extracted_text:
Петрушка
«Петрушка»  второй из ряда удивительных балетов,
которые Стравинский написал для балетной
компании Дягилева, в его премьере, состоявшейся в
Париже в 1911 году, участвовал знаменитый танцор
Вацлав Нижинский. Это произведение более зрелое
по сравнению с «Жарптицей»  музыка более
дерзкая в своей самобытности и пронизана цитатами
из русских песен и танцев. Этот новый реализм
распространяется  на характер Петрушки –
традиционной куклыперчатки, наполненной
человеческими чувствами и переживающей серьёзную
романтическую драму. Такой психологический
аспект был весьма нов для танцевального мира.
«Гулянье на масленице в Петербурге».  Музыка
поражает необычайной жизненностью, яркостью в обрисовке праздничного уличного быта старого
Петербурга. Адмиралтейская площадь, яркий зимний
день. В центре сцены  театрик Фокусника. Тут же
карусели, перекидные качели, ледяные горы, лавки
со сластями. С первых же тактов в оркестре
слышится общий неумолкающий вибрирующий гул:
говор, выкрики торговцев, обрывки песен и т. д.
Завораживающей мелодией своей флейты фокусник
привлекает толпу в свой театр, где три куклы –
Петрушка, Балерина и Арап – исполняют живой и
яркий «Русский танец».
Вопросы для закрепления материала:
1. Назовите годы жизни композитора.
2. Кого Стравинский считал своим «великим
учителем»? Какое произведение композитор
посвятил его памяти? 3. Какую дату мы считаем началом мировой славы
Стравинского?
4. Назовите имя русского театрального деятеля, с
которым связано создание ранних балетов
композитора.
5. Лидером какого направления в искусстве
Стравинский стал в 2030е годы?
6. Когда Стравинский в последний раз посетил
Россию?
Ноктюрны Шопена Ноктюрн  один из характерных жанров
романтического искусства. Французское слово
nocturne в переводе означает «ночной». Термин этот
появился в музыке XVIII века. В то далёкое время
этим словом называли пьесы, исполняемые на
открытом воздухе, чаще всего духовыми или
струнными инструментами. Они были близки
инструментальным серенадам или дивертисментам.
В XIX веке появился совсем другой ноктюрн
мечтательная, певучая фортепианная пьеса,
навеянная образом ночи, ночной тишиной, ночными
думами.
Впервые фортепианные ноктюрны стал писать
ирландский композитор и пианист, Джон Филд.
Джон Филд – ирландский музыкант, многие годы
проведший в России и именно здесь создавший свои
многочисленные ноктюрны. «У романтиков впервые проявился глубокий художественный интерес к
этому жанру «ночной музыки». Картины ночной
природы, сцены любовных свиданий на фоне лунной
ночи, разнообразные настроения одинокого
художникаромантика  то подавленного стихийной
мощью ночной грозы, то мечтающего на берегу реки...
о смутном и далёком счастье...  всё это...
романтические образы, хорошо известные не только в
музыке, но и в поэзии, и в живописи»,  писал В.
Ферман.
Мы находим ноктюрны в
творчестве Глинки, Чайковского, Шумана. Но
наиболее известны ноктюрны Шопена. Мечтательные
или поэтичные, строгие или скорбные, бурные или
страстные, они составляют значительную часть
творчества этого поэта фортепиано. Шопен начал писать эти романтические пьесы в 30х
годах. Ноктюрны Шопена значительно отличаются от
ноктюрнов Д. Филда.
Шопен начал писать ноктюрны ещё в Варшаве.
Ноктюрн, изданный после смерти композитора
под ор. 72, сочинён в 1827 году, а ор. 9 датируется
18291830 годами. Общая хронология шопеновских
произведений ведётся по датам прижизненного
издания, из чего можно заключить, что создание
подавляющего большинства ноктюрнов относится
к периоду 30х и начала 40х годов. За исключением
юношеского ноктюрна cismoll. Всего у Шопена
вместе с посмертно изданным миминорным
девятнадцать ноктюрнов.
В основе филдовских ноктюрнов, как правило, один
музыкальный образ, манера изложения напоминает
песню с аккомпанементом: правая рука ведёт мелодию, остальные голоса ей аккомпанируют. У
Шопена ноктюрны гораздо глубже по содержанию.
Они отличаются богатством музыкальных образов и
силой творческой фантазии. Большинство ноктюрнов
Шопена строится на контрасте двух образов.
Одухотворённый лиризм Шопена находит в
ноктюрнах свои специфические средства выражения.
С чисто моцартовской щедростью рассыпает в них
Шопен свои прекрасные мелодии. Предельно
выразительные, непосредственные, они звучат как
естественно льющаяся песня, как живой
человеческий голос. В ноктюрнах наиболее явны
песенные, вокальные истоки шопеновской мелодики.
Волнующий ноктюрн Шопена…
Уносит ночь стихов опавший лист.
Как медленно и вдохновенно
Свой сон играет пианист. В мгновениях, парящих  вечность,
Аккордов, нот волшебный миг.
Мир из иллюзий  бесконечность,
Парящих фраз…
Луны полночной лик…
Три ноктюрна соч. 15  это произведения, которые
считаются вершиной творчества Шопена.
Одно из лучших произведений Шопена в этом жанре
Ноктюрн Фадиез мажор, Op. 15 № 2. Как льющаяся
в ночной тишине песня, звучит задушевная напевная
мелодия.
Полнота лирического чувства выливается в
страстный порыв. Словно налетевший вихрь (может
быть, отчаяния, страсти) прерывает мечтательность
песни. Насколько первый раздел формы спокоен и
мечтателен, настолько взволнован и тревожен
средний раздел. После него совсем подругому звучит в репризе мелодия первой части. И только в
коде исчезает напряжённость темы и всё
успокаивается.
Ноктюрн Фа мажор, Op. 15 № 1 начинается нежной,
необыкновенно лёгкой мелодией. Вторая часть  con
fuoco («С огнём»)  неожиданно драматичная и
бурная. Мир вновь воцаряется лишь в самом конце, с
возвращением первой темы.
Ноктюрн Соль минор, Op. 15 № 3 начинается
мелодией грустной народной песни. Она звучит всё
жалобнее, пронзительнее и горше. Следующий
фрагмент напоминает хорал, построенный как
секвенция аккордов, обозначающих модуляцию
(смену тональностей в пределах одного
произведения). В конце звучит вопросительный мотив
 «плач об утраченной любви». Ноктюрн Ребемоль мажор, Op. 27 № 2  прекрасен
прозрачной красотой. Кристально чистую мелодию,
лежащую в основе сочинения, Шопен многократно
преобразует, используя самые изысканные
технические средства (трели, мелизмы, пассажи,
уменьшенные кварты и квинты).
Упоение тёплой летней ночью, поэзия ночного
свидания звучат в нежной и страстной музыке этой
пьесы. Основная тема как бы проникнута живым и
трепетным человеческим дыханием.
В средней части ноктюрна слышится нарастающее
волнение, однако оно вновь уступает место
основному ясному и светлому настроению,
господствующему в этой пьесе. Пронзительная,
пылкая романтическая мелодия ведёт нас к
страстной кульминации, а затем – к тихому, спокойному финалу. Ноктюрн заканчивается
чудесным дуэтомразговором 2х голосов.
О ноктюрне Мибемоль мажор, Op. 9 № 2 известно,
что его начало Шопен написал на листе письма к
Марии Водзиньской, своей возлюбленной. Этот
ноктюрн всегда очень нравился публике. Его сонное
течение, спокойные аккорды в партии левой руки,
полная лиризма, неги и романтической чувственности
мелодия завораживают,  околдовывают сердце.
Композитор и сам любил это произведение и часто
исполнял его на концертах или просто играл
ученикам, каждый раз находя удовольствие в том,
чтобы менять орнаментику.
Мазурки Шопена В шопеновской сокровищнице мазурки и полонезы
выделяются яркостью выраженных в них народно
национальных элементов. Особенно это относится к
мазуркам. Они народны в самом прямом и подлинном
понимании слова, в них раскрывается «душа» народа,
все его помыслы и представления, быт и нравы,
чувство красоты, и любовь к родным местам. С
чуткостью гениального художника Шопен
воспроизводит в своих с тончайшим изяществом
отделанных миниатюрах прелесть народных
музыкальнопоэтических образов.
Подавляющее количество мазурок Шопен писал
вдали от Польши, в Париже, но остроту
запомнившегося с детских лет не могло приглушить
никакое расстояние. «Слушающему эти композиции
(мазурки) кажется, что автор только что побывал гденибудь в окрестностях Плоцка, на деревенской
свадьбе и под свежим впечатлением здорового
веселья спешит зарисовать нотами картину танцев
под открытым небом и зафиксировать звуки
примитивного сельского оркестра».
В мазурках Шопен не только сильнее всего выразил
национальную сущность своего творчества; для него
самый жанр мазурки превратился как бы в
музыкальную эмблему Польши, в символ его далёкой
Родины.
Перу Ф. Шопена принадлежат 52 мазурки. Богатый
мир человеческих чувств и мыслей выражен в
мазурках Шопена очень искренно и правдиво. Среди
них множество истинных шедевров.
Мазурка  излюбленный польский танец. Он родился
в одной из областей Польши  Мазовии. Поэтому его
правильнее называть мазур. (Слово «мазур» означает житель Мазовии). Народная мазурка
танец, который танцуют два партнёра, причём в нём
нет заранее придуманных фигур. Его импровизируют.
А вот когда мазурка появилась в дворянской,
шляхетской среде, она превратилась в блестящий
танец, символизирующий военную удаль.
Шопен часто называл мазурки словом «obrazki». По
польски это означает «картинки». Кстати,
композитор К. СенСанс заметил: «Музыка Шопена
всегда картина». Действительно, это настоящие
картинки польской жизни. Кажется, сама душа
Польши поёт в этих прекрасных творениях. «Я
нахожу их красивыми, они мне нравятся, как
самые младшие дети нравятся своим
престарелым родителям»,  писал он. Среди шопеновских мазурок можно выделить три
основные группы  задорные народноплясовые,
блестящие бальные и поэтичные лирические.
Мазурка до мажор (ор. 56 № 2) – представляет
первую группу. Это настоящая картинка
деревенского праздника, «с живым чувством
Родины, земли, народа и его лучистой энергией».
Так сказал об этой мазурке замечательный русский
музыковед, академик Б. Асафьев. Поляки называли
её «мазуркой мазурок».
Представьте, что мы попали на праздник в польскую
деревню. Конечно же, танцы сопровождает
деревенский оркестр. Из каких же инструментов он
состоит? Обязательная его участница скрипка, не
менее важен был контрабас, который поляки ласково
называли «толстой Мариной». И, конечно, волынка. Волынка  духовой инструмент. Главная его деталь
мех, то есть кожаный резервуар или пузырь. В него
вставляется несколько трубок. Одна из них  с
отверстиями, как у деревянных духовых
инструментов. На ней играется мелодия. В другую
трубочку, поменьше, вдувают воздух, чтобы волынка
звучала. Все остальные трубочки сопровождают
мелодию непрерывным звучанием каждая на своей
высоте. Поэтому мелодия на волынке всегда звучит в
сопровождении неизменного аккомпанемента.
В начале мазурки Шопена несколько тактов «гудит»
квинта, подражающая деревенскому оркестру. А на
её фоне звучит весёлая, задорная мелодия с острым
синкопированным ритмом.
На народных праздниках мазурка не всё время
танцевалась всеми танцорами. В середине танца вперёд выходил главный танцор, в сольном танце
показывая своё мастерство. На смену ему приходит
танец девушек, более лиричный.
Такую картину рисует средний раздел до мажорной
мазурки. Но завершается всё общим танцем.
Мазурка си бемоль мажор (ор. 7 № 1) является
примером блестящей бальной мазурки. В её первом
разделе (рефрене формы рондо) горделивые взлёты в
мелодии чередуются со смелыми скачками с
форшлагами  будто слышится удалое щёлканье
шпор.
На смену этому разделу приходят две контрастные
темы. Одна из них  так любимый Шопеном
деревенский волыночный наигрыш. Можно
вообразить, что это на балу промелькнул некто в
необычном красочном наряде. Есть среди мазурок Шопена и необыкновенно тонкие,
проникнутые глубоким чувством «лирические
поэмы». «Вот в ритмы мазурок вплетены
грустные, типично славянские напевы... Вот
сознание композитора касается граней сумрачной
меланхолии. Вдруг  солнце, свет, трепет жизни,
воздух полей, песня, танец, игра. Среди радостей
облако: проходя, оно затеняет лазурь неба...»
писал о них музыкальный критик Б. Асафьев.
В них всё сосредоточено на том, чтобы передать
чувство, которое Шопен определял многозначным и
трудно переводимым польским словом zal (жаль).
Его можно понимать как жалость и нежность, грусть
и печаль и как множество других настроений, не
поддающихся однозначному словесному
определению. Эта особая краска, присущая самой природе шопеновского лиризма, проступает уже в
самых ранних его пьесах.
Мазурка ля минор (ор. 68 № 2). Это очень
поэтичная лирическая картина Родины. Затаённая
печаль рассеяна в звуках этой мазурки. Как и
положено, мазурка написана в трёхчастной форме,
где средний раздел также воплощает задорный
деревенский танец.
Вначале звучит задумчивая, грустная мелодия.
Движение по основным звукам ляминорного
трезвучия в медленном темпе придаёт ей мягкость и
плавность, а лёгкий акцент на третьей доле такта
большое изящество.
Воспоминания композитора как бы уходит всё
глубже и глубже. И вот уже звучит задорный
деревенский танец с характерной «гудящей» квинтой в басу. Мажор, оживлённый темп придают музыке
весёлый, зажигательный характер. А акцент на
третьей доле такта напоминает притопывание в
танце. Это средняя часть мазурки. Затем
возвращается первая тема – нежная, грациозная,
полная задумчивой грусти.
Последние мазурки
Последние месяцы жизни Шопена в Париже были
очень печальны. Он почти не мог играть и ежедневно,
хотя бы несколько часов, вынужден был проводить в
постели. Поначалу он пытался продолжать уроки со
своими учениками, но довольно скоро ему пришлось
отказаться и от этого.
И всё же он пишет новую замечательную музыку; две
мазурки  соль минор и фа минор. Мягкая грусть и свет воспоминаний озаряют их,  быть может, это
прощальный привет Родине...
Время шло, болезнь не отступала. По просьбе
Шопена в Париж приехала его сестра Людвика с
дочерью. Это было большой радостью для
композитора, теряющего силы. «Играю всё меньше и
меньше. Писать ничего не могу... Я еле могу
вспомнить, как поют на Родине...»
Вопросы:
1. Каковы отличительные черты польского
народного танца мазурки?
2. Назовите польские танцы, использованные в
мазурках Ф. Шопена.
3. Сколько мазурок сочинил Ф. Шопен, и какие
основные группы можно выделить среди них? 4.
Расскажите о характере музыки и построении
мазурок Шопена до мажор, сибемоль мажор и ля
минор.
Бетховен. «Патетическая соната» № 8 до минор
Бетховен был гениальным пианистомвиртуозом.
Поэтому область фортепианной музыки была для
него той родной стихией, в которой он чувствовал
себя властителем. Если в области симфонии он воплощал свои монументальные замыслы, то
фортепианная музыка была своеобразным дневником,
в который он записывал свои непосредственные
высказывания, жизненные наблюдения. Поэтому в его
сонатах полнее раскрывается внутренний мир
композитора, и это как бы «очеловечивает» его
героику.
Фортепианные сонаты Бетховена можно назвать
маленькими симфониями. В них тот же порыв, та же
революционная страсть, тот же призыв к борьбе.
Достаточно проиграть первую строчку сонаты
«Аппассионата», чтобы почувствовать это.
По фортепианным сонатам можно проследить путь
становления композитора. 32 сонаты написаны
Бетховеном на протяжении его жизни, в разные этапы
его творчества. В них как бы проявляются два начала
творчества композитора: действенное, драматическое, ведущее к поискам новых форм и
приёмов, и философское, созерцательное. Правда,
границу между ними всегда провести трудно, они как
будто переплетаются друг с другом, наслаиваются
одно на другое.
«Патетическая соната» была создана в 1798 году и
сразу была воспринята как сочинение смелое и
новаторское.
Не будет преувеличением сказать, что первые
аккорды «Патетической сонаты» сделали для жанра
фортепианной сонаты не меньше, чем первые ноты
«Героической симфонии» для симфонии (добавим,
что соната была написана почти за четыре года до
появления симфонии). Ни сам Бетховен, ни его
предшественники никогда ещё не сочиняли для
фортепиано музыку такой глубины. С первых звуков она приковывает внимание
слушателя и не отпускает его до самого конца. Эта
простая и в то же время величественная мелодия –
произведение зрелого композитора, в ней нет следа
страсти и борьбы, традиционно ассоциирующихся с
произведениями Бетховена. Композитор и сам
прекрасно осознавал это – он просто заявляет тему,
развивает и повторяет её. Финал сонаты искусно
объединяет две предшествующие темы и превращает
произведение в единое целое.
Начало первой части написано в тональности до
минор, помечено «мрачно» и исполнено пафоса,
оправдывающего название сонаты (несмотря на то,
что до сих пор остаётся неизвестным, сам ли
Бетховен назвал так своё произведение или это
сделал за него издатель).
Откуда такое горе, такая печаль? Во время написания сонаты Бетховену было около 27
лет, именно тогда он начал испытывать первые
проблемы со слухом.
К тому времени Бетховен жил в Вене уже шесть или
семь лет, два его фортепианных концерта были
исполнены на публике, он опубликовал несколько
камерных произведений, начал занимать своё место в
этом прославленном городе композиторов и
виртуозов, и доказал, что отличается от всех них! И
вот теперь, вдруг – глухота? Неужели судьба может
быть к нему так жестока? Но в «Патетической сонате
Бетховен словно говорит слушателям, что готов
сражаться с недугом. Если начало сонаты исполнено
печали, то дальше следует настоящий взлёт духа и
решимости.
Звуки музыки I. GraveAllegro di molto e con brio. Первая часть
написана в быстром темпе и наиболее напряжённа по
своему звучанию. Обычна и её форма сонатного
allegro. Сама же музыка и её развитие, по сравнению
с сонатами Гайдна и Моцарта, глубоко своеобразны и
содержат много нового.
Необычно уже начало сонаты. Музыке в быстром
темпе предшествует медленное вступление. Мрачно
и вместе с тем торжественно звучат тяжёлые
аккорды. Из нижнего регистра звуковая лавина
постепенно движется вверх. Всё настойчивее звучат
грозные вопросы (основная тональность сонаты до
минор). Им отвечает нежная, певучая, с оттенком
мольбы мелодия, звучащая на фоне спокойных
аккордов.
Кажется, что это две различные, резко
контрастирующие между собой темы. Но если сравнить мелодическое строение обеих тем, то
окажется, что они очень близки между собой, почти
одинаковы. Как сжатая пружина, вступление затаило
в себе огромную силу, которая требовала выхода,
разрядки.
Начинается стремительное сонатное allegro. Главная
партия напоминает бурно вздымающиеся волны. На
фоне беспокойного движения баса тревожно
взбегают и опускаются верхние голоса:
Связующая партия успокаивает волнение главной
темы и приводит к мелодичной и певучей побочной
партии.
Однако широкий «разбег» побочной темы (почти на
три октавы), «пульсирующее» сопровождение, а
главное  приём изложения в разных регистрах  всё
это придаёт ей напряжённый характер. Вопреки
правилам, установившимся в сонатах венских классиков, побочная партия «Патетической сонаты»
звучит не в параллельном мажоре (мибемоль мажор),
а в одноименном к нему минорном ладу (мибемоль
минор).
Энергия нарастает. Она прорывается с новой силой в
заключительной партии (мибемоль мажор).
Короткие фигурации ломаных арпеджио, как
хлёсткие удары, пробегают по всей клавиатуре
фортепиано в расходящемся движении. Нижний и
верхний голоса достигают крайних регистров.
Постепенное нарастание звучности от pianissimo до
forte приводит к мощной кульминации, к высшей
точке музыкального развития экспозиции.
Следующая за ней вторая заключительная тема
является лишь короткой передышкой перед новым
«взрывом». В конце заключения неожиданно звучит
стремительная тема главной партии. Экспозиция заканчивается на неустойчивом аккорде. На рубеже
между экспозицией и разработкой вновь появляется
суровая тема вступления. Но здесь её грозные
вопросы остаются без ответа: лирическая тема не
возвращается. Зато сильно возрастает ее значение в
среднем разделе первой части сонаты  разработке.
Разработка невелика, но очень напряжённа. «Борьба»
разгорается между двумя резко контрастными
темами: порывистой главной партией и лирической
темой вступления. В быстром темпе тема вступления
звучит ещё более беспокойно умоляюще. Этот
поединок «сильного» и «слабого» выливается в
ураган стремительных и бурных пассажей, которые
постепенно затихают, уходя все глубже и глубже в
нижний регистр.
Реприза повторяет темы экспозиции в том же
порядке в основной тональности  до миноре. Изменения касаются связующей партии. Она
значительно сокращена, поскольку тональность всех
тем едина. Зато главная партия расширилась, что
подчёркивает её ведущую роль.
Перед самым окончанием первой части ещё раз
появляется первая тема вступления. Но что это? Она
«потеряла» свой первый «грозный» аккорд и
начинается со слабой доли. В её вопросе осталась
только тревога и даже отчаяние. Неужели опять не
будет ответа? Ответ есть. Но не слабый, умоляющий,
а энергичный, волевой.
Первую часть завершает главная тема, звучащая в
ещё более стремительном темпе. Воля, энергия,
мужество победили.
II. Adagio cantabile. Красота музыки в медленных
частях бетховенских циклов всегда покоряет, а Adagio cantabile (медленно, певуче) из
«Патетической»  одно из самых прекрасных. Это
относительно раннее сочинение так совершенно, что
может выдержать сравнение с наилучшими,
созданными Бетховеном в расцвете творческих сил.
Вторая часть в лябемоль мажоре,  глубокое
размышление о чёмто серьёзном и значительном,
быть может, воспоминание о только что пережитом
или думы о будущем. На фоне мерного
сопровождения звучит благородная и величественная
мелодия. Если в первой части патетика была
выражена в приподнятости и яркости музыки, то
здесь она проявилась в глубине, возвышенности и
высокой мудрости человеческой мысли. Вторая часть
удивительна по своим краскам, напоминающим
звучание инструментов оркестра. III. Rondo (Allegro). Стремительная, взволнованная
музыка финала во многом роднит его с первой
частью сонаты. Возвращается и основная тональность
до минор. Но здесь нет того мужественного, волевого
напора, который так отличал первую часть. Нет в
финале и резкого контраста между темами –
источника «борьбы», вместе с ним и напряжённости
развития.
Финал написан в форме рондосонаты. Основная тема
(рефрен) повторяется здесь четыре раза. Именно она
и определяет характер всей части. Эта лирически
взволнованная тема близка и по характеру и по
своему мелодическому рисунку побочной партии
первой части. Она тоже приподнята, патетична, но
патетика её имеет более сдержанный характер.
Мелодия рефрена очень выразительна. Она быстро запоминается, легко может быть спета. Рефрен
чередуется с двумя другими темами.
Финал, а вместе с ним и вся соната заканчиваются
кодой, которая несёт в себе основную идею сонаты.
Энергичная волевая музыка, выражающая мужество и
непреклонность, утверждает: соната заканчивается не
смирением, а вызовом судьбе.
Существует мнение, что музыка финала
«Патетической сонаты» имеет лёгкий, нежный
характер, выражает радость  жизни, соединённую со
светлой грустью. Думается, что такое представление
идёт от утвердившейся издавна традиции исполнения
и интерпретации произведений молодого Бетховена,
основанной на известной близости ранних сочинений
композитора к венской школе клавирной музыки Ф.
Э. Баху, Гайдну, Моцарту. Бальзак однажды назвал стиль классицистической
литературы «пламенем, скрытым в кремне». Эта
характеристика удивительно подходит и к
драматизму «Патетической сонаты» Бетховена, в
которой «огненнострастный пафос» облачён в
величественную строгость выражения.
Что же нового внёс Бетховен в «Патетическую
сонату» по сравнению с фортепианными сонатами
Гайдна и Моцарта? Прежде всего, стал иным общий
характер музыки, отразившей более глубокие,
значительные мысли и переживания человека.
Отсюда  сопоставление резко контрастных тем,
особенно в первой части.
Контрастное сопоставление тем, а затем их
«столкновение», «борьба» придают музыке
драматический характер. Большая напряжённость
музыки вызвала и большую силу звука, размах и сложность техники. В отдельных моментах сонаты
фортепиано как бы приобретает оркестровое
звучание.
«Патетическая соната» имеет значительно больший
объем, чем сонаты Гайдна и Моцарта, она дольше
длится по времени.
Мировой хит
«Патетическая соната» стала первым произведением
Бетховена, всемирная слава которого пережила века.
Знаменитая тема из второй части использовалась в
бесчисленном множестве музыкальных вариаций, от
англиканских кантусов до популярных песен.
Пожалуй, самой знаменитой интерпретацией стала
песня Билли Джоэла «Эта ночь» из альбома
«Невинный человек», вышедшего в 1983 году и
переизданного в 1998 году. На конверте альбома под названием песни «Эта ночь» значится: «Музыка Л.
ван Бетховена, слова Б. Джоэла».
Вопросы и задания:
1. Когда была написана «Патетическая соната»?
Что означает это название?
2. Каково строение первой части сонаты? Дайте
характеристику её тем.
3. Какой характер имеет основная тема Adagio и в
чём особенность её звучания? Расскажите о
строении этой части.
4. Охарактеризуйте форму финала. Какой теме из
первой части родственна основная тема финала?
Моцарт. Жизнь и мастерство гения Жизнь его овеяна легендами, хотя известна до
мелких деталей. Пушкин в трагедии «Моцарт и
Сальери» показал столкновение одухотворённого
творца с упорным и завистливым ремесленником,
лишённым божественного дара, а потому способного
на злодейство. Однако версия об отравлении
Моцарта недостоверна, да и Сальери не мог быть
причастен к убийству хотя бы потому, что при жизни
был прославлен больше него, да и сам обладал
немалым талантом.
Моцарт  редчайшее явление в мировой культуре. Он
был чрезвычайно одарённым ребёнком, имевшим
небывалый успех. В подобных случаях очень
немногим удаётся сохранить свою яркую
индивидуальность, не привыкнув угождать публике. Решающую роль в его судьбе сыграл отец  Иоганн
Георг Леопольд, который был скрипачом,
композитором и замечательным педагогом. Он
служил придворным музыкантом в капелле
архиепископа в Зальцбурге (Австрия).
С младенчества  его  сына  Вольфганга Амадея
сопровождала музыка. Уже с четырёх лет Амадей
играл на скрипке и клавесине, с пяти начал сочинять
музыку, с восьми  сонаты и симфонии, а ещё через
три года  оперы. Пожалуй, только в музыке может
столь рано проявиться гениальность.
Леопольд Моцарт со своим шестилетним сыном и
старшей дочерью начал гастролировать по
европейским странам. Они побывали в Вене, Париже,
Лондоне, городах Швейцарии, Германии.
Несмотря на огромный успех гастролей, богатства
они не принесли и, повидимому, серьёзно подорвали здоровье ребёнка. Он вызывал восторг слушателей
прежде всего как виртуозисполнитель. А в 14 лет
ему довелось уже дирижировать в Милане
исполнением своей оперы «Митридат, царь Понта». В
том же 1770 году его после специального испытания
избрали в члены прославленной Филармонической
академии в Барселоне.
Он вынужден был служить капельмейстером у
Зальцбургского архиепископа, который подчас
обращался с ним, как с лакеем. Вольфганг пытался
обрести свободу, отправлялся в гастрольные
поездки, но его искусство не находило признания. Он
уже не привлекал внимания как вундеркинд и был
слишком молод для создания выдающихся
произведений.
В 1782 году он женился, пришлось заботиться о
семье. Он давал уроки и концерты, выполнял заказы на музыкальные произведения. В Вене была
поставлена его комическая опера «Бельмонт и
Констанца, или Похищение из сераля», а через
четыре года другая  «Директор театра», а также
«Свадьба Фигаро», пореволюционному
направленной против аристократии пьесы Бомарше
«Безумный день».
Венские аристократические круги встретили
«Фигаро» с прохладцей. Зато на следующий, 1787 год
в Праге она имела шумный успех. Для чешской
публики он написал оперу «Наказанный распутник,
или Дон Жуан», принятую в Праге с не меньшим
восторгом и провалившуюся в Вене.
Моцарт собирался покинуть Австрию, когда
император Иосиф II предложил ему должность
придворного композитора  освободившуюся после
смерти великого Кристофа Виллибальда Глюка. Пришлось сочинять танцы для балов, маскарадов,
комическую оперу «Все они таковы».
По обычаю того времени тексты опер писались на
итальянском языке, да и характер музыки во многом
соответствовал считавшейся образцовой итальянской
школе. У Вольфганга Амадея была мечта, о которой
он рассказал в 1777 году отцу. «И как любили бы
меня, если бы я помог подняться немецкой
национальной сцене и в области музыки!  И мне
это, наверное, удалось бы». Осуществилась его
мечта в 1791 году, когда была поставлена  на
немецком языке  его опера «Волшебная флейта».
Часто биографы подчёркивают, что Моцарт жил в
бедности, умер в нищете, а потому похоронен в
общей могиле. Однако, по некоторым данным, его
скромное материальное состояние объясняется не
столько тем, что он мало зарабатывал, сколько небрежным отношением к деньгам и большими
расходами. Работал он много, проявил свой гений в
самых разных жанрах, сочинил 41 симфонию и 27
концертов для фортепиано. Но следует помнить, что,
несмотря на недолгую жизнь, он отдал музыке 30 лет.
За последние три года жизни, словно предчувствуя
приближение смерти, Моцарт кроме «Волшебной
флейты» и множества небольших сочинений создаёт
три симфонии (среди них  «Юпитер») и полный
трагизма «Реквием». Этот заказ на заупокойную
мессу приводит его в мистическое состояние,
вызывает сильное душевное потрясение. Он сообщает
в письме: «Мысли путаются, силы слабнут, а образ
незнакомца всюду преследует меня. Он постоянно
торопит меня, упрекает и требует заказанной
работы. Я продолжаю композицию, потому что
работа утомляет меня меньше, чем бездействие. Чего мне страшиться? Я чувствую, близок мой
час! Близка моя смерть!»
Теперь уже трудно отделить переживания и образы,
созданные воображением Моцарта, от
происходивших событий, в которых он видел нечто
символическое. Можно согласиться с мнением А.
Виноградовой: «Потомки, разбирая архивные
документы в надежде найти подтверждение или
опровержение разным версиям, не способны,
однако, воссоздать подлинный диалог Моцарта со
Смертью; их обмен репликами был непонятен для
чужих ушей; нам доступны лишь обрывки,
записанные или слышанные кемто. Пусть тайна
останется тайной. Следующим поколениям было
завещано бесценное достояние: оперы и симфонии,
фортепианные и скрипичные концерты, квартеты, сонаты — словом, вся музыка Моцарта и в ней
его душа, обрётшая бессмертие».
Симфония № 40 соль минор
«Достичь небес  это нечто прекрасное и
возвышенное, но и на милой земле несравненно
прекрасна жизнь. Поэтому оставьте нас быть
людьми»  эти слова величайшего композитора В. А.
Моцарта раскрывают его творческое кредо.
Моцартовские симфонии настоящие
инструментальные драмы. От них  прямой путь к
симфониям Бетховена и откровениям композиторов
романтиков. Л. Бернстайн, выдающийся американский композитор и дирижёр ХХ века,
писал: «Музыка Моцарта переступила пределы
своего времени. Она обращена назад  к Баху и
вперёд  к Бетховену, Шопену, Шуберту... Верди и
даже к Вагнеру. Моцарт  это сама музыка; что
бы вы ни пожелали найти в музыке, вы найдёте у
Моцарта... Моцарт... дух милосердия, всеобщей
любви, даже страдания  дух, который не знает
возраста, который принадлежит вечности».
В 1788 г. Моцарт сочиняет три симфонии (№ 39, 40,
41 «Юпитер»). Через три года жизнь его трагически
оборвётся. Этим грандиозным симфоническим
циклом композитор словно венчает своё творчество.
В этих симфониях композитор раскрывает
«неизмеримые богатства человеческой души»,
готовит путь героике Бетховена. Увлечённость и
страстность, с которой Моцарт предавался сочинению, выражена в письме к отцу: «Я всецело
поглощён музыкой, я занимаюсь ею весь день, всё
время размышляю о ней, постоянно разучиваю,
обдумываю её…»
Симфония № 40 занимает особое место в творчестве
композитора. Внутреннее содержание её богато,
сложно и широко развито. Эта музыка затрагивает
самые глубокие человеческие чувства, отражает
драматическое, даже трагическое состояние души.
Симфония как бы опередила своё время. Многим
современникам композитора она казалась странной,
непонятной.
Симфонию № 40 Моцарта можно сравнить с другим
величайшим шедевром  «Джокондой» Леонардо да
Винчи. Читаем о картине Леонардо да Винчи (эти
характеристики приводит в своей книге о Моцарте исследователь его творчества Г. Чичерин), а каждое
слово как будто о музыке Моцарта!
«Этот портрет изображает молодую женщину не то с
улыбкой на губах, не то с какимто особым
выражением лица, похожим на улыбку. Но вовсе не
радость или веселье выражает это лицо: чувствуется
чтото нежное, глубокое и вместе страстное и
чувственное в этом удивительном портрете».
«Матовое лицо выступает из дымки. < ... > Взгляд
коричневых глаз производит двойственное
впечатление. Он и целомудрен, и обольстителен, в
нём светятся истома и ирония, лукавство и
очарованье. На губах играет непостижимая улыбка».
В музыке Моцарта, как и в «Джоконде» Леонардо да
Винчи, загадка мира и внутренней жизни,
неизмеримое богатство человеческой души... Глубина
и непостижимость образа возникает от слияния контрастов в едином, внутренне противоречивом
целом...
Музыка симфонии с первых звуков захватывает
слушателя удивительной искренностью высказывания
автора. У многих людей создаётся при её
прослушивании впечатление, что для понимания этой
музыки не надо прикладывать никакого усилия, что
всё в ней предельно ясно и просто. Но если
прослушать симфонию много раз, вы поймёте, как
много в ней скрыто такого, что не поддаётся
мгновенному осмыслению. В ней всё сосредоточено
на человеке, его личности. Его душа предстаёт перед
нами ищущей гармонию, разумность, ясность. Эта
симфония едва ли не самое трагичное произведение
XVIII века. Автор размышляет в ней о
несовершенстве мира, о невозможности разрешения
жизненных конфликтов. Но самое главное, что делает эту музыку столь
популярной, это простота выражения трагического
её содержания. Здесь нет «сгущения красок». Как
будто сам Моцарт, глядя сверху на эту скорбь, видит
красоту самой жизни, человеческих чувств в их
разнообразии и напряжённости и изливает эти
впечатления в музыке.
В симфонии четыре части.
I. Allegro molto
Первая часть написана в сонатной форме сонатного
allegro.
Главная партия звучит с первых же тактов
произведения. Это несколько грустная, трепетно
нежная музыка. Эта тема очень похожа на речь
взволнованного жалующегося человека. Послушайте
её внимательно, и вы услышите, что герой симфонии, как бы захлёбываясь и вздыхая, жалуется нам на что
то. Эту взволнованность, трепетность и беспокойство
придают музыке нисходящая секунда, повторение
одного звука, учащённый ритм. Мелодию исполняют
скрипки, и это придаёт музыке большую певучесть,
мягкость, теплоту.
Всё, что дальше будет происходить в первой части
симфонии, связано с развитием главной партии.
Противостоит ей только побочная партия, но она
лишь ненадолго уводит из мира главной. Тем более
светло и безоблачно звучит побочная партия. Она
изложена в параллельной к соль минору тональности
 сибемоль мажоре. Лукавая, несколько
танцевального склада, эта тема звучит мягко и
изящно.
Кажется, что герой достиг своей цели и погрузился в
мир отрешения от острых коллизий, мир душевного покоя. Но это лишь миг. Покой рассеивается, и вновь
главенствует образ главной партии.
В разработке развивается исключительно только
основная тема. Напряжение всё более усиливается,
нарастает драматизм. Тема предстаёт то мрачной, то
исступлённогорестной, то проникнутой безысходной
скорбью. Постепенно она приобретает энергичный
характер. Вместо задушевной вокальной «жалобы»
появляется грозное и решительное звучание главной
партии. Кажется, что весь оркестр приходит в
движение.
После напряжённых изменений главной партии в
разработке её полное проведение в репризе похоже
на попытку героя вновь обрести душевные силы. Но
восстановить утраченную целостность чувств не
удаётся. Безутешны страдания. И даже побочная
партия в репризе меняет свой характер. Она теряет свою светлую окраску, а вместе с ней задорный,
лукавый оттенок. Минор окрашивает её в грустные,
печальные тона. Так исчезает единственный
солнечный «островок».
Всем своим образным строем реприза уже
предвещает, чем закончится развитие всего
симфонического цикла. Тщетны порывы к гармонии.
Можно трактовать 1ю часть симфонии поразному: с
одной стороны, она по своему интонационному и
образному строю выделяется среди других частей
сонатносимфонического цикла, составляет его
«точку отсчёта» (явное присутствие двух начал:
мужского  главная партия и женского  побочная; их
сопоставление и взаимодополнение); с другой
стороны, сравнение лирикодраматических образов 1
й части с образами финала даёт возможность подчеркнуть драматичность, стремительность
движения, порывистость, мятежность последней
части. Если 1я часть сродни внутреннему монологу
героя симфонии, то финал ближе к объективному
повествованию, открытому для других. Именно
исключительность музыки 1й части Симфонии № 40
сделала её любимой и узнаваемой несколькими
поколениями слушателей, дала повод современным
музыкантам обращаться к её разнообразным
интерпретациям.
II. Andante
Вторая часть  Анданте (неторопливо). Как после
бури наступает затишье, так после взволнованно
прозвучавшей первой части следует светлая,
умиротворённая, напевноласковая музыка Анданте. Неторопливо, с некоторой величавостью струнные
инструменты исполняют основную тему.
Характерные для Моцарта восходящие задержания
(«запаздывания» очередного звука мелодии) придают
ей мягкость и изящество.
Этому же способствует и короткая мелодическая
фигурка из тридцать вторых, которая пронизывает
собою музыку всей части.
Во второй части симфонии отсутствуют резкие
контрасты тем. Все голоса оркестра поют, и пение
это как бы излучает мягкий тёплый солнечный свет.
III. Menuetto Allegretto
Третья часть  оживлённый менуэт. Следуя
установившейся традиции, Моцарт пишет в качестве
третьей части менуэт, контрастирующий со второй частью. Общий замысел симфонии заставляет
композитора наделить его чертами, мало
свойственными этому танцу. Ещё более чем в сонате,
волевой и энергичный, менуэт резко отличается от
произведений подобного рода.
И лишь в средней части танца  в трио  Моцарт
возвращает менуэту его характерные черты. Проходя
поочерёдно у струнных и деревянных духовых
инструментов, тема трио звучит мягко и светло, в
соль мажоре. Изящные окончания фраз вызывают
представление о галантных поклонах танцующих,
присущих придворному менуэту того времени.
Третья часть менуэта представляет собой точное
повторение первой (da саро).
Так в третьей части симфонии с новой силой
проявляется серьёзность и глубина её общего
замысла. IV. Allegro assai
Четвёртая часть  финал. Чувства и настроения,
выраженные в финале, роднят его с музыкой первой
части: та же взволнованность главной и светлая
грациозность побочной партии (финал написан в
форме сонатного allegro).
А некоторые разделы финала (заключительная
партия, начало разработки) имеют даже
мелодическое сходство с первой частью.
Но это не только возврат к основным настроениям
первой части. Финал  итог развития всей симфонии.
Значительнее становится различие между главной и
побочной темами, резче контраст внутри самой
главной партии. А развитие основной темы в
разработке бурное, порывистое и возбуждённое, достигает огромной напряжённости. Это
кульминация произведения, то есть высшая по
напряжённости точка всего цикла.
Вот эта взаимосвязь чувств и настроений всех частей,
их постепенное и неуклонное развитие существенно
отличают симфонию Моцарта от симфоний Гайдна,
где цикл основан на выразительном контрасте частей.
Вопросы и задания:
1.
В каком году и где была написана симфония соль
минор?
2. Дайте характеристику основных тем первой
части симфонии, опишите их оркестровое звучание.
3. Какой характер свойствен музыке второй части?
Расскажите о третьей части симфонии (менуэте)
4.
и финале. 5. Какие черты отличают симфонию Моцарта от
симфонии «С тремоло литавр» Гайдна?
Можно предложить учащимся высказаться о
музыке каждой из четырёх частей симфонии от
имени разных реальных лиц (методика А.
Пиличяускаса): 1я часть  композитор о себе,
жизни и окружающих его людях; 2я часть
Констанца, жена Моцарта; 3я часть
композитор Й. Гайдн, старший современник
Моцарта, высоко ценивший его талант; 4я часть
Леопольд Моцарт, отец композитора, музыкант,
педагог. Вслед за этой своеобразной «ролевой
игрой» необходимо более детально обсудить
музыкальные особенности тем симфонии, приёмы
их развития, сопоставление различных образных
сфер в сонатносимфоническом цикле. Пётр Ильич Чайковский. Биография и краткий
обзор творчества
Творчество Чайковского  вершина мировой
музыкальной культуры XIX века  вечно живой и
драгоценный родник, из которого не перестают
черпать мудрость и вдохновение композиторы XX –
XXl веков.
Имя П. И. Чайковского дорого любителям музыки
всего мира. Несколько лет тому назад ЮНЕСКО
проводило статистические исследования, и они
показали, что Чайковский самый исполняемый в
мире композитор. Его музыка близка и понятна
людям разных стран, национальностей,
вероисповеданий. Очень точно о значении творчества П.И. Чайковского
сказал известный американский дирижёр Леопольд
Стоковский: «Чайковский и музыка  это два
нераздельных понятия. До тех пор, пока на нашей
планете будут звучать гениальные аккорды, люди
будут преклоняться перед его гением. Боюсь, что у
меня не хватит слов, чтобы по достоинству оценить
его влияние. Он для меня все».
Пётр Ильич Чайковский родился 25 апреля 1840 года
в городе Воткинске на Урале.
Отец будущего композитора был горным инженером,
управляющим Воткинскими заводами. Мать была
дочерью обрусевшего француза. Второй сын в семье,
Пётр Ильич имел ещё двух сестёр и четырёх братьев.
Мальчик рос в атмосфере родительской любви. Его
воспитание было поручено француженке
гувернантке Фанни Дюрбах. Что из детских впечатлений следует особо отметить?
Конечно, близость природы, пробуждение интереса к
музыке, фольклору, поэзии, обучение игре на
фортепиано, начавшееся около пяти лет.
Представьте, если музыка звучит во всём: в шелесте
листьев, перезвоне часов в гостиной, в стихах
Пушкина и Шекспира, если можно сидеть за
инструментом и играть по памяти иногда лишь раз
услышанные мелодии, если голова полна новыми
мелодиями, если вся жизнь в музыке,  можно ли её
оставить, заставить себя делить с музыкой другие
занятия! И мальчик попробовал.
Из Воткинска в десять лет мама отвезла его в
Петербургское Училище правоведения, которое
готовило чиновников для департамента юстиции.
Будущие правоведы получали хорошее образование,
в том числе и музыкальное. Музыка все больше заполняла его жизнь. Он стал петь в хоре училища
правоведения  сначала дискантом, а затем альтом;
брал уроки музыки у итальянца Пиччиоли; слушал
оперы и концерты с друзьямиправоведами.
Огромное впечатление произвела на Чайковского
опера Моцарта «Дон Жуан» в исполнении
итальянской труппы в Петербурге. Во время
пребывания в училище в 18551858 годах Чайковский
занимался у пианиста Рудольфа Кюндингера.
Учитель сразу заметил выдающиеся способности
воспитанника. А затем брал уроки музыки у брата
Кюндингера  Августа. Самое сокровенное он
поверяет сестре: «В прошлом году, как тебе
известно, я очень много занимался теорией музыки и
теперь решительно убедился, что рано или поздно я
променяю службу на музыку». Осенью 1859 года Пётр Ильич поступает в
открывшиеся музыкальные классы при Русском
музыкальном обществе. В 1862 году эти классы были
преобразованы в первую в России консерваторию, и
Чайковский стал ее студентом. Его любимым
учителем был Антон Григорьевич Рубинштейн. И чем
больше ему учитель давал заданий, тем тщательней
исполнял Чайковский всё заданное. Среди его
ученических работ выделяется симфоническая
увертюра на сюжет драмы Островского «Гроза».
К выпускному экзамену он написал Кантату на текст
оды Шиллера «К радости». Она с успехом была
исполнена под управлением его учителя А.
Рубинштейна.
В сентябре 1866 года в Москве была открыта
консерватория. Её создатель Николай
Рубинштейн пригласил Чайковского на должность одного из первых её профессоров. Так началась его
самостоятельная жизнь на новом поприще музыканта.
Несмотря на большую занятость в консерватории,
Чайковский много пишет. Лучшими его
произведениями в этот период надо назвать
увертюруфантазию «Ромео и Джульетта» и оперу
«Воевода».
С оперой «Воевода» связано одно из интересных
событий его жизни  содружество с драматургом
Александром Николаевичем Островским. Они
познакомились в Артистическом кружке. В кружок
входила лучшая московская интеллигенция. Это
сблизило Чайковского со многими выдающимися
деятелями русской культуры. Жизнь композитора в
Москве была насыщенной.
А летом он уезжал на юг  на Украину, в имение
Каменка, на Черкащине, где жила его сестра, вышедшая замуж за сына декабриста Давыдова.
Каменка обладала для него особой притягательной
силой. Ведь это имение было местом, где за сорок
лет до этого собирались декабристы, члены «Южного
общества». Хозяйка имения Давыдова часто
рассказывала о нём.
В Каменке на лоне прекрасной природы, в окружении
милых сердцу людей, Пётр Ильич всегда чувствовал
прилив творческих сил. Поэтому так много
произведений он создал именно здесь: фортепианный
цикл «Времена года», «Детский альбом», Натавальс,
отдельные части Первой, Второй и Третьей
Симфоний, части опер «Воевода», «Опричник».
В конце 60х годов Чайковский уже был известным
композитором, чьи произведения с успехом
исполнялись в России, а в середине 70х годов
творчество композитора достигает небывалого расцвета. Поражает частота появления крупных
произведений. Это было возможно благодаря
совершенно особому его отношению к
композиторскому труду.
Об этом он говорил так: «Моя система работы чисто
ремесленная, то есть абсолютно регулярная, всегда в
одни и те же часы, без всякого к самому себе
послабления. Музыкальные мысли зарождаются во
мне, как только, отвлёкшись от чуждых моему труду
соображений и забот, я принимаюсь за работу». Так,
на протяжении всего двух лет созданы такие
шедевры: опера «Евгений Онегин», Четвёртая
симфония, балет «Лебединое озеро», Первый
концерт для фортепиано с оркестром, Концерт для
скрипки с оркестром.
В 1877 году Чайковский пережил тяжёлый кризис.
Дело в том, что во время его работы над оперой «Евгений Онегин» композитор стал получать письма
от одной из выпускниц консерватории. Она казалась
искренней в своём чувстве к нему. Чемто
напоминала ему пушкинскую Татьяну. Не
раздумывая, Пётр Ильич пошёл навстречу этому
чувству. Вскоре состоялась свадьба. Но прошло
немного времени, и Чайковский понял свою ошибку.
Это повергло его в отчаяние. Тяжело пережив это
потрясение, осенью 1877 года с сильным нервным
расстройством уехал за границу.
Благо, что нашёлся друг, который взял на себя все
материальные расходы, дал композитору
возможность сменить обстановку и возродиться для
творчества. Этим другом оказалась Надежда
Филаретовна фон Мекк. Она была вдовой
крупнейшего железнодорожного магната,
наследницей миллионного состояния. Страстно любя музыку, она немалые суммы тратила
на помощь музыкантам. Познакомившись с музыкой
Чайковского, она стала не только его поклонницей,
она была его «добрым гением», материальной и
психологической поддержкой. Их дружба
продолжалась до 1890 года. Но самое интересное то,
что они никогда не видели друг друга. Зато самые
сокровенные мысли они поверяли переписке,
продолжающейся четырнадцать лет. Свою Четвёртую
симфонию, написанную в сложном 1877 году, Пётр
Ильич посвятил Надежде Филаретовне фон Мекк
«Моему лучшему другу», написал он на титульном
листе. В письме к Надежде Филаретовне он
сформулировал основную идею этого произведения:
«Если ты в самом себе не находишь мотивов для
радости, смотри на других людей. Ступай в народ». Следующие семь лет жизни композитора часто
называют «годами странствий», это поездки за
границу и возвращение в Москву. А между ними
новые сочинения: оперы «Орлеанская дева» и
«Мазепа», три оркестровые сюиты, пьесы для
фортепиано, второй фортепианный концерт,
увертюра «1812 год», кантата «Москва».
Потрясённый смертью Николая Рубинштейна,
которого он любил и ценил, Чайковский посвятил
ему трио «Памяти великого художника».
1885 год начинает последний период творчества
композитора. В этом году его избирают Директором
Московского отделения Русского музыкального
общества. Много сил и энергии он тратит на
пропаганду музыки русских композиторов.
Чайковский гастролирует в городах России и за

description:
3. Какую дату мы считаем началом мировой славы
Стравинского?
4. Назовите имя русского театрального деятеля, с
которым связано создание ранних балетов
композитора.
5. Лидером какого направления в искусстве
Стравинский стал в 2030е годы?
6. Когда Стравинский в последний раз посетил
Россию?
Ноктюрны Шопена

description:
спокойному финалу. Ноктюрн заканчивается
чудесным дуэтомразговором 2х голосов.
О ноктюрне Мибемоль мажор, Op. 9 № 2 известно,
что его начало Шопен написал на листе письма к
Марии Водзиньской, своей возлюбленной. Этот
ноктюрн всегда очень нравился публике. Его сонное
течение, спокойные аккорды в партии левой руки,
полная лиризма, неги и романтической чувственности
мелодия завораживают,  околдовывают сердце.
Композитор и сам любил это произведение и часто
исполнял его на концертах или просто играл
ученикам, каждый раз находя удовольствие в том,
чтобы менять орнаментику.
Мазурки Шопена

description:
свет воспоминаний озаряют их,  быть может, это
прощальный привет Родине...
Время шло, болезнь не отступала. По просьбе
Шопена в Париж приехала его сестра Людвика с
дочерью. Это было большой радостью для
композитора, теряющего силы. «Играю всё меньше и
меньше. Писать ничего не могу... Я еле могу
вспомнить, как поют на Родине...»
Вопросы:
1. Каковы отличительные черты польского
народного танца мазурки?
2. Назовите польские танцы, использованные в
мазурках Ф. Шопена.
3. Сколько мазурок сочинил Ф. Шопен, и какие
основные группы можно выделить среди них?

description:
4.
Расскажите о характере музыки и построении
мазурок Шопена до мажор, сибемоль мажор и ля
минор.
Бетховен. «Патетическая соната» № 8 до минор
Бетховен был гениальным пианистомвиртуозом.
Поэтому область фортепианной музыки была для
него той родной стихией, в которой он чувствовал
себя властителем. Если в области симфонии он

description:
названием песни «Эта ночь» значится: «Музыка Л.
ван Бетховена, слова Б. Джоэла».
Вопросы и задания:
1. Когда была написана «Патетическая соната»?
Что означает это название?
2. Каково строение первой части сонаты? Дайте
характеристику её тем.
3. Какой характер имеет основная тема Adagio и в
чём особенность её звучания? Расскажите о
строении этой части.
4. Охарактеризуйте форму финала. Какой теме из
первой части родственна основная тема финала?
Моцарт. Жизнь и мастерство гения

description:
сонаты — словом, вся музыка Моцарта и в ней
его душа, обрётшая бессмертие».
Симфония № 40 соль минор
«Достичь небес  это нечто прекрасное и
возвышенное, но и на милой земле несравненно
прекрасна жизнь. Поэтому оставьте нас быть
людьми»  эти слова величайшего композитора В. А.
Моцарта раскрывают его творческое кредо.
Моцартовские симфонии настоящие
инструментальные драмы. От них  прямой путь к
симфониям Бетховена и откровениям композиторов
романтиков. Л. Бернстайн, выдающийся

description:
достигает огромной напряжённости. Это
кульминация произведения, то есть высшая по
напряжённости точка всего цикла.
Вот эта взаимосвязь чувств и настроений всех частей,
их постепенное и неуклонное развитие существенно
отличают симфонию Моцарта от симфоний Гайдна,
где цикл основан на выразительном контрасте частей.
Вопросы и задания:
1.
В каком году и где была написана симфония соль
минор?
2. Дайте характеристику основных тем первой
части симфонии, опишите их оркестровое звучание.
3. Какой характер свойствен музыке второй части?
Расскажите о третьей части симфонии (менуэте)
4.
и финале.

description:
Пётр Ильич Чайковский. Биография и краткий
обзор творчества
Творчество Чайковского  вершина мировой
музыкальной культуры XIX века  вечно живой и
драгоценный родник, из которого не перестают
черпать мудрость и вдохновение композиторы XX –
XXl веков.
Имя П. И. Чайковского дорого любителям музыки
всего мира. Несколько лет тому назад ЮНЕСКО
проводило статистические исследования, и они
показали, что Чайковский самый исполняемый в
мире композитор. Его музыка близка и понятна
людям разных стран, национальностей,
вероисповеданий.

intro: «Петрушка» - второй из ряда удивительных балетов, которые Стравинский написал для балетной компании Дягилева, в его премьере, состоявшейся в Париже в 1911 году, участвовал знаменитый танцор Вацлав Нижинский. Это произведение более зрелое по сравнению с «Жар-птицей» - музыка более дерзкая в своей самобытности и пронизана цитатами из русских песен и танцев. Этот новый реализм распространяется  на характер Петрушки – традиционной куклы-перчатки, наполненной человеческими чувствами и переживающей серьёзную романтическую драму. Такой психологический аспект был весьма нов для танцевального мира.

музыка

group: Дисциплины

title: Урок: Балет "Петрушка"


extracted_text:
Фредерик Шопен. Повороты судьбы…
Шопен – величайший пианист и композитор,
родившийся в Варшаве и покоривший Париж
своими великолепными сочинениями –
мазурками, полонезами, фортепианными
концертами и этюдами, искрящимися
виртуозным блеском...
Колоссальное влияние на  Фредерика
Шопенаоказала его любимая Польша. Именно в
родной стране он черпал силы и вдохновение,
выражая в музыке голос своих соотечественников.
Несмотря на то, что большую часть сознательной
жизни Шопен провёл в Париже, любовь к музыке
зародилась в юноше на его родной земле. В его
произведениях неизменно слышится танцевальные
ритмы мазурки, разнообразные интонации фольклорной музыки. В балладах и полонезах
композитор рассказывает о своей стране, о
красотах ее пейзажей и ее трагическом прошлом.
Шопен был известен как блестящий пианист
виртуоз, он имел грандиозный успех в Вене и
Париже, однако нигде не забывал о любимой
Варшаве. Драматические, а нередко и трагические
образы, которыми проникнуты его произведения,
были неизменно связаны и с его личной непростой
судьбой, и с теми событиями, которые переживала
Польша.
Связь с Родиной
Судьба распорядилась так, что отец Шопена –
француз по национальности – когдато
перебрался в Польшу и обосновался там, а сам
композитор почти всю свою жизнь провёл в
Париже. Когда в 1735 году  бывший король Польши
Станислав I стал герцогом Лотарингии, часть
поляков последовала за ним на эту землю. Николя
Шопен родился в 1771 году в деревне Маранвилль,
принадлежавшей польскому дворянину,
последовавшему за своим королём. Николя
прекрасно владел польским языком и, когда ему
исполнилось шестнадцать лет, приехал в Варшаву.
Обретя новую родину, во Францию он больше не
возвращался. Николя Шопен, отец
Фредерика Шопена. Реконструкция портрета кисти
А. Мирошевского (1829 г.), выполненная Я.
Замойским (1959 г.)Новый дом
Николя понравилась особая атмосфера и дух
польской столицы. Используя свой природный
талант, он сумел устроиться на табачную фабрику.
Французская революция была в самом разгаре,
однако молодой человек предпочитал воинской службе стабильную работу. Тем не менее, в 1794
году он принял участие в национально
освободительном движении Тадеуша Костюшко за
независимость Польши. После поражения армии
Костюшко Николя даже думал о том, чтобы
вернуться во Францию, но ему помешала болезнь.
Между тем, знание языков помогало зарабатывать
на жизнь, и, несмотря на вторичную попытку
уехать на Родину, возвращения так и произошло.
Николя смирился с ситуацией и постепенно
разорвал связи с Францией.
Семья Юстына Шопен, мать
Фредерика Шопена. Реконструкция портрета кисти
А. Мирошевского (1829 г.), выполненная Я.
Замойским (1959 г.)В 1802 году Николя Шопен
был приглашён в качестве воспитателя к детям
графа Скарбека и в его имении познакомился с
Юстыной Кжижановской. Они поженились в 1806
году. В браке у них родилось четверо детей. Фредерик
Шопен – был вторым по старшинству ребёнком.
Интеллигентность и чуткость родителей
благотворно сказывались на развитии одарённого
малыша. Своей матери Фредерик обязан первыми
музыкальными впечатлениями, привитой с детских
лет любовью к народным мелодиям.
Музыка звучала в этом доме постоянно: отец играл
на скрипке и флейте, а мама немного играла на
фортепиано и пела. Сначала родители подумали,
что мальчик не любит музыку, потому что, когда
мама начинала играть, ребёнок начинал
волноваться и плакать. Но оказалось, что причина
этого  влечение к музыке. К пяти годам он уже
умел неплохо играть на фортепиано.
Серьёзно учить его стал известнейший польский
музыкант той поры Войцех Живный. В семь лет состоялся первый концерт мальчика, имевший
большой успех. Тогда же было издано первое
композиторское произведение Шопена
фортепианный Полонез. По этому поводу
варшавская газета писала, что сын профессора
французского языка – «подлинный гений».
Успехи мальчика были так велики, что когда ему
исполнилось 12 лет, Живный сам отказался с ним
заниматься. Он сказал, что ничего уже не сможет
дать своему выдающемуся ученику. Больше
учителей фортепианной игры у Шопена не было.
Всё чего он достиг – результат самостоятельного
труда внутреннего развития и роста.
Рассказывают, что... ...когда Ф. Шопен, будучи
ещё ребёнком, должен был впервые участвовать в
публичном концерте, его долго и тщательно одевали, давали советы, как себя вести, чтобы не
нарушить торжественной обстановки. После
концерта, когда мальчика стали расспрашивать,
что больше всего поправилось публике, он с
гордостью ответил: «Мой белый воротничок!»
Отец Шопена, ставший преподавателем
французского языка в лицее, стремился дать
ребёнку классическое образование – латынь,
греческий, математика и только потом музыка. В
13 лет Шопен поступил в Варшавский лицей.
Польша к тому времени была поделена между
Россией, Пруссией и Австрией. Фредерик Шопен в юном
возрастеЛетнее увлечение
Шопен был общительным мальчиком и легко
находил новых друзей, даже среди молодых
аристократов, которые учились у его отца. Жарким
летом 1824 года Шопен с сестрой Эмилией
проводили каникулы у друзей в Шафарне. Там они
и составили рукописный журнал под названием
«Курьер шафарнский», где и отразилось увлечение Шопена народной музыкой и крестьянскими
танцами (вдохновлённый лёгкими мелодиями, он
сам научился танцевать мазурку). Некоторые
заметки впоследствии стали фортепианными
миниатюрами.
В 1826 году Шопен поступил в Варшавскую
консерваторию. В 1828 году он посетил Берлин
вместе с другом отца – профессором,
отправлявшимся туда на конгресс. В этом городе
Шопен получил незабываемые впечатления,
посещая музеи, театры и встречаясь с известными
людьми своего времени.
Время перемен
В 1829 году в Варшаве состоялась коронация
русского императора Николая I, который был объявлен польским королём. Это событие не могло
не привести к гражданским волнениям.
К слову, Шопена в данный момент занимало
совсем иное: Варшаву посетил легендарный
скрипачвиртуоз – Паганини. Отец считал, что для
полного расцвета таланта Шопену необходимо
поехать за границу, и в 1830 году молодой человек
прибыл в Вену. Он дал здесь два концерта, в
которых выступил и как автор. Оба концерта
прошли с огромным успехом. Венские
музыкальные критики писали о нем как о гении.
Вырученных денег могло хватить на некоторое
время проживания за границей.
Можно было отправляться в путешествие, но
Шопен откладывал поездку со дня на день.
Политическая обстановка в Польше обострялась все больше: польские патриоты готовили восстание
против русского царизма.
Наконец, день отъезда был назначен.
Вдали от родины
2 ноября 1830 года Шопен выехал в Париж.
Накануне друзья устроили прощальный вечер и
вручили ему серебряный кубок с польской землёй.
Принимая его, Шопен сказал слова, оказавшиеся
пророческими: «Я убеждён, что покидаю Варшаву
и никогда в неё больше не вернусь, и что я говорю
вечное «прощай» моей родине». Словам этим
суждено было сбыться.
Спустя две недели после его отъезда в Варшаве
началось восстание. Узнав об этом, Шопен хотел
уехать домой. Но друзья убедили его, что он
должен служить родине своим искусством, которое при сложившейся в Польше обстановке
было бы обречено на гибель. Ему оставалось
только тревожиться за участь своих родных, за
исход восстания издали.
Фредерик Шопен. Портрет
неизвестного художника (1831 г.)Попытка поляков
добиться победы не увенчалась успехом. Польша
стала частью Российской империи, на неё даже распространялись действовавшие по всей России
монетная система, системы мер и весов. Только в
1918 году Польша восстановила свою
независимость.
Успех в Париже
Поражение восстания навсегда отрезало Шопену
путь на родину. Осенью 1831 года, будучи 21
летним, он приехал в Париж, где оставался до
конца своей жизни.
Именно здесь он завоевал репутацию
замечательного пианиста и композитора. В салонах
французской и польской аристократии слава
Шопена росла чрезвычайно быстро, знатные
вельможи с удовольствием слушали его игру и
становились преданными поклонниками
композитора. Великолепные миниатюры Шопена – вальсы, мазурки, ноктюрны и этюды как нельзя
лучше подходили для исполнения в таких тесных
кружках, поскольку сам Шопен не любил играть
для большой аудитории.
Прослушав одно из произведений Шопена
Вариации на тему из оперы Моцарта «ДонЖуан»,
 немецкий композитор Р. Шуман писал: «Шапки
долой, господа, перед вами гений!»
Поворот судьбы. 1838 год Жорж Санд (Амандина Аврора
Люсиль Дюпен), французская писательницаВ
Париже Шопен встретил главную любовь своей
жизни – писательницу Аврору Дюдеван, известную
под псевдонимом Жорж Санд.
Его первоначальная настороженность и
предубеждение постепенно переросли в страсть.
Мужское имя в качестве псевдонима, мужские
наряды, сигары, свободные взгляды писательницы шокировали многих. К тому же она была на шесть
лет старше композитора и в разводе с мужем.
Однако её смелость увлекала Шопена.
Это была талантливая писательница,
художественно одарённая натура, обладавшая и
музыкальными способностями. Она сыграла
большую роль в жизни Шопена. Их роман длился
девять лет.
Дом, где поселились Шопен и Жорж Санд, стал
одним из интереснейших салонов. Здесь можно
было встретить Мицкевича, Бальзака, Гейне,
представителей польской аристократии.
В ноябре 1838 года Шопен и Жорж Санд уехали на
Майорку в надежде, что тёплый климат окажет
благотворное влияние на здоровье композитора.
Конец романа Зима, проведённая на Майорке в заброшенном
монастыре в Вальдемоссе, стала испытанием для
их чувств. Болезнь в сочетании с тревогой о судьбе
Польши чуть не убила Шопена, поэтому в 1839
году было принято решение вернуться во Францию.
Летом Шопен и Санд жили в ее поместье в Ноане,
а остальное время проводили в Париже. Девять лет
Жорж Санд самоотверженно ухаживала за
Шопеном, но обязанности сиделки не
способствовали поддержанию пылких чувств.  Их
отношения были бурными и завершились отнюдь не
счастливой развязкой, которую ускорила ссора
композитора с сыном писательницы Морисом. Их
последняя встреча состоялась в начале марта 1848
года. Шопен всегда носил с собой локон ее волос,
который хранился в записной книжке композитора, и он каждый раз перекладывал его из старой
книжки в новую. Эпитафия. Замурованное
сердце Фредерика Шопена. Костёл Святого
Креста, Варшава, ПольшаПоследние годы жизни Однако жизнь композитора все больше омрачала
тоска по родине. Разрыв с Жорж Санд подорвал
его здоровье. Болезнь лёгких, которой он страдал с
юности, обострилась. Последние годы стали
самыми мрачными в его жизни. Средства его
иссякли. Не только потребность в деньгах, но и
безразличие к своей судьбе побудили его
совершить поездку в Лондон, Шотландию.
В конце ноября 1848 года по совету врачей
смертельно больным он вернулся в Париж. Была
вызвана сестра Шопена Людовика. Ей он завещал
свою предсмертную просьбу: «Я знаю, вам не
разрешат перевезти моё тело в Варшаву, отвезите
туда, по крайней мере, моё сердце».
В ночь на 17 октября 1849 года Шопена не стало.
Весь музыкальный мир был ошеломлён его
смертью. В Париже прошли его торжественные похороны, где известнейшие артисты того времени
исполнили Реквием Моцарта. В могилу Шопена
высыпали горсть польской земли из кубка, который
подарили ему друзья при прощании с родиной.
Любовью к Польше пропитан каждый такт музыки
Шопена. Разлучённый на всю жизнь с родиной, он
оставался всегда польским композитором. Вот,
почему как самую дорогую реликвию хранит
сейчас Польша сердце Шопена, которое до
последнего своего удара билось для родной
страны.
Сердце Шопена привезли из Парижа в Варшаву, в
костёл Святого Креста, и оно бережно хранилось
там долгое время. Когда фашисты оккупировали
Польшу, польские патриоты тайно вынесли из
костёла драгоценный сосуд, хранивший эту
реликвию, и спрятали его. Наступил 1945 год. Польша стала свободной. И
снова, в торжественном благоговейном молчании
стояли вокруг старинного костёла граждане
Польши. Сердце их любимого композитора было
возвращено обратно в костёл и замуровано в одной
из его колонн, где бережно хранится и сегодня.
Музыка, которую Шопен писал,  замечательные
торжественные полонезы, быстрые, оживлённые
мазурки и мечтательные баллады,  была
проникнута польским духом. Она вдохновляла
поляков в борьбе за независимость против России,
Пруссии и Австрии. В своих вальсах и
романтических ноктюрнах Шопен мог заставить
рояль заговорить и даже запеть.
Не случайно сегодня каждые пять лет в Варшаве
проводится международный конкурс памяти
великого композитора. На нём соревнуются молодые исполнители музыки Шопена. Победа
считается признанием виртуозной техники
исполнителя.
Международный пианистический конкурс им.
Фридерика Шопена  самый старый и один из
самых авторитетных пианистических конкурсов.
Существует с 1927 года и проводится каждые 5
лет. Причиной единственного перерыва была
Вторая мировая война. Ближайший конкурс
состоится в октябре 2015 года.

Звуки музыки
Вальсы
Вальс является прямым наследником лендлера
(слово «лендлер» переводится как «деревенский танец»), австрийского народного танца.
Вдохновенные вальсы Шопена, разумеется, мало
напоминают слушателю о деревенском грубоватом
веселье. Они  нежны, гармоничны, легки.
Вена всегда была «танцующей столицей», и вальс –
лёгкий и романтичный – в то время пользовался
огромной популярностью. Шопен написал
множество вальсов – сверкающих и искрящихся
жизнью. Руки пианиста порхают по клавиатуре,
исполняя виртуозные дивные секвенции, к которым
музыка возвращается вновь и вновь. Перед
современным слушателем тотчас же возникают
романтические образы элегантных вальсирующих
пар.
В вальсах соч. 64, изданных в 1846 году, Шопен
отказывается от звукового блеска и до мельчайших
подробностей продуманной структуры салонных вальсов. Здесь он возвращается к простой форме,
выдержанной в размере 3/4.
Вальс ребемоль мажор соч. 64 № 1 построен на
повторяющемся спиралеобразном движении
дробных звуков. Возможно, таким образом, Шопен
пытался имитировать любимую игру собачки
Жорж Санд  погоню за собственным хвостом.
Потому его и называют «Собачьим вальсом». Есть
у него и другое название  «Вальс – минутка».
Пианистывиртуозы всего мира стремятся
исполнить его именно за одну минуту (а то и
быстрее).
В Вальсе додиез минор соч. 64 № 2 спокойное
грациозное начало сменяет лиричная средняя
часть, очень близкая по настроению к ноктюрну.
Этот вальс совсем не похож на ранние, искрящиеся
и весёлые вальсы Шопена. Вальсы Шопена не были на самом деле
предназначены для танцев – они описывались,
скорее, как «танцы для души, а не для тела». Эти
произведения являются наиболее характерными
произведениями Шопена и остаются самыми
исполняемыми его творениями. Это «яркие
драгоценные камни в высочайших салонах того
времени».

Ноктюрн лябемоль мажор, соч. 9 № 2
Впервые слово «ноктюрн» как название для
небольшого фортепианного произведения
использовал итальянец Феличе Бланджини. Для
Шопена же источником вдохновения послужили
сочинения ирландского композитора Джона Фильда, которого он называл «Отцом всех
современных ноктюрнов».
О ноктюрне соч. 9 № 2 известно, что его начало
Шопен написал на листе письма к Марии
Водзиньской, своей возлюбленной. Этот ноктюрн
всегда очень нравился публике. Его сонное
течение, спокойные аккорды в партии левой руки,
полная лиризма, неги и романтической
чувственности мелодия завораживают,
околдовывают сердце. Композитор и сам любил
это произведение и часто исполнял его на
концертах или просто играл ученикам, каждый раз
находя удовольствие в том, чтобы менять
орнаментику.
Берсез (Berceus) «Колыбельная» ре
бемоль мажор, соч. 57. Шопен написал колыбельную ребемоль мажор соч.
57 в 1844 году. Опубликованная в мае 1845 года,
она сразу же приобрела необыкновенную
популярность.
На слух колыбельная, кажется, чрезвычайно
простой (и в этой кажущейся простоте
заключается главная ее прелесть), но к
исполнителю это произведение предъявляет
высочайшие требования. Убаюкивая дитя, мать
поёт колыбельную песню, состоящую из повторов
очень короткой и спокойной мелодии.
Berceuse – прекрасный пример более позднего
стиля Шопена. Это определённо мечтательная
музыка, с неизменно повторяющимся
аккомпанементом левой руки, создающим
ощущение покачивания, в то время как правая рука
выводит простую мелодию с рядом вариаций пока, наконец, колыбельная не завершается полным
умиротворением и спокойствием.
Этюд до минор «Революционный», соч. 10 № 12.
В этюдах Шопен предстаёт перед нами великим
новатором. Новым прочтением этого жанра
композитор открыл в фортепианной музыке
целый мир, до того неизвестный...
«Если Вам посчастливится услышать, как
исполняет этюды сам автор, только тогда Вы
сможете их понять. Ищите в них настоящий смысл,
открывайте идею, неповторимую, но глубоко
скрытую. Этот юноша, едва успев взойти на
музыкальном горизонте, уже достиг уровня
великих мастеров, а всем известно, как их
немного». Столь восторженный отзыв, написанный
в ноябре 1833 года критиком парижской газеты «Le Pianiste», объясняет то восхищение, с которым
были приняты сочинённые Шопеном в 18291832
годах двенадцать этюдов соч. 10. Наследник
«божественного Паганини», очаровывавшего
европейских слушателей своей сверхъестественной
игрой, Шопен создал цикл настоящих шедевров.
Негласным прототипом шопеновских этюдов стали
знаменитые каприсы Паганини, до сих пор
считающиеся «лакмусовой бумагой» мастерства
скрипачей. Каприсы Паганини и этюды Шопена и
сегодня часто звучат в концертах, продолжая
пленять слушателя виртуозной стихией,
страстностью, беспредельной фантазией в
раскрытии инструментальных возможностей
скрипки и рояля.
В 1831 году Шопен узнаёт о провале польского
восстания и падении Варшавы. Есть мнение, что под впечатлением от этих известий он создал Этюд
до минор, часто называемый «Революционным».
Мощные низвергающиеся волны пассажей
открывают произведение. Восходящий мотив,
сопровождающий непрерывными раскатами бури,
пронизывает весь этюд. В финале чувствуется
умиротворение, словно шторм стихает, но вдруг,
как резкий порыв ветра, стремительный пассаж
несёт нас к мощным финальным аккордам.
Вопросы:
1. Назовите годы жизни Шопена.
2. Кто был учителем Шопена в Варшаве?
3. Перечислите произведения Шопена,
написанные в Варшаве.
4. Когда Шопен покинул родину? 5.
В каком городе прошли последние годы жизни
композитора?
6. Перечислите имена людей, окружавших
Шопена в Париже.
7. Какая область музыкального искусства была
особенно близка Шопену? Чайковский. Слава и гордость земли русской
«Я желал бы всеми силами души,  чтобы
музыка моя распространялась, чтобы
увеличивалось число людей, любящих ее,
находящих в ней утешение и опору»,  писал
Пётр Ильич Чайковский...
Музыку Чайковского знают все. Во всем мире
восхищаются его операми и симфоническими
произведениями. Его справедливо относят к числу
величайших композиторов мира, а в Москве каждые два года проводится Международный
конкурс, который носит его имя.
Чайковский родился в небольшом городке
Воткинске, где его отец служил инженером на
заводе. По вечерам в доме собирались его
сослуживцы, страстные любители музыки. Отец
играл на флейте, мать пела. Маленький Пётр уже с
пяти лет любил «фантазировать» на рояле.
Впоследствии он говорил, что сочинять стал с тех
пор, как узнал музыку. Звуки музыки преследовали
его повсюду, он их слышал, даже когда было тихо.
Из его детских историй известно, как однажды
вечером гувернантка Фанни Дюрбах застала
мальчика в слезах. «О, эта музыка!.. Избавьте меня
от неё! Она у меня здесь, здесь,  рыдал он,
указывая на голову,  она не даёт мне покоя». Однако после окончания гимназии Чайковский
поступил в училище правоведения и, получив
диплом, стал работать в Министерстве юстиции.
Но правоведа из него не получилось.
Незадолго до окончания училища Чайковский
перенёс тяжёлый удар, оставивший неизгладимый
след в его душе, — от холеры умерла горячо
любимая мать. Эта потеря наложила отпечаток на
все его последующие отношения с женщинами —
он все время искал ту, которая могла бы хоть
отчасти заменить ее. Антон Рубинштейн. Портрет
кисти Ильи Репина (1887 г.) В 1861  году
Чайковский путешествует по Европе. Именно там
у него созрело желание серьёзно заниматься
музыкой. Сразу же по возвращении в Петербург он
становится студентом Консерватории по классу
композиции. Его наставник — знаменитый Антон
Рубинштейн. За три года он окончил весь курс с большой
серебряной медалью, а в 1866 году по
приглашению Николая Рубинштейна, переехал в
Москву, где получил место профессора классов
свободного сочинения, гармонии, теории и
инструментовки в только что основанной
консерватории.
Уже к этому времени появилось несколько его
произведений, которые принесли ему известность.
Музыкальные критики отмечали необыкновенный
талант их автора. После первого исполнения
кантаты на оду Ф. Шиллера «К радости» в 1866
году известный петербургский музыкант и критик
Г. А. Ларош писал Чайковскому: «Вы самый
большой музыкальный талант современной
России». В том же году Чайковский начинает писать свою
Первую симфонию «Зимние грёзы». Премьера ее
состоялась в 1868 году. Успех превзошёл все
ожидания. Кстати, Первую симфонию больше
всего любил и сам Чайковский, считая это своё
произведение ещё незрелым, но гораздо
содержательнее и лучше других, более зрелых. Он
показал себя гениальным последователем Глинки,
развивая заложенные им традиции национального
музыкального стиля и русского симфонизма.
1868 год принёс Чайковскому радость творчества
и горечь разочарования. В этот год Пётр Ильич
впервые услышал известную итальянскую певицу
Дезире Арто, которая приехала в Москву на
итальянский сезон и пела в опере Россини
«Отелло». Она полностью завладела его мыслями.
Он посвящает ей свои новые произведения, в частности Романс для фортепиано. Чайковский
делает Арто предложение руки и сердца, и она его
принимает. Однако друзья композитора были
категорически против этого брака, опасаясь, что
Пётр Ильич перестанет заниматься музыкой,
сопровождая жену во время гастролей. О том, что
эта избалованная вниманием знаменитая певица
останется в России, не могло быть и речи.
Неизвестно, что стало причиной неожиданного
решения Дезире Арто, но она расторгла помолвку
и вышла замуж за испанского певца М. Падильюи
Рамоса. Это известие потрясло Чайковского, и он
ещё больше погрузился в работу.
В 1869 году он создаёт увертюруфантазию «Ромео
и Джульетта». Несмотря на то, что сам композитор
был доволен своим произведением, считая его
лучшим из созданного им до сих пор, после первого же успешного исполнения он всетаки
решил переработать его. Это, кстати, являлось
характерным для его творчества. Он по несколько
раз перерабатывал многие свои произведения,
доводя их до совершенства. Это относится и к
«Зимним грёзам», и к опере «Кузнец Вакула», в
позднейшей редакции названной «Черевички», и ко
всем остальным ранним и поздним произведениям.
Исследователи творчества композитора отмечают,
что произведения Чайковского 70х годов, в
частности «Ромео и Джульетта», а также
симфоническая фантазия «Буря» (по Шекспиру) и
«Франческа да Римини» (по «Божественной
комедии» Данте) наметили ту трагическую линию,
которая выявилась особенно ярко в последние
годы его жизни. Весной 1875 года Чайковский начинает работу над
балетом «Лебединое озеро», премьера которого
состоялась в Большом театре 20 февраля 1877
года. Начиная с «Лебединого озера», Чайковский и
в других своих балетах – «Спящая красавица»,
«Щелкунчик»  будет развивать фантастическую
тему. «Лебединое озеро» критики назвали
«симфонией в балете», так как музыка в нем не
просто дополняла танцы, а развивалась в
соответствии со своей особой драматургией. Обложка первого издания
альбома «Времена года» Как обычно, не успев
закончить одно произведение, Чайковский
принялся за другое. Одновременно с работой над
балетом он начинает писать цикл пьес для
фортепиано «Времена года». Это сочинение
повествует о жизни и смерти  о скорби,
страданиях, неизбежности утрат и непреходящем течении времени. Но в нем всетаки звучит и
жизнеутверждающее начало. Эти мотивы в
творчестве Чайковского возникают не случайно.
Они характерны и для его более поздних
произведений.
Работа в консерватории начинает тяготить его,
прежде всего тем, что отбирает «самое
драгоценное в жизни»  время для собственного
творчества. Хотя композитор всегда был готов
оказать любую помощь и поддержку молодым
талантам, для себя он хотел свободы, чтобы безо
всяких помех отдаваться творчеству. За эти годы
создано немало талантливых произведений, но
работать урывками ему надоело. Надо было
уходить из консерватории, но в таком случае он
оставался без средств к существованию.
Чайковский не может найти выход из создавшейся ситуации и все больше испытывает чувство
неудовлетворённости. Он пишет друзьям: «Мне
кажется, что я ... начинаю повторять себя ...
Неужели моя песенка спета и дальше я не
пойду?..» Если раньше критические рецензии мало
его задевали, то теперь он болезненно
воспринимает любые критические замечания.
Пытаясь преодолеть душевный кризис, Чайковский
решает изменить свою жизнь и неожиданно для
всех женится на Антонине Ивановне Милюковой,
совершенно чужой ему женщине и по характеру, и
по духу. Этот необдуманный поступок едва не
закончился трагедией. Вскоре после женитьбы в
сентябре 1877 года Чайковский в состоянии
«близком к безумию» уезжает с братом за границу.
А уже в начале 1878 года он пишет: «Я покоен,
здоров, счастлив...» И всетаки, несмотря на душевный кризис, 1877
год стал для Чайковского очень плодотворным. В
этот год он создал два больших сочинения:
Четвертую симфонию и оперу «Евгений Онегин»,
которые ознаменовали расцвет его творчества и
сыграли решающую роль в последующем развитии
русской оперы и симфонии.
В 1878 году, наконец, разрешилась и другая
проблема. После 12 лет преподавательской работы
Чайковский уходит из консерватории. Это решение
композитор принял по настоянию фон Мекк,
своего «лучшего друга», как он всегда называл ее.
Их необычную дружбу называют «романом в
письмах». Они ни разу не встретились и общались
только в письмах. Надежда Филаретовна фон
Мекк, вдова инженера путей сообщения, который
оставил жене миллионное состояние, была страстной любительницей музыки и большой
поклонницей творчества Чайковского. Она также
оказывала поддержку Московской консерватории
и Русскому музыкальному обществу.
В своих письмах к фон Мекк Чайковский делился
всем самым сокровенным, рассказывал ей о себе,
размышлял о творчестве, обо всем, что его
волновало. Дружеское участие Н. Ф. фон Мекк в
судьбе композитора изменило его материальное
положение и обеспечило желанную независимость
и свободу.
Теперь Чайковский только сочиняет музыку, много
путешествует, подолгу живёт за рубежом  в
Швейцарии, Италии, в Париже, других городах
Западной Европы. Его творческие интересы
становятся шире и разнообразнее, о чем говорят
большинство крупных сочинений: оперы «Орлеанская дева» (1879), «Мазепа» (1883),
«Чародейка» (1887), программная симфония
«Манфред» (по Байрону, 1885), Пятая симфония
(1888). Эти «годы странствий» стали для него
периодом «накопления новых и новых творческих
сил, художественного мастерства и мудрости».
Имя Чайковского становится известно во всем
мире, его произведения исполняются в Европе и
Америке, иногда даже раньше, чем в России.
С середины 80х годов он все чаще приезжает в
Москву и подолгу живёт в ее окрестностях.
Композитор покупает небольшой дом в Клину. Там
и написаны его лучшие произведения последних
лет  Пятая и Шестая симфонии, оперы «Пиковая
дама», «Чародейка», балеты «Спящая красавица»
и «Щелкунчик». На склоне лет Чайковский, преодолев свою
мучительную застенчивость, встал за дирижёрский
пульт. В 1891 году он с огромным успехом
выступал в США. В 1893 г. в Англии, в
Кембриджском университете, ему было присвоена
степень почётного доктора Кембриджского
Университета.
В последний период жизни (1887  1893)
композитор создал наиболее трагические
произведения  оперу «Пиковая дама» (1890) и
Шестую симфонию (1893), а наряду с ними
полные тепла и солнечного света балет «Спящая
красавица» (1889) и оперу «Иоланта» (1891). Пётр Ильич Чайковский.
Портрет кисти Николая Дмитриевича Кузнецова
(1893 г.) В октябре 1893 года в Петербурге
состоялась премьера Шестой симфонии. А через
девять дней, 25 октября 1893 года, Чайковский
скончался. Ему было 53 года. Скоропостижная
смерть композитора вызвала в обществе толки, что
будто бы он покончил жизнь самоубийством. Но ясных доказательств тому нет никаких. В
Петербурге в это время была эпидемия холеры, и,
по всей вероятности, Чайковский умер именно от
неё (об этом свидетельствовали и его лечащие
врачи). Во всяком случае, хоронили его по
православному обряду, что было бы невозможно,
если бы версия о самоубийстве подтвердилась.
Более того, Чайковского отпевали в Казанском
соборе — первый случай, когда в этом соборе
служили панихиду по человеку не дворянского
сословия.
На похоронах великого композитора
присутствовало более шестидесяти тысяч человек.
Чайковский оставил после себя огромное
музыкальное наследие, которое стало частью
мировой культуры. Композитор создал
произведения почти во всех музыкальных жанрах; кроме того, писал музыкальнокритические статьи,
учебники, в частности, написал первый русский
учебник «Руководство к практическому изучению
гармонии», дневники, почти 5 тысяч писем.
В 1940  1974 гг. в издательстве «Музыка» вышло
Полное собрание сочинений композитора из 62
томов музыкальных произведений, а в 1953  1981
гг.  17 томов его литературных произведений и
переписки.
Очень многое из того, что сделал П. И.
Чайковский, можно определить словом «впервые».
Он создал новый симфонический жанр
трагическую симфонию, новый для русской оперы
жанр  лирикопсихологическую драму, новый в
русской музыке классический балет, который
впоследствии оказал сильное влияние на развитие
мирового балета. Звуки музыки

Первый фортепианный концерт сибемоль
минор, соч. 23
Это произведение Чайковского не сразу было
понято современниками, но впоследствии
прославило своего автора.
Первый фортепианный концерт Чайковского стал
действительно первым  первым образцом
национальной классики в концертном жанре. Уже
были созданы концерты Рубинштейна
талантливые, блестящие. Но это ещё не было в
полной мере русской классикой.
Появление концерта воодушевило многих
любителей музыки в России. «Поздравляю с первым русским фортепианным концертом,
написал его Пётр Ильич», писал весною 1875 года
С. И. Танеев.
В этом произведении Чайковский использовал
малороссийские народные мотивы. В первой части
это  напев украинских слепцовлирников, в
финале  песня «Выйди, выйди, Иваньку».
Впрочем, не все сразу приняли и поняли
замечательное своеобразие этого подарка русской
музыке. Знаменитый пианист Николай
Рубинштейн, которому был посвящён Первый
концерт, встретил его в штыки: «Концерт никуда
не годится...». Кроме того, он считал, что его
почти невозможно исполнить (через несколько лет
почти та же история повторится со Скрипичным
концертом). В ответ Чайковский вспылил: «Я не
изменю ни единой ноты», и снял посвящение Рубинштейну. Впоследствии концерт вы ходил с
посвящением Гансу фон Бюлову, который и
исполнил его впервые.
Вскоре Первый фортепианный концерт стал одним
из самых известных и репертуарных произведений
П. И. Чайковского. А в качестве одного из его
блестящих исполнителей прославился... Николай
Рубинштейн, некогда столь безапелляционно
отвергший его.

Полонез из оперы «Евгений Онегин»
Чайковский часто черпал вдохновение в народной
и танцевальной музыке. Танцу находится место
не только в балетах, но и в «Евгении Онегине», а
также во многих инструментальных
произведениях композитора... Характерной чертой творчества Чайковского в
целом является широкое использование народной
мелодики и танцевальных форм. Это касается не
только знаменитых балетов композитора, где
наличие соответствующих элементов диктуется
законами жанра, но также симфоний и других
произведений. Удивительно органично, например,
звучит полонез в опере «Евгений Онегин».
 Полонезом открывается третий акт оперы. Своею
беззаботностью он контрастирует с драматизмом
разворачивающихся на глазах у зрителей событий:
Онегин вернулся из путешествия и, попав в дом
своего старинного приятеля Гремина, встретился
там с Татьяной, его женою. Надо думать, вы
помните, какая буря чувств охватила Евгения при
этой встрече, как был он поражён переменой,
произошедшей в Татьяне. Энергичная, полная жизни танцевальная музыка
подчёркивает одиночество героя, обречённого на
страдание.

Серенада для струнного оркестра, соч. 48. Вальс
Это одно из самых бесконечно очаровательных и
популярных произведений Чайковского. Даже сам
композитор признавал его одним из своих
любимых, отмечая, что чем больше оркестр, тем
лучше звучание произведения. Несмотря на то, что
он был великолепным мастером оркестровки,
всегда знающим, какие инструменты использовать
для достижения максимального эффекта, в
Серенаде слышно, что его природная
изобретательность и воображение были способны произвести на свет богатую палитру звучания,
задействовав только одни струнные.
На первом исполнении в 1880 году Вальс вызвал
столько аплодисментов, что был исполнен на бис.
В нём звучит замечательная мелодия, вкрадчивая
главная тема, подхваченная оркестром с его
ритмичным вальсом. Здесь Чайковский передаёт в
музыке счастливое и беззаботное состояние.

Романс, соч. 5 в переложении для струнного
оркестра
Романс был написан после неудачного увлечения
композитора итальянской певицей Дезире Арто
(сопрано). В первоначальном варианте он
создавался для фортепиано. В оркестровом
переложении основную мелодию ведут скрипки, дважды прерываемые оркестром с живой, более
оптимистичной темой. Но даже в ней, вплоть до
самого конца, можно услышать меланхоличные,
грустные нотки, которые придают мелодии едва
уловимые цыганские интонации.
Гимн любви. Свадебный марш Мендельсона
Без этой мелодии невозможно представить себе
самый счастливый день жизни. Она  главная
музыка свадьбы, называемая «Марш
Мендельсона». Проходят десятилетия, а
«Свадебный марш» не кажется кризисом жанра, и
ему не спешат найти замену. Но мало кто знает,
каким человеком был композитор, написавший ее,
и был ли любим, и любил ли сам? 3 февраля 1809 года в Гамбурге в семье богатого
банкира А. МендельсонаБартольди родился
мальчик. Его назвали Якоб Людвиг Феликс.
Феликс значит "счастливый". Жизнь, кажется,
оправдывала это имя: все было к услугам
одаренного ребенка, все давалось ему легко,
словно игра: языки и литература, музыка и
рисование, плавание и верховая езда.
Красивая внешность, богатство, блестящее
образование и талант. Он владел этими
«сокровищами», о которых многие лишь мечтали.
Феликс с успехом мог бы стать математиком,
юристом, филологом, художником, музыкантом.
Но только музыка станет его жизнью.
В 17 лет Феликс Мендельсон пишет увертюру «Сон
в летнюю ночь» и «просыпается» известным
композитором. Через шестнадцать лет после

title: Урок: Фредерик Шопен. Повороты судьбы…