extracted_text:
Как могут проявляться выразительные
возможности гармонии
Содержание:
1.
Гармония как важнейший фактор музыкальной
драматургии в опере Ж. Бизе «Кармен».
2. Применение композитором метода «забегания
вперёд» в увертюре произведения; роль темы
роковой страсти в дальнейшем развитии оперы.
3. Ладовый контраст между темами увертюры и
темой роковой страсти.
Художественный материал:
1. А. Блок. Поэтический цикл «Кармен».
Фрагмент.
Музыкальный материал: 1. Ж. Бизе. Увертюра к опере «Кармен»
(слушание).
Характеристика видов деятельности:
1.
Воспринимать гармонические особенности
музыкального произведения.
2. Анализировать приёмы взаимодействия
нескольких образов в музыкальном произведении.
3. Сравнивать особенности музыкального языка
(гармонии) в произведениях, включающих образы
разного смыслового содержания
Мир музыки был бы неполон без «Кармен»,
Бизе достаточно было бы написать только эту
оперу,
чтобы стать Бизе…
(Г. Маркези) Я мечтал добиться большего!
(Ж. Бизе)
Каждая эпоха оставляет свои памятники
произведения, образы, сюжеты. В них находит
воплощение то, в чём с наибольшей силой проявил
себя дух времени: идеалы и стремления, жанры и
выразительные средства искусства. Это, например,
сюжеты и образы произведений искусства.
Среди ярких образов искусства XIX века –
цыганка Кармен, прелестная, непредсказуемая,
неудержимая героиня новеллы французского
писателя П. Мериме и оперы Ж. Бизе «Кармен».
Жорж Бизе. Биография
Талант Жоржа Бизе проявился очень рано  в
детские годы. Однако композитор умер, не дожив
и до 40 лет, не исполнив всего, что было ему предназначено. Впрочем, Бизе успел создать
«Кармен»  одну из величайших опер всех времён и
народов. Бизе не было суждено дожить до своего
триумфа. Лишь после его смерти весь мир стал
восторженно рукоплескать непревзойдённому
шедевру – опере «Кармен».
Жорж Бизе родился в Париже в семье музыкантов
25 октября 1838 года. Его талант к музыке
проявился рано. Уже в 10 лет мальчик поступил в
Парижскую консерваторию, где среди его
педагогов оказались оперные композиторы, как
прославленный Жак Галеви и начинающий Шарль
Гуно. Бизе, однако, сначала добился успеха как
блестящий пианист, обучаясь в классе
Мармонтеля. Его игру отметили Лист и Берлиоз. В возрасте 17 лет Бизе сочинил искрящуюся
Симфонию До мажор, которая впервые была
исполнена лишь в 1835 году.
Его обучение в консерватории окончилось
блестяще: в 1857 году Бизе был удостоен Римской
премии за кантату «Кловис и Клотильда».
Благодаря этому он мог в течение четырёх лет
полностью посвящать себя музыке, живя на
скромную стипендию в Риме на вилле Медичи (это
было обязательным условием). Он наслаждался
чудесной римской архитектурой и красотами
сельской местности, но сочинял в это время очень
мало.
Итальянская идиллия внезапно прервалась, когда в
1860 году заболела мать композитора, и Бизе
вернулся в Париж. Она умерла в 1961 году. Бизе и
так отличался довольно сложным характером, а теперь он лишился поддержки единственного по
настоящему родного ему человека.
Вскоре у Бизе родился сын от служанки, но
семейный очаг он приобрёл лишь в 1869 году,
женившись на Женевьеве Галеви, дочери своего
учителя.
В творчестве его преследовали неудачи. В 1863
году она написал оперу «Искатели жемчуга», но
она стала популярной лишь гораздо позднее. В
1870е годы Бизе создал ещё несколько опер и
музыку к пьесе Альфонса Доде «Арлезианка».
Когда в 1870 году началась франкопрусская
война, Жорж вступил в Национальную гвардию. В
1871 году он с энтузиазмом вернулся к занятиям
композицией, а в 1873 – начал работать над оперой
«Кармен» по новелле Проспера Мериме. Посмертная слава
Когда «Кармен»  взрывоопасная история страсти,
ревности и убийства   была впервые показана на
сцене Опера Комик 3 марта 1875 года, публика и
критика были шокированы аморальностью сюжета.
Опера прекрасно посещалась, только в первый год
состоялось 45 спектаклей, однако Бизе
приходилось терпеть критические отзывы. Его
здоровье, и без того слабое, пошатнулось, и через
три месяца после премьеры он умер от сердечного
приступа. Композитор так и не узнал, какой
триумф был уготован шедевру.
Опера «Кармен». Увертюра
Никогда ещё подобные персонажи – работницы
табачной фабрики, цыганеконтрабандисты – не
выходили на оперную сцену в качестве главных, да к тому же трагических героев. Парижская публика,
привыкшая к благородным господам и невинным
девицам (если, конечно, забыть о «Травиате»
Верди), сначала растерялась. Тем более, что эта
шокирующая история сопровождалась музыкой,
перед которой невозможно было устоять.
Узнаваемая с первых звуков Увертюра, словно
переносит нас в Севилью – город, где и сегодня
много цыган (правда, сам Бизе никогда в Испании
не был и, видимо, располагал только одним
сборником испанских песен из библиотеки
Парижской консерватории).  Затем вступает
мрачная тема судьбы, предсказывая финал истории
Кармен и Хозе.
Кармен – красивая, вспыльчивая, темпераментная
цыганка, работающая на сигаретной фабрике. Изза драки, возникшей среди девушек фабриканток,
Кармен арестовывают и приводят в полицейский
участок. Там она томится в ожидании ордера, и её
стережёт сержант Хозе. Цыганка смогла влюбить
его и уговорить отпустить на свободу. Хозе на тот
момент имел невесту, хорошую должность и
одинокую мать, но встреча с Кармен перевернула
всю его жизнь. Он отпускает её, и лишается работы
и уважения, становится простым солдатом.
Кармен продолжает веселиться, посещает пабы и
сотрудничает с контрабандистами. Попутно
кокетничает с Эскамильо, известным красавцем
тореадором. Хозе, в пылу ссору поднявший руку
на своего начальника, не имеет другого выбора,
кроме как остаться со своей Кармен и её друзьями,
незаконно перевозящими грузы. Он безумно её
любит, давно забыл про невесту, вот только Кармен меняет свои чувства по настроению, и Хозе
ей наскучил. Ведь на горизонте появился
Эскамильо, богатый и знаменитый, который
пообещал дать бой в её честь. Финал предсказуем и
трагичен. Как Хозе не умолял Кармен вернуться к
нему, она в резких выражениях говорит, что всё
кончено. «Свободной родилась  свободной и
умру»,  гордо бросает она в лицо Хозе...
Вместе с Кармен в музыку пришла тема роковой
любовной страсти, столь мощной и
сокрушительной, что отзвуки её можно
обнаружить даже в искусстве нашего времени.
А. Блок в своём цикле «Кармен», признается в том
непостижимом воздействии, какое оказывал на
него образ роковой цыганки. Бушует снежная весна.
Я отвожу глаза от книги ...
О, страшный час, когда она,
Читая по руке Цуниги,
В глаза Хазе метнула взгляд!
Насмешкой засветились очи,
Блеснул зубов жемчужный ряд,
И я забыл все дни, все ночи,
И сердце захлестнула кровь,
Смывая память об отчизне ...
А голос пел: «Ценою жизни
Ты мне заплатишь за любовь!»
Обратите внимание: поэт, читая книгу, невольно
отождествляет самого себя с Хозе  главным
героем драмы, изза любви к Кармен, потерявшим
всё: невесту, мать, воинскую честь. Такова
странная, поистине колдовская сила этой героини, обещающей так много и постоянной лишь в одном
в своей гордой независимости.
Музыка Ж. Бизе воплощает в себе всю роковую
силу Кармен, всю выразительность и яркость
драмы (драма – здесь; тяжёлое событие,
переживание, причиняющее страдание), весь её
красочный национальный и природный колорит.
Так, уже в увертюре к опере, после
жизнерадостных, мажорных мелодий главных тем,
обещающих на первый взгляд очень весёлый
музыкальный спектакль, внезапно вторгается тема
Кармен. Это напряжённая, тревожная,
поддерживаемая грозными минорными аккордами.
Смысл данной темы показать неизбежность
грядущей трагедии (трагедия – драматическое
произведение, изображающее напряжённую борьбу,
обычно оканчивающееся гибелью героя). И как бы ни развивался дальше музыкальный сюжет оперы,
слушатель уже находится во власти этой темы,
соединившей в себе и неизбежность гибельных
чувств героев, и предсказание их будущей
трагедии.
Важно и то, что тема Кармен  единственная во
всей увертюре, отступающая от царящего в ней
мажорного лада и построенная на звуках так
называемой цыганской гаммы.
Так с самого начала оперы в сознание слушателя
входит предчувствие, ожидание какихто
предстоящих главных событий. Увлекательность и
живость оперы, необыкновенная красота её музыки
усиливают контраст между этим предчувствием и
реально происходящими действиями.
В такой двойственности заключён один из смыслов
музыкальной гармонии – её способности передавать события или ситуации
противоположного характера.
Вопросы:
1. Какой предстаёт Кармен в стихотворении А.
Блока?
2. С какой целью Ж. Бизе вводит в
жизнерадостную музыку увертюры своей оперы
тему Кармен?
3. Послушайте увертюру к опере «Кармен».
Сколько контрастных разделов можно услышать в
этой музыке? Звучанием каких групп
инструментов симфонического оркестра
композитор подчёркивает конфликт сюжета?
4. Какие выразительные свойства гармонии дали
возможность показать в увертюре события
противоположного характера? 5. Продолжите эмоциональный словарь,
характеризующий образный строй увертюры:
праздник – трагедия, радость – страдание…
6. Увертюра к опере «Кармен» часто исполняется
в программах симфонических концертов как
самостоятельный номер. Как вы думаете, почему?
Дмитрий Дмитриевич Шостакович. Марш
Рекомендации по исполнению. Шутливый,
весёлый, задорный характер марша создаётся
композитором с помощью контрастной динамики,
акцентов, отрывистого звучания. В исполнении
необходимо обратить внимание на цельность
линий. Для этого, прежде всего, нужно избегать
лишних акцентов, которые дробят фразы. Часто можно слышать марш с двумя акцентами в такте
(на 1ю и 3ю доли) вместо одного, указанного
композитором (на 1ю), что утяжеляет звучание,
делает его статичным.
Важно также добиться объединения фразировки по
четыре такта, с усилением к концу фразы (т.е. к
первой доле четвёртого такта), чтобы акценты не
звучали одинаково. Темп должен быть достаточно
оживлённым. Крайние части (форма простая
трёхчастная) следует играть легко, прозрачно. Это
достигается с помощью ясного звучания мелодии в
правой руке при облечении аккомпанемента в
левой. Стаккато исполняется коротко, чётко.
Средняя часть звучит смело, решительно, ярко. В
конце необходимо услышать элементы полифонии:
мелодия проводится в партии левой руки, а правая
уверенно «перебивает» ее в верхнем регистре. 1е занятие
Программное содержание. Дать детям сведения о
композиторе Д. Шостаковиче. Учить определять
жанр и характер музыкального произведения.
Ход занятия:
П е д а г о г. Дети, сегодня вы послушаете одно из
произведений великого композитора Дмитрия
Дмитриевича Шостаковича. Попробуйте
определить, что это  песня, танец или марш
(исполняет марш).
Д е т и. Это марш.
П е д а г о г. Правильно. Марши бывают разные: и
торжественные, праздничные, и шутливые, бойкие,
и печальные, скорбные. Давайте сравним этот
марш с уже знакомым вам маршем композитора Л. Шульгина и определим их характер. (Исполняет
оба произведения.)
Д е т и. Первый марш (Д. Шостаковича)  весёлый,
шутливый, второй (Л. Шульгина)  праздничный,
бодрый.
П е д а г о г. Правильно, знакомый нам марш Д.
Шостаковича шутливый, озорной, игривый, а марш
Л. Шульгина праздничный, боевой, решительный.
Послушайте их ещё раз.
2е занятие
Программное содержание. Учить детей более
полно определять характер маршей, выделять три
части в связи со сменой настроений в марше Д.
Шостаковича.
Ход занятия: П е д а г о г. Дети, сейчас я сыграю произведения, а
вы вспомните, как они называются и кто их
написал (исполняет фрагменты маршей).
Д е т и. Это марши.
П е д а г о г. Первый марш написал композитор Д.
Шостакович, второй  Л. Шульгин. Какой характер
этих маршей? Мы говорили, что они совсем
разные.
Д е т и. Первый марш весёлый, шутливый, а второй
 бодрый, гордый, праздничный.
П е д а г о г. Правильно, марш Д. Шостаковича
озорной, бойкий, игривый, шуточный, под него
могут шагать игрушечные солдатики, а марш Л.
Шульгина решительный, смелый, боевой.
Послушайте ещё раз марш Д. Шостаковича и скажите, все ли время он звучит одинаково или
характер музыки меняется. Сколько в нем частей?
Д е т и. В марше три части. Сначала музыка звучит
тихо, затем громко, а потом опять тихо.
П е д а г о г. Правильно, менялась сила звучания. А
характер, настроение менялись? (Исполняет
фрагменты частей.)
Д е т и. Сначала музыка весёлая, лёгкая, шутливая,
тихая, а потом сердитая, резкая, громкая.
П е д а г о г. Правильно, в средней части характер
меняется. Можно сказать, что она сердитая,
командующая, повелительная, приказывающая, а
затем опять звучит, как в начале,  беззаботно,
весело, легко, с озорством (исполняет фрагменты).
А теперь послушайте марш целиком (исполняет
его). 3е занятие
Программное содержание. Различать средства
музыкальной выразительности в связи с
характером частей марша. Выражать в движении
смену настроений музыки, средства музыкальной
выразительности (динамику, регистр, штрихи).
Ход занятия:
П е д а г о г. Дети, послушайте знакомый марш Д.
Шостаковича и объясните, почему мы определили
его характер как шутливый, озорной. Музыка
имеет свой язык  она может быть плавной, нежной,
и отрывистой, скачущей, озорной. Может звучать
высоко, легко и низко, тяжело. Какая это музыка
плавная или отрывистая и какой ее характер?
(Исполняет фрагмент.) Д е т и. Музыка подрыгивающая, отрывистая,
весёлая, лёгкая.
П е д а г о г. Правильно, это музыка игривая, идут
игрушечные солдатики, она звучит легко, высоко,
отрывисто. А в средней части? (Исполняет
фрагмент.)
Д е т и. Резкая, сердитая, командующая, громкая.
П е д а г о г. В музыке слышны акценты, ударения
(исполняет фрагмент). Они делают ее чёткой,
маршевой, она звучит громко, повелительно,
уверенно, приказывающе, отчётливо (исполняет
фрагмент). А в крайних частях  легко, тихо,
шутливо, игриво, весело, беззаботно. Послушайте
марш целиком (исполняет его). А сейчас давайте
прислушаемся к окончанию марша. Как оно
звучит? (Исполняет фрагмент третьей части.) Д е т и. Сначала легко, а потом более тяжело,
уверенно, смело.
П е д а г о г. Правильно, солдатики хотя и
игрушечные, но очень смелые, решительные,
стойкие. А почему это произведение называется
маршем?
Д е т и. Музыка чёткая, под неё можно шагать.
П е д а г о г. Сейчас я сыграю вам марш целиком, а
вы внимательно прислушаетесь к его звучанию и
попробуйте прошагать так, как подсказывает
музыка. Когда музыка будет звучать тихо,
шутливо, как вы будете шагать?
Д е т и. Легко.
П е д а г о г. А когда громко, командующе?
Д е т и. Чётко, бодро, уверенно. (Педагог
исполняет марш, дети передают его характер в движении. Можно предложить прошагать и под
марш Л. Шульгина  праздничный, боевой.)
Торжественная увертюра «1812 год»
В 1880 году Пётр Ильич Чайковский получил заказ
на создание музыки, посвященной великой победе
русских войск в войне с Наполеоном и
приуроченной к 25й годовщине восшествия на
престол императора Александра II.
Сам Чайковский далеко не лестно отзывался о
своем сочинении: «Будет очень громко и шумно, к
тому же я писал без должной любви и энтузиазма,
следовательно, в этом произведении не будет ни
какой художественной ценности». В то же время композитор доказал, что, обладая истинным
профессионализмом, музыкант может выполнить
любой заказ, добившись при этом блестящего
результата. Несмотря на собственное критическое
отношение к увертюре, он написал, возможно, одно
из самых известных оркестровых произведений.
Годовщина
Идея создания музыкального сочинения на эту
тему родилась у Антона Рубинштейна – музыканта,
педагога и основателя Русского музыкального
общества в Москве.
Чайковский приступил к написанию произведения
в 1880 году, а в 1882 году на Художественно
промышленной выставке в Москве состоялась
премьера, совпавшая также с освящением Храма
Христа Спасителя. Несмотря на негативное мнение Чайковского о
своем сочинении, увертюра прочно закрепилась в
классическом репертуаре и стала одним из самых
часто исполняемых произведений.
Звуки войны
Увертюра описывает вторжение армии Наполеона
в Россию и сражение при деревне Бородино под
Можайском. В страшной битве обе стороны – и
русские, и французы – понесли огромные потери,
тем не менее, Наполеону удалось занять Москву.
Однако, благодаря храбрости русских войск,
великий полководец вынужден был отступить и с
позором покинуть Россию.
Триумфальный финал
Торжественная увертюра «1812 год» (1880 г.)
принадлежит к особому роду произведений, предназначенных для исполнения в больших
помещениях или на открытом воздухе. Это
монументальная, программная пьеса написана для
исполнения большим составом симфонического
оркестра с прибавлением группы ударных,
больших колоколов и подвешенного барабана,
употребляемого в оперных оркестрах для
изображения пушечных выстрелов, а также группы
инструментов военного оркестра (по желанию).
Чайковский не дал литературной программы к
увертюре, но образы пьесы настолько конкретны,
что не нуждаются в разъяснениях. В большом
вступлении к сонатному allegro последовательно
проходят три темы: молитва о даровании победы
«Спаси, господи, люди Твоя» и две оригинальных
темы    тревоги и героических военных сигналов.
Сонатное allegro многотемно. Кроме главной и побочной партий, контрастных друг другу, в
allegro введены темы, символизирующие две
враждебные силы: русская песня «У ворот, ворот
батюшкиных» и «Марсельеза». Обе имеют большое
значение в разработке и репризе сонатной формы.
В торжественной коде снова звучит тема молитвы
в импозантном тембре медных, после чего
появляется тема русского гимна.
В коде Чайковский изобразил яркую картину
победы русского войска, используя эффект
колокольного перезвона и пушечного салюта.
Тематизм увертюры основан па конкретных
жанровых типах. Напевная мелодия побочной
партии близка лирическим народным песням. С
образом напева «У ворот, ворот батюшкиных»
композитор, как видно, связывал молодецкую
отвагу русских воинов. Но если в характеристике русских образов Чайковский удачно использовал
фольклорный материал, то в характеристике
французского нашествия он допустил просчет. Ему
пришла в голову мысль воспользоваться темой
«Марсельезы». Эта мелодия в течение всего XIX
века ассоциировалась для европейцев с идеями
свободы, борьбы народа за свои права. Здесь же
«Марсельеза» рисует образ врага, характеризует
нашествие, что вносит смысловой диссонанс.
Героический мужественный характер мелодии
противоречит ее роли в драматургии целого.
Несмотря на этот недостаток, увертюра «1812 год»
— эффектное произведение. Патриотическая идея
придает ей героический характер, а величавое
окончание утверждает его. Пространство фактуры
Содержание:
1. Стремительное движение фигурационой
фактуры в романсе С. Рахманинова «Весенние
воды».
2. Пространство фактуры во фрагменте «Утро в
горах» из оперы «Кармен» Ж. Бизе.
Музыкальный материал: 1. С. Рахманинов, стихи Ф. Тютчева. «Весенние
воды» (слушание);
2. Ж. Бизе. «Утро в горах». Антракт к III
действию из оперы «Кармен» (слушание)
Характеристика видов деятельности:
1. Понимать значение средств художественной
выразительности (фактуры) в создании
музыкального произведения (с учётом критериев,
представленных в учебнике).
2.
3.
Рассуждать о яркости образов в музыке.
Творчески интерпретировать содержание и
форму музыкальных произведений в
изобразительной деятельности.
Известно, что фактура  дословно «изготовление»,
«обработка» (лат.), а в музыке  музыкальная ткань
произведения, его звуковая «одежда». Если в пьесе ведущим голосом является мелодия, а остальные
голоса  аккомпанементом, аккордами гармонии,
то такая фактура называется гомофонно
гармонической. Гомофония (от греч. Homos  один
и phone  звук, голос) – тип многоголосия с
разделением голосов на главный и
сопровождающие.
Она имеет множество разновидностей. Основные
из них:
1. Мелодия с аккордовым сопровождением;
2. Аккордовая фактура; это последовательность
аккордов, в которых верхний голос представляет
собой мелодию;
3. Унисонная фактура; мелодия излагается
одноголосно или в унисон (лат. один звук). Другой важнейший тип  полифоническая фактура,
что значит «многоголосная». Каждый голос
полифонической фактуры  самостоятельная
мелодия. Полифоническая фактура связана прежде
всего с полифонической музыкой. Двух  и
трёхголосные инвенции И. С. Баха, написаны в
полифонической фактуре.
Такие понятия, как «имитация», «фуга»,
упоминавшиеся ранее, относятся к
полифонической музыке. Сочетание гомофонно
гармонической и полифонической фактуры можно
найти в различных произведениях.
Таким образом, фактура  это способ изложения
музыкального материала: мелодии, аккордов,
фигураций, подголосков и т. д. В процессе
сочинения того или иного произведения
композитор комбинирует эти средства музыкальной выразительности, обрабатывает: ведь
factura, как мы уже сказали, есть обработка.
Фактура неразрывно связана с жанром
музыкального произведения, его характером,
стилем.
Обратимся к романсу С. Рахманинова  «Весенние
воды». Написанный на слова Ф. Тютчева, он не
только передаёт образ стихотворения, но и вносит
в него новую стремительность и динамику.
Ещё в полях белеет снег,
А воды уж весной шумят
Бегут и будят сонный брег,
Бегут и блещут, и гласят ...
Они гласят во все концы:
«Весна идёт, весна идёт!
Мы молодой весны гонцы,
Она нас выслала вперёд!» Весна идёт, весна идёт!
И тихих, тёплых, майских дней
Румяный, светлый хоровод
Толпится весело за ней.
Радостное предчувствие скорой весны буквально
пронизывает романс. Поособенному светло и
солнечно звучит тональность мибемоль мажор.
Движение музыкальной фактуры  стремительное,
бурлящее, охватывающее огромное пространство,
подобно мощному и весёлому потоку весенних
вод, ломающих все преграды. Нет ничего более
противоположного по чувству и настроению
недавнему оцепенению зимы с её холодной
тишиной и бестрепетностью.
В «Весенних водах»  чувство яркое, открытое,
восторженное, захватывающее слушателей с
первых же тактов. Музыка романса как будто намеренно построена
таким образом, чтобы избежать всего
успокаивающего, убаюкивающего. Окончания
почти всех мелодических фраз  восходящие; они
содержат даже больше восклицаний, чем
стихотворение.
Важно также отметить и то, что фортепианное
сопровождение в этом произведении не просто
аккомпанемент, а самостоятельный участник
действия, по силе выразительности и
изобразительности порой превосходящий даже
солирующий голос!
Любовь земли и прелесть года,
Весна благоухает нам! –
Творенью пир даёт природа,
Свиданья пир даёт сынам!..
Дух жизни, силы и свободы Возносит, обвевает нас! ..
И радость в душу пролилась,
Как отзыв торжества природы,
Как Бога животворный глас! ..
Эти строки из другого стихотворения Ф. Тютчева
«Весна» звучат как эпиграф к романсу  может
быть, самому радостному и ликующему в истории
русской вокальной лирики.
Огромную роль выполняет фактура в тех
произведениях, где необходимо передать идею
музыкального пространства.
Одним из примеров может служить Антракт к III
действию из оперы Ж. Бизе «Кармен», которая
называется «Утро в горах». Уже само название определяет характер музыки,
рисующей яркую и выразительную картину
утреннего горного пейзажа.
Слушая данный фрагмент, мы буквально видим,
как первые лучи восходящего солнца нежно
касаются высоких вершин гор, как постепенно они
опускаются всё ниже и ниже и в момент
кульминации как будто заливают своим
ослепительным сиянием всё необозримое горное
пространство.
Начальное проведение мелодии даётся в высоком
регистре. Её звучание по отношению к
аккомпанементу составляет диапазон трёх октав.
Каждое последующее проведение мелодии даётся
по нисходящей линии – голоса сближаются,
динамика нарастает, наступает кульминация. Итак, мы видим, что в фактуре запечатлевается
всё, что связано с выразительностью музыкального
звучания. Одинокий голос или мощный хор,
стремительное движение воды или бескрайнее
горное пространство – всё это рождает
собственную музыкальную ткань, этот «узорный
покров» фактуры, всегда новый, неповторимый,
глубоко своеобразный.
Вопросы и задания:
1. Какие чувства выражены в романсе «Весенние
воды» С. Рахманинова? Как эти чувства
выражаются в фактурном изложении
произведения?
2.
За счёт чего создаётся впечатление
музыкального пространства в музыкальном
антракте «Утро в горах» Ж. Бизе? 3.
Вспомните, в каких музыкальных жанрах
используется фактурное пространство
значительного диапазона. С чем это связано?
Какой бывает музыкальная фактура
Содержание:
1. Фактура как способ изложения музыки.
2.
Различные варианты фактурного воплощения
(на примере фрагментов нотной записи)
3. Одноголосная, фактура (на примере Первой
песни Леля из оперы «Снегурочка» Н. Римского
Корсакова).
4. Мелодия с сопровождением (на примере
романса С. Рахманинова «Сирень»). 5.
«Фактурный узор»: зрительное сходство
фактурного рисунка в аккомпанементе с формой
цветка сирени.
Музыкальный материал:
1. Н. РимскийКорсаков. Первая песня Леля из
оперы «Снегурочка» (слушание);
2. С. Рахманинов, стихи Е. Бекетовой. «Сирень»
(слушание);
3.
Г. Струве, стихи С. Маршака. «Пожелание
друзьям» (пение);
4.
Е. Крылатов, стихи Ю. Энтина. «До чего дошёл
прогресс!» (пение).
Характеристика видов деятельности:
1. Исследовать разнообразие и специфику
фактурных воплощений в музыкальных
произведениях. 2. Сравнивать музыкальные произведения с точки
зрения их фактурного воплощения.
3. Находить ассоциативные связи между
художественными образами музыки и
изобразительного искусства.
Из главных средств музыкальной выразительности
складывается «лицо» любого музыкального
произведения. Но у каждого лица может быть
множество выражений. И «выражением лица»
«ведают» дополнительные средства. Фактура
одно из них.
Дословно «фактура» означает «обработка». Мы
знаем, что фактура есть, например, у ткани. На
ощупь, по фактуре, можно отличить одну ткань от
другой. У каждого музыкального произведения
тоже есть своя «звуковая ткань». Когда мы
слышим красивую мелодию или необычную гармонию, то нам кажется, что эти средства
выразительны сами по себе. Однако, чтобы
мелодия или гармония зазвучала выразительно,
композиторы используют различные приёмы и
способы обработки музыкального материала,
разные виды музыкальной фактуры.
Прежде чем понять, что означает выражение
«музыкальная фактура», давайте рассмотрим
нотные примеры.
Мы видим, что все примеры отличаются своим
графическим изложением.
Первый пример представляет собой вертикальные
«аккордовые столбы», второй – волнообразную
линию, третий – своеобразное трёхэтажное
построение, четвёртый – похожий на
кардиограмму (кардиограмма – графическое изображение работы сердца) музыкальный
рисунок.
Именно способ изложения музыки называется
фактурой.
Может быть, оттого, что фактура наиболее ярко
выражает область музыкального художества
 линии, рисунки, нотную графику,  она получила
множество различных определений.
«Музыкальная ткань», «узор», «орнамент»,
«контур», «фактурные пласты», «фактурные
этажи»  эти образные определения указывают на
зрительность, живописность, пространственность
фактуры.
Выбор определённой фактуры зависит от многих
причин – от музыкального содержания, от того, где
исполняется данная музыка, от тембрового состава. Например, полифоническая музыка,
предназначенная для звучания в храме, требует
значительного фактурного пространства.
Лирическая музыка, связанная с передачей чувств
человека, как правило, одноголосна. Её звучание
представляет сжатие фактуры до одного
единственного голоса, поющего свою одинокую
песнь.
Иногда одноголосное изложение мелодии
используется композиторами для выражения
красоты того или иного тембра. Так, пастуший
рожок солирует во вступлении к Первой песне
Леля из оперы Н. РимскогоКорсакова
«Снегурочка», вводя слушателя в атмосферу
чудесной языческой сказки. Юный пастушок Лель является олицетворением
искусства музыки и солнечной, неотразимо
влекущей любовной силы. Любовь и искусство
дары Ярилы и одновременно выражение
неиссякаемых творческих сил человека.
В том, что Лель  простой пастух, в том, что его
песни народны, заключён глубокий смысл. В образе
Леля Островский и РимскийКорсаков прославили
народное искусство и подчеркнули его
жизнеутверждающую сущность. Не случайно Лель,
единственный из ведущих действующих лиц оперы,
охарактеризован почти исключительно песнями
сольными и хоровыми, где он выступает запевалой.
Инструментальная сторона в музыкальной
характеристике Леля представлена
многочисленными пастушескими наигрышами.
Иные из них  подлинно народные. Звучание деревянных духовых инструментов и
чаще всего солирующего кларнета (подражание
пастушескому рожку) придаёт музыке Леля яркую
народную окраску.
Первая песня Леля «Земляничкаягодка»
протяжная заунывная. В ней РимскийКорсаков с
замечательным искусством передал характер и
музыкальные особенности лирических народных
песен: плавную распевность, часто встречающуюся
вокализацию, неполные (без терции) созвучия и
унисоны в концах фраз. Большую прелесть и
своеобразие придают песне многочисленные
«разводы»  наигрыши флейты и английского
рожка с их народным тембровым колоритом.
Однако исключительно одноголосная фактура –
явление достаточно редкое. Гораздо чаще мы
видим другой тип фактуры – мелодию с сопровождением, которые, как правило,
дополняют друг друга. Вспомните песню Ф.
Шуберта «В путь». В ней звучит не только бодрая
мелодия, но и вращение мельничного жёрнова в
партии фортепиано, создающего яркое зрительное
впечатление.
Песня Ф. Шуберта «В путь» открывает цикл
«Прекрасная мельничиха». В нём рассказывается о
том, как мельник отправился в путь, о любви
молодого простодушного героя  это очередная
романтическая история одинокой души. Счастье
человека так близко, его надежды так светлы, но
им не суждено сбыться, и лишь ручей, ставший с
первых минут другом мельника, утешает его,
печалясь вместе с ним. Он как бы влечёт юношу за
собой в путь. На фоне этого журчания звучит
простая, народная по характеру мелодия. Богатство музыкальных образов позволяет
использовать разные приёмы фактуры. Так, в
романсе С. Рахманинова «Сирень» рисунок
аккомпанемента имеет чисто зрительное сходство
с формой цветка сирени. Музыка романса светла и
чиста, как юность, как цветение весеннего сада:
Поутру, на заре, по росистой траве
Я пойду свежим утром дышать;
И в душистую тень,
Где теснится сирень,
Я пойду своё счастье искать ...
В жизни счастье одно мне найти суждено,
И то счастье в сирени живёт;
На зелёных ветвях,
На душистых кистях
Моё бедное счастье цветёт. Писатель Юрий Нагибин в повести «Сирень»
пишет об одном лете, которое провёл
семнадцатилетний Сергей Рахманинов в имении
Ивановка. В то странное лето сирень расцвела «вся
разом, в одну ночь вскипела и во дворе, и в аллеях,
и в парке». В память о том лете, об одном раннем
утре, когда композитор встретился с юной первой
своей влюблённостью, он и написал, может быть,
самый нежный и взволнованный романс «Сирень».
Что же ещё, какие чувства и настроения
заставляют фактуру то сжиматься, то
оформляться в пространство, то принимать форму
прелестного весеннего цветка?
Вероятно, ответ на этот вопрос следует искать в
живом обаянии образа, в его дыхании, красках,
неповторимом облике, а главное  в том
переживании образа, которое вносит в свою музыку сам композитор. Никогда музыкант не
обращается к теме, которая ему не близка и не
находит отклика в его душе. Не случайно многие
композиторы признавались, что никогда не писали
о том, чего не пережили, не прочувствовали сами.
Поэтому, когда зацветает сирень или земля
покрывается снегом, когда восходит солнце или
струи быстрой воды начинают играть
разноцветными бликами, художник испытывает те
же чувства, какие испытывали миллионы людей во
все времена.
Он так же радуется, грустит, любуется и
восхищается безграничной красотой мира и его
чудесными превращениями. Свои чувства он
воплощает в звуках, красках и рисунках музыки,
наполняя её дыханием жизни. И если его музыка волнует людей, значит, в ней не
просто ярко запечатлены образы сирени, утреннего
солнца или реки, но угаданы те переживания,
которые испокон веков испытывают люди при
соприкосновении с красотой.
Поэтому, наверное, не будет преувеличением
сказать, что каждое такое произведение, как бы ни
были сокровенны чувства, вдохновившие автора,
памятник всем цветам мира, всем его рекам и
восходам солнца, всему безмерному
человеческому восхищению и любви.
Вопросы и задания:
1. Что обозначает слово «фактура» в музыке?
2. Какие образные определения применимы к
различным видам фактуры? 3. Почему в Первой песне Леля из оперы
«Снегурочка» Н. РимскогоКорсакова
используется одноголосная фактура?
4. Как содержание музыкального произведения
влияет на его фактурную запись? Расскажите на
примере романса «Сирень» С. Рахманинова.
Мир образов полифонической музыки
Содержание:
1. Смысл понятия полифония.
2.
3.
Выдающиеся композиторыполифонисты.
Эмоциональный строй полифонической
музыки. 4. Полифоническая музыка в храме.
5. Жанр канона; его отличительные особенности.
6. Полифонический приём «имитация» (на
примере канона В. А. Моцарта «Да будет мир»).
Музыкальный материал:
1. И. С. Бах. Органная хоральная прелюдия «Я
взываю к Тебе, Господи». BWV 639 (слушание);
В. А. Моцарт. «Dona nobis pacem» («Да будет
2.
мир») (слушание, пение);
3.
«Камертон». Норвежская народная песня,
обработка Г. Струве (пение).
Характеристика видов деятельности:
1. Осознавать значение искусства в жизни
современного человека. 2. Анализировать аспекты воплощения жизненных
проблем в музыкальном искусстве (с учётом
критериев, представленных в учебнике).
3.
Воспринимать характерные черты творчества
отдельных зарубежных композиторов (И. С. Баха,
В. А. Моцарта).
4. Узнавать по характерным признакам
(интонации, мелодии, гармонии, полифоническим
приёмам) музыку отдельных выдающихся
композиторов прошлого (И. С. Баха, В. А.
Моцарта).
Сущность полифонии именно в том,
что голоса здесь остаются самостоятельными
и сочетаются в единстве высшего порядка…
(М. Бахтин) Полифония относится к одной из самых ранних
форм музыки. Её возникновение относится к XII
веку. В переводе с греческого языка слово
«полифония», означает «многозвучие». Оно
указывает на то, что речь идёт о музыке
многоголосной  вокальной, вокально
инструментальной или чисто инструментальной.
Но не только наличие нескольких голосов
связывается в музыке с понятием полифонии  ведь
многоголосие встречается и в народных песнях, и в
оперных ансамблях, и в хоровой музыке. Во всех
этих видах музыкального творчества, конечно,
может присутствовать полифония. Однако с
полифонией, как правило, ассоциируется особый
мир музыкальной образности, прежде всего тот,
который зародился в недрах церковной музыки и
достиг своего расцвета у мастеров средневековья, Возрождения, в творчестве И. С. Баха, у
композиторов последующих эпох, таких, как В. А.
Моцарт, Л. Бетховен, Ф. Шуберт, Дж. Верди, И.
Брамс, и многих других.
Когда с высоты более двух столетий мы смотрим
на музыку Баха, она представляется нам
грандиозным фундаментом, на котором покоится
всё музыкальное творчество нового и новейшего
времени, включая нашу современность. Слово
«Бах», как известно, понемецки значит «ручей».
Когдато Бетховен сказал о своём великом
предшественнике: «Не ручей, а море ему имя!»
Если бы Бетховен жил в наши дни, он говорил бы
не о море, а об океане!
Действительно, могучие традиции Баха
оплодотворили творчество едва ли не всех живших
после него композиторов. Каждый из них чему нибудь у него учился и чемунибудь научился.
Своим учителем считали Баха композиторы
классической поры – Гайдн, Моцарт, Бетховен,
своим учителем считали его и композиторы
романтики – Шуберт, Шуман, Шопен и другие.
Огромным, несомненно, возросшим в сравнении с
предшествующим столетием интересом к Баху
отмечено музыкальное творчество XX века.
После Баха не было, кажется, ни одного
композитора, на котором в той или иной мере не
сказалось бы влияние баховских традиций. И уж
наверняка не сыскать композитора, который бы не
любил Баха, не восхищался его музыкой, не
преклонялся бы перед его гигантским даром, перед
силой его могучего человеколюбивого искусства,
перед его необыкновенным мастерством.
В полной мере это относится к русским музыкантамкомпозиторам, исполнителям,
критикам. Глинка называл музыку Баха чудесами
поэзии и изобретения и в одном из писем к сестре
отмечал, что ежедневно в два часа по полудню
играет на фортепиано фуги Баха. Это входило
важным звеном в распорядок его дня.
Как перекликается это с высказыванием нашего
замечательного современника Дмитрия
Шостаковича: «Я ежедневно играю на фортепиано
Баха, это стало моей настоятельной
потребностью». И если Бах написал в своё время
два цикла, каждый из которых содержит 24
прелюдии и фуги для фортепиано, то, отдавая дань
преклонению перед великим музыкантом, к
торжествам, связанным с двухсотлетием со дня его
смерти, Шостакович создаёт аналогичный цикл,
состоящий также из 24 прелюдий и фуг, в музыке которых даже не слишком искушённое ухо без
труда уловит интонации русской народной
песенности.
Родион Щедрин говорил о том, что творчество
Баха помогает ему, вдохновляет его,
воодушевляет, что он видит в нём самое близкое
приближение к идеалу, считая идеалом всякого
творчества полнейшее слияние ума и сердца.
Действительно, поэтичнейшие чувства сливаются в
музыке Баха с глубиной мысли и с
композиторским мастерством, совершенство
которого и сегодня продолжает поражать даже
самых мудрых, самых опытных музыкантов.
Если бы Бах дожил до нашего времени, его музыка,
конечно же, очень во многом отличалась бы от той,
какую он создавал, живя почти три столетия тому
назад. Поэтому учиться у Баха (как и у другого, впрочем, мастера прошлого)  значит не подражать
ему, а развивать его традиции, предоставив своему
творческому воображению услышать такую
музыку, какую он мог бы сочинить сегодня.
Именно так учились у Баха все композиторы
нового и новейшего времени от Моцарта и
Бетховена до Шостаковича и Щедрина. Для них
Бах всегда оставался живым, никогда не
превращался в музейную мумию.
Чем же характеризуется эмоциональный мир
полифонии  этой обширнейшей области
творчества, чьё господство в музыке длилось
свыше пяти столетий  с XII по XVII век?
Прежде всего отметим, что полифония  особый
способ изложения музыкальной мысли, который,
по словам И. С. Баха, должен восприниматься как беседа голосов. «Если одному из голосов нечего
сказать, он некоторое время должен помолчать,
пока не будет вполне естественно втянут в беседу.
Но никто не должен вмешиваться в середине
разговора и не должен говорить без смысла и
надобности», советовал Бах своим ученикам.
В словах великого композитора заключён глубокий
смысл. В них подчёркивается коренной характер
полифонической музыки, рождённой не для
утверждения индивидуальности каждого голоса, а
для выражения общей идеи, для растворения в
едином потоке звучания. Поэтому и жанры
полифонической музыки по своему содержанию
далеки от тех, что создаются под воздействием
земных страстей.
Мессы, мотеты, хоралы  все эти жанры отмечены
особым, внеличностным характером, сдержанностью чувств, свободой от всего
бытового, суетного, повседневного.
Большинство полифонических произведений этого
времени отмечено сдержанностью чувств,
свободой от всего бытового, суетного,
повседневного. «Ибо для успокоения и
примирения всех нисходит в мир высокое созданье
искусства. Оно не может поселить ропота в душе,
но звучащей молитвой стремится вечно к Богу»,
говорит старый художник в повести Н. Гоголя
«Портрет».
Это «вечное стремление к Богу» и есть то главное,
что отличает полифоническую музыку прошлых
столетий.
Всмотритесь в изображения великих мастеров
живописи, чьё творчество было неразрывно связано
с идеалами христианского искусства,  и вы почувствуете высокий покой, свет, чувство нежной
любви, сквозящее в каждом жесте.
Точно так же свет и покой излучает
полифоническая музыка. Её воздействие на душу
человека всегда было необыкновенно
возвышающим, облагораживающим.
Исполнялась она, как правило, в храме с его
прекрасным и величественным интерьером, где
высота колонн и стен подчёркивала
устремлённость к небу. А если учесть, что эта
музыка звучала в исполнении органа, полного
торжественности и мощи, то сила её воздействия
многократно усиливалась.
Плавны, как пение хора,
Прочь от земли и огней
Высятся дуги собора
К светлым пространствам ночей… В горний простор без усилья
Взвились громады камней…
Птичьи упругие крылья –
Крылья старых церквей.
(Из стих. М. Волошина «Ночь», цикл «Руанский
собор»)
Горний – находящийся в вышине; небесный
Давайте вспомним звучание органной хоральной
прелюдии И. С. Баха «Я взываю к Тебе, Господи».
Её неторопливый темп, строгость,
сосредоточенность вызывают состояние
возвышенного покоя, благородной сдержанности и
красоты.
Орган  любимый инструмент И. С. Баха, спутник
всей его творческой жизни. В игре на органе, в
импровизациях на этом инструменте, в создании музыки для него, Бах особенно глубоко проявил
своё артистическое «я». Он мог доверить органу и
высокое духовное начало, и строгость, и
серьёзность помыслов, и величие, и пафос чувств.
Орган давал Баху возможность обращаться к
людям на том языке, который был ему особенно
близок. В условиях органного исполнительства
раскрылся дар Бахаимпровизатора. Композитор
исполнитель поражал слушателей глубиной мысли,
искусством развития начальной темы... и
мастерством игры. В его импровизациях
вдохновенная фантазия сочеталась с мудрым
художественным расчётом.
Какие же законы отличают полифоническую
музыку? Прежде всего в ней присутствует несколько
голосов, каждый из которых ведёт свою
самостоятельную мелодическую линию. Такое
равноправие голосов ярко проявляет себя в
простейшем полифоническом жанре канона.
Обратите внимание на звучание канона В. А.
Моцарта «Да будет мир».
Главная начальная мелодия, звучащая в первом
голосе, переходит во второй, затем – в третий.
Причём звучание мелодии во втором и третьем
голосах повторяется предельно точно. Такой
приём повторения в музыке получил название
имитации.
Одновременное звучание всех трёх голосов
подчинено закону благозвучия. При этом один
голос, не нарушая самостоятельности других, выполняет роль аккомпанемента, обогащая
звучание музыки.
Особенности строения полифонических
произведений:
Полифонические произведения, в основном, имеют
следующие особенности строения:
1. Полифонические произведения имеют два или
более голосов.
2. Основой полифонических произведений
является тема (основная мелодия), многократно
повторяющаяся в разных голосах и разных
тональностях.
3.
Все голоса равноправны между собой. Каждый
из них становится главным во время проведения
темы. 4.
5.
6.
Голос, повторяющий с некоторым опозданием
тему за другим голосом, называется имитацией.
Это слово в переводе означает «подражание».
Вместе с голосом, ведущим тему, звучат
другие голоса, которые называются
противосложениями.
В некоторых разделах полифонических пьес не
звучит тема ни в одном из голосов. Такие разделы,
расположенные между проведениями темы,
называются интермедиями («inter» в переводе с
латинского языка означает «между»). Их развитие
часто основано на секвенциях, повторяющих
начальный мотив темы.
7. Для полифонического произведения также
характерна непрерывность движения голосов.
Если в одном из голосов происходит остановка на длинной ноте или паузе, то в остальных движение
не прекращается.
Вопросы и задания:
1. Что означает слово «полифония»?
2. Что отличает характер полифонической
музыки? С чем это связано?
3.
Где преимущественно исполнялась
полифоническая музыка?
4. Какие законы отличают полифонические
произведения? Расскажите на примере канона «Да
будет мир» В. А. Моцарта.
Красочность музыкальной гармонии
Содержание: 1. Усиление красочности музыкальной гармонии
в произведениях, написанных на сказочно
фантастические сюжеты.
2. Мозаика красок и звуков в «Шествии чуд
морских» из оперы «Садко» Н. Римского
Корсакова.
3.
Всегда ли гармонична музыкальная гармония.
Что такое дисгармония? Причины её
возникновения.
Музыкальный материал:
1.
«Шествие чуд морских», «Появление лебедей и
их волшебное превращение в девушек», «Пляска
златопёрых и сереброчешуйных рыбок» из оперы
«Садко» Н. РимскогоКорсакова (слушание).
Характеристика видов деятельности: 1. Узнавать по характерным признакам
(гармонии) музыку отдельных выдающихся
композиторов (Н. РимскогоКорсакова).
2. Устанавливать ассоциативные связи между
художественными образами музыки и визуальных
искусств.
3. Наблюдать за развитием одного образа в
музыке.
4.
Рассуждать о яркости музыкальных образов в
музыке.
Гармония, прикоснувшись к тайнам человеческой
души, сама научилась быть многоликой,
изменчивой, текучей. Ей стали доступны самые
различные выражения  портретные и пейзажные
характеристики, цвета и цветовые сочетания.
Гармония проникла в «душу» даже неодушевлённых предметов  деревьев и облаков,
морей и озёр, живых цветов и опавших листьев; она
стала выразителем этих до сих пор молчавших
«обитателей» мира.
Необыкновенной красочности достигла гармония в
произведениях, написанных на сказочно
фантастические сюжеты.
Мы уже обращались к сказочным музыкальным
образам, составляющим одну из прекраснейших
сторон музыкального искусства. Говорили и о
великом музыкальном сказочнике, каким был Н. А.
РимскийКорсаков, создавший целую галерею
причудливых сказочных персонажей, образов,
пейзажей. Их захватывающее эмоциональное
воздействие связано со многими особенностями
музыкальных средств – красочностью гармоний и
тембров, выразительностью ритмов и мелодий. Из былины о Садко
Сказки, легенды, предания разных народов мира
хранят имена своих выдающихся музыкантов. Так,
в Древней Руси на протяжении нескольких веков
слагались былины о новгородском гусляре Садко.
В одной из них сказывалось:
В славном Новеграде
Как был Садкокупец, богатый гость.
А прежде у Садка имущества не было:
Одни были гусельки яровчатые.
Слава о нём рекой лилась по Великому
Новгороду:
Звали Садка в боярские терема златоверхие,
В купеческие хоромы белокаменные.
Заиграет он, заведёт напев
Все слушают гусляра, не наслушаются ...

музыка

group: Дисциплины

доп. образование детей

group: Другое

title: Урок: Как могут проявляться выразительные возможности гармонии


extracted_text:
Два начала гармонии
Содержание:
1.
начал.
Гармония как единство противоположных
2. Миф о Гармонии.
3. Двойственная природа музыкальной гармонии
(взаимодействия мажора и минора, устойчивых и
неустойчивых аккордов).
4. Игра «света» и «тени» в Симфонии № 40 В. А.
Моцарта.
Музыкальный материал:
1.
В. А. Моцарт. Симфония № 40. I часть.
Фрагмент (слушание);
Характеристика видов деятельности: 1.
Воспринимать и осознавать гармонические
особенности музыкального произведения (с
учётом критериев, представленных в учебнике).
2. Сравнивать разнообразные мелодико
гармонические интонации в музыке.
3. Узнавать по характерным признакам
(интонации, мелодии, гармонии) музыку
отдельных композиторов прошлого (В. А.
Моцарта).
4.
Выявлять возможности эмоционального
воздействия музыки на человека.
«Моё убеждение таково,
мажорный лад побуждает к деятельности,
отправляет в широкий мир...
Минорный выражает всё невыразимое и
томительное…» И. В. Гёте
В музыке крайне редко встречаются произведения,
в которых выражалось бы полностью безмятежное
настроение. Гораздо чаще музыкальная гармония
построена на противоположности светлого и
затемнённого, печального и радостного.
Такое понимание гармонии как единства
противоположных начал заложено ещё в
мифологии.
В одном из древнегреческих мифов
рассказывается, что Гармония была дочерью Ареса
 бога войны и раздора и Афродиты – богини любви
и красоты.
В своих странствиях Кадм однажды убил змея и
вошёл в пещеру, где раньше жил змей, и увидел там
девушку неописуемой красоты, узницу змея. Когда Кадм и Гармония выходили из пещеры, Кадм
увидел в пасти убитого змея чтото золотое, ярко
сверкающее, но не стал подходить ближе.
Вскоре они увидели спускающуюся с неба
лестницу, по которой шли Зевс с Герой, Посейдон
с Амфитритой и Арес с Афродитой. Вмиг
появились столы с яствами, и Зевс объявил, что в
награду за подвиг он даёт Кадму в жёны Гармонию.
Они зажили счастливо, но однажды, вспомнив
прошлое, Кадм рассказал Гармонии о золоте,
лежащем у пасти змея. Жена тотчас же пожелала
его иметь и послала Кадма к пещере.
У пещеры сидела Афина под видом нимфы и
предупредила, чтобы Кадм не брал золото, но тот
испугался гнева жены и нашёл под костями змея
золотое ожерелье невиданной красоты. (Вариант:
ожерелье работы Гефеста было подарено Гармонии в день свадьбы). Когда Кадм принёс ожерелье
Гармонии, та решила подарить его Семеле. Вскоре
Семела погибла, сгорев в пламени своего
возлюбленного Зевса. Потом ожерельем владели по
очереди Агава и Автоноя, но и те скоро погибли.
На старости лет Кадм и Гармония, потерявшие
дочерей, покинули Фивы. «Боги карают меня за
убийство змея, лучше б и мне стать змеёй»  сказал
однажды Кадм и превратился в змею. Гармония
бросилась к нему, обвила его тело руками и тоже
стала змеёй. Впоследствии боги перенесли их на
острова блаженных.
Соединение коварной и разрушительной силы и
силы вечной юности, жизни и любви  такова
основа равновесия и покоя, олицетворяемых
Гармонией. Поэтому гармония в музыке
искусстве временном, движущемся  почти никогда не предстаёт в своём законченном виде. Наоборот,
она достигается в развитии, борьбе, становлении.
Наверное, двойственная природа гармонии и стала
причиной того, что гармония музыкальная почти
целиком строится на противоположностях.
Противоположны светлый мажор и печальный
минор; консонанс своим согласным звучанием
противостоит диссонансу с его напряжённостью;
неустойчивый аккорд стремится к разрешению в
устойчивый.
Слово консонанс в переводе с латинского означает
согласное звучание, а диссонанс  нестройное,
несогласное звучание.
Ни одно музыкальное произведение не может быть
построено только лишь на благозвучных
сочетаниях. Диссонанс является важнейшим стимулятором развития в музыке. Одна из
важнейших особенностей диссонансов заключается
в том, что, будучи несогласованными, они как бы
лишают музыку ощущения покоя, требуют
движения, которое обычно связывается с
необходимостью перехода диссонанса в консонанс,
его разрешения.
Слушание: И. Бах. Прелюдия До мажор. ХТК, том
1, BWV 846 (два варианта исполнения)
Поэтому, не таким удивительным кажется то, что
произведений, подобных Прелюдии До мажор
Баха, в музыке не так много. Гораздо чаще
встречаются сочинения, в которых гармония
выражает стремления и страдания, мечты и
надежды, тревоги и раздумья  всё, чем полна
человеческая жизнь. И так же как, например, в
живописи, где даже самую простую картину невозможно написать одной краской и одной
линией, так и в музыке никакой замысел не может
быть воплощён только какимнибудь одним
гармоническим средством.
Слушание: Ф. Шуберт. «Серенада» (два варианта
исполнения)
Вспомните «Серенаду» Ф. Шуберта, которую вы
слушали недавно. В ней для передачи различных
настроений композитор использовал ладовый
контраст – контраст мажора и минора, передающий
различные оттенки чувств героя.
В способности передавать различные оттенки
человеческих чувств, порой прямо
противоположные, состоит одно из коренных
свойств музыкальной гармонии. Гармония во все времена опиралась на лады,
различные по своему характеру. Уже
древнегреческие философы спорили о характере
воздействия музыкальных ладов. Они признавали,
что изменение даже одного звука лада придаёт ему
совершенно иную выразительность.
Вспомним хорошо известные нам мажор и минор,
основные аккорды которых отличаются друг от
друга однимединственным звуком! Но как резко
отличается характер их звучания!
«Моё убеждение таково,  писал великий немецкий
писатель и мыслитель И. В. Гёте,  мажорный лад
побуждает к деятельности, отправляет в широкий
мир... Минорный выражает всё невыразимое и
томительное».
Вспомните Симфонию № 40 В. А. Моцарта
одного из самых гармоничных композиторов. Как естественно в ней гармоническое дыхание,
соотношение «света» и «тени», как органично
переплетение мажора и минора в их
сопоставлении, чередовании, изящной игре!
Сольминорная симфония встаёт как предвестница
скорбных и страстных образов зрелого Моцарта.
Резко выделяясь в кругу жизнерадостных
симфоний XVIII века, она даже среди
произведений Моцарта кажется необычной
гостьей. Но именно потому она открывает доступ к
затаённым мыслям композитора.
С самого же начала первой части вы, вероятно,
ощутите в музыке чуть взволнованную,
затуманенную дымкой лирики печаль. Но сразу же
контраст  острая драматическая вспышка. А
потом опять лёгкая грусть и опять такая же
вспышка. Так на протяжении всех четырёх частей симфонии будет то восстанавливаться, то вновь
разрушаться душевное равновесие, и мы
почувствуем, какой огромной силы эмоциональный
заряд был заложен в первой мелодии, открывавшей
симфонию.
Во второй части контраст обостряется: сперва
словно бы полное спокойствие, а в среднем
эпизоде  почти трагическое звучание.
Далее менуэт  традиционный менуэт. Но здесь
этот благонамеренный танец аристократических
балов наполнен такой взволнованностью и таким
драматизмом, какого никогда ещё не знала
танцевальная музыка той эпохи.
И наконец финал. Он проносится как
стремительный вихрь, полный контрастов
одновременно и лёгкий, словно не знающий
никаких препятствий, и ещё более взволнованный, и драматичный, чем менуэт. Вся симфония
словно образ самого Моцарта, вырывающегося из
тисков своего времени, устремлённого в будущее...
О красоте этой музыки говорить невозможно
вслушайтесь в неё, и вы все почувствуете сами.
Моцарт изложил её так ясно и прозрачно, что не
услышать её невозможно!
Моцарт неожиданно раскрыл здесь всю меру своей
душевной зрелости, высказал давно накопившийся
протест против всего, что сковывало его
творческую волю, его ум и воображение, надежды,
и сделал это с такой смелостью и прямотой, на
какую не решался ни один из современных ему
музыкантов. Эта драматическая исповедь вводит
нас в мир глубоких душевных противоречий
поэтических взлётов и скорбных выводов,
идеалистических мечтаний и бурной жажды деятельности.
Шуман сказал про эту симфонию: «Каждая нота в
ней  чистое золото, каждая часть её  это клад» ...
Гармония всегда возникает из противоположностей
и противоречий там, где есть любовь. Ведь
гармония  подлинная душа искусства, его красота
и правда.
Вопросы и задания:
1.
В чём заключается смысл древнегреческого
мифа о Гармонии?
2. Какие два лада составляют основу
музыкальной гармонии?
3. Подумайте, гармонично ли музыкальное
произведение, звучащее исключительно в мажоре,
содержащее только благозвучные аккорды. Чего в
нём не хватает? 4.
В чём выражает себя гармония в Симфонии №
40 В. А. Моцарта?
Клипер «Алмаз» и Соколкорабль
В сентябре 1862 года военный парусник клипер
«Алмаз» вытянулся на рейд, готовый к
заграничному плаванию. 21 октября он поднял
якорь, и команда «Алмаза» надолго простилась с
Кронштадтом и Россией.
«Мы вступили в полосу северовосточного пассата
и вскоре пересекли тропик Рака. Чудная погода, ровный, тёплый ветер, легко взволнованное море,
тёмнолазоревое небо с белыми кучевыми
облаками не изменялось во всё время перехода по
благодатной полосе пассата. Чудные дни и чудные
ночи! Дивный, тёмнолазоревый днём цвет океана
сменялся фантастическим фосфорическим
свечением ночью. С приближением к югу сумерки
становились всё короче и короче, а южное небо с
новыми созвездиями всё более и более
открывалось. Какое сияние Млечного Пути с
созвездием Южного Креста... Вскоре все звёзды
обоих полушарий стали видны. Большая
Медведица стояла низко над горизонтом, а Южный
Крест поднимался всё выше и выше.
Свет ныряющего среди кучевых облаков месяца в
полнолуние просто ослепителен. Чудесен
тропический океан со своей лазурью и фосфорическим светом, чудесно тропическое
солнце и облака, но ночное тропическое небо на
океане чудеснее всего на свете!»
Только человек, понастоящему влюблённый в
море,  моряк или путешественник  мог так
восторженно писать о нём. Действительно, эти
строки написаны (впоследствии) одним из
гардемаринов  выпускников морского корпуса,
совершивших своё первое большое плавание на
клипере «Алмаз». Однако книга, из которой взят
этот отрывок, называется несколько неожиданно:
«Летопись моей музыкальной жизни», и автор её
композитор Николай Андреевич Римский
Корсаков.
Николай Андреевич РимскийКорсаков родился 6
(18) марта 1844 года в Тихвине Новгородской губернии. К музыке его влекло с самого детства.
Но не меньше манило его море.
Одинаково жадно слушал он пение матери и
рассказы старшего брата, морского офицера. В
шесть лет Ника (так звали мальчика родные) стал
заниматься музыкой, а в двенадцать отец привёз
его в Петербург и определил в Морской корпус.
Две дороги лежало перед будущим композитором,
и каждая из них была мила его сердцу. Вторая,
быть может, (в двенадцать–то лет) казалась даже
милее первой…
В Морском корпусе Николай учился прилежно и
ровно, также он продолжал учиться игре на
фортепиано.
В 1861 году РимскийКорсаков стал членом
«Балакиревского кружка», известного более как
«Могучая кучка», куда входили Даргомыжский, Мусоргский, Кюи и  несколько позже  Бородин.
По «благословению» и под руководством
Балакирева начинающий композитор приступил к
созданию своей Первой симфонии. Начало работы
над нею совпало с окончанием Морского корпуса.
РимскийКорсаков получил офицерское звание и
должен был отправиться в дальнее плавание на
клипере «Алмаз».
Плавание продлилось три года (186265).
Путешествуя по белому свету, новоявленный
офицер не отрывался от «Могучей кучки»,
поддерживал переписку с Балакиревым.
Правда, писать музыку в «каютных» условиях
было не такто легко, на «Алмазе» не было рояля.
Всякий раз, когда корабль заходил в порт,
композитор опрометью бросался на берег в поисках ресторана, где можно было бы посидеть
нет, не за бокалом вина  за инструментом.
В декабре 1865 года РимскийКорсаков вернулся
на родину и наконецто закончил свою Первую
симфонию. Первое её исполнение прошло с
большим успехом, и этот успех помог Римскому
Корсакову «решить» свою жизнь: отныне, понял
он, она будет связана не с морем, но с музыкой.
В 1871 году РимскийКорсаков стал профессором
Петербургской консерватории.
Профессор Петербургской консерватории,
требовательный учитель, высокообразованный
музыкант и замечательный композитор, актёр
любимых и известных всем опер, романсов,
симфонических картин  таким его знает весь мир. Пожалуй, только по какойто особой
подтянутости, стройности его высокой фигуры да
ещё по необыкновенной дисциплинированности
угадывали консерваторские студенты бывшего
морского офицера в своём строгом седом
профессоре.
Как же случилось, что человек, так сильно
любивший море, так чувствовавший его красоту,
изменил ему и отдал все свои силы, весь талант,
всю жизнь музыке?
Не будем торопиться с ответом, а лучше вспомним
о том, что произошло в 1897 году  через 35 лет
после ухода «Алмаза» в плаванье.
В декабре 1897 года в Москве, на сцене частного
оперного театра Мамонтова, была поставлена
опера РимскогоКорсакова «Садко». И как знать: не будь на свете клипера «Алмаз»,
может быть, не ушёл бы в плаванье в неизведанный
Окианморе синее другой корабль  Соколкорабль
весёлого гусляра Садко. Не двинулся бы по
холщовым волнам, мимо рисованных теремов
Господина Великого Новгорода, под удалую песню
корабельщиков. Не зазвучал бы, провожая корабль,
странный и таинственный голос морской царевны
Волховы. Не родилась бы прекрасная музыка
«Окианаморя синего».
Опера «Садко»
Слушание: Интродукция «Океанморе
синее». Грозен и могуч «Окианморе синее», мерно
и тяжело катит он свои волны... Звучащий океан.
Эту музыкальную тему даже не назовёшь
мелодией, так она проста: все время повторяются
три звука, три ноты на фоне рокочущего сначала низко в басах, затем выше, у скрипок,
сопровождения. Но в размеренной неторопливости,
в однообразном повторении звуков и заключено все
очарование этой музыки: спокойно дышит океан,
набегают одна за другой громадные, ленивые
волны.
Так начинается опера. Музыка оперного
вступления обычно рассказывает о самом главном.
Слушая вступление к «Садко», сразу же можно
понять, что главное  это «Окианморе синее».
Слушание: Ария Садко «Кабы была у меня золота
казна». Не богат, не чванлив молодой гусляр
Садко, не ладит он с именитыми купцами
новгородскими, не поёт песни о богатстве их и
знатности. О дальних странах, о реках и морях
неизведанных мечтает Садко в своих песнях, о странствиях морских, что прославят его родной
Новгород.
Кабы была у меня казна,
Кабы была дружинушка хоробая
Пробегали б мои бусыкорабли,
Объезжали б моря, моря синие…
Но нет у Садко ни казны золотой, ни дружины
хороброй  беден гусляр; а кто бедному поможет?
Только насмехаются именитые.
Слушание: Песня Садко «Ой ты, тёмная
дубравушка». Светлая летняя ночь. Тишина.
Крутой берег Ильменьозера. С невесёлыми
мыслями приходит сюда Садко.  Грустит Садко у
любимого Ильменьозера, смотрит на воды
глубокие, тихо перебирает струны на гуслях.
Отвергнутый самодовольной знатью, непонятый и
осмеянный новгородским людом, он обращается за сочувствием к природе, изливая в песне свою
тоскукручинушку.
Слушание: Сцена появления лебедей и их
волшебного превращения. Вышли на берег лебеди и
обернулись красными девицами. Это дочери
Морского царя с подружками. А среди них  самая
прекрасная, любимица отца, Волховацаревна.
О великом царстве морском, о грозном своём отце
рассказывает гусляру Волхова... Помните
фантастическое свечение океана? Не оно ли
подсказало, навеяло композитору этот
удивительный рассказ о чудесах морских?
Опять мерно заплескалась, зарокотала музыка
Океана: только теперь вместе с ней звучит и
другая тема: как отблески драгоценного металла,
мелькают в ней звонкие голоса труб  рыбки
златопёрые. Их подарила Волхова Садко за песни. Слушание: Песня Садко  «Заиграйте, мои
гусельки». По просьбе Волховы Садко заводит
игровую песню «Заиграйте, мои гусельки». В
награду за песню Волхова обещает Садко, что он
поймает трёх рыбок «золотое перо», которые
принесут ему богатство и славу.
Заколыхалась вода в озере  поднялся из глубины
сам грозный Царь Морской. Отрывист и странен
голос Морского Царя, зовущего дочерей, мрачно и
беспокойно звучит его музыка. В ней мы явственно
различаем знакомую тему Океана.
Клекочет полебединому флейта, затихло,
успокоилось озеро  исчез Царь Морской и девицы
красные. А на берегу рыбки златопёрые обернулись
чистым золотом.
Вот и исполнилась заветная мечта Садко. Стоят на
Ильменьозере снаряжённые в путь корабли. Впереди всех Соколкорабль: на нем поплывёт сам
Садко, на других  товарищи верные.
Слушание: Песня Варяжского гостя «О скалы
грозные дробятся с рёвом волны».
Слушание: Песня Индийского гостя «Не счесть
алмазов в каменных пещерах».
Слушание: Песня Веденецкого гостя «Город
каменный, городам всем мать».
Чтобы знал Садко, куда держать ему путь,
заморские гости рассказывают ему о своих
странах.
Слушание: Песня Садко с хором «Высота ли,
высота поднебесная». Алое заходящее солнце
освещает паруса отплывающих кораблей. Садко с
дружиной запевает матросскую песню: «Высота ли
высота поднебесная, глубота, глубота  окиан море, широко раздолье по всей земли, глубоки
омуты днепровские!»
Здравствуй, Окианморе синее! Прими богатого
гостя новгородского, гусляра весёлого с дружиной
его храброй!
Десять лет плавает Садко по Окиануморю, да не
платит дани Царю Морскому. Вот и встал Сокол
корабль посреди моря синего. Все корабли вдаль
плывут, а Соколкорабль только покачивается на
волнах с повисшими парусами. Не пускает
Морской Царь Садко. К себе, на дно морское,
зовёт.
И вот Садко велит бросать с корабля в море бочки
с красным золотом, чистым серебром и скатным
жемчугом. Но не это, оказывается нужно царю
морскому. Нужен ему сам Садко. А точнее, нужен
он Волховецаревне. Садко прощается со своей дружиной. Должен Садко опуститься в царство
Лазоревое, откупиться песнями от царя.
Слушание: Сцена погружения Садко в глубину
океана. Прощается Садко с друзьями  и вот он
уже на дне морском. То ли гость, то ли пленник
царя морского. Оркестр исполняет Интермеццо
музыкальную картину необычайной красоты,
рисующую погружение Садко в морскую бездну.
Тоненько позвякивают тарелки; очень мягко,
затаённо звучат медные инструменты, колышутся
пассажи струнных. Все музыкальные темымелодии
чемто неуловимо похожи одна на другую, все они
словно окрашены волнующим лазоревым светом
подводного царства.
Русский композитор и музыкальный критик
Александр Серов так писал об этой музыке:  «Она,
действительно, переносит нас вглубь волн  это чтото «водяное», «подводное» настолько, что
никакими словами нельзя бы выразить ничего
подобного. Сквозь таинственную среду морской
струи вы видите, как возникают, точно
привидения, не то величественные, не то смешные
фигуры старого Морского Царя и его гостей».
Слушание: Величальная песня Садко. И в этом
плавном, «текучем» мире раздаётся весёлая
плясовая песня. Садко играет и поёт величальную
песню «Синее море грозно, широко».
Слушание: Пляска златопёрых и сереброчешуйных
рыбок. Пляшут под гусли Садко чуда морские...
Взволновалось море синее. А когда заплясал сам
Царь Морской,  поднялась на море буря
небывалая.
Слушание: Сцена появления Видения  Старчища
могуч Богатыря. Бурлит, мечется знакомая музыка Океана, будто вихрь подхватил мощное звучание
оркестра, сильнее, громче... И  оборвалась музыка.
Вступил орган. Это Старчище могучбогатырь
тяжёлой свинцовой палицей выбил гусли из рук
Садко. «Не ко времени расплясался, Царь
Морской, тонут корабли от твоей пляски».
Спокойно и ясно звучит музыка. Исчезло
подводное царство, как волшебный странный сон.
Садко и Волхова поднимаются наверх, к людям.
Слушание: Колыбельная песня Волховы. Снова
берег Ильменьозера. Спит Садко. Нежно баюкает
его Волхова, прощается морская царевна с
красивым молодцем. С первыми лучами утренней
зари рассеется по зелёному лугу алым туманом
сказочная царевна, превратится в широкую реку
Волхову. По Волховереке приплывут в Великий
Новгород корабли Садко. Слушание: Финал. Песня Садко и хора. Ликует
Господин Великий Новгород. Славит гусляра: «За
песню отдал Царь Морской Садку царевну
Волхову, и протекла река, быстра и глубока».
«Морю синему слава»,  поёт народ. А в аккорды
хора вплетается тема Океана. В последний раз
звучит она в опере. Звучит мощно, торжественно,
завершая былину о Садко.
Да, сильный, яркий талант, огромная любовь к
музыке победили в споре между моряком и
композитором.
Краткое содержание оперы
На пиру молодой гусляр Садко укоряет богатых
новгородских купцов за то, что не хотят они
покидать насиженных мест и поехать в далёкие
моря и неведомые страны. Упрёки Садко не по нраву именитым купцам. «Зелен нас учить, молод
нас корить!». С угрозами изгоняют они Садко с
пира.
Садко уходит к Ильменьозеру. На берегу садится
на белгорюч камень. Играя на гусельках
яровчатых, запевает грустную песню. На озере
появляется стая белых лебедей и серых уток;
неожиданно они превращаются в красных девиц.
Среди них  прекрасная Волхова, дочь Морского
Царя. Очарованный красотой Морской Царевны,
Садко до утра поёт ей песни, рассказывает о своих
думах. На рассвете Волхова покидает Садко,
пообещав ему волшебный подарок  три рыбки
«золото перо». «Закинешь сеть, поймаешь их, богат
ты будешь и счастлив, объедешь синие моря,
увидишь дальние края». В раздумье возвращается Садко домой, где всю ночь напрасно ожидала его
жена  Любава Буслаевна.
На пристани, у Ильменьозера, Садко предлагает
настоятелям новгородским биться об заклад: если
сети вытащат из вод Ильменьозера три рыбки
«золото перо», настоятели отдадут ему все лавки с
товарами; если же не окажется рыбок  купцы
вольны снять голову с плеч Садко.
Купцы согласны. Сеть закинута  и когда её
вытаскивают, то Садко вынимает из неё три рыбки
 «золото перо». Молодой гусляр великодушно
оставляет купцам их лавки: он и без того стал
богат  вся рыба в неводе превратилась на глазах
изумлённой толпы в золотые слитки.
Садко снаряжает на это золото корабли с
товарами, собирает «дружину хоробрую» и
отправляется в дальние странствия. Много лет плавал Садко по морямокеанам. Но вот
его корабль остановлен среди моря какойто
враждебной силой.  Это Морской Царь требует
выкупа. Дружина бросает в море бочки с золотом,
серебром и скатным жемчугом. Но, несмотря на
уплату богатой дани, «все корабли, что соколы
плывут, а Соколто корабль один на море стоит».
Догадывается Садко, что Морской Царь требует
иной дани  самого Садко.
Молодой гусляр спускается на дно морское.
Грозно встречает гостя Морской Царь. Но стоило
запеть Садко  и Царь смягчил свой гнев.
Покорённый искусством Садко, он решает женить
его на младшей дочери  прекрасной Волхове. Всё
подводное царство собирается на свадебный пир.
После обряда величания начинается общее веселье.
От бешеной пляски поднимается буря на море  тонут корабли, гибнут люди. В разгар пляски
появляется Старчище  Могуч Богатырь. Он
выбивает гусли из рук Садко  и пляска сразу
обрывается. Старчище лишает Царя Морского
власти над водной стихией, а Садко и Волхове
приказывает подняться на землю.
Заключительная картина  на берегу Ильмень
озера. Волхова поёт прощальную колыбельную
песню над спящим Садко и, рассеиваясь туманом,
превращается в реку. Очнувшись от волшебных
чар, Садко радостно приветствует Любаву и
новгородцев. Все с изумлением и восторгом
смотрят на новую широкую Волховуреку у стен
своего города. Торжественными возгласами толпы
«Морю синему слава! Волховереке слава!»
заканчивается опера. «Балло» означает «танцую»
Содержание:
1.
Знакомство с жанром балета (на примере
балета С. Прокофьева «Золушка»).
Родственность слов балет и бал.
2. Музыкальные персонажи в движении.
3.
Музыкальный материал:
1. С. Прокофьев. «Па де шаль», «Вальс»,
«Полночь», «Урок танца. Гавот» из балета
«Золушка» (слушание);
2.
Т. Попатенко, стихи В. Викторова. «Котёнок и
щенок» (пение).
Характеристика видов деятельности: 1. Устанавливать ассоциации между
музыкальными и изобразительными образами.
2. Проявлять основы ориентации в нравственном
содержании и смысле поступков музыкальных
персонажей.
Балет  загадка, что не знает слов...
Знакомство с жанром балета
Что же такое балет?
Волшебный мир сказок, мир наших грёз и
сновидений наиболее совершенно способен
воплотить балет. Основа балета  танец. Слово
«балет» происходит от итальянского «ballo», что
значит «танцую».
С чем у вас связывается слово «бал»? Со сказкой?
Должно быть, вы любили в детстве «Золушку»! Но
вы правы, потому что бал  время волшебства. На придворные балы приглашалось только
избранное общество. И совсем как в сказке про
Золушку, на бал надевали самые красивые и
дорогие наряды, что понятно: праздник ведь. Тогда
же родились балымаскарады  прекрасная
возможность побыть маской, ощутить себя кемто
другим.
Именно в Италии, более 400 лет назад, и родилось
искусство балета. В этой стране издавна любили не
просто танцы, а танцевальные сценки, которые
исполнялись в народных комедиях, на карнавалах,
балах и других празднествах.
Слова «бал» и «балет»  родственные.  Бал –
большой танцевальный вечер, а балет – большой
музыкальный спектакль.
Балет – это обязательное сочетание танца и
музыки. Музыка и танец дружат с незапамятных времён. Оба этих искусства объединяет то, что они
умеют говорить без слов, причём говорить очень
ярко, взволнованно и поэтично.
Как и в любом музыкальном спектакле, в балете
есть сюжет, действующие лица. Его герои наделены
человеческими чувствами. Они действуют, думают,
радуются и страдают. Но их действия и чувства
раскрыты не с помощью слов или пения, а
посредством танцевальных движений под музыку.
Кроме танцев, важную роль в балете играет
пантомима, то есть немая актёрская игра,
состоящая из выразительных жестов и мимики.
Пантомима связывает отдельные танцы, помогает
развитию действия.
Изначально танец был неотъемлемой частью
сценического представления, в котором пели и
декламировали текст, а актёры выступали в туфлях на каблуках. Примерно два столетия назад
танцоры начали носить специальную одежду и
особые тапочки – пуанты.
Они позволяют танцевать на кончиках пальцев,
делают движения более воздушными и лёгкими.
Создатели балетного спектакля: композитор,
либреттист (автор сценария), хореограф
(постановщик танцев), а также художник
декоратор и художник по костюмам. Роль
хореографа очень важна в балете. Он
разрабатывает движения, соответствующие
сюжету, выстраивает драматургию и соотносит всё
это с музыкой. В исполнении балета участвует
балетная группа (балерины и балероны), дирижёр и
симфонический оркестр.
Чтобы понимать и любить балет, нужно
разбираться в танцевальном искусстве, которое является его основой. Балетный язык – это мир
выразительных танцевальных движений, жестов и
мимики. Движения в балете очень красивы,
возвышенны и благородны.
Знакомство с балетом С. Прокофьева
«Золушка»
Талант С. С. Прокофьева проявился очень рано,
музыку он сочинял с детства. А когда ему
исполнилось 13 лет, он пришёл на экзамен в Санкт
Петербургскую консерваторию.
Представьте себе, в кабинете консерватории сидит
серьёзная приёмная комиссия, в которой известные
композиторы – Н. А. РимскийКорсаков, А. К.
Глазунов, А. К. Лядов. И вот туда, сгибаясь под
тяжестью больших папок с нотами, вошёл 13
летний мальчик. Вот мои сочинения»,  сказал он. И тогда Н. А. РимскийКорсаков воскликнул: «Это
мне нравится!»
Юный Серёжа Прокофьев был принят в
консерваторию, которую он отлично закончил по
двум отделениям – как пианист и как композитор.
Прошли годы и его творчество приобрело
широчайшую известность. В театрах всего мира
ставят его оперы и балеты, оркестры исполняют
его симфонии, пианисты и скрипачи играют его
концерты и пьесы.
Композитор Дмитрий Борисович Кабалевский так
сказал об этом композиторе: «Дети особенно
должны быть благодарны Сергею Прокофьеву, ибо
никто из композиторов не посвятил детям столько
прекрасных произведений». Юные пианисты
играют маленькие произведения из его сборника
«Детская музыка», сказка «Петя и волк» знакомит слушателей с инструментами симфонического
оркестра.
Одним из самых известных его сочинений является
балет «Золушка».
1.
2.
Вы знаете эту сказку?
Знаете ли вы писателя, который написал эту
сказку? (Шарль Перро.)
3. Назовите главных героев этой сказки.
4. Куда отправилась главная героиня этой
сказки» (На бал.)
Композитор С. С. Прокофьев тоже любил сказки, и
на сюжет сказки Шарля Перро «Золушка» он
сочинил балет.
Впервые балет «Золушка» был показан в Большом
театре в 1945 году, когда наша страна одержала
победу в Великой Отечественной войне. Впоследствии «Золушку» ставили во многих
других театрах нашей страны и в различных
странах мира.
Главную роль в этом балете исполняли разные
балерины. Запомните имя одной из них – Галина
Уланова.
С. Прокофьев – мастер музыкальных портретов
героев. Вы помните, что в его симфонической
сказке «Петя и волк» каждый персонаж имел свою
тему: Петя, дедушка, птичка, кошка, утка. Вот и
для каждого героя балета «Золушка» композитор
нашёл особые средства выразительности. Образ
Золушки рисуют певучие, плавные мелодии. А в
музыке, которая рисует сестёр и мачеху, звучат
колючие, короткие мотивы и острые, стучащие
ритмы. Всё это хорошо слышно с самого начала
балета. Первая сцена балета называется «Па де шаль», что
означает «танец с шалью». Действие происходит в
доме отца Золушки. Сёстры вышивают шаль, а мать
наблюдает за ними. Золушка работает у очага. Но
вот сёстры начинают ссориться. В эпизоде их
ссоры музыка основана на мелких «царапающих»
мелодиях. Так и видишь цепкие движения, резкие
жесты сестёр, слышишь их визгливые выкрики…
Недаром сёстрам Золушки в балете даны
красноречивые имена – Кривляка и Злюка.
Слушание: «Па де шаль».
1. Каким был характер музыки, рисующей образы
сестёр Золушки? (Злым, острым, резким,
колючим, быстрым.)
2. Кто исполнял музыку? (Симфонический
оркестр.) Вначале балета «Золушка» появляется персонаж,
которого нет в сказке Ш. Перро. Это учитель
танцев. По сюжету мачеха и сёстры собираются на
бал, и к ним приходит учитель танцев, который
разучивает с ними старинный танец гавот.
Танец под названием «гавот» возник во Франции.
Это грациозный и изящный танец с поклонами и
неторопливыми движениями.
Слушание: «Урок танца. Гавот».
1. Какие музыкальные инструменты исполняли
главный мотив «урока танцев»? (Струнные.)
2. Как звучала музыка? (Музыкальный язык
яркий, острый. Композитор слегка посмеивается
над важным, чопорным старинным танцем.)
Для этого балета композитор написал необычную
музыку – партию часов, которые должны были напомнить Золушке о том, что пришло время
уезжать с бала. В балете придуман такой ход: в
полночь из часов выйдут карлики, которые будут
показывать нужное время. Послушайте отрывок из
балетного либретто.
И вот появляется Золушка. Она так хороша, что
все взоры устремляются к ней. Танцы
прерываются. Очарованный принц не может
отвести от неё глаз. Но и сам он своей красотой,
мужественностью пленяет сердце девушки.
Золушка чувствует себя во дворце легко и
свободно. Она подходит к сёстрам, которые не
узнают замарашки в её великолепном наряде.
Начинается вальс, который Золушка танцует с
принцем. Среди веселья и танцев счастливая
Золушка совсем забывает о времени. Но вдруг
появляются карлики: «Пора, Золушка!»  напоминают ей часы. «Пора!»  неумолимо стучит
маятник, и Золушка стремглав бежит из дворца.
Бьёт полночь. По белой широкой лестнице бежит
Золушка, покидая дворец. В спешке она теряет
хрустальную туфельку. Принц бросился за ней, но
её и след простыл. Только на ступеньке лестницы
лежала маленькая хрустальная туфелька.
Обратите внимание на то, как после 12того удара
часов композитор рисует превращение Золушки
опять в замарашку. Это покажет музыка – она
станет грустной. Но, в тоже время, мы услышим в
ней надежду на то, что эта сказка закончится
хорошо.
Слушание: «Полночь».
1.
В каком музыкальном жанре создал
композитор тему часов? (В жанре марша.) 2. Какой вам показалась эта музыка? (Злой, очень
громкой.)
3. Что передают звуки симфонического
оркестра? (Тиканье и бой часов.)
Образ Золушки рисуется, прежде всего, мелодией
«Вальса», которая будет звучать в балете
неоднократно. Обратите внимание на то, как будет
меняться музыка. Сначала звучит главная мелодия
вальса. Потом она становится всё более
торжественной, громкой, рисуя счастье Золушки
на балу. Но в самом громком месте внезапно
возникает тема часов. И после неё мелодия будет
печальной, разочарованной.
Слушание: «Вальс».
1. Какой была музыка в самом начале?
(Спокойной, напевной, мелодичной.) 2. Как изменилась музыка в конце отрывка?
(Стала грустной, безрадостной.)
3. Как повашему, что происходит в этот момент
на балетной сцене? (Платье Золушки
превращается в старое, исчезают карета, кони,
кучер.)
Но не надо расстраиваться, ведь вы все читали эту
сказку и знаете, что она закончится хорошо. Принц
и Золушка обретут своё счастье.
Смысл сказки о Золушке заключается в
утверждении доброго и человеческого отношения к
жизни в противоположность злобе, зависти и
эгоизму. Своей музыкой С. С. Прокофьев
воспевает добрые человеческие качества и
осуждает душевную чёрствость и злобу. Такое
противопоставление характеров в искусстве
называется «контраст». Встречается ли в «Вальсе» контраст? (Да.)
1.
2. Какие образы контрастны? (Образ Золушки и
образ часов.)
3. Как проявляется контраст в мелодиях?
(Мелодия Золушки нежная, праздничная, мелодия
часов резкая, злая.)
4. Какие музыкальные жанры использованы,
чтобы подчеркнуть контраст между этими
образами? (Танец вальс и марш.)
Познакомившись с музыкой к балету «Золушка»,
вы убедились в том, что композитор С. С.
Прокофьев сумел разглядеть в сказке глубину и
мудрость, прославил чистоту и прелесть
трудолюбивой девушки Золушки, скромностью,
добротой, побеждающей все невзгоды своей жизни, и высмеял мещанский, корыстный духовный мирок
её злой мачехи и жадных, завистливых сестёр.
Любовь к сказке объясняется ещё одной
особенностью характера композитора: до конца
своих дней он сохранил свежесть восприятия мира,
способность радоваться жизни.
Вопросы и задания:
1. Обратите внимание на слова «бал» и «балет».
Как вы думаете, что их объединяет?
2. Какой танец на балу исполняла Золушка?
Какой характер этого танца?
3.
Внимательно послушайте фрагмент «Полночь»
из балета С. Прокофьева «Золушка». Согласны ли
вы с композитором, который дал такое название?
Какое в ней настроение? Как вы думаете, почему? Что такое гармония в музыке
Содержание:
1. Многозначность понятия гармония.
2. Что такое гармония в музыке.
3. Покой и равновесие музыкальной гармонии в
Прелюдии до мажор из I тома «Хорошо
темперированного клавира» И. С. Баха. Музыкальный материал:
1. И. С. Бах. Прелюдия до мажор. Из I тома
«Хорошо темперированного клавира» (слушание);
2.
Г. Струве, стихи И. Исаковой. «Музыка»
(пение)
Характеристика видов деятельности:
1. Понимать значение средств художественной
выразительности (гармонии) в создании
музыкального произведения (с учётом критериев,
представленных в учебнике).
2.
Выявлять возможности эмоционального
воздействия музыки на человека.
3. Оценивать музыкальные произведения с
позиции правды и красоты.
4. Находить ассоциативные связи между образами
музыки и изобразительного искусства. 5. Интерпретировать вокальную музыку в
коллективной музыкальнотворческой
деятельности.
Есть ли чтонибудь более прекрасное, чем сила
гармонии?
Хотелось бы видеть здесь проявление некоей
божественной любви,
узнать её происхождение и установить связь с
другими силами,
которыми держится Вселенная.
Птолемей
«Гармония»  одно из самых главных понятий
музыкального искусства. Что же оно означает?
Слово «гармония» возникло далеко за пределами
музыки. Люди издавна называли гармонией красоту
и соразмерность, где бы она себя ни проявляла  в архитектурном ли сооружении, состоянии души
или человеческой фигуре.
Древние греки словом «гармония» определяли
даже периоды мирной жизни, свободные от войн и
потрясений.
В музыке слово «гармония» выражает её основное
свойство – благозвучие (благозвучный – приятный
на слух). Благозвучие как порядок в царстве
звуков, аккордов, ладов – это и есть музыкальная
гармония.
Как и всякое искусство, музыка имеет свой
собственный «материал». Как цвет в живописи,
слово в литературе, мрамор в скульптуре  так звук
в музыке есть её ядро, из которого рождается
музыкальное произведение. Однако любой
произвольный порядок звуков ещё не является признаком гармонии. Послушайте, как звучит
случайный набор музыкальных звуков.
Музыка начинается лишь тогда, когда её звуки
организуются по определённым законам, которым
подчиняется музыкальное произведение.
Великий русский композитор М. И. Глинка о
гармонии сказал так: «Дело гармонии дорисовать
слушателям те черты, которых нет и не может быть
в мелодии». Иными Словами  гармония как бы
досказывает мысль, которая заключена в мелодии.
Без помощи гармонии музыкальная мысль не
может быть высказана полным голосом.
Гармония  одно из выразительнейших средств в
музыке, это голоса и аккорды, сопровождающие
мелодию. Они составляют с мелодией не только
одно гармоническое целое, но поддерживают,
дополняют и украшают её звучание.

intro:
В музыке крайне редко встречаются произведения, в которых выражалось бы полностью безмятежное настроение. Гораздо чаще музыкальная гармония построена на противоположности светлого и затемнённого, печального и радостного.
Такое понимание гармонии как единства противоположных начал заложено ещё в мифологии.
В одном из древнегреческих мифов рассказывается, что Гармония была дочерью Ареса - бога войны и раздора и Афродиты – богини любви и красоты.
В своих странствиях Кадм однажды убил змея и вошёл в пещеру, где раньше жил змей, и увидел там девушку неописуемой красоты, узницу змея. Когда Кадм и Гармония выходили из пещеры, Кадм увидел в пасти убитого змея что-то золотое, ярко сверкающее, но не стал подходить ближе.
Вскоре они увидели спускающуюся с неба лестницу, по которой шли Зевс с Герой, Посейдон с Амфитритой и Арес с Афродитой. Вмиг появились столы с яствами, и Зевс объявил, что в награду за подвиг он даёт Кадму в жёны Гармонию. Они зажили счастливо, но однажды, вспомнив прошлое, Кадм рассказал Гармонии о золоте, лежащем у пасти змея. Жена тотчас же пожелала его иметь и послала Кадма к пещере.

title: Урок: Гармония