extracted_text:
Бетховен. Увертюра «Эгмонт»
Почти все увертюры Бетховена связаны с
драматическими произведениями, являясь
вступлением к пьесе или опере: «Эгмонт»  к
трагедии Гёте, «Кориолан»  к драме Коллина,
«Леонора»  к опере «Фиделио».
В своих увертюрах Бетховен завершил долгий путь
развития классической увертюры. Отправной
точкой для него служила увертюра, сложившаяся в
творчестве Глюка, Моцарта, Керубини. Но
свойственное Бетховену стремление к широким
идейным обобщениям, умение в лаконичных
образах выразить большие чувства и мысли,
изменили положение увертюры. У Бетховена она
перестала быть вступлением и последующему
развитию драмы: центр как бы перемешается в увертюру, которая в обобщённых образах передаёт
содержание всего произведения. Таким образом, у
Бетховена увертюра превращается в своеобразную
разновидность симфонии.
Композитор положил начало новому виду
музыкального творчества  программной
одночастной увертюре.
Работа над музыкой к трагедии Гёте «Эгмонт»
протекала в годы высшего подъёма творчества
Бетховена. В этом произведении Гёте многое
привлекало Бетховена: героические образы,
трагедийный пафос, массовые народные сцены.
Бетховен написал 10 музыкальных номеров к
трагедии: увертюру, 4 антракта, 2 песни Клерхен,
«смерть Клерхен», монолог Эгмонта и Победную
симфонию. Но наибольшей известностью
пользуется увертюра к трагедии. В ней концентрируется идея всего произведения  борьба
за свободу и радость достижения.
Темой трагедии Гёте стала борьба народа
Нидерландов за независимость в XVI веке против
испанского владычества. Герой и вождь
фламандцев граф Эгмонт стал жертвой коварных
замыслов герцога Альбы  наместника испанского
короля. Эгмонт был брошен в тюрьму и приговорён
к смерти. Его возлюбленная Клерхен, девушка из
народа, призывает горожан к восстанию.
Отчаявшись спасти Эгмонта, она погибает.
Накануне казни Эгмонт видит сон. Перед ним в
облике Клерхен возникает сияющее видение
свободы. Со словами, обращёнными к народу: «За
родину сражайтесь, за вольность, за свободу!»,
Эгмонт идёт к месту казни. Шествие его
сопровождает звучание Победной симфонии. Увертюра начинается медленным вступлением.
Здесь даны две резко контрастные темы.
Зная содержание трагедии Гёте, можно с
определённостью говорить о воплощении здесь
образов двух враждебных сил: угнетателей
испанцев и страдающего под их властью
нидерландского народа. Борьба этих сил
составляет основу трагедии Гёте, развитие
соответствующих музыкальных тем является
содержанием увертюры.
Слушание Первой темы вступления. Первая из
них, аккордовая, звучит торжественно, властно.
Низкий регистр, минорный лад придают ей
мрачную, зловещую окраску. В оркестре её
исполняют струнные инструменты. Медленный
темп, характерный ритм темы напоминают
величавую поступь сарабанды. Слушание Второй темы вступления. Вторую
тему «запевает» гобой, к которому
присоединяются другие деревянные духовые
инструменты, а затем и струнные. В основе
мелодии лежит очень выразительная секундовая
интонация, которая придаёт ей скорбный характер.
Тема воспринимается как просьба, жалоба.
Если в медленном вступлении композитор как бы
показал нам противоборствующие силы, в
сонатном allegro происходит их столкновение и
борьба. Причём тематический материал allegro как
бы произрастает из тем вступления.
Слушание Главной партии. Главная партия имеет
волевой, героический характер. Сила и энергия её
постепенно возрастают. Вначале она звучит в
нижнем регистре у виолончелей и других струнных
инструментов piano, затем подхватывается всем оркестром fortissimo. Ход на секунду в начале
мелодии раскрывает родство главной партии со
второй темой вступления  темой «страданий»
народа. Её героический характер говорит уже не о
покорности, а о возмущении нидерландцев и
восстании их против поработителей.
Слушание Побочной партии. Побочная партия
также тесно связана с музыкой вступления, она
совмещает в себе черты обеих его тем. В первой
фразе  аккордовой, тяжеловесной  без труда
можно узнать тему «поработителей». Изложенная в
мажоре, она звучит теперь не только торжественно,
но и победно. И здесь эта тема поручена струнным
инструментам. Тихое звучание деревянных
духовых инструментов во второй фразе роднит
побочную партию со второй темой вступления. Мужественная и решительная заключительная
партия завершает экспозицию.
Разработка очень невелика. В ней как бы
продолжается сопоставление контрастных тем
вступления, «борьба» обостряется. На робкие
«просьбы» каждый раз следует неумолимый и
жестокий «ответ». Многократное повторение
мелодии начала главной партии каждый раз
завершается двумя отрывистыми и резкими
аккордами.
Но «борьба» на этом не заканчивается. Тема
«испанских поработителей» звучит здесь особенно
непреклонно и яростно, и ещё более жалобно и
умоляюще  тема народа. Неравный поединок
внезапно обрывается. Реприза заканчивается рядом
выдержанных, тихо и печально звучащих аккордов.
Бетховен хотел, очевидно, передать здесь последнюю жестокую схватку народа с врагом и
гибель героя, Эгмонта.
Слушание Коды. Увертюра заканчивается большой
кодой, в которой показан итог борьбы. Её
торжественный и ликующий характер говорит о
победе народа.
Начало коды напоминает гул приближающейся
толпы, который быстро нарастает и выливается в
поступь грандиозного массового шествия. Звучат
призывные возгласы труб и валторн, а в конце
увертюры флейты пикколо.
Значение этой коды равнозначно финалу Пятой
симфонии. Она вырастает в грандиозный,
величественный апофеоз, подлинный гимн свободе.
Интерес Бетховена к судьбам народов, стремление
в своей музыке показать «борьбу» как неизбежный путь к достижению цели и грядущую победу
основное содержание героических произведений
композитора, в том числе «Патетической сонаты»,
Пятой симфонии, увертюры «Эгмонт».
Слушание полной версии увертюры «Эгмонт».
Вопросы:
1. Перечислите литературные произведения,
музыку к которым писал Бетховен.
2. Сколько увертюр Бетховена вы знаете?
Назовите их.
3. Какие музыкальнотеатральные произведения
Бетховена вы можете назвать?
4. С каким литературным произведением связано
возникновение увертюры «Эгмонт»? О каких
исторических событиях здесь идёт речь? 5.
Расскажите о строении увертюры.
Игорь Фёдорович Стравинский
Стравинский был одним из величайших
композиторов ХХ столетия, игравшим ключевую
роль в развитии самых разных направлений в
музыке на протяжении почти полувека...
Игорь Стравинский  легендарная фигура в музыке
ХХ века. За долгую жизнь этому композитору
удалось использовать все достижения современной
авангардной музыки. Русская народная песня, богатство её ритмико
мелодической структуры были для Стравинского
источником создания собственной мелодики
фольклорного типа. Стравинский никогда не был
просто эпигоном какихлибо стилей. Напротив,
любая стилистическая модель преображалась им в
исключительно индивидуальное творение.
Стравинский утверждал, что его музыка словно
развивается сама по себе, но все же и в ней
содержатся идеи, доступные всеобщему
восприятию.
Игорь Стравинский родился 17 июня 1882 года в
Ораниенбауме близ Петербурга. С артистической
средой он был знаком с ранних лет: его отец
прославленный певец Мариинского театра, где
помимо сослуживцев бывали и Стасов, и
Мусоргский, и Достоевский, и Н. А. Римский Корсаков, и балетмейстер М. И. Петипа.
Фантасмагорию театра, приволье и произвол его
закулисной жизни Стравинский впитал в себя с
детства.
В доме Стравинских постоянно звучала музыка.
Возможно, поэтому родители не обращали особого
внимания на музыкальные занятия маленького
Игоря. С девяти лет у него появилась учительница
музыки. Но главным воспоминанием Стравинского
об этих уроках осталось то, что наставница
запрещала ему импровизировать за роялем.
Юношей он уже принадлежал к высшим кругам
Петербургской художественной интеллигенции,
стал участником «Вечеров современной музыки»
их возглавляли А. П. Нуроки и В. Ф. Нувель.
Через них он сблизился с деятелями «Мира
искусства» и с тем, кто задавал здесь тон  с Сергеем Павловичем Дягилевым, при решающем
воздействии и покровительстве которого
утвердилась блистательная композиторская
карьера молодого Стравинского.
Позднее именно благодаря Дягилеву, но,
возможно, не без участия и другого ревнивого
покровителя – Клода Дебюсси  он быстро проник
в сферы аристократической элиты Парижа.
Где и как Стравинский знакомился с народной
песней доподлинно неизвестно. В дни детства под
Петербургом? В Устилуге бывшей Волынской
губернии, в имении своей жены, где жил после
женитьбы с 1906 года? На ярмарках в Ярмолинцах,
находившихся неподалёку от Устилуга? Однако
именно русская народная песня была основным
источником его новаторства, его откровения. Профессиональным композитором Стравинский
стал сравнительно поздно  только после того, как
весной 1905 года в возрасте 23 лет окончил
университет. До того он лишь обращался за
советами к РимскомуКорсакову. Но с осени 1905
года занятия стали регулярными  дважды в
неделю. Пять лет близкого общения с Николаем
Андреевичем РимскимКорсаковым многое дали
Стравинскому. Он воочию  на примере своего
учителя  познакомился с техникой
композиторского труда.
«Юношеское» творческое созревание было очень
недолгим, а взлёт оказался столь стремительным,
что в отличие от биографий многих других
композиторов первый же творческий период
Стравинского, который открывается «Жар
птицей», явился периодом творческой зрелости. Таким образом, «русский» этап предстаёт во всем
великолепии своих свершений как период зрелого
мастерства.
Первое крупное сочинение Стравинского
фортепианная соната  датируется 1904 годом. Его
музыка впервые прозвучала 27 декабря 1907 года
на одном из концертов «Вечеров современной
музыки» в скромном зале Петербургской
музыкальной школы. Певица Е. Ф. Петренко
исполнила «Пастораль» и «Весну священную». Эти
песни были им написаны незадолго до того. Вскоре
последовали другие премьеры.
Слава пришла к нему неожиданно в 28 лет вместе с
показом «Жарптицы» в Париже в 1910 году и
закрепилась там же спустя три года небывало
скандальной премьерой «Весны священной». Слава
прилепилась к его имени и не оставляла более. Русская сказка об Иванецаревиче, освободившем
прекрасную царевну от чар Кащея, воплощена в
музыке «Жарптицы».
Мир русской ярмарки с её озорными плясками,
балаганами, уличными наигрышами шарманки и
гармоники нашёл своё яркое отражение в
«Петрушке»; на фоне праздничного разгула толпы
представлены трагические смятения кукольного
героя Петрушки, обманутого ветреной Балериной.
Впечатление оглушительного взрыва произвела
музыка «Весны священной»  балета, рисующего
картины языческой Руси. «Весна священная»
ознаменовала начало нового этапа в истории
мировой музыки. Стремясь передать «варварский»
дух далёкой древности, автор применил
неслыханно дерзкие созвучия, стихийные ритмы,
буйные оркестровые краски. В ряде его сочинений использованы необычные ритмы, оригинальные
инструментальные эффекты.
После парижской премьеры «Жарптицы» 1910
года Стравинский сблизился с Дебюсси. Они были
дружны в течение девяти лет, до самой смерти
француза. Поначалу Дебюсси видел в Стравинском
близкого по стилю композитора. Но внезапная
эволюция Стравинского озадачила Дебюсси: со
смешанным чувством одобрения и недоумения он
отнёсся к «Весне священной»  его молодой друг в
этом эпохальном сочинении порвал с
импрессионизмом, преодолел его.
Стравинский входит в моду, он посещает
великосветские парижские салоны, связанные с
некогда известными именами. Это  графиня
Эдмон де Полиньяк, дочь богатейшего фабриканта
швейных машин Зингера, в салоне которой впервые исполняются заказанные ею произведения не
только Стравинского, но и Форе, Равеля, Сати, де
Фальи, Пуленка. Это и Габриэль Шанель –
владелица аристократического ателье мод, одна из
самых щедрых покровительниц Дягилева;
Стравинский получает также заказы от актрисы и
танцовщицы Иды Рубинштейн, от Элизабет Спрэг
Кулидж  меценатки из США и т. д. Он завязывает
близкие сношения с представителями других видов
искусства, с философами, физиками, теологами. С
ним встречаются и крупные государственные
деятели. А бесконечные интервью, в которых, по
замечанию Стравинского, «слова, мысли и даже
самые факты искажались до полной
неузнаваемости» и которые он, тем не менее,
охотно давал, поражая интервьюеров
находчивостью, остроумием, парадоксальностью суждений,  разве ктолибо из композиторов ХХ
века удостаивался такого внимания?
Второй период творчества композитора
приходится на годы после Первой мировой войны,
когда он постоянно жил в Париже и в 1934 году
принял французское гражданство. С новым
окружением его объединяло как духовное, так и
творческое родство. Таким образом, он стал
блестящим представителем международного
авангарда в музыке. Новый стилистический период
его творчества, по числу произведений наиболее
плодотворный (около 45 сочинений), можно
охарактеризовать как возвращение к стилю
прошлых времён (от античности до классицизма).
Это так называемый «неоклассицизм».
Новый переломный момент в творчестве
композитора обозначает «Пульчинелла»  балет с пением (19191920). Произошло это не случайно,
не было капризом творца: закончилась война,
закончился период убийств, бесчеловечных
разрушений, и у Стравинского появилась
потребность освежить свою палитру. Радостный,
солнечный свет излучает музыка «Пульчинеллы»;
бодрым, жизнедеятельным характером отмечен
Октет (19221923); улыбкой озарена комическая
опера «Мавра» (19211922). А более поздние
произведения – «Аполлон» (19271928) и
«Поцелуй феи» (1928) отбросят свет на творчество
Стравинского ближайшего десятилетия; отзвуки
тенденций, в них заложенных, скажутся и в
сороковые годы.
Всего для балетного театра композитор написал
восемь оркестровых партитур: «Жарптица»,
«Петрушка», «Весна священная», «Аполлон Мусагет», «Поцелуй феи», «Игра в карты»,
«Орфей», «Агон». Также он создал три балетных
произведения с пением: «Байка», «Пульчинелла»,
«Свадебка».
Трудно оспаривать значение новаторской музыки
Стравинского в развитии хореографии ХХ века.
Тем не менее, сценическая судьба его балетов  то
ли по вине консервативных вкусов театральных
зрителей, то ли изза недостаточной
изобретательности постановщиков  оказалась не
столь счастливой, как это следовало бы ожидать, и
музыка Стравинского подчас была отмечена
большим признанием не в театре, а на концертной
эстраде. Яркие тому примеры – «Весна священная»
и «Свадебка».
Затяжной кризис начался у композитора с
середины 1930х годов. Жесточайший смерч проносится над человечеством, вызвав
неисчислимые жертвы; он утихает лишь в 1945
году. Своим беспощадным крылом этот смерч
коснулся и Стравинского, заставив его
эмигрировать из Франции в США. А перед тем, в
19381939 годах, он похоронит жену, мать, дочь и
над ним самим нависнет смертельная опасность
(острая вспышка туберкулёза, от той же болезни
умерли жена и дочь).
Потеряв родных, отторгнутый от привычной
обстановки, от друзей и близких, на пороге 60
летия он будет заново строить жизнь (вместе с
новой женой) в культурносоциальных условиях,
которые до конца дней останутся ему чуждыми.
Растерянность ощущается в его действиях, в
невольных уступках «американскому вкусу». В 1945 году, после войны, которую он пережил на
Американском континенте, Стравинский стал
гражданином США. После 30 лет творчества в
стиле неоклассицизма композитор вновь совершает
поворот, на сей раз ориентируется на серийную
технику, которую в Европе развивает новая
венская школа, в основном Антон Веберн.
Без преувеличения можно утверждать, что ни один
зарубежный композитор ХХ века не был так
образован, как Стравинский. Философия и
религия, эстетика и психология, математика и
история искусства  все находилось в поле его
зрения; проявляя редкую осведомлённость, он во
всем хотел разобраться как специалист, имеющий
свой взгляд на затронутый вопрос, своё отношение
к трактуемому предмету. Стравинский  неистовый
читатель  с книгой не расставался до самого преклонного возраста. Его библиотека в Лос
Анджелесе насчитывала около 10 тысяч томов.
Он был очень деятельным в общении, в переписке.
Нетерпеливо быстрым был Стравинский как в
ходьбе  до тех пор, пока после удара в 1956 году
не ослабла левая нога, так и в реакции на реплики
собеседника.
Но главное  работа: он был великим тружеником,
не позволял себе расслабляться, и в случае
необходимости мог, не отрываясь, заниматься по
18 часов. Роберт Крафт свидетельствовал в 1957
году, что он трудился тогда  то есть в возрасте 75
лет!  по 10 часов в сутки: до обеда над сочинением
музыки 45 часов и после обеда 56 над
оркестровкой или переложением.
Три произведения являются главными в творчестве
Стравинского последнего пятнадцатилетия. Это «Священное песнопение» (19551956), «Плач
пророка Иеремии» (19571958), «Заупокойные
песнопения» (19651966).
Высшее достижение Стравинского  Реквием
«Заупокойные песнопения». В 84 года
Стравинский создал произведение, отличающееся
истинными художественными прозрениями.
Музыкальная речь стала более ясной и
одновременно образной, эмоционально
контрастной. Реквием  это итоговое сочинение
Стравинского, и не только потому, что это его
последнее крупное произведение, но и потому, что
оно вобрало в себя, синтезировало, обобщило
многое из предшествующего художественного
опыта композитора.
В 1969 году здоровье его резко ухудшилось.
Однако продолжало биться сердце, продлевая 

угасающую жизнь. Он скончался 6 апреля 1971
года  за два месяца до своего 89летия.
Основные произведения композитора:
Оперы: «Соловей» (19081914), «Мавра»
(1922), «Царь Эдип» (1927), «Похождения
повесы» (1951);
Балеты: «Жарптица» (1910), «Петрушка»
(1911), «Весна священная» (1913), «Пульчинелла»
(1920), «Аполлон Мусагет» (1928), «Поцелуй
феи» (1928), «Игра в карты» (1936), «Орфей»
(1947), «Агон» (1957);
 Музыкальносценические произведения:
«Байка про Лису, Петуха, Кота да Барана» (1916),
«История солдата» (1918), «Свадебка» (1923),
«Персефона» (1934), «Потоп» (1962); 





Для оркестра: 3 симфонии (1907, 1940, 1945),
«Фантастическое скерцо»,  «Фейерверк» (1908) и
др.;
Камерноинструментальные ансамбли;
Произведения для хора и оркестра;
Кантаты;
Вокальные, инструментальные произведения;
Сочинения для хора а cappella и многое другое.
ЗВУКИ МУЗЫКИ
Жарптица
Написать эту балетную партитуру Стравинскому
предложил Дягилев. Премьера балета в Париже
обернулась триумфом для них обоих.
Это было первое крупное сочинение Стравинского.
Премьера балета,  написанного для труппы Дягилева «Русский балет», состоялась в 1910 году.
Великая балерина Тамара Карсавина исполняла
главную партию, и этот спектакль открыл новую
главу в истории балета.
Сценарий «Жарптицы написан на сюжет русской
сказки. ИванЦаревич ловит Жарптицу, которая
отдаёт ему одно из своих волшебных перьев в
обмен на свободу. Затем Иван входит в волшебный
сад Кощея Бессмертного, пленившего тринадцать
прекрасных царевен. Кощей со своей свитой чудищ
нападает на ИванаЦаревича и угрожает
превратить его в камень. Но последний вызывает
Жарптицу с помощью пера, которое она отдала
ему, и та приводит его к гигантскому яйцу, в
котором заключена жизнь Кощея. ИванЦаревич
разбивает яйцо, убивает Кощея и женится на самой
прекрасной из пленённых царевен. Музыка к «Жарптице»  захватывающая смесь
красочной причудливой оркестровки  здесь
сказывается влияние педагога РимскогоКорсакова
и формирующегося музыкального языка самого
Стравинского.
Жарптица неслыханно прекрасна, её оперение
сияет всеми мыслимыми цветами и оттенками,
буквально ослепляет. Музыка в «Плясе Жар
птицы» переливается гармониями, словно
красочное оперение птицы, в высоком звучании
духовых и глиссандо арфы.
«Игра царевен золотыми яблочками» изображает
заколдованных пленниц Кощея, резвящихся среди
золотых яблонь в его саду.
Мощнейшие грохочущие аккорды в оркестре
объявляют о начале «Поганого пляса Кощеева
царства». Сильно синкопированные ритмы, объединённые с рельефным звучанием ксилофона,
помимо других ударных инструментов, и
удивительные глиссандо тромбона, делают этот
номер наиболее захватывающим и напряжённым.
Аполлон Мусагет
Балет «Аполлон Мусагет», созданный в 1927 году,
принадлежит к неоклассическому периоду
творчества Стравинского, без русского влияния и
намёков на фольклор. Аполлон был богом солнца и
предводителем муз (покровительниц наук, поэзии и
искусств) у древних греков. Музыка написана для
нежных звуков струнного оркестра и по образцу
элегантных «классических» балетов, исполняемых
при дворе французского короля Людовика XIV.
Названия самих танцев соответствуют
«классическому» стилю. Четыре действующих лица  Аполлон и три музы,
которые имеют непосредственное отношение к
балету: Терпсихора  воплощение танца, Каллиопа
 олицетворяет поэзию и её ритмику, Полигимния
искусство пантомимы. Они рассказывают о
рождении Аполлона, его обучении и восхождении
на Парнас.
Сюжет
На острове Делос (первоначальное название
Астерия) в глубине пещеры рождается сын Зевса
Аполлон.
Аполлон появляется из пещеры, у подножия скал,
делая первые, ещё неловкие движения. Две богини
подходят к нему, чтобы сопровождать в жилище
богов, на гору Олимп. Они надевают на Аполлона
золотой пояс в знак его божественного
происхождения, обвивают чело виноградными гроздьями и вкладывают в руки арфу  символ
искусства. По воле своего отца он должен стать
покровителем искусств.
Аполлон на Олимпе. Он овладел искусством игры
на арфе, а теперь делает первые шаги в танце.
Подходят музы Полигимния, Терпсихора и
Каллиопа и склоняются перед своим повелителем
водителем муз Мусагетом. Аполлон предпочитает
Терпсихору двум другим музам. Все прославляют
великую силу искусства.
Петрушка
«Петрушка»  второй из ряда удивительных
балетов, которые Стравинский написал для
балетной компании Дягилева, в его премьере,
состоявшейся в Париже в 1911 году, участвовал
знаменитый танцор Вацлав Нижинский. Это произведение более зрелое по сравнению с «Жар
птицей»  музыка более дерзкая в своей
самобытности и пронизана цитатами из русских
песен и танцев. Этот новый реализм
распространяется  на характер Петрушки –
традиционной куклыперчатки, наполненной
человеческими чувствами и переживающей
серьёзную романтическую драму. Такой
психологический аспект был весьма нов для
танцевального мира.
«Гулянье на масленице в Петербурге».  Музыка
поражает необычайной жизненностью, яркостью в
обрисовке праздничного уличного быта старого
Петербурга. Адмиралтейская площадь, яркий
зимний день. В центре сцены  театрик Фокусника.
Тут же карусели, перекидные качели, ледяные
горы, лавки со сластями. С первых же тактов в оркестре слышится общий неумолкающий
вибрирующий гул: говор, выкрики торговцев,
обрывки песен и т. д.
Завораживающей мелодией своей флейты
фокусник привлекает толпу в свой театр, где три
куклы – Петрушка, Балерина и Арап – исполняют
живой и яркий «Русский танец».
Вопросы для закрепления материала:
1. Назовите годы жизни композитора.
2. Кого Стравинский считал своим «великим
учителем»? Какое произведение композитор
посвятил его памяти?
3. Какую дату мы считаем началом мировой
славы Стравинского? 4. Назовите имя русского театрального деятеля, с
которым связано создание ранних балетов
композитора.
5. Лидером какого направления в искусстве
Стравинский стал в 2030е годы?
6. Когда Стравинский в последний раз посетил
Россию? Феликс Мендельсон. Гармония и равновесие
Чувствуя себя в салонах и при дворе как дома,
Мендельсон при этом был одним из самых
серьёзных композиторов своего времени.
Создав за свою короткую жизнь множество
шедевров, он стал известен как «Моцарт XIX
века».
Феликс МендельсонБартольди родился 3 февраля
1809 года в Гамбурге в богатой семье банкиров
евреев, впоследствии принявших лютеранство. В
1816 году Феликса крестили, тогда же семья
Мендельсонов добавила к своей фамилии вторую часть (Бартольди), чтобы отличаться от
родственников, оставшихся в иудаизме.
Идеи Мендельсона оказали огромное влияние на
развитие идей немецкого просвещения и
реформизма в иудаизме в XIX веке.
Семья Мендельсонов могла похвалиться богатыми
культурными традициями  дед композитора,
Мозес Мендельсон, был крупным философом,
представителем немецкого просвещения. Отец
Феликса Мендельсона, Абрахам Мендельсон,
говаривал порою: «Раньше я был сыном своего
отца, а теперь я  отец своего сына». Но и он сам,
банкир, не принадлежал к породе «классических
дельцов». Он много читал, знал иностранные языки
и неплохо разбирался в музыке. А в 1820 году
Мендельсоны, переехавшие к тому времени в
Берлин, «обзавелись» своим салоном, где бывали Гегель, Гумбольдт, Гейне и многие другие
известные люди того времени.
Таким образом, юный Феликс Мендельсон рос в
атмосфере любви к искусству. Родители старались
дать ему наилучшее образование  как общее, так и
музыкальное. Первым «музыкальным наставником»
стала для Феликса и его сестры Фанни мать, затем
к одаренным детям пригласили профессионального
пианиста.
Заметив, что сын делает большие успехи и, кроме
того, обнаруживает способности к композиции,
Абрахам Мендельсон договорился с Карлом
Фридрихом Цельтером, самым известным в
Берлине композитором и дирижером (а также
другом Гёте), что он будет преподавать Феликсу
музыкальную теорию. Незадолго до этого будущий
композитор начал брать еще и уроки игры на скрипке. Помимо музыки Феликс Мендельсон
изучал классическую филологию и живопись (сам
он довольно неплохо писал акварелью).
Уже семилетним мальчиком Мендельсон выступал
как пианист, а в одиннадцать лет всерьез увлекся
сочинением музыки. Спустя год ему
посчастливилось — благодаря Цельтеру
познакомиться с Гёте. Талантливый мальчик
произвел большое впечатление на великого поэта.
В его лице Мендельсон обрел и духовного
наставника, и покровителя, и друга, и поклонника.
В 1822 году состоялось первое концертное турне
Феликса Мендельсона  по Швейцарии, а в 1825
году он побывал в Париже, музыкальной столице
Европы. Музыкальная столица поразила юного
композитора и  разочаровала его. Он обнаружил,
что здесь почти никто не знает Бетховена; Аллегри, Гендель и Бах  позабыты. А ведь
творчество именно этих композиторов было для
Мендельсона основной духовной пищей во все
годы его учения у Цельтера. Баха он боготворил со
всем пылом впечатлительного юноши. Страдая, что
лучшие произведения «великого немца» находятся
в забвении, он принял решение  вернуть к жизни
«Страсти по Матфею».
Дабы воплотить это решение, Мендельсону
пришлось преодолевать сопротивление
берлинского музыкального сообщества и даже
самого маэстро Цельтера. И все же, после двух лет
упорной работы, Феликс Мендельсон достиг своей
цели. 11 марта 1829 года он дирижировал
«Страстями», и исполнение имело огромный успех.
Это выдающееся событие ознаменовало собой
начало возрождения интереса к музыке Баха, и «баховский ренессанс» более чем на век стал
определяющим фактором в развитии немецкой
культуры. Благодаря тому же эпохальному
концерту музыкальная публика заметила и высоко
оценила дирижерский талант двадцатилетнего
Мендельсона.
Но успех на «исполнительскодирижерском»
поприще не отвлек Мендельсона от его главного
призвания  сочинения музыки. Чувствуя, что
Берлин становится тесен для него и больше не дает
ему новых впечатлений для его творчества, он
уехал за границу. В апреле 1829 года он
отправился в Англию, где и состоялись премьеры
его Первой симфонии до минор и увертюры «Сон в
летнюю ночь». Лондонцы приняли музыку
Мендельсона более чем доброжелательно. Спустя несколько недель композитор уже снова в
пути  едет в Шотландию, а затем на Гебриды.
Дикий, суровый пейзаж этих мест вдохновил
Мендельсона на создание лучших его
произведений. Возвращаясь в Берлин, музыкант
вновь ненадолго остановился в Лондоне и с
изумлением обнаружил, что его популярность
здесь стремительно возросла за то время, что он
отсутствовал. С тех пор Англия стала его второй,
«духовной», родиной.
Пробыв некоторое время в Берлине, Мендельсон
отправился в новое путешествие  на этот раз он
решил навестить Италию. С октября 1830 года до
лета 1831 года он посетил Венецию, Болонью,
Флоренцию, Рим, Неаполь, Геную и Милан.
Ласковая природа этой страны пришлась по душе
композитору. Но больше, чем природа, его занимала, конечно же, культура Италии.
Величественные фрески ее церквей, руины
античных зданий, произведения итальянских
композиторов  во всем этом Мендельсон находил
новые источники вдохновения. Покинув Италию,
он побывал в Швейцарии, а зиму 183132 годов
провел в Париже. Конечным пунктом этого
путешествия стала, разумеется, Англия, столь
любимая композитором.
Вернуться в Берлин Мендельсона заставило
известие о неожиданной смерти Цельтера. Абрахам
Мендельсон надеялся, что его сыну предложат
занять освободившееся место директора
Певческой академии, но этого не произошло. В
1833 году, однако, нашлась должность и для
Мендельсона  он стал мюзикдиректором в
Дюссельдорфе. Теперь в его обязанности входило проводить репетиции и концерты Музыкального и
театрального общества. Правда, уже через
несколько месяцев композитор оставил
Дюссельдорф и возвратился в Берлин, где стал
почетным членом Академии искусств.
В это время Мендельсон уже известен во всех
немецких городах. От выгодных предложений нет
отбоя. Кельн доверяет ему проведение
музыкального фестиваля, Лейпциг предлагает
университетскую кафедру. От этого заманчивого
предложения музыкант, впрочем, отказался. Зато с
радостью согласился руководить знаменитым
(Лейпцигским же) оркестром Гевандхаус.
Благодаря Мендельсону Лейпциг стал на
некоторое время одним из важнейших центров
музыкальной Европы. Оркестр, руководимый
Мендельсоном, блистательно исполняет шедевры старых мастеров и произведения новых
композиторов, а сам композитор много пишет, и
его премьеры проходят с неизменным успехом.
По его инициативе в Лейпциге установлен
памятник Баху, открылась в 1843 году
консерватория, которой суждено было оказать
огромное влияние на музыкальную жизнь всей
Германии. Здесь, в Лейпциге, прошли лучшие и
плодотворнейшие годы Мендельсона, сюда он
привез свою молодую жену  Сесиль Жанрено.
В мае 1847 года внезапно умирает любимая сестра
Феликса Мендельсона  Фанни. С ее смертью
композитор почувствовал, что силы начинают
оставлять и его самого. 4 ноября 1847 года он
скончался. Звуки музыки
Концерт для скрипки с оркестром  ми минор,
соч. 64, 1 часть
Этот концерт, написанный в 1844 году,  одно из
последних и самых зрелых инструментальных
произведений Феликса Мендельсона. Композитор
достиг здесь той высокой драматичности, которая
позволяет говорить о его связи с бетховенскими
симфоническими традициями. Вместе с тем
концерт насыщен духом романтизма  от первой до
последней ноты. В нем сосредоточились
характернейшие черты творчества Мендельсона
лиричность, песенность, изящество, чувство
красоты и гармоничности окружающего мира.
Тонкий и выразительный музыкальный колорит
сочетается здесь со строгостью формы. Появление концерта стало настоящим событием в
музыкальной жизни Европы. Сейчас нам кажется,
что первая половина XIX века ознаменовалась
расцветом всяческих искусств  и, в частности,
музыки. Однако у современников было совсем
другое ощущение. Шуман, например, с горькой
язвительностью замечал, что многие
преуспевающие композиторы заняты тем, что
сочиняют виртуозные пассажи, а затем уже думают
 чем бы заполнить пространство между ними. На
этом скорбном фоне скрипичный концерт
Мендельсона выделялся исключительной
серьезностью чувства и «обоснованной»
виртуозностью.

Песни без слов Сестра Мендельсона Фанни, благодаря огромному
богатству семьи, получила  прекрасное домашнее
образование. Ее музыкальные способности
всячески поощрялись. Она стала прекрасной
пианисткой, исполняла многие пьесы своего брата
и даже дирижировала оркестром. Ей принадлежит
более пятисот музыкальных произведений,
включая оратории. В творчестве Фанни очень
зависела от мнения своего гениального брата, но, в
свою очередь, часто давала ему важные советы.
Так, уже невозможно узнать, кому из них двоих
принадлежит идея «Песен без слов».
Задумка с самого начала была в корне новаторской
– легкая, ни к чему не обязывающая форма, не
обремененная особыми правилами. Напевность,
миниатюрность и возможность творческой свободы
«Песен без слов» привлекли мастеров романтического направления. Жанру,
изобретенному братом и сестрой, стали подражать.

Песня без слов № 6 ля мажор «Весенняя песня»,
соч. 62
В течение своей жизни Мендельсон написал 48
подобных пьес под названием «Песни без слов».
Каждая – тщательно сделанная миниатюра, нежная
и экспрессивная. В «Весенней песне» мелодию
сопровождает легкий, невесомый аккомпанемент.
Весна была одной из любимых тем композитора, а
тональность ля мажор явно казалась для него
такой же весенней. У Мендельсона немало музыки
о весне, и вся она – в ля мажоре.

Рондокаприччиозо ми мажор, соч. 14 Мендельсон написал это произведение в
пятнадцать лет. А в 1830 году в Мюнхене, следуя
из Веймара (где встречался с Гёте) в Зальцбург и
Вену, он презентовал его пианистке Дельфине фон
Шаурот. Феликса на написание этой пьесы
вдохновил «Концертштюк» Вебера. В эпоху
романтизма блестящие концертные рондо
открывались медленным вступлением (часто
лирическим), за которым следовала искрометная
быстрая часть. Слушая рондокаприччиозо, легко
можно представить, каким виртуозом был сам
Мендельсон.
Браво, Феликс!
Трудно поверить, но двести лет назад никто не
помнил старину Иоганна Себастьяна Баха и его музыку! В моде была другая — легкая и
незамысловатая. А фамилия Бах ассоциировалась
у публики с его сыном Иоганном Христианом,
автором модных изящных шлягеровсонат.
И вот в 1809 году рождается Феликс Мендельсон.
Его отец был банкиром и любителем искусств, дед
— философом. В их доме встречались передовые
люди того времени — музыканты, поэты, писатели.
Уже в детстве у Феликса проявился музыкальный
талант, в 16 лет он написал одно из лучших своих
произведений — «Сон в летнюю ночь» по
Шекспиру (откуда, кстати, его знаменитый
свадебный марш). Юношу ждала блестящая
музыкальная карьера, сам Сальери готов был
принять его в ученики... Но Феликс, во многом
благодаря влиянию Гете, посещавшего их салон,
решает посвятить свою жизнь Служению классической музыке — возрождению ее забытых
образцов и просветительству на своей родине!
В 18 лет, работая музыкантом в Лейпциге в той же
церкви, где когдато служил Бах, Феликс находит
в архивах партитуру грандиозной мессы «Страсти
по Матфею», исполнявшейся при жизни Баха лишь
один раз и отвергнутой современниками. Он решил
во что бы то ни стало вернуть эту музыку людям!
Его учитель был потрясен величием произведения
и замысла юноши, но не поверил, что этот замысле
осуществим, ведь исполнение требовало
высочайшего мастерства и участия нескольких
сотен музыкантов и певцов… Однако юный Феликс
вдохновил своей мечтой многих друзей
музыкантов. Целый год они вдохновенно и
абсолютно бесплатно репетировали под
руководством юноши. И вот в 1829 году, ровно через 100 лет после первого «выхода в
музыкальный свет» Баха, в том же Лейпциге при
большом стечении общественности состоялось
второе рождение шедевра! Юный Мендельсон сам
дирижировал и вдобавок исполнял партию
клавесина! Он так волновался, что по ошибке взял
с собой томик с нотами совсем другого
произведения. Но чтобы музыканты, певцы и
публика ничего не почувствовали и премьера не
сорвалась, он усердно переворачивал страницы
партитуры, безошибочно дирижируя наизусть все
несколько часов этой сложнейшей мессы! Успех
был потрясающим.
С этого момента началось возрождение
музыки Баха, которое поддержали очень многие
музыканты, хотя треть наследия композитора
оказалась утеряна безвозвратно. Мендельсон дирижировал оркестрами, исполняя бессмертные
классические образцы Баха, Генделя, Моцарта.
Следуя своей миссии, он организовал в Лейпциге
первую в Германии консерваторию.
В ней начали преподавать лучшие таланты, в том
числе молодой Шуберт. Это были те, кто вновь
откликнулись на страстный призыв Мендельсона!
В эти же годы Мендельсон успел написать лучшую
свою музыку. Умер он, прожив 38 лет, всего на два
года больше Моцарта. Но исполнил свою миссию
— наполнил мир великой музыкой, без которой
уже трудно представить нашу жизнь.
Страсти по Матфею
Высочайшая вершина творчества Баха – «Страсти
по Матфею», объединяет все дарования
композитора в этом заявлении искренней веры. В нем рассказывается история о предательстве и
распятии Христа, согласно Евангелию св. Матфея.
Распятие Христа  центральный образ
христианского искусства. Сотни, тысячи
художников создавали свои интерпретации этого
сюжеты. Один из шедевров  «Изенгеймский
алтарь» Маттиаса Грюневальда. По силе
выражения этот живописный шедевр конгениален
баховским «Страстям по Матфею». И хотя нет
никаких исторических свидетельств того, что Бах
был знаком с этим творением Грюневальда, этика и
эстетика «Изенгеймского алтаря» и «Страстей по
Матфею» едины.
В 1722 году Бах становится кантором и учителем
при церкви св. Фомы. Эта преподавательская
должность, которую он получил после того, как
несколько других кандидатов отказались, обязывала его отвечать за музыку в знаменитой
Томаскирхе. Музыка была важной частью
лютеранской литургии, и Бах написал много кантат
на основе библейских текстов для использования в
церковных службах. В отличие от очень
официальной литургии католической церкви в те
времена участие прихожан в службе поощрялось, и
включать в нее гимнические хоральные разделы,
которые должны были исполняться всеми, было
обычной практикой.
Мощь и величие
В конце 1720х годов Бах приступил к самой
амбициозной и великой работе среди духовных
сочинений – «Страсти по Матфею». Это пересказ
истории ареста и смерти Христа. Страсти – слово,
взятое от Евангелия св. Матфея. Написанное для
страстной Пятницы (день, когда был распят Христос, самый темный день в христианском
календаре), это мощное и поражающее
воображение произведение иллюстрирует события,
связанные со смертью Христа, как будто история
остановилась там, в скорби и безнадежности.
О страстях повествует рассказчик, поющий
тенором, с участием солистов, исполняющих
партии других главных героев, таких как Петр,
Пилат и Иуда, а хор выступает в разнообразных
ролях, иногда комментируя или присоединяясь в
качестве участников разворачивающегося
действия.
Сюжет «Страстей» охватывает события последних
трех суток жизни Христа  тайная вечеря,
предсказание о предательстве Иуды, установление
таинства причастия, моление Христа о чаше на
горе Елеонской, взятие Христа под стражу, суд над Христом, шествие на Голгофу, распятие Христа,
смерть и погребение. Текст взят лютеранином
Бахом, естественно, из лютеровского перевода
Библии на немецкий язык, поэтому в переводах на
русский язык «Страстей по Матфею», да и других
произведений, основанных на Библии, мы
встречаем отличия от русского синодального
перевода евангельских текстов.
Предательство
Мелодия хорала BWV 244 № 17 «Я выстою с
тобою» («Ich will hier bei dir Stehen») теперь
широко известна. Его поют ученики Иисуса на
Масличной горе, всего за несколько часов до его
ареста. Он предсказывает, что они бросят его в ту
ночь. В словах хорала они протестуют, говорят,
что будут стоять за него, что бы ни случилось, до
самой смерти. В арии  № 39 (альт) «Будь милостив мой Бог»
(«Erbarme Dich») солист сетует на истинность
предсказания Иисуса. Петр отрекся от него три
раза, он роняет слезы стыда и просит Бога
сжалиться над ним.
Речитатив и хор №67 «Теперь Иисус обрел покой»
(«Nun ist der Herr zur Ruh Gebracht») неоднократно
повторяет нежные пожелания спокойного сна
Иисусу, когда тело его положили в могилу.
Сейчас они взывают к нему, хор № 68 «Мы все в
слезах к Тебе склонимся» («Wir setzen uns mit Tr?
nen Nieder»), молясь, чтобы после всех ужасов
последних нескольких часов и после жестокой
мученической кончины он, наконец, обрел мир и
покой.

intro:
Почти все увертюры Бетховена связаны с драматическими произведениями, являясь вступлением к пьесе или опере: «Эгмонт» - к трагедии Гёте, «Кориолан» - к драме Коллина, «Леонора» - к опере «Фиделио».
В своих увертюрах Бетховен завершил долгий путь развития классической увертюры. Отправной точкой для него служила увертюра, сложившаяся в творчестве Глюка, Моцарта, Керубини. Но свойственное Бетховену стремление к широким идейным обобщениям, умение в лаконичных образах выразить большие чувства и мысли, изменили положение увертюры.

title: Урок: Бетховен. Увертюра «Эгмонт»


extracted_text:
Игорь Фёдорович Стравинский
Стравинский был одним из величайших
композиторов ХХ столетия, игравшим ключевую
роль в развитии самых разных направлений в
музыке на протяжении почти полувека...
Игорь Стравинский  легендарная фигура в музыке
ХХ века. За долгую жизнь этому композитору
удалось использовать все достижения современной
авангардной музыки.
Русская народная песня, богатство её ритмико
мелодической структуры были для Стравинского
источником создания собственной мелодики
фольклорного типа. Стравинский никогда не был просто эпигоном какихлибо стилей. Напротив,
любая стилистическая модель преображалась им в
исключительно индивидуальное творение.
Стравинский утверждал, что его музыка словно
развивается сама по себе, но все же и в ней
содержатся идеи, доступные всеобщему
восприятию.
Игорь Стравинский родился 17 июня 1882 года в
Ораниенбауме близ Петербурга. С артистической
средой он был знаком с ранних лет: его отец
прославленный певец Мариинского театра, где
помимо сослуживцев бывали и Стасов, и
Мусоргский, и Достоевский, и Н. А. Римский
Корсаков, и балетмейстер М. И. Петипа.
Фантасмагорию театра, приволье и произвол его
закулисной жизни Стравинский впитал в себя с
детства. В доме Стравинских постоянно звучала музыка.
Возможно, поэтому родители не обращали особого
внимания на музыкальные занятия маленького
Игоря. С девяти лет у него появилась учительница
музыки. Но главным воспоминанием Стравинского
об этих уроках осталось то, что наставница
запрещала ему импровизировать за роялем.
Юношей он уже принадлежал к высшим кругам
Петербургской художественной интеллигенции,
стал участником «Вечеров современной музыки»
их возглавляли А. П. Нуроки и В. Ф. Нувель.
Через них он сблизился с деятелями «Мира
искусства» и с тем, кто задавал здесь тон  с
Сергеем Павловичем Дягилевым, при решающем
воздействии и покровительстве которого
утвердилась блистательная композиторская
карьера молодого Стравинского. Позднее именно благодаря Дягилеву, но,
возможно, не без участия и другого ревнивого
покровителя – Клода Дебюсси  он быстро проник
в сферы аристократической элиты Парижа.
Где и как Стравинский знакомился с народной
песней доподлинно неизвестно. В дни детства под
Петербургом? В Устилуге бывшей Волынской
губернии, в имении своей жены, где жил после
женитьбы с 1906 года? На ярмарках в Ярмолинцах,
находившихся неподалёку от Устилуга? Однако
именно русская народная песня была основным
источником его новаторства, его откровения.
Профессиональным композитором Стравинский
стал сравнительно поздно  только после того, как
весной 1905 года в возрасте 23 лет окончил
университет. До того он лишь обращался за
советами к РимскомуКорсакову. Но с осени 1905 года занятия стали регулярными  дважды в
неделю. Пять лет близкого общения с Николаем
Андреевичем РимскимКорсаковым многое дали
Стравинскому. Он воочию  на примере своего
учителя  познакомился с техникой
композиторского труда.
«Юношеское» творческое созревание было очень
недолгим, а взлёт оказался столь стремительным,
что в отличие от биографий многих других
композиторов первый же творческий период
Стравинского, который открывается «Жар
птицей», явился периодом творческой зрелости.
Таким образом, «русский» этап предстаёт во всем
великолепии своих свершений как период зрелого
мастерства.
Первое крупное сочинение Стравинского
фортепианная соната  датируется 1904 годом. Его музыка впервые прозвучала 27 декабря 1907 года
на одном из концертов «Вечеров современной
музыки» в скромном зале Петербургской
музыкальной школы. Певица Е. Ф. Петренко
исполнила «Пастораль» и «Весну священную». Эти
песни были им написаны незадолго до того. Вскоре
последовали другие премьеры.
Слава пришла к нему неожиданно в 28 лет вместе с
показом «Жарптицы» в Париже в 1910 году и
закрепилась там же спустя три года небывало
скандальной премьерой «Весны священной». Слава
прилепилась к его имени и не оставляла более.
Русская сказка об Иванецаревиче, освободившем
прекрасную царевну от чар Кащея, воплощена в
музыке «Жарптицы».
Мир русской ярмарки с её озорными плясками,
балаганами, уличными наигрышами шарманки и гармоники нашёл своё яркое отражение в
«Петрушке»; на фоне праздничного разгула толпы
представлены трагические смятения кукольного
героя Петрушки, обманутого ветреной Балериной.
Впечатление оглушительного взрыва произвела
музыка «Весны священной»  балета, рисующего
картины языческой Руси. «Весна священная»
ознаменовала начало нового этапа в истории
мировой музыки. Стремясь передать «варварский»
дух далёкой древности, автор применил
неслыханно дерзкие созвучия, стихийные ритмы,
буйные оркестровые краски. В ряде его сочинений
использованы необычные ритмы, оригинальные
инструментальные эффекты.
После парижской премьеры «Жарптицы» 1910
года Стравинский сблизился с Дебюсси. Они были
дружны в течение девяти лет, до самой смерти француза. Поначалу Дебюсси видел в Стравинском
близкого по стилю композитора. Но внезапная
эволюция Стравинского озадачила Дебюсси: со
смешанным чувством одобрения и недоумения он
отнёсся к «Весне священной»  его молодой друг в
этом эпохальном сочинении порвал с
импрессионизмом, преодолел его.
Стравинский входит в моду, он посещает
великосветские парижские салоны, связанные с
некогда известными именами. Это  графиня
Эдмон де Полиньяк, дочь богатейшего фабриканта
швейных машин Зингера, в салоне которой впервые
исполняются заказанные ею произведения не
только Стравинского, но и Форе, Равеля, Сати, де
Фальи, Пуленка. Это и Габриэль Шанель –
владелица аристократического ателье мод, одна из
самых щедрых покровительниц Дягилева; Стравинский получает также заказы от актрисы и
танцовщицы Иды Рубинштейн, от Элизабет Спрэг
Кулидж  меценатки из США и т. д. Он завязывает
близкие сношения с представителями других видов
искусства, с философами, физиками, теологами. С
ним встречаются и крупные государственные
деятели. А бесконечные интервью, в которых, по
замечанию Стравинского, «слова, мысли и даже
самые факты искажались до полной
неузнаваемости» и которые он, тем не менее,
охотно давал, поражая интервьюеров
находчивостью, остроумием, парадоксальностью
суждений,  разве ктолибо из композиторов ХХ
века удостаивался такого внимания?
Второй период творчества композитора
приходится на годы после Первой мировой войны,
когда он постоянно жил в Париже и в 1934 году принял французское гражданство. С новым
окружением его объединяло как духовное, так и
творческое родство. Таким образом, он стал
блестящим представителем международного
авангарда в музыке. Новый стилистический период
его творчества, по числу произведений наиболее
плодотворный (около 45 сочинений), можно
охарактеризовать как возвращение к стилю
прошлых времён (от античности до классицизма).
Это так называемый «неоклассицизм».
Новый переломный момент в творчестве
композитора обозначает «Пульчинелла»  балет с
пением (19191920). Произошло это не случайно,
не было капризом творца: закончилась война,
закончился период убийств, бесчеловечных
разрушений, и у Стравинского появилась
потребность освежить свою палитру. Радостный, солнечный свет излучает музыка «Пульчинеллы»;
бодрым, жизнедеятельным характером отмечен
Октет (19221923); улыбкой озарена комическая
опера «Мавра» (19211922). А более поздние
произведения – «Аполлон» (19271928) и
«Поцелуй феи» (1928) отбросят свет на творчество
Стравинского ближайшего десятилетия; отзвуки
тенденций, в них заложенных, скажутся и в
сороковые годы.
Всего для балетного театра композитор написал
восемь оркестровых партитур: «Жарптица»,
«Петрушка», «Весна священная», «Аполлон
Мусагет», «Поцелуй феи», «Игра в карты»,
«Орфей», «Агон». Также он создал три балетных
произведения с пением: «Байка», «Пульчинелла»,
«Свадебка». Трудно оспаривать значение новаторской музыки
Стравинского в развитии хореографии ХХ века.
Тем не менее, сценическая судьба его балетов  то
ли по вине консервативных вкусов театральных
зрителей, то ли изза недостаточной
изобретательности постановщиков  оказалась не
столь счастливой, как это следовало бы ожидать, и
музыка Стравинского подчас была отмечена
большим признанием не в театре, а на концертной
эстраде. Яркие тому примеры – «Весна священная»
и «Свадебка».
Затяжной кризис начался у композитора с
середины 1930х годов. Жесточайший смерч
проносится над человечеством, вызвав
неисчислимые жертвы; он утихает лишь в 1945
году. Своим беспощадным крылом этот смерч
коснулся и Стравинского, заставив его эмигрировать из Франции в США. А перед тем, в
19381939 годах, он похоронит жену, мать, дочь и
над ним самим нависнет смертельная опасность
(острая вспышка туберкулёза, от той же болезни
умерли жена и дочь).
Потеряв родных, отторгнутый от привычной
обстановки, от друзей и близких, на пороге 60
летия он будет заново строить жизнь (вместе с
новой женой) в культурносоциальных условиях,
которые до конца дней останутся ему чуждыми.
Растерянность ощущается в его действиях, в
невольных уступках «американскому вкусу».
В 1945 году, после войны, которую он пережил на
Американском континенте, Стравинский стал
гражданином США. После 30 лет творчества в
стиле неоклассицизма композитор вновь совершает
поворот, на сей раз ориентируется на серийную технику, которую в Европе развивает новая
венская школа, в основном Антон Веберн.
Без преувеличения можно утверждать, что ни один
зарубежный композитор ХХ века не был так
образован, как Стравинский. Философия и
религия, эстетика и психология, математика и
история искусства  все находилось в поле его
зрения; проявляя редкую осведомлённость, он во
всем хотел разобраться как специалист, имеющий
свой взгляд на затронутый вопрос, своё отношение
к трактуемому предмету. Стравинский  неистовый
читатель  с книгой не расставался до самого
преклонного возраста. Его библиотека в Лос
Анджелесе насчитывала около 10 тысяч томов.
Он был очень деятельным в общении, в переписке.
Нетерпеливо быстрым был Стравинский как в
ходьбе  до тех пор, пока после удара в 1956 году не ослабла левая нога, так и в реакции на реплики
собеседника.
Но главное  работа: он был великим тружеником,
не позволял себе расслабляться, и в случае
необходимости мог, не отрываясь, заниматься по
18 часов. Роберт Крафт свидетельствовал в 1957
году, что он трудился тогда  то есть в возрасте 75
лет!  по 10 часов в сутки: до обеда над сочинением
музыки 45 часов и после обеда 56 над
оркестровкой или переложением.
Три произведения являются главными в творчестве
Стравинского последнего пятнадцатилетия. Это
«Священное песнопение» (19551956), «Плач
пророка Иеремии» (19571958), «Заупокойные
песнопения» (19651966).
Высшее достижение Стравинского  Реквием
«Заупокойные песнопения». В 84 года Стравинский создал произведение, отличающееся
истинными художественными прозрениями.
Музыкальная речь стала более ясной и
одновременно образной, эмоционально
контрастной. Реквием  это итоговое сочинение
Стравинского, и не только потому, что это его
последнее крупное произведение, но и потому, что
оно вобрало в себя, синтезировало, обобщило
многое из предшествующего художественного
опыта композитора.
В 1969 году здоровье его резко ухудшилось.
Однако продолжало биться сердце, продлевая
угасающую жизнь. Он скончался 6 апреля 1971
года  за два месяца до своего 89летия.
Основные произведения композитора: 

Оперы: «Соловей» (19081914), «Мавра»
(1922), «Царь Эдип» (1927), «Похождения
повесы» (1951);
Балеты: «Жарптица» (1910), «Петрушка»
(1911), «Весна священная» (1913), «Пульчинелла»
(1920), «Аполлон Мусагет» (1928), «Поцелуй
феи» (1928), «Игра в карты» (1936), «Орфей»
(1947), «Агон» (1957);
 Музыкальносценические произведения:
«Байка про Лису, Петуха, Кота да Барана» (1916),
«История солдата» (1918), «Свадебка» (1923),
«Персефона» (1934), «Потоп» (1962);
Для оркестра: 3 симфонии (1907, 1940, 1945),
«Фантастическое скерцо»,  «Фейерверк» (1908) и
др.;
Камерноинструментальные ансамбли;

 



Произведения для хора и оркестра;
Кантаты;
Вокальные, инструментальные произведения;
Сочинения для хора а cappella и многое другое.
ЗВУКИ МУЗЫКИ
Жарптица
Написать эту балетную партитуру Стравинскому
предложил Дягилев. Премьера балета в Париже
обернулась триумфом для них обоих.
Это было первое крупное сочинение Стравинского.
Премьера балета,  написанного для труппы
Дягилева «Русский балет», состоялась в 1910 году.
Великая балерина Тамара Карсавина исполняла
главную партию, и этот спектакль открыл новую
главу в истории балета. Сценарий «Жарптицы написан на сюжет русской
сказки. ИванЦаревич ловит Жарптицу, которая
отдаёт ему одно из своих волшебных перьев в
обмен на свободу. Затем Иван входит в волшебный
сад Кощея Бессмертного, пленившего тринадцать
прекрасных царевен. Кощей со своей свитой чудищ
нападает на ИванаЦаревича и угрожает
превратить его в камень. Но последний вызывает
Жарптицу с помощью пера, которое она отдала
ему, и та приводит его к гигантскому яйцу, в
котором заключена жизнь Кощея. ИванЦаревич
разбивает яйцо, убивает Кощея и женится на самой
прекрасной из пленённых царевен.
Музыка к «Жарптице»  захватывающая смесь
красочной причудливой оркестровки  здесь
сказывается влияние педагога РимскогоКорсакова и формирующегося музыкального языка самого
Стравинского.
Жарптица неслыханно прекрасна, её оперение
сияет всеми мыслимыми цветами и оттенками,
буквально ослепляет. Музыка в «Плясе Жар
птицы» переливается гармониями, словно
красочное оперение птицы, в высоком звучании
духовых и глиссандо арфы.
«Игра царевен золотыми яблочками» изображает
заколдованных пленниц Кощея, резвящихся среди
золотых яблонь в его саду.
Мощнейшие грохочущие аккорды в оркестре
объявляют о начале «Поганого пляса Кощеева
царства». Сильно синкопированные ритмы,
объединённые с рельефным звучанием ксилофона,
помимо других ударных инструментов, и удивительные глиссандо тромбона, делают этот
номер наиболее захватывающим и напряжённым.
Аполлон Мусагет
Балет «Аполлон Мусагет», созданный в 1927 году,
принадлежит к неоклассическому периоду
творчества Стравинского, без русского влияния и
намёков на фольклор. Аполлон был богом солнца и
предводителем муз (покровительниц наук, поэзии и
искусств) у древних греков. Музыка написана для
нежных звуков струнного оркестра и по образцу
элегантных «классических» балетов, исполняемых
при дворе французского короля Людовика XIV.
Названия самих танцев соответствуют
«классическому» стилю.
Четыре действующих лица  Аполлон и три музы,
которые имеют непосредственное отношение к балету: Терпсихора  воплощение танца, Каллиопа
 олицетворяет поэзию и её ритмику, Полигимния
искусство пантомимы. Они рассказывают о
рождении Аполлона, его обучении и восхождении
на Парнас.
Сюжет
На острове Делос (первоначальное название
Астерия) в глубине пещеры рождается сын Зевса
Аполлон.
Аполлон появляется из пещеры, у подножия скал,
делая первые, ещё неловкие движения. Две богини
подходят к нему, чтобы сопровождать в жилище
богов, на гору Олимп. Они надевают на Аполлона
золотой пояс в знак его божественного
происхождения, обвивают чело виноградными
гроздьями и вкладывают в руки арфу  символ искусства. По воле своего отца он должен стать
покровителем искусств.
Аполлон на Олимпе. Он овладел искусством игры
на арфе, а теперь делает первые шаги в танце.
Подходят музы Полигимния, Терпсихора и
Каллиопа и склоняются перед своим повелителем
водителем муз Мусагетом. Аполлон предпочитает
Терпсихору двум другим музам. Все прославляют
великую силу искусства.
Петрушка
«Петрушка»  второй из ряда удивительных
балетов, которые Стравинский написал для
балетной компании Дягилева, в его премьере,
состоявшейся в Париже в 1911 году, участвовал
знаменитый танцор Вацлав Нижинский. Это
произведение более зрелое по сравнению с «Жар птицей»  музыка более дерзкая в своей
самобытности и пронизана цитатами из русских
песен и танцев. Этот новый реализм
распространяется  на характер Петрушки –
традиционной куклыперчатки, наполненной
человеческими чувствами и переживающей
серьёзную романтическую драму. Такой
психологический аспект был весьма нов для
танцевального мира.
«Гулянье на масленице в Петербурге».  Музыка
поражает необычайной жизненностью, яркостью в
обрисовке праздничного уличного быта старого
Петербурга. Адмиралтейская площадь, яркий
зимний день. В центре сцены  театрик Фокусника.
Тут же карусели, перекидные качели, ледяные
горы, лавки со сластями. С первых же тактов в
оркестре слышится общий неумолкающий вибрирующий гул: говор, выкрики торговцев,
обрывки песен и т. д.
Завораживающей мелодией своей флейты
фокусник привлекает толпу в свой театр, где три
куклы – Петрушка, Балерина и Арап – исполняют
живой и яркий «Русский танец».
Вопросы для закрепления материала:
1. Назовите годы жизни композитора.
2. Кого Стравинский считал своим «великим
учителем»? Какое произведение композитор
посвятил его памяти?
3. Какую дату мы считаем началом мировой
славы Стравинского?
4. Назовите имя русского театрального деятеля, с
которым связано создание ранних балетов
композитора. 5. Лидером какого направления в искусстве
Стравинский стал в 2030е годы?
6. Когда Стравинский в последний раз посетил
Россию? Феликс Мендельсон. Гармония и равновесие
Чувствуя себя в салонах и при дворе как дома,
Мендельсон при этом был одним из самых
серьёзных композиторов своего времени.
Создав за свою короткую жизнь множество
шедевров, он стал известен как «Моцарт XIX
века».
Феликс МендельсонБартольди родился 3 февраля
1809 года в Гамбурге в богатой семье банкиров
евреев, впоследствии принявших лютеранство. В
1816 году Феликса крестили, тогда же семья
Мендельсонов добавила к своей фамилии вторую
часть (Бартольди), чтобы отличаться от
родственников, оставшихся в иудаизме. Идеи Мендельсона оказали огромное влияние на
развитие идей немецкого просвещения и
реформизма в иудаизме в XIX веке.
Семья Мендельсонов могла похвалиться богатыми
культурными традициями  дед композитора,
Мозес Мендельсон, был крупным философом,
представителем немецкого просвещения. Отец
Феликса Мендельсона, Абрахам Мендельсон,
говаривал порою: «Раньше я был сыном своего
отца, а теперь я  отец своего сына». Но и он сам,
банкир, не принадлежал к породе «классических
дельцов». Он много читал, знал иностранные языки
и неплохо разбирался в музыке. А в 1820 году
Мендельсоны, переехавшие к тому времени в
Берлин, «обзавелись» своим салоном, где бывали
Гегель, Гумбольдт, Гейне и многие другие
известные люди того времени. Таким образом, юный Феликс Мендельсон рос в
атмосфере любви к искусству. Родители старались
дать ему наилучшее образование  как общее, так и
музыкальное. Первым «музыкальным наставником»
стала для Феликса и его сестры Фанни мать, затем
к одаренным детям пригласили профессионального
пианиста.
Заметив, что сын делает большие успехи и, кроме
того, обнаруживает способности к композиции,
Абрахам Мендельсон договорился с Карлом
Фридрихом Цельтером, самым известным в
Берлине композитором и дирижером (а также
другом Гёте), что он будет преподавать Феликсу
музыкальную теорию. Незадолго до этого будущий
композитор начал брать еще и уроки игры на
скрипке. Помимо музыки Феликс Мендельсон изучал классическую филологию и живопись (сам
он довольно неплохо писал акварелью).
Уже семилетним мальчиком Мендельсон выступал
как пианист, а в одиннадцать лет всерьез увлекся
сочинением музыки. Спустя год ему
посчастливилось — благодаря Цельтеру
познакомиться с Гёте. Талантливый мальчик
произвел большое впечатление на великого поэта.
В его лице Мендельсон обрел и духовного
наставника, и покровителя, и друга, и поклонника.
В 1822 году состоялось первое концертное турне
Феликса Мендельсона  по Швейцарии, а в 1825
году он побывал в Париже, музыкальной столице
Европы. Музыкальная столица поразила юного
композитора и  разочаровала его. Он обнаружил,
что здесь почти никто не знает Бетховена;
 Аллегри, Гендель и Бах  позабыты. А ведь творчество именно этих композиторов было для
Мендельсона основной духовной пищей во все
годы его учения у Цельтера. Баха он боготворил со
всем пылом впечатлительного юноши. Страдая, что
лучшие произведения «великого немца» находятся
в забвении, он принял решение  вернуть к жизни
«Страсти по Матфею».
Дабы воплотить это решение, Мендельсону
пришлось преодолевать сопротивление
берлинского музыкального сообщества и даже
самого маэстро Цельтера. И все же, после двух лет
упорной работы, Феликс Мендельсон достиг своей
цели. 11 марта 1829 года он дирижировал
«Страстями», и исполнение имело огромный успех.
Это выдающееся событие ознаменовало собой
начало возрождения интереса к музыке Баха, и
«баховский ренессанс» более чем на век стал определяющим фактором в развитии немецкой
культуры. Благодаря тому же эпохальному
концерту музыкальная публика заметила и высоко
оценила дирижерский талант двадцатилетнего
Мендельсона.
Но успех на «исполнительскодирижерском»
поприще не отвлек Мендельсона от его главного
призвания  сочинения музыки. Чувствуя, что
Берлин становится тесен для него и больше не дает
ему новых впечатлений для его творчества, он
уехал за границу. В апреле 1829 года он
отправился в Англию, где и состоялись премьеры
его Первой симфонии до минор и увертюры «Сон в
летнюю ночь». Лондонцы приняли музыку
Мендельсона более чем доброжелательно.
Спустя несколько недель композитор уже снова в
пути  едет в Шотландию, а затем на Гебриды. Дикий, суровый пейзаж этих мест вдохновил
Мендельсона на создание лучших его
произведений. Возвращаясь в Берлин, музыкант
вновь ненадолго остановился в Лондоне и с
изумлением обнаружил, что его популярность
здесь стремительно возросла за то время, что он
отсутствовал. С тех пор Англия стала его второй,
«духовной», родиной.
Пробыв некоторое время в Берлине, Мендельсон
отправился в новое путешествие  на этот раз он
решил навестить Италию. С октября 1830 года до
лета 1831 года он посетил Венецию, Болонью,
Флоренцию, Рим, Неаполь, Геную и Милан.
Ласковая природа этой страны пришлась по душе
композитору. Но больше, чем природа, его
занимала, конечно же, культура Италии.
Величественные фрески ее церквей, руины античных зданий, произведения итальянских
композиторов  во всем этом Мендельсон находил
новые источники вдохновения. Покинув Италию,
он побывал в Швейцарии, а зиму 183132 годов
провел в Париже. Конечным пунктом этого
путешествия стала, разумеется, Англия, столь
любимая композитором.
Вернуться в Берлин Мендельсона заставило
известие о неожиданной смерти Цельтера. Абрахам
Мендельсон надеялся, что его сыну предложат
занять освободившееся место директора
Певческой академии, но этого не произошло. В
1833 году, однако, нашлась должность и для
Мендельсона  он стал мюзикдиректором в
Дюссельдорфе. Теперь в его обязанности входило
проводить репетиции и концерты Музыкального и
театрального общества. Правда, уже через несколько месяцев композитор оставил
Дюссельдорф и возвратился в Берлин, где стал
почетным членом Академии искусств.
В это время Мендельсон уже известен во всех
немецких городах. От выгодных предложений нет
отбоя. Кельн доверяет ему проведение
музыкального фестиваля, Лейпциг предлагает
университетскую кафедру. От этого заманчивого
предложения музыкант, впрочем, отказался. Зато с
радостью согласился руководить знаменитым
(Лейпцигским же) оркестром Гевандхаус.
Благодаря Мендельсону Лейпциг стал на
некоторое время одним из важнейших центров
музыкальной Европы. Оркестр, руководимый
Мендельсоном, блистательно исполняет шедевры
старых мастеров и произведения новых композиторов, а сам композитор много пишет, и
его премьеры проходят с неизменным успехом.
По его инициативе в Лейпциге установлен
памятник Баху, открылась в 1843 году
консерватория, которой суждено было оказать
огромное влияние на музыкальную жизнь всей
Германии. Здесь, в Лейпциге, прошли лучшие и
плодотворнейшие годы Мендельсона, сюда он
привез свою молодую жену  Сесиль Жанрено.
В мае 1847 года внезапно умирает любимая сестра
Феликса Мендельсона  Фанни. С ее смертью
композитор почувствовал, что силы начинают
оставлять и его самого. 4 ноября 1847 года он
скончался.

Звуки музыки Концерт для скрипки с оркестром  ми минор,
соч. 64, 1 часть
Этот концерт, написанный в 1844 году,  одно из
последних и самых зрелых инструментальных
произведений Феликса Мендельсона. Композитор
достиг здесь той высокой драматичности, которая
позволяет говорить о его связи с бетховенскими
симфоническими традициями. Вместе с тем
концерт насыщен духом романтизма  от первой до
последней ноты. В нем сосредоточились
характернейшие черты творчества Мендельсона
лиричность, песенность, изящество, чувство
красоты и гармоничности окружающего мира.
Тонкий и выразительный музыкальный колорит
сочетается здесь со строгостью формы.
Появление концерта стало настоящим событием в
музыкальной жизни Европы. Сейчас нам кажется, что первая половина XIX века ознаменовалась
расцветом всяческих искусств  и, в частности,
музыки. Однако у современников было совсем
другое ощущение. Шуман, например, с горькой
язвительностью замечал, что многие
преуспевающие композиторы заняты тем, что
сочиняют виртуозные пассажи, а затем уже думают
 чем бы заполнить пространство между ними. На
этом скорбном фоне скрипичный концерт
Мендельсона выделялся исключительной
серьезностью чувства и «обоснованной»
виртуозностью.

Песни без слов
Сестра Мендельсона Фанни, благодаря огромному
богатству семьи, получила  прекрасное домашнее
образование. Ее музыкальные способности всячески поощрялись. Она стала прекрасной
пианисткой, исполняла многие пьесы своего брата
и даже дирижировала оркестром. Ей принадлежит
более пятисот музыкальных произведений,
включая оратории. В творчестве Фанни очень
зависела от мнения своего гениального брата, но, в
свою очередь, часто давала ему важные советы.
Так, уже невозможно узнать, кому из них двоих
принадлежит идея «Песен без слов».
Задумка с самого начала была в корне новаторской
– легкая, ни к чему не обязывающая форма, не
обремененная особыми правилами. Напевность,
миниатюрность и возможность творческой свободы
«Песен без слов» привлекли мастеров
романтического направления. Жанру,
изобретенному братом и сестрой, стали подражать. Песня без слов № 6 ля мажор «Весенняя песня»,
соч. 62
В течение своей жизни Мендельсон написал 48
подобных пьес под названием «Песни без слов».
Каждая – тщательно сделанная миниатюра, нежная
и экспрессивная. В «Весенней песне» мелодию
сопровождает легкий, невесомый аккомпанемент.
Весна была одной из любимых тем композитора, а
тональность ля мажор явно казалась для него
такой же весенней. У Мендельсона немало музыки
о весне, и вся она – в ля мажоре.

Рондокаприччиозо ми мажор, соч. 14
Мендельсон написал это произведение в
пятнадцать лет. А в 1830 году в Мюнхене, следуя
из Веймара (где встречался с Гёте) в Зальцбург и Вену, он презентовал его пианистке Дельфине фон
Шаурот. Феликса на написание этой пьесы
вдохновил «Концертштюк» Вебера. В эпоху
романтизма блестящие концертные рондо
открывались медленным вступлением (часто
лирическим), за которым следовала искрометная
быстрая часть. Слушая рондокаприччиозо, легко
можно представить, каким виртуозом был сам
Мендельсон.
Браво, Феликс!
Трудно поверить, но двести лет назад никто не
помнил старину Иоганна Себастьяна Баха и его
музыку! В моде была другая — легкая и
незамысловатая. А фамилия Бах ассоциировалась у публики с его сыном Иоганном Христианом,
автором модных изящных шлягеровсонат.
И вот в 1809 году рождается Феликс Мендельсон.
Его отец был банкиром и любителем искусств, дед
— философом. В их доме встречались передовые
люди того времени — музыканты, поэты, писатели.
Уже в детстве у Феликса проявился музыкальный
талант, в 16 лет он написал одно из лучших своих
произведений — «Сон в летнюю ночь» по
Шекспиру (откуда, кстати, его знаменитый
свадебный марш). Юношу ждала блестящая
музыкальная карьера, сам Сальери готов был
принять его в ученики... Но Феликс, во многом
благодаря влиянию Гете, посещавшего их салон,
решает посвятить свою жизнь Служению
классической музыке — возрождению ее забытых
образцов и просветительству на своей родине! В 18 лет, работая музыкантом в Лейпциге в той же
церкви, где когдато служил Бах, Феликс находит
в архивах партитуру грандиозной мессы «Страсти
по Матфею», исполнявшейся при жизни Баха лишь
один раз и отвергнутой современниками. Он решил
во что бы то ни стало вернуть эту музыку людям!
Его учитель был потрясен величием произведения
и замысла юноши, но не поверил, что этот замысле
осуществим, ведь исполнение требовало
высочайшего мастерства и участия нескольких
сотен музыкантов и певцов… Однако юный Феликс
вдохновил своей мечтой многих друзей
музыкантов. Целый год они вдохновенно и
абсолютно бесплатно репетировали под
руководством юноши. И вот в 1829 году, ровно
через 100 лет после первого «выхода в
музыкальный свет» Баха, в том же Лейпциге при большом стечении общественности состоялось
второе рождение шедевра! Юный Мендельсон сам
дирижировал и вдобавок исполнял партию
клавесина! Он так волновался, что по ошибке взял
с собой томик с нотами совсем другого
произведения. Но чтобы музыканты, певцы и
публика ничего не почувствовали и премьера не
сорвалась, он усердно переворачивал страницы
партитуры, безошибочно дирижируя наизусть все
несколько часов этой сложнейшей мессы! Успех
был потрясающим.
С этого момента началось возрождение
музыки Баха, которое поддержали очень многие
музыканты, хотя треть наследия композитора
оказалась утеряна безвозвратно. Мендельсон
дирижировал оркестрами, исполняя бессмертные
классические образцы Баха, Генделя, Моцарта. Следуя своей миссии, он организовал в Лейпциге
первую в Германии консерваторию.
В ней начали преподавать лучшие таланты, в том
числе молодой Шуберт. Это были те, кто вновь
откликнулись на страстный призыв Мендельсона!
В эти же годы Мендельсон успел написать лучшую
свою музыку. Умер он, прожив 38 лет, всего на два
года больше Моцарта. Но исполнил свою миссию
— наполнил мир великой музыкой, без которой
уже трудно представить нашу жизнь.
Страсти по Матфею
Высочайшая вершина творчества Баха – «Страсти
по Матфею», объединяет все дарования
композитора в этом заявлении искренней веры. В
нем рассказывается история о предательстве и
распятии Христа, согласно Евангелию св. Матфея. Распятие Христа  центральный образ
христианского искусства. Сотни, тысячи
художников создавали свои интерпретации этого
сюжеты. Один из шедевров  «Изенгеймский
алтарь» Маттиаса Грюневальда. По силе
выражения этот живописный шедевр конгениален
баховским «Страстям по Матфею». И хотя нет
никаких исторических свидетельств того, что Бах
был знаком с этим творением Грюневальда, этика и
эстетика «Изенгеймского алтаря» и «Страстей по
Матфею» едины.
В 1722 году Бах становится кантором и учителем
при церкви св. Фомы. Эта преподавательская
должность, которую он получил после того, как
несколько других кандидатов отказались,
обязывала его отвечать за музыку в знаменитой
Томаскирхе. Музыка была важной частью лютеранской литургии, и Бах написал много кантат
на основе библейских текстов для использования в
церковных службах. В отличие от очень
официальной литургии католической церкви в те
времена участие прихожан в службе поощрялось, и
включать в нее гимнические хоральные разделы,
которые должны были исполняться всеми, было
обычной практикой.
Мощь и величие
В конце 1720х годов Бах приступил к самой
амбициозной и великой работе среди духовных
сочинений – «Страсти по Матфею». Это пересказ
истории ареста и смерти Христа. Страсти – слово,
взятое от Евангелия св. Матфея. Написанное для
страстной Пятницы (день, когда был распят
Христос, самый темный день в христианском
календаре), это мощное и поражающее воображение произведение иллюстрирует события,
связанные со смертью Христа, как будто история
остановилась там, в скорби и безнадежности.
О страстях повествует рассказчик, поющий
тенором, с участием солистов, исполняющих
партии других главных героев, таких как Петр,
Пилат и Иуда, а хор выступает в разнообразных
ролях, иногда комментируя или присоединяясь в
качестве участников разворачивающегося
действия.
Сюжет «Страстей» охватывает события последних
трех суток жизни Христа  тайная вечеря,
предсказание о предательстве Иуды, установление
таинства причастия, моление Христа о чаше на
горе Елеонской, взятие Христа под стражу, суд над
Христом, шествие на Голгофу, распятие Христа,
смерть и погребение. Текст взят лютеранином Бахом, естественно, из лютеровского перевода
Библии на немецкий язык, поэтому в переводах на
русский язык «Страстей по Матфею», да и других
произведений, основанных на Библии, мы
встречаем отличия от русского синодального
перевода евангельских текстов.
Предательство
Мелодия хорала BWV 244 № 17 «Я выстою с
тобою» («Ich will hier bei dir Stehen») теперь
широко известна. Его поют ученики Иисуса на
Масличной горе, всего за несколько часов до его
ареста. Он предсказывает, что они бросят его в ту
ночь. В словах хорала они протестуют, говорят,
что будут стоять за него, что бы ни случилось, до
самой смерти.
В арии  № 39 (альт) «Будь милостив мой Бог»
(«Erbarme Dich») солист сетует на истинность предсказания Иисуса. Петр отрекся от него три
раза, он роняет слезы стыда и просит Бога
сжалиться над ним.
Речитатив и хор №67 «Теперь Иисус обрел покой»
(«Nun ist der Herr zur Ruh Gebracht») неоднократно
повторяет нежные пожелания спокойного сна
Иисусу, когда тело его положили в могилу.
Сейчас они взывают к нему, хор № 68 «Мы все в
слезах к Тебе склонимся» («Wir setzen uns mit Tr?
nen Nieder»), молясь, чтобы после всех ужасов
последних нескольких часов и после жестокой
мученической кончины он, наконец, обрел мир и
покой. Великие исполнители ХХ века
Фёдор Шаляпин. Царьбас
Как Сабинин в опере Глинки, я восклицаю:
«Радость безмерная!»
Великое счастье на нас с неба упало!
Новый, великий талант народился...
(В. Стасов)
Мы живём в то удивительное время, когда чудеса
стали обычным, повседневным явлением.
Благодаря одному из таких чудес и мы сейчас, так
же как когдато Владимир Васильевич Стасов,
можем воскликнуть: «Радость безмерная!»
слышим голос Шаляпина.
Царьбас «Про Шаляпина ктото сказал,  писал В. И.
НемировичДанченко,  когда Бог создавал его, то
был в особенно хорошем настроении, создавая на
радость всем».
Этот голос, однажды услышав, действительно
невозможно забыть. К нему возвращаешься вновь и
вновь, несмотря на несовершенство старых
грамзаписей. Прекрасные голоса были и до, и
после Шаляпина, но с его высоким «бархатным»
басом, отличавшимся невероятной
выразительностью, сравниться могут немногие. И
завораживает слушателя не только уникальный
тембр, но и то, насколько точно и тонко удавалось
певцу передать малейшие оттенки чувств,
заложенных в произведении, будь то оперная
партия, народная песня или романс. Шаляпин поднял вокальное искусство на новую
высоту, преподав уроки музыкальной  правды тем,
кто был рядом, и щедро поделившись своими
секретами с грядущими поколениями артистов.
А история жизни русского Царьбаса – это урок
для всех. В каких бы условиях ты ни жил, коль
есть в тебе искра таланта – иди за мечтой, трудись,
стремись к совершенству… И всё получится.
Фёдор Иванович Шаляпин родился 1 ноября 1873
года в Казани, в бедной семье крестьянина из
деревни Сырцово Вятской губернии Ивана
Яковлевича Шаляпина. Мать, Евдокия (Авдотья)
Михайловна (урождённая Прозорова), родом из
деревни Дудинской той же губернии. Уже в
детском возрасте Фёдор обладал красивым
голосом (дискант) и часто подпевал матери,
«подлаживая голоса». С девяти лет пел в церковных хорах, пытался
научиться играть на скрипке, много читал, но
вынужден работать учеником сапожника, токаря,
столяра, переплётчика, переписчика. В двенадцать
лет участвовал в спектаклях гастролировавшей в
Казани труппы в качестве статиста. Неуёмная тяга
к театру приводила его о различные актёрские
труппы, с которыми он кочевал по городам
Поволжья, Кавказа, Средней Азии, работая то
грузчиком, то крючником на пристани, часто
голодая и ночуя на скамейках.
Некоторое время занимался у Д. А. Усатова в
Тбилиси, где начал профессиональную
сценическую деятельность (с 1893 года). В 1895
году пел в Мариинском театре, в 18961899  в
Московской частной русской опере, на сцене которой он исполнил большинство партий своего
репертуара.
Важной вехой о его биографии было творческое
общение с Сергеем Васильевичем Рахманиновым.
С 24 сентября 1899 года Шаляпин  ведущий
солист Большого и одновременно Мариинского
театров, с триумфальным успехом гастроли  за
рубежом. В 1901 году в миланском «Ла Скала» он
с огромным успехом поёт партию Мефистофеля в
одноименной опере А. Бойто с Энрико Карузо,
дирижировал А. Тосканини. Мировую славу
русского певца утвердили гастроли в Риме (1904),
МонтеКарло (1905), Оранже (Франция, 1905),
Берлине (1907), НьюЙорке (1908), Париже (1908),
Лондоне (1913/14).
Божественная красота голоса Шаляпина покоряла
слушателей всех стран. Его высокий бас, поставленный от природы, с бархатистым, мягким
тембром, звучал полнокровно, мощно и обладал
богатейшей палитрой вокальных интонаций.
Эффект художественного перевоплощения
изумлял слушателей,  тут не только внешний
облик, но и глубокое внутреннее содержание,
которое передавала вокальная речь певца. В
создании ёмких и сценически выразительных
образов певцу помогает его необычайная
многогранность: он и скульптор, и художник,
пишет стихи и прозу. Такая разносторонняя
одарённость великого артиста напоминает
мастеров эпохи Возрождения,  не случайно
современники сравнивали его оперных героев с
титанами Микеланджело.
Искусство Шаляпина перешагнуло национальные
границы и повлияло на развитие мирового оперного театра. Многие западные дирижёры,
артисты и певцы могли бы повторить слова
итальянского дирижёра и композитора Д.
Гавадзени: «Новаторство Шаляпина в сфере
драматической правды оперного искусства
оказало сильное воздействие на итальянский
театр... Драматическое искусство великого
русского артиста оставило глубокий и
непреходящий след не только в области
исполнения русских опер итальянскими певцами,
но и в целом, на всём стиле их вокально
сценической интерпретации, в том числе
произведений Верди...»
Особое значение имело участие Шаляпина в
«Русских сезонах» как пропагандиста русской
музыки, прежде всего творчества М. П.
Мусоргского и Н. А. РимскогоКорсакова. Он был художественным руководителем Мариинского
театра (1918), выборным членом директорий
Большого и Мариинского театров. Выехав в 1922
году за границу на гастроли, Шаляпин не вернулся
в Советский Союз, жил и умер в Париже (в 1984
году прах Шаляпина перенесён на Новодевичье
кладбище в Москве).
Крупнейший представитель русского
исполнительского искусства, Шаляпин, был равно
велик и как певец, и как драматический актёр. Его
голос  удивительный по гибкости, тембровому
богатству  звучал то с проникновенной
нежностью, задушевностью, то с разящим
сарказмом.
Мастерски владея искусством фразировки,
тончайшей нюансировки, дикции, певец насыщал
каждую музыкальную фразу образным смыслом,

intro:
Стравинский был одним из величайших композиторов ХХ столетия, игравшим ключевую роль в развитии самых разных направлений в музыке на протяжении почти полувека...

Игорь Стравинский - легендарная фигура в музыке ХХ века. За долгую жизнь этому композитору удалось использовать все достижения современной авангардной музыки.
Русская народная песня, богатство её ритмико-мелодической структуры были для Стравинского источником создания собственной мелодики фольклорного типа. Стравинский никогда не был просто эпигоном каких-либо стилей.

музыка

group: Дисциплины

title: Урок:  Игорь Фёдорович Стравинский