествующие темы и превращает
произведение в единое целое.
Начало первой части написано в тональности до
минор, помечено «мрачно» и исполнено пафоса,
оправдывающего название сонаты (несмотря на то,
что до сих пор остаётся неизвестным, сам ли
Бетховен назвал так своё произведение или это
сделал за него издатель).
Откуда такое горе, такая печаль?
Во время написания сонаты Бетховену было около 27
лет, именно тогда он начал испытывать первые
проблемы со слухом. К тому времени Бетховен жил в Вене уже шесть или
семь лет, два его фортепианных концерта были
исполнены на публике, он опубликовал несколько
камерных произведений, начал занимать своё место в
этом прославленном городе композиторов и
виртуозов, и доказал, что отличается от всех них! И
вот теперь, вдруг – глухота? Неужели судьба может
быть к нему так жестока? Но в «Патетической сонате
Бетховен словно говорит слушателям, что готов
сражаться с недугом. Если начало сонаты исполнено
печали, то дальше следует настоящий взлёт духа и
решимости.
Звуки музыки
I. GraveAllegro di molto e con brio. Первая часть
написана в быстром темпе и наиболее напряжённа по
своему звучанию. Обычна и её форма сонатного
allegro. Сама же музыка и её развитие, по сравнению с сонатами Гайдна и Моцарта, глубоко своеобразны и
содержат много нового.
Необычно уже начало сонаты. Музыке в быстром
темпе предшествует медленное вступление. Мрачно
и вместе с тем торжественно звучат тяжёлые
аккорды. Из нижнего регистра звуковая лавина
постепенно движется вверх. Всё настойчивее звучат
грозные вопросы (основная тональность сонаты до
минор). Им отвечает нежная, певучая, с оттенком
мольбы мелодия, звучащая на фоне спокойных
аккордов.
Кажется, что это две различные, резко
контрастирующие между собой темы. Но если
сравнить мелодическое строение обеих тем, то
окажется, что они очень близки между собой, почти
одинаковы. Как сжатая пружина, вступление затаило в себе огромную силу, которая требовала выхода,
разрядки.
Начинается стремительное сонатное allegro. Главная
партия напоминает бурно вздымающиеся волны. На
фоне беспокойного движения баса тревожно
взбегают и опускаются верхние голоса:
Связующая партия успокаивает волнение главной
темы и приводит к мелодичной и певучей побочной
партии.
Однако широкий «разбег» побочной темы (почти на
три октавы), «пульсирующее» сопровождение, а
главное  приём изложения в разных регистрах  всё
это придаёт ей напряжённый характер. Вопреки
правилам, установившимся в сонатах венских
классиков, побочная партия «Патетической сонаты»
звучит не в параллельном мажоре (мибемоль мажор), а в одноименном к нему минорном ладу (мибемоль
минор).
Энергия нарастает. Она прорывается с новой силой в
заключительной партии (мибемоль мажор).
Короткие фигурации ломаных арпеджио, как
хлёсткие удары, пробегают по всей клавиатуре
фортепиано в расходящемся движении. Нижний и
верхний голоса достигают крайних регистров.
Постепенное нарастание звучности от pianissimo до
forte приводит к мощной кульминации, к высшей
точке музыкального развития экспозиции.
Следующая за ней вторая заключительная тема
является лишь короткой передышкой перед новым
«взрывом». В конце заключения неожиданно звучит
стремительная тема главной партии. Экспозиция
заканчивается на неустойчивом аккорде. На рубеже
между экспозицией и разработкой вновь появляется суровая тема вступления. Но здесь её грозные
вопросы остаются без ответа: лирическая тема не
возвращается. Зато сильно возрастает ее значение в
среднем разделе первой части сонаты  разработке.
Разработка невелика, но очень напряжённа. «Борьба»
разгорается между двумя резко контрастными
темами: порывистой главной партией и лирической
темой вступления. В быстром темпе тема вступления
звучит ещё более беспокойно умоляюще. Этот
поединок «сильного» и «слабого» выливается в
ураган стремительных и бурных пассажей, которые
постепенно затихают, уходя все глубже и глубже в
нижний регистр.
Реприза повторяет темы экспозиции в том же
порядке в основной тональности  до миноре.
Изменения касаются связующей партии. Она
значительно сокращена, поскольку тональность всех тем едина. Зато главная партия расширилась, что
подчёркивает её ведущую роль.
Перед самым окончанием первой части ещё раз
появляется первая тема вступления. Но что это? Она
«потеряла» свой первый «грозный» аккорд и
начинается со слабой доли. В её вопросе осталась
только тревога и даже отчаяние. Неужели опять не
будет ответа? Ответ есть. Но не слабый, умоляющий,
а энергичный, волевой.
Первую часть завершает главная тема, звучащая в
ещё более стремительном темпе. Воля, энергия,
мужество победили.
II. Adagio cantabile. Красота музыки в медленных
частях бетховенских циклов всегда покоряет, а
Adagio cantabile (медленно, певуче) из
«Патетической»  одно из самых прекрасных. Это относительно раннее сочинение так совершенно, что
может выдержать сравнение с наилучшими,
созданными Бетховеном в расцвете творческих сил.
Вторая часть в лябемоль мажоре,  глубокое
размышление о чёмто серьёзном и значительном,
быть может, воспоминание о только что пережитом
или думы о будущем. На фоне мерного
сопровождения звучит благородная и величественная
мелодия. Если в первой части патетика была
выражена в приподнятости и яркости музыки, то
здесь она проявилась в глубине, возвышенности и
высокой мудрости человеческой мысли. Вторая часть
удивительна по своим краскам, напоминающим
звучание инструментов оркестра.
III. Rondo (Allegro). Стремительная, взволнованная
музыка финала во многом роднит его с первой
частью сонаты. Возвращается и основная тональность до минор. Но здесь нет того мужественного, волевого
напора, который так отличал первую часть. Нет в
финале и резкого контраста между темами –
источника «борьбы», вместе с ним и напряжённости
развития.
Финал написан в форме рондосонаты. Основная тема
(рефрен) повторяется здесь четыре раза. Именно она
и определяет характер всей части. Эта лирически
взволнованная тема близка и по характеру и по
своему мелодическому рисунку побочной партии
первой части. Она тоже приподнята, патетична, но
патетика её имеет более сдержанный характер.
Мелодия рефрена очень выразительна. Она быстро
запоминается, легко может быть спета. Рефрен
чередуется с двумя другими темами.
Финал, а вместе с ним и вся соната заканчиваются
кодой, которая несёт в себе основную идею сонаты. Энергичная волевая музыка, выражающая мужество и
непреклонность, утверждает: соната заканчивается не
смирением, а вызовом судьбе.
Существует мнение, что музыка финала
«Патетической сонаты» имеет лёгкий, нежный
характер, выражает радость  жизни, соединённую со
светлой грустью. Думается, что такое представление
идёт от утвердившейся издавна традиции исполнения
и интерпретации произведений молодого Бетховена,
основанной на известной близости ранних сочинений
композитора к венской школе клавирной музыки Ф.
Э. Баху, Гайдну, Моцарту.
Бальзак однажды назвал стиль классицистической
литературы «пламенем, скрытым в кремне». Эта
характеристика удивительно подходит и к
драматизму «Патетической сонаты» Бетховена, в которой «огненнострастный пафос» облачён в
величественную строгость выражения.
Что же нового внёс Бетховен в «Патетическую
сонату» по сравнению с фортепианными сонатами
Гайдна и Моцарта? Прежде всего, стал иным общий
характер музыки, отразившей более глубокие,
значительные мысли и переживания человека.
Отсюда  сопоставление резко контрастных тем,
особенно в первой части.
Контрастное сопоставление тем, а затем их
«столкновение», «борьба» придают музыке
драматический характер. Большая напряжённость
музыки вызвала и большую силу звука, размах и
сложность техники. В отдельных моментах сонаты
фортепиано как бы приобретает оркестровое
звучание. «Патетическая соната» имеет значительно больший
объем, чем сонаты Гайдна и Моцарта, она дольше
длится по времени.
Мировой хит
«Патетическая соната» стала первым произведением
Бетховена, всемирная слава которого пережила века.
Знаменитая тема из второй части использовалась в
бесчисленном множестве музыкальных вариаций, от
англиканских кантусов до популярных песен.
Пожалуй, самой знаменитой интерпретацией стала
песня Билли Джоэла «Эта ночь» из альбома
«Невинный человек», вышедшего в 1983 году и
переизданного в 1998 году. На конверте альбома под
названием песни «Эта ночь» значится: «Музыка Л.
ван Бетховена, слова Б. Джоэла».
Вопросы и задания: 1. Когда была написана «Патетическая соната»?
Что означает это название?
2. Каково строение первой части сонаты? Дайте
характеристику её тем.
3. Какой характер имеет основная тема Adagio и в
чём особенность её звучания? Расскажите о
строении этой части.
4. Охарактеризуйте форму финала. Какой теме из
первой части родственна основная тема финала?
Моцарт. Жизнь и мастерство гения
Жизнь его овеяна легендами, хотя известна до
мелких деталей. Пушкин в трагедии «Моцарт и Сальери» показал столкновение одухотворённого
творца с упорным и завистливым ремесленником,
лишённым божественного дара, а потому способного
на злодейство. Однако версия об отравлении
Моцарта недостоверна, да и Сальери не мог быть
причастен к убийству хотя бы потому, что при жизни
был прославлен больше него, да и сам обладал
немалым талантом.
Моцарт  редчайшее явление в мировой культуре. Он
был чрезвычайно одарённым ребёнком, имевшим
небывалый успех. В подобных случаях очень
немногим удаётся сохранить свою яркую
индивидуальность, не привыкнув угождать публике.
Решающую роль в его судьбе сыграл отец  Иоганн
Георг Леопольд, который был скрипачом,
композитором и замечательным педагогом. Он служил придворным музыкантом в капелле
архиепископа в Зальцбурге (Австрия).
С младенчества  его  сына  Вольфганга Амадея
сопровождала музыка. Уже с четырёх лет Амадей
играл на скрипке и клавесине, с пяти начал сочинять
музыку, с восьми  сонаты и симфонии, а ещё через
три года  оперы. Пожалуй, только в музыке может
столь рано проявиться гениальность.
Леопольд Моцарт со своим шестилетним сыном и
старшей дочерью начал гастролировать по
европейским странам. Они побывали в Вене, Париже,
Лондоне, городах Швейцарии, Германии.
Несмотря на огромный успех гастролей, богатства
они не принесли и, повидимому, серьёзно подорвали
здоровье ребёнка. Он вызывал восторг слушателей
прежде всего как виртуозисполнитель. А в 14 лет
ему довелось уже дирижировать в Милане исполнением своей оперы «Митридат, царь Понта». В
том же 1770 году его после специального испытания
избрали в члены прославленной Филармонической
академии в Барселоне.
Он вынужден был служить капельмейстером у
Зальцбургского архиепископа, который подчас
обращался с ним, как с лакеем. Вольфганг пытался
обрести свободу, отправлялся в гастрольные
поездки, но его искусство не находило признания. Он
уже не привлекал внимания как вундеркинд и был
слишком молод для создания выдающихся
произведений.
В 1782 году он женился, пришлось заботиться о
семье. Он давал уроки и концерты, выполнял заказы
на музыкальные произведения. В Вене была
поставлена его комическая опера «Бельмонт и
Констанца, или Похищение из сераля», а через четыре года другая  «Директор театра», а также
«Свадьба Фигаро», пореволюционному
направленной против аристократии пьесы Бомарше
«Безумный день».
Венские аристократические круги встретили
«Фигаро» с прохладцей. Зато на следующий, 1787 год
в Праге она имела шумный успех. Для чешской
публики он написал оперу «Наказанный распутник,
или Дон Жуан», принятую в Праге с не меньшим
восторгом и провалившуюся в Вене.
Моцарт собирался покинуть Австрию, когда
император Иосиф II предложил ему должность
придворного композитора  освободившуюся после
смерти великого Кристофа Виллибальда Глюка.
Пришлось сочинять танцы для балов, маскарадов,
комическую оперу «Все они таковы». По обычаю того времени тексты опер писались на
итальянском языке, да и характер музыки во многом
соответствовал считавшейся образцовой итальянской
школе. У Вольфганга Амадея была мечта, о которой
он рассказал в 1777 году отцу. «И как любили бы
меня, если бы я помог подняться немецкой
национальной сцене и в области музыки!  И мне
это, наверное, удалось бы». Осуществилась его
мечта в 1791 году, когда была поставлена  на
немецком языке  его опера «Волшебная флейта».
Часто биографы подчёркивают, что Моцарт жил в
бедности, умер в нищете, а потому похоронен в
общей могиле. Однако, по некоторым данным, его
скромное материальное состояние объясняется не
столько тем, что он мало зарабатывал, сколько
небрежным отношением к деньгам и большими
расходами. Работал он много, проявил свой гений в самых разных жанрах, сочинил 41 симфонию и 27
концертов для фортепиано. Но следует помнить, что,
несмотря на недолгую жизнь, он отдал музыке 30 лет.
За последние три года жизни, словно предчувствуя
приближение смерти, Моцарт кроме «Волшебной
флейты» и множества небольших сочинений создаёт
три симфонии (среди них  «Юпитер») и полный
трагизма «Реквием». Этот заказ на заупокойную
мессу приводит его в мистическое состояние,
вызывает сильное душевное потрясение. Он сообщает
в письме: «Мысли путаются, силы слабнут, а образ
незнакомца всюду преследует меня. Он постоянно
торопит меня, упрекает и требует заказанной
работы. Я продолжаю композицию, потому что
работа утомляет меня меньше, чем бездействие.
Чего мне страшиться? Я чувствую, близок мой
час! Близка моя смерть!» Теперь уже трудно отделить переживания и образы,
созданные воображением Моцарта, от
происходивших событий, в которых он видел нечто
символическое. Можно согласиться с мнением А.
Виноградовой: «Потомки, разбирая архивные
документы в надежде найти подтверждение или
опровержение разным версиям, не способны,
однако, воссоздать подлинный диалог Моцарта со
Смертью; их обмен репликами был непонятен для
чужих ушей; нам доступны лишь обрывки,
записанные или слышанные кемто. Пусть тайна
останется тайной. Следующим поколениям было
завещано бесценное достояние: оперы и симфонии,
фортепианные и скрипичные концерты, квартеты,
сонаты — словом, вся музыка Моцарта и в ней
его душа, обрётшая бессмертие». Симфония № 40 соль минор
«Достичь небес  это нечто прекрасное и
возвышенное, но и на милой земле несравненно
прекрасна жизнь. Поэтому оставьте нас быть
людьми»  эти слова величайшего композитора В. А.
Моцарта раскрывают его творческое кредо.
Моцартовские симфонии настоящие
инструментальные драмы. От них  прямой путь к
симфониям Бетховена и откровениям композиторов
романтиков. Л. Бернстайн, выдающийся
американский композитор и дирижёр ХХ века,
писал: «Музыка Моцарта переступила пределы
своего времени. Она обращена назад  к Баху и
вперёд  к Бетховену, Шопену, Шуберту... Верди и
даже к Вагнеру. Моцарт  это сама музыка; что
бы вы ни пожелали найти в музыке, вы найдёте у
Моцарта... Моцарт... дух милосердия, всеобщей любви, даже страдания  дух, который не знает
возраста, который принадлежит вечности».
В 1788 г. Моцарт сочиняет три симфонии (№ 39, 40,
41 «Юпитер»). Через три года жизнь его трагически
оборвётся. Этим грандиозным симфоническим
циклом композитор словно венчает своё творчество.
В этих симфониях композитор раскрывает
«неизмеримые богатства человеческой души»,
готовит путь героике Бетховена. Увлечённость и
страстность, с которой Моцарт предавался
сочинению, выражена в письме к отцу: «Я всецело
поглощён музыкой, я занимаюсь ею весь день, всё
время размышляю о ней, постоянно разучиваю,
обдумываю её…»
Симфония № 40 занимает особое место в творчестве
композитора. Внутреннее содержание её богато,
сложно и широко развито. Эта музыка затрагивает самые глубокие человеческие чувства, отражает
драматическое, даже трагическое состояние души.
Симфония как бы опередила своё время. Многим
современникам композитора она казалась странной,
непонятной.
Симфонию № 40 Моцарта можно сравнить с другим
величайшим шедевром  «Джокондой» Леонардо да
Винчи. Читаем о картине Леонардо да Винчи (эти
характеристики приводит в своей книге о Моцарте
исследователь его творчества Г. Чичерин), а каждое
слово как будто о музыке Моцарта!
«Этот портрет изображает молодую женщину не то с
улыбкой на губах, не то с какимто особым
выражением лица, похожим на улыбку. Но вовсе не
радость или веселье выражает это лицо: чувствуется
чтото нежное, глубокое и вместе страстное и
чувственное в этом удивительном портрете». «Матовое лицо выступает из дымки. < ... > Взгляд
коричневых глаз производит двойственное
впечатление. Он и целомудрен, и обольстителен, в
нём светятся истома и ирония, лукавство и
очарованье. На губах играет непостижимая улыбка».
В музыке Моцарта, как и в «Джоконде» Леонардо да
Винчи, загадка мира и внутренней жизни,
неизмеримое богатство человеческой души... Глубина
и непостижимость образа возникает от слияния
контрастов в едином, внутренне противоречивом
целом...
Музыка симфонии с первых звуков захватывает
слушателя удивительной искренностью высказывания
автора. У многих людей создаётся при её
прослушивании впечатление, что для понимания этой
музыки не надо прикладывать никакого усилия, что
всё в ней предельно ясно и просто. Но если прослушать симфонию много раз, вы поймёте, как
много в ней скрыто такого, что не поддаётся
мгновенному осмыслению. В ней всё сосредоточено
на человеке, его личности. Его душа предстаёт перед
нами ищущей гармонию, разумность, ясность. Эта
симфония едва ли не самое трагичное произведение
XVIII века. Автор размышляет в ней о
несовершенстве мира, о невозможности разрешения
жизненных конфликтов.
Но самое главное, что делает эту музыку столь
популярной, это простота выражения трагического
её содержания. Здесь нет «сгущения красок». Как
будто сам Моцарт, глядя сверху на эту скорбь, видит
красоту самой жизни, человеческих чувств в их
разнообразии и напряжённости и изливает эти
впечатления в музыке.
В симфонии четыре части. I. Allegro molto
Первая часть написана в сонатной форме сонатного
allegro.
Главная партия звучит с первых же тактов
произведения. Это несколько грустная, трепетно
нежная музыка. Эта тема очень похожа на речь
взволнованного жалующегося человека. Послушайте
её внимательно, и вы услышите, что герой симфонии,
как бы захлёбываясь и вздыхая, жалуется нам на что
то. Эту взволнованность, трепетность и беспокойство
придают музыке нисходящая секунда, повторение
одного звука, учащённый ритм. Мелодию исполняют
скрипки, и это придаёт музыке большую певучесть,
мягкость, теплоту.
Всё, что дальше будет происходить в первой части
симфонии, связано с развитием главной партии. Противостоит ей только побочная партия, но она
лишь ненадолго уводит из мира главной. Тем более
светло и безоблачно звучит побочная партия. Она
изложена в параллельной к соль минору тональности
 сибемоль мажоре. Лукавая, несколько
танцевального склада, эта тема звучит мягко и
изящно.
Кажется, что герой достиг своей цели и погрузился в
мир отрешения от острых коллизий, мир душевного
покоя. Но это лишь миг. Покой рассеивается, и вновь
главенствует образ главной партии.
В разработке развивается исключительно только
основная тема. Напряжение всё более усиливается,
нарастает драматизм. Тема предстаёт то мрачной, то
исступлённогорестной, то проникнутой безысходной
скорбью. Постепенно она приобретает энергичный
характер. Вместо задушевной вокальной «жалобы» появляется грозное и решительное звучание главной
партии. Кажется, что весь оркестр приходит в
движение.
После напряжённых изменений главной партии в
разработке её полное проведение в репризе похоже
на попытку героя вновь обрести душевные силы. Но
восстановить утраченную целостность чувств не
удаётся. Безутешны страдания. И даже побочная
партия в репризе меняет свой характер. Она теряет
свою светлую окраску, а вместе с ней задорный,
лукавый оттенок. Минор окрашивает её в грустные,
печальные тона. Так исчезает единственный
солнечный «островок».
Всем своим образным строем реприза уже
предвещает, чем закончится развитие всего
симфонического цикла. Тщетны порывы к гармонии. Можно трактовать 1ю часть симфонии поразному: с
одной стороны, она по своему интонационному и
образному строю выделяется среди других частей
сонатносимфонического цикла, составляет его
«точку отсчёта» (явное присутствие двух начал:
мужского  главная партия и женского  побочная; их
сопоставление и взаимодополнение); с другой
стороны, сравнение лирикодраматических образов 1
й части с образами финала даёт возможность
подчеркнуть драматичность, стремительность
движения, порывистость, мятежность последней
части. Если 1я часть сродни внутреннему монологу
героя симфонии, то финал ближе к объективному
повествованию, открытому для других. Именно
исключительность музыки 1й части Симфонии № 40
сделала её любимой и узнаваемой несколькими
поколениями слушателей, дала повод современным музыкантам обращаться к её разнообразным
интерпретациям.
II. Andante
Вторая часть  Анданте (неторопливо). Как после
бури наступает затишье, так после взволнованно
прозвучавшей первой части следует светлая,
умиротворённая, напевноласковая музыка Анданте.
Неторопливо, с некоторой величавостью струнные
инструменты исполняют основную тему.
Характерные для Моцарта восходящие задержания
(«запаздывания» очередного звука мелодии) придают
ей мягкость и изящество.
Этому же способствует и короткая мелодическая
фигурка из тридцать вторых, которая пронизывает
собою музыку всей части. Во второй части симфонии отсутствуют резкие
контрасты тем. Все голоса оркестра поют, и пение
это как бы излучает мягкий тёплый солнечный свет.
III. Menuetto Allegretto
Третья часть  оживлённый менуэт. Следуя
установившейся традиции, Моцарт пишет в качестве
третьей части менуэт, контрастирующий со второй
частью. Общий замысел симфонии заставляет
композитора наделить его чертами, мало
свойственными этому танцу. Ещё более чем в сонате,
волевой и энергичный, менуэт резко отличается от
произведений подобного рода.
И лишь в средней части танца  в трио  Моцарт
возвращает менуэту его характерные черты. Проходя
поочерёдно у струнных и деревянных духовых инструментов, тема трио звучит мягко и светло, в
соль мажоре. Изящные окончания фраз вызывают
представление о галантных поклонах танцующих,
присущих придворному менуэту того времени.
Третья часть менуэта представляет собой точное
повторение первой (da саро).
Так в третьей части симфонии с новой силой
проявляется серьёзность и глубина её общего
замысла.
IV. Allegro assai
Четвёртая часть  финал. Чувства и настроения,
выраженные в финале, роднят его с музыкой первой
части: та же взволнованность главной и светлая
грациозность побочной партии (финал написан в
форме сонатного allegro). А некоторые разделы финала (заключительная
партия, начало разработки) имеют даже
мелодическое сходство с первой частью.
Но это не только возврат к основным настроениям
первой части. Финал  итог развития всей симфонии.
Значительнее становится различие между главной и
побочной темами, резче контраст внутри самой
главной партии. А развитие основной темы в
разработке бурное, порывистое и возбуждённое,
достигает огромной напряжённости. Это
кульминация произведения, то есть высшая по
напряжённости точка всего цикла.
Вот эта взаимосвязь чувств и настроений всех частей,
их постепенное и неуклонное развитие существенно
отличают симфонию Моцарта от симфоний Гайдна,
где цикл основан на выразительном контрасте частей. Вопросы и задания:
1.
минор?
В каком году и где была написана симфония соль
2. Дайте характеристику основных тем первой
части симфонии, опишите их оркестровое звучание.
3. Какой характер свойствен музыке второй части?
4.
Расскажите о третьей части симфонии (менуэте)
и финале.
5. Какие черты отличают симфонию Моцарта от
симфонии «С тремоло литавр» Гайдна?
Можно предложить учащимся высказаться о
музыке каждой из четырёх частей симфонии от
имени разных реальных лиц (методика А.
Пиличяускаса): 1я часть  композитор о себе,
жизни и окружающих его людях; 2я часть
Констанца, жена Моцарта; 3я часть  композитор Й. Гайдн, старший современник
Моцарта, высоко ценивший его талант; 4я часть
Леопольд Моцарт, отец композитора, музыкант,
педагог. Вслед за этой своеобразной «ролевой
игрой» необходимо более детально обсудить
музыкальные особенности тем симфонии, приёмы
их развития, сопоставление различных образных
сфер в сонатносимфоническом цикле.
Бетховен. Увертюра «Эгмонт»
Почти все увертюры Бетховена связаны с
драматическими произведениями, являясь
вступлением к пьесе или опере: «Эгмонт»  к
трагедии Гёте, «Кориолан»  к драме Коллина,
«Леонора»  к опере «Фиделио».
В своих увертюрах Бетховен завершил долгий путь
развития классической увертюры. Отправной точкой для него служила увертюра, сложившаяся в
творчестве Глюка, Моцарта, Керубини. Но
свойственное Бетховену стремление к широким
идейным обобщениям, умение в лаконичных образах
выразить большие чувства и мысли, изменили
положение увертюры. У Бетховена она перестала
быть вступлением и последующему развитию драмы:
центр как бы перемешается в увертюру, которая в
обобщённых образах передаёт содержание всего
произведения. Таким образом, у Бетховена увертюра
превращается в своеобразную разновидность
симфонии.
Композитор положил начало новому виду
музыкального творчества  программной одночастной
увертюре.
Работа над музыкой к трагедии Гёте «Эгмонт»
протекала в годы высшего подъёма творчества Бетховена. В этом произведении Гёте многое
привлекало Бетховена: героические образы,
трагедийный пафос, массовые народные сцены.
Бетховен написал 10 музыкальных номеров к
трагедии: увертюру, 4 антракта, 2 песни Клерхен,
«смерть Клерхен», монолог Эгмонта и Победную
симфонию. Но наибольшей известностью пользуется
увертюра к трагедии. В ней концентрируется идея
всего произведения  борьба за свободу и радость
достижения.
Темой трагедии Гёте стала борьба народа
Нидерландов за независимость в XVI веке против
испанского владычества. Герой и вождь фламандцев
граф Эгмонт стал жертвой коварных замыслов
герцога Альбы  наместника испанского короля.
Эгмонт был брошен в тюрьму и приговорён к смерти.
Его возлюбленная Клерхен, девушка из народа, призывает горожан к восстанию. Отчаявшись спасти
Эгмонта, она погибает.
Накануне казни Эгмонт видит сон. Перед ним в
облике Клерхен возникает сияющее видение свободы.
Со словами, обращёнными к народу: «За родину
сражайтесь, за вольность, за свободу!», Эгмонт идёт
к месту казни. Шествие его сопровождает звучание
Победной симфонии.
Увертюра начинается медленным вступлением.
Здесь даны две резко контрастные темы.
Зная содержание трагедии Гёте, можно с
определённостью говорить о воплощении здесь
образов двух враждебных сил: угнетателейиспанцев
и страдающего под их властью нидерландского
народа. Борьба этих сил составляет основу трагедии
Гёте, развитие соответствующих музыкальных тем
является содержанием увертюры. Слушание Первой темы вступления. Первая из них,
аккордовая, звучит торжественно, властно. Низкий
регистр, минорный лад придают ей мрачную,
зловещую окраску. В оркестре её исполняют
струнные инструменты. Медленный темп,
характерный ритм темы напоминают величавую
поступь сарабанды.
Слушание Второй темы вступления. Вторую тему
«запевает» гобой, к которому присоединяются
другие деревянные духовые инструменты, а затем и
струнные. В основе мелодии лежит очень
выразительная секундовая интонация, которая
придаёт ей скорбный характер. Тема воспринимается
как просьба, жалоба.
Если в медленном вступлении композитор как бы
показал нам противоборствующие силы, в сонатном
allegro происходит их столкновение и борьба. Причём тематический материал allegro как бы
произрастает из тем вступления.
Слушание Главной партии. Главная партия имеет
волевой, героический характер. Сила и энергия её
постепенно возрастают. Вначале она звучит в нижнем
регистре у виолончелей и других струнных
инструментов piano, затем подхватывается всем
оркестром fortissimo. Ход на секунду в начале
мелодии раскрывает родство главной партии со
второй темой вступления  темой «страданий»
народа. Её героический характер говорит уже не о
покорности, а о возмущении нидерландцев и
восстании их против поработителей.
Слушание Побочной партии. Побочная партия
также тесно связана с музыкой вступления, она
совмещает в себе черты обеих его тем. В первой
фразе  аккордовой, тяжеловесной  без труда можно узнать тему «поработителей». Изложенная в мажоре,
она звучит теперь не только торжественно, но и
победно. И здесь эта тема поручена струнным
инструментам. Тихое звучание деревянных духовых
инструментов во второй фразе роднит побочную
партию со второй темой вступления.
Мужественная и решительная заключительная партия
завершает экспозицию.
Разработка очень невелика. В ней как бы
продолжается сопоставление контрастных тем
вступления, «борьба» обостряется. На робкие
«просьбы» каждый раз следует неумолимый и
жестокий «ответ». Многократное повторение
мелодии начала главной партии каждый раз
завершается двумя отрывистыми и резкими
аккордами. Но «борьба» на этом не заканчивается. Тема
«испанских поработителей» звучит здесь особенно
непреклонно и яростно, и ещё более жалобно и
умоляюще  тема народа. Неравный поединок
внезапно обрывается. Реприза заканчивается рядом
выдержанных, тихо и печально звучащих аккордов.
Бетховен хотел, очевидно, передать здесь последнюю
жестокую схватку народа с врагом и гибель героя,
Эгмонта.
Слушание Коды. Увертюра заканчивается большой
кодой, в которой показан итог борьбы. Её
торжественный и ликующий характер говорит о
победе народа.
Начало коды напоминает гул приближающейся
толпы, который быстро нарастает и выливается в
поступь грандиозного массового шествия. Звучат призывные возгласы труб и валторн, а в конце
увертюры флейты пикколо.
Значение этой коды равнозначно финалу Пятой
симфонии. Она вырастает в грандиозный,
величественный апофеоз, подлинный гимн свободе.
Интерес Бетховена к судьбам народов, стремление в
своей музыке показать «борьбу» как неизбежный
путь к достижению цели и грядущую победу
основное содержание героических произведений
композитора, в том числе «Патетической сонаты»,
Пятой симфонии, увертюры «Эгмонт».
Слушание полной версии увертюры «Эгмонт».
Вопросы:
1. Перечислите литературные произведения, музыку
к которым писал Бетховен. 2. Сколько увертюр Бетховена вы знаете? Назовите
их.
3. Какие музыкальнотеатральные произведения
Бетховена вы можете назвать?
4. С каким литературным произведением связано
возникновение увертюры «Эгмонт»? О каких
исторических событиях здесь идёт речь?
5.
Расскажите о строении увертюры. Пётр Ильич Чайковский. Биография и краткий
обзор творчества
Творчество Чайковского  вершина мировой
музыкальной культуры XIX века  вечно живой и
драгоценный родник, из которого не перестают
черпать мудрость и вдохновение композиторы XX –
XXl веков.
Имя П. И. Чайковского дорого любителям музыки
всего мира. Несколько лет тому назад ЮНЕСКО
проводило статистические исследования, и они
показали, что Чайковский самый исполняемый в
мире композитор. Его музыка близка и понятна
людям разных стран, национальностей,
вероисповеданий. Очень точно о значении творчества П.И. Чайковского
сказал известный американский дирижёр Леопольд
Стоковский: «Чайковский и музыка  это два
нераздельных понятия. До тех пор, пока на нашей
планете будут звучать гениальные аккорды, люди
будут преклоняться перед его гением. Боюсь, что у
меня не хватит слов, чтобы по достоинству оценить
его влияние. Он для меня все».
Пётр Ильич Чайковский родился 25 апреля 1840 года
в городе Воткинске на Урале.
Отец будущего композитора был горным инженером,
управляющим Воткинскими заводами. Мать была
дочерью обрусевшего француза. Второй сын в семье,
Пётр Ильич имел ещё двух сестёр и четырёх братьев.
Мальчик рос в атмосфере родительской любви. Его
воспитание было поручено француженке
гувернантке Фанни Дюрбах. Что из детских впечатлений следует особо отметить?
Конечно, близость природы, пробуждение интереса к
музыке, фольклору, поэзии, обучение игре на
фортепиано, начавшееся около пяти лет.
Представьте, если музыка звучит во всём: в шелесте
листьев, перезвоне часов в гостиной, в стихах
Пушкина и Шекспира, если можно сидеть за
инструментом и играть по памяти иногда лишь раз
услышанные мелодии, если голова полна новыми
мелодиями, если вся жизнь в музыке,  можно ли её
оставить, заставить себя делить с музыкой другие
занятия! И мальчик попробовал.
Из Воткинска в десять лет мама отвезла его в
Петербургское Училище правоведения, которое
готовило чиновников для департамента юстиции.
Будущие правоведы получали хорошее образование,
в том числе и музыкальное. Музыка все больше заполняла его жизнь. Он стал петь в хоре училища
правоведения  сначала дискантом, а затем альтом;
брал уроки музыки у итальянца Пиччиоли; слушал
оперы и концерты с друзьямиправоведами.
Огромное впечатление произвела на Чайковского
опера Моцарта «Дон Жуан» в исполнении
итальянской труппы в Петербурге. Во время
пребывания в училище в 18551858 годах Чайковский
занимался у пианиста Рудольфа Кюндингера.
Учитель сразу заметил выдающиеся способности
воспитанника. А затем брал уроки музыки у брата
Кюндингера  Августа. Самое сокровенное он
поверяет сестре: «В прошлом году, как тебе
известно, я очень много занимался теорией музыки и
теперь решительно убедился, что рано или поздно я
променяю службу на музыку».

description:
Волнующий ноктюрн Шопена…
Уносит ночь стихов опавший лист.
Как медленно и вдохновенно
Свой сон играет пианист.
В мгновениях, парящих  вечность,
Аккордов, нот волшебный миг.
Мир из иллюзий  бесконечность,
Парящих фраз…
Луны полночной лик…
Три ноктюрна соч. 15  это произведения, которые
считаются вершиной творчества Шопена.
Одно из лучших произведений Шопена в этом жанре
Ноктюрн Фадиез мажор, Op. 15 № 2. Как льющаяся
в ночной тишине песня, звучит задушевная напевная
мелодия.
Полнота лирического чувства выливается в
страстный порыв. Словно налетевший вихрь (может

description:
Мазурки Шопена
В шопеновской сокровищнице мазурки и полонезы
выделяются яркостью выраженных в них народно
национальных элементов. Особенно это относится к
мазуркам. Они народны в самом прямом и подлинном
понимании слова, в них раскрывается «душа» народа,
все его помыслы и представления, быт и нравы,
чувство красоты, и любовь к родным местам. С
чуткостью гениального художника Шопен
воспроизводит в своих с тончайшим изяществом
отделанных миниатюрах прелесть народных
музыкальнопоэтических образов.

description:
3. Сколько мазурок сочинил Ф. Шопен, и какие
основные группы можно выделить среди них?
4.
Расскажите о характере музыки и построении
мазурок Шопена до мажор, сибемоль мажор и ля
минор.
Бетховен. «Патетическая соната» № 8 до минор
Бетховен был гениальным пианистомвиртуозом.
Поэтому область фортепианной музыки была для
него той родной стихией, в которой он чувствовал
себя властителем. Если в области симфонии он
воплощал свои монументальные замыслы, то
фортепианная музыка была своеобразным дневником,
в который он записывал свои непосредственные

description:
1. Когда была написана «Патетическая соната»?
Что означает это название?
2. Каково строение первой части сонаты? Дайте
характеристику её тем.
3. Какой характер имеет основная тема Adagio и в
чём особенность её звучания? Расскажите о
строении этой части.
4. Охарактеризуйте форму финала. Какой теме из
первой части родственна основная тема финала?
Моцарт. Жизнь и мастерство гения
Жизнь его овеяна легендами, хотя известна до
мелких деталей. Пушкин в трагедии «Моцарт и

description:
2. Сколько увертюр Бетховена вы знаете? Назовите
их.
3. Какие музыкальнотеатральные произведения
Бетховена вы можете назвать?
4. С каким литературным произведением связано
возникновение увертюры «Эгмонт»? О каких
исторических событиях здесь идёт речь?
5.
Расскажите о строении увертюры.

description:
Пётр Ильич Чайковский. Биография и краткий
обзор творчества
Творчество Чайковского  вершина мировой
музыкальной культуры XIX века  вечно живой и
драгоценный родник, из которого не перестают
черпать мудрость и вдохновение композиторы XX –
XXl веков.
Имя П. И. Чайковского дорого любителям музыки
всего мира. Несколько лет тому назад ЮНЕСКО
проводило статистические исследования, и они
показали, что Чайковский самый исполняемый в
мире композитор. Его музыка близка и понятна
людям разных стран, национальностей,
вероисповеданий.

intro:
Ноктюрн - один из характерных жанров романтического искусства. Французское слово nocturne в переводе означает «ночной». Термин этот появился в музыке XVIII века. В то далёкое время этим словом называли пьесы, исполняемые на открытом воздухе, чаще всего духовыми или струнными инструментами. Они были близки инструментальным серенадам или дивертисментам.
В XIX веке появился совсем другой ноктюрн - мечтательная, певучая фортепианная пьеса, навеянная образом ночи, ночной тишиной, ночными думами.

title: Урок: Ноктюрны Шопена