extracted_text:
Многозначность понятия гармония. (6 класс)
Есть ли чтонибудь более прекрасное, чем сила гармонии?
Хотелось бы видеть здесь проявление некоей божественной
любви,
узнать её происхождение и установить связь с другими силами,
которыми держится Вселенная.
Птолемей
«Гармония»  одно из самых главных понятий музыкального
искусства. Что же оно означает?
Слово «гармония» возникло далеко за пределами музыки. Люди
издавна называли гармонией красоту и соразмерность, где бы она
себя ни проявляла  в архитектурном ли сооружении, состоянии
души или человеческой фигуре.
Древние греки словом «гармония» определяли даже периоды
мирной жизни, свободные от войн и потрясений.
В музыке слово «гармония» выражает её основное свойство –
благозвучие (благозвучный – приятный на слух). Благозвучие как
порядок в царстве звуков, аккордов, ладов – это и есть
музыкальная гармония. Как и всякое искусство, музыка имеет свой собственный
«материал». Как цвет в живописи, слово в литературе, мрамор в
скульптуре  так звук в музыке есть её ядро, из которого
рождается музыкальное произведение. Однако любой
произвольный порядок звуков ещё не является признаком
гармонии. Послушайте, как звучит случайный набор музыкальных
звуков.
Музыка начинается лишь тогда, когда её звуки организуются по
определённым законам, которым подчиняется музыкальное
произведение.
Великий русский композитор М. И. Глинка о гармонии сказал так:
«Дело гармонии дорисовать слушателям те черты, которых нет и
не может быть в мелодии». Иными Словами  гармония как бы
досказывает мысль, которая заключена в мелодии. Без помощи
гармонии музыкальная мысль не может быть высказана полным
голосом.
Гармония  одно из выразительнейших средств в музыке, это голоса
и аккорды, сопровождающие мелодию. Они составляют с мелодией
не только одно гармоническое целое, но поддерживают, дополняют
и украшают её звучание. Гармония ощутима в любом произведении. В самых высших своих
проявлениях она воздействует как непрерывно струящийся свет, в
котором мы ощущаем отблеск неземной божественной гармонии.
Произведения, отмеченные знаком такой «высшей» гармонии, есть
у многих композиторов  у Баха и Моцарта, Шуберта и Брамса. В
таких произведениях течение музыки несёт печать возвышенного
покоя и равновесия.
Одно из таких произведений – Прелюдия до мажор И. С. Баха.
«Такого чуда, как Бах, не знает другое искусство. Уметь
очистить человеческую природу так, что она приобретает
божественные очертания, вложить духовное рвение в самые
обыденные человеческие поступки, преходящему придать
крылья вечности, обожествить земное и очеловечить
божественное  вот что мог Бах  самое высокое и самое
чистое, что дала музыка всех времён ...
Эта музыка  наилучший источник молодости. Она обновляет
душу и располагает провести день в безмятежной и доверчивой
радости».
(Х. М. Корредор) Создавая свой цикл прелюдий и фуг, известный ныне всему миру
под названием «Хорошо темперированный клавир», Бах ставил
перед собой вполне определённую цель: познакомить играющих на
клавире со всеми двадцатью четырьмя мажорными и минорными
тональностями, многие из которых до того времени не были в
употреблении.
«Хорошо темперированный клавир» справедливо считается
своеобразной энциклопедией баховских образов. В редком
разнообразии камерных форм «Хорошо темперированного
клавира» раскрывает Бах большой и сложный мир человека, его
художественнопоэтические представления, богатейшую область
человеческих чувств.
Бах тонко использовал в прелюдии приёмы, идущие от лютневой
музыки XVIII века (для щипковых инструментов характерна
фактура из разложенных аккордов), ставшие уже традиционными в
клавирной музыке.
Вслушаемся в звучание Прелюдии до мажор. Отчего её музыка
кажется такой светлой, такой умиротворённой?
Слушание: И. Бах. Прелюдия До мажор. Хорошо темперированный
клавир, том 1, BWV 846 в исп. Гарри Купера (клавесин) Прежде всего этому способствует характер музыкального течения:
негромкий, неторопливый, не содержащий никаких срывов и
неожиданностей. Ничто в прелюдии не меняет первоначально
избранного движения  ни ритм, ни темп ... Лишь только гармония
бесконечно колеблется, мерцает, оборачиваясь то мажорными, то
минорными звучаниями, то чуть омрачаясь, то вновь
умиротворяясь.
Вопросы и задания:
1.
2.
3.
Что мы называем музыкальной гармонией?
Где, помимо музыки, проявляет себя гармония?
Почему гармонию, как и мелодию, считают главным
средством музыкальной выразительности?
4.
5.
Что отличает характер Прелюдии до мажор И. С. Баха? Как
проявляет себя гармония в этой прелюдии?
Созвучен ли образ «Сикстинской мадонны» Рафаэля музыке
Прелюдии до мажор? Попробуйте объяснить, в чём проявляется
эта созвучность? (Возможно повторное слушание по желанию
педагога). Слушание: И. Бах. Прелюдия До мажор. Хорошо темперированный
клавир, том 1, BWV 846 в исп. Фридриха Гульда (фортепиано)
Взаимодействие национальных культур в музыкальных
произведениях. (6 класс)
 «Музыка, как и любое искусство,
передаёт мысли того, кто её создал,
мысли и чувства тех, кого она изображает…»
В. А. Сухомлинский
Мелодии, как и ритмы, отличаются глубоко отличаются друг от
друга. Они отражают и национальные особенности страны, красоту
пейзажа, и характер человека, и конечно же творческую личность
композитора.
Даже тогда, когда композитор обращается к сюжету из
зарубежного искусства, он вносит в своё музыкальное
произведение столько родных интонаций, что оно становится
достоянием национальной культуры его страны. Среди таких произведений  чудесный детский балет
«Щелкунчик», написанный П. Чайковским по сказке немецкого
писателя Э. Т. А. Гофмана.
Рождественская музыкальная сказка Чайковского полна
прекрасных ярких мелодий  то напряжённодраматических
(драматический – связанный с переживаниям), то тихих и нежных,
то песенных, то танцевальных.
Несмотря на обращение к сказочному сюжету из немецкой
литературы, музыка «Щелкунчика» глубоко русская, как и вообще
музыка Чайковского. И новогодние танцы, и волшебные картины
зимней природы  всё в этом балете проникнуто интонациями,
близкими и понятными каждому человеку, выросшему в России. Не
случайно сам Чайковский признавался: «Я ещё не встречал
человека, более меня влюблённого в матушку Русь... Я страстно
люблю русского человека, русскую речь, русский склад ума,
русскую красоту лиц, русские обычаи».
«Русское» в балете «Щелкунчик» выражает себя не только в
народнопесенных мелодиях. Скорее мы отмечаем ту огромную
силу чувств и переживаний, которая так свойственна русскому
человеку. Сказка Эрнеста Теодора Амадея Гофмана «Щелкунчик и
Мышиный король» была опубликована в 1816 году. Её главные
герои  девочка по имени Мари и странная игрушка  щипцы для
колки орехов в форме солдатика, тот самый легендарный
Щелкунчик, которого подарил Мари её крестный, сказочник
Дроссельмейер. Только он знал, что Щелкунчик  это не
безобразная игрушка, а прекрасный принц, которого заколдовала
злая королева Мышильда.
В рождественскую ночь начинаются сказочные превращения,
благодаря которым Щелкунчик оживает и вступает в схватку с
мышами. В этой битве ему помогают тоже ожившие игрушки Мари.
И вот счастливый финал  Щелкунчик убивает Мышиного короля,
тем самым рассеивая злые чары. И Мари, полюбившая уродливую
игрушку, видит перед собой расколдованного принца. Он
приглашает её в свою страну, где объявляет Мари своей
принцессой.
Эта бессмертная история, рассказанная нам Эрнстом Амадеем
Гофманом и бережно перенесённая в музыкальное измерение
Петром Ильичом Чайковским, напоминает взрослым о том, что не
всё в мире можно купить. Есть ещё и настоящие неподдельные
чувства! Одна из ярчайших мелодий балета – «Падеде» из II действия.
Выдающийся балетмейстер М. Петипа назвал «потрясающей по
своему воздействию». (Падеде – танец двоих.)
Эта мелодия, возникающая после неторопливого вступления,
начинается сразу с высшей своей точки. Такой тип мелодии
получил название «вершинаисточник». Подобно водопаду, он
зарождается на высоте, и затем уже мелодия движется только вниз,
«растворяясь» в пассажах аккомпанемента.
В «Щелкунчике» эта мелодия выражает очень многое – и
страдания главных героев – Мари и Щелкунчика, и отвагу их
помыслов и поступков, и, наконец, огромную всепобеждающую
силу чистой любви.
Слушая мелодию «Падеде» из балета «Щелкунчик»,
удивляешься, как много в музыке от живой выразительности
человеческой речи! Наверное, в этом её свойстве снова и снова
обнаруживает себя происхождение мелодии от интонации
человеческого голоса. Ей доступны малейшие оттенки  и вопрос, и
восклицание, и даже многоточие...
Вслушайтесь в интонационное развитие музыки этого фрагмента
и вы убедитесь, что в нём присутствует всё многообразие эмоционального высказывания. Но есть в ней и то, о чём великий
романтик Г. Гейне сказал: «Где кончаются слова, там начинается
музыка». Может быть, правота этих слов особенно очевидна, если
речь идёт о мелодии: ведь из всех сторон музыкальной
выразительности именно мелодия ближе всего к интонации живой
речи.
Мелодию по праву можно назвать языком, который близок и
понятен всем – людям, живущим в различные времена, говорящим
на разных языках, детям и взрослым. Не означает ли это, что
мелодия «угадывает» нас самих – наши затаённые чувства, наши
мысли? Ведь не случайно говорят: «струны души», когда хотят
выразить то, что даёт нам возможность воспринимать и любить
безграничную прелесть окружающего мира.
Вопросы и задания:
1.
Какие чувства выражает мелодия «Падеде» из балета
«Щелкунчик» П. Чайковского?
2.
3.
Почему музыку балета «Щелкунчик», написанную на сюжет
немецкой сказки, можно назвать истинно русской?
Вспомните несколько мелодий, в которых выражались бы
различные интонации: грустная, ласковая, весёлая и т. д. Радость и скорбь в произведениях В. А. Моцарта
(6 класс)
Стихия музыки – могучая стихия,
Она чем непонятней, тем сильней.
Глаза мои, бездонные, сухие,
Слезами наполняются при ней.
Она и не видна, и невесома,
И мы её в крови своей несём.
Мелодия всемирная истома,
Как соль в воде, растворена во всём…
                             Евгений Винокуров
Немало на свете и весёлых мелодий, рождённых в минуты радости
или в дни праздников. Даже среди серенад  большей частью
грустных и задумчивых – можно найти жизнерадостные и
подвижные мелодии, полные очарования и оптимизма (оптимизм –
бодрость, жизнерадостность). Кому не знакома прелестная и грациозная (грациозный – изящный,
стройный) «Маленькая ночная серенада» В. А. Моцарта, мелодия
которой полна света и обаяния праздничной ночи!
В Вене XVIII века было принято устраивать небольшие ночные
концерты под окнами того человека, которого хотели отметить
вниманием. Разумеется, смысл музыки, исполнявшейся в его честь,
был вовсе не лирическим и не сокровенным, как в любовной
серенаде, а скорее забавным и чуть озорным. В таком ночном
концерте участвовало несколько человек  ведь радость
объединяет людей!
Для исполнения серенады Моцарта требовался струнный оркестр
собрание виртуозных и выразительных инструментов, так волшебно
певших в тишине венской ночи.
Мелодия «Маленькой ночной серенады» пленяет тонкостью и
изяществом. В её звуках оживает облик старой Вены, необычайно
музыкального города, где днём и ночью можно было услышать
чудесную музыку. Лёгкость и ловкость изложения подчёркивает,
что это не драматическая история, а не более чем беззаботная
прелестная музыкальная шутка. Очарованный светлыми моцартовскими мелодиями, русский певец
Ф. Шаляпин так выразил своё отношение к великому венскому
классику: «Идёшь в дом, простой, без лишних украшений, уютный,
большие окна, море света, кругом зелень, всё приветливо, и тебя
встречает радушный хозяин, усаживает тебя, и так хорошо себя
чувствуешь, что не хочешь уходить. Это Моцарт».
В этих искренних словах отражена лишь одна сторона музыки
Моцарта  та, что связана с самыми светлыми образами и
настроениями. Но, пожалуй, во всей многовековой истории музыки
не найдёшь композитора, чьи мелодии были бы только радостными
и гармоничными.
И это понятно: ведь и жизнь никогда не бывает только светлой,
только ясной, в ней неизбежны утраты и разочарования, ошибки и
заблуждения. В ней человек не только занят обычными делами
ходит в детский сад или в школу, занимается спортом или играет
на компьютере. Кроме всего этого он задаётся очень многими
вопросами, пытаясь понять себя, свою жизнь и своё место в
окружающем мире. Он думает не только о том, куда поехать
отдыхать или как отпраздновать день рождения, но и о том, что
составляет более важные и серьёзные проблемы  проблемы добра
и зла, любви и ненависти, жизни и смерти. Именно в искусстве наиболее ярко проявляют себя те чувства и
раздумья, которыми живёт человек. И поэтому не следует
удивляться, когда тот же самый Моцарт, написавший «Маленькую
ночную серенаду», тот Моцарт, которого композитор А.
Рубинштейн называл Гелиосом  богом солнца музыки, о котором
восклицал: «Вечный солнечный свет в музыке имя тебе Моцарт!»
создаёт одно из самых скорбных во всём мировом искусстве
сочинений  свой Реквием.
Умирающий композитор, последние месяцы своей жизни
посвятивший этому произведению, так писал о нём в одном из
своих писем: «Передо мной моя погребальная (погребальный
похоронный) песнь. Не могу оставить её незавершённой».
«Реквием»  последнее, произведение композитора и одно из самых
вдохновенных и глубоких музыкальных творении XVllI века ...
Заказ написать «Реквием» (траурную мессу) Моцарт получил в
июле 1791 года. Заказчик, незнакомый композитору человек в
тёмном плаще, не пожелал открыть своего имени, но с большой
аккуратностью выплачивал обещанный гонорар.
Впоследствии, много лет спустя после смерти Моцарта,
выяснилось, что таинственный незнакомец был управляющим некоего графа Вальзега, меломана и музыканталюбителя.
Стремясь прослыть композитором, граф скупал чужие сочинения,
переписывал их от руки и выдавал за свои. Так поступил он и с
«Реквиемом», который в 1793 году был исполнен как произведение
графа Вальзега в память его покойной жены. Когда в начале XIX
века в печати появилось сообщение о предстоящей публикации
«Реквиема» Моцарта, возмущённый граф потребовал у вдовы
композитора возмещения убытков».
«Реквием» Моцарта написан на традиционный латинский текст
католической заупокойной службы, которая сложилась в далёком
средневековье. Содержание текста  мольба ... о даровании вечного
покоя умершим, мистические картины страшного суда, образ бога
грозного и милосердного, карающего и прощающего.
Этот канонизированный текст послужил Моцарту лишь канвой, по
которой устремилась его творческая мысль. Гений композитора
возвысился над церковными канонами. Не погребальную мессу
Моцарт создал бесценный памятник своей эпохи великих
философов, революционеров, музыкантов... Его «Реквием»  это
глубокая и мудрая трагическая поэма о жизни и смерти, о судьбах
личности и всего человечества; это взволнованная, трогательная
исповедь человеческой души, живущей между отчаянием и надеждой, правдивый рассказ о её сомнениях и страхах. И что
особенно важно, в музыке Моцарта рядом с религиозным
смирением, с готовностью предстать перед «высшим судом»,
клокочет мужественный, страстный протест и неприятие смерти.
Вот почему католическая церковь весьма неохотно допускала
исполнение моцартовского «Реквиема» в своих службах, вот
почему он стал преимущественно достоянием концертной эстрады
и пользуется несравненной популярностью в наши дни.
Реквием был заказан Моцарту неким незнакомцем, одетым во всё
чёрное, который однажды постучался в дом композитора и передал
этот заказ как поручение очень важного лица. Моцарт с увлечением
принялся за работу, в то время как болезнь уже подтачивала его
силы.
Душевное состояние Моцарта в период работы над Реквиемом с
огромной драматической силой передал Пушкин в маленькой
трагедии «Моцарт и Сальери». Вот как говорил композитор о
своих тревогах незадолго до смерти.
Мне день и ночь покоя не даёт
Мой чёрный человек. За мною всюду
Как тень он гонится. Вот и теперь Мне кажется, он с нами сам  третий
Сидит…
Популярная легенда о том, что композитор был отравлен своим
соперником Антонио Сальери, определённо не имеет под собой
оснований.
Моцарт не успел завершить свой Реквием. Незаконченные разделы
после смерти композитора были дописаны его учеником Ф.
3юсмайром, который был посвящён Моцартом в замысел всего
сочинения.
Не в этих ли во многом трагических обстоятельствах создания
Реквиема заключена его непостижимая глубина и сила,
воплотившая в себе последнюю волю великой души, уже овеянной
дыханием вечности?
Моцарт остановился в начале «Lacrimosa», дальше он не мог уже
продолжать. В этой части, входящей в кульминационную зону
сочинения, после гнева, ужаса, мрака предшествующих частей
наступает состояние возвышенной лирической скорби.
Мелодия «Lacrimosa» («Слёзный день») основана на интонации
вздоха и плача, одновременно являя образец глубокой искренности и благородной сдержанности чувства. Необычайная задушевность и
красота этой музыки сделали её широко популярной.
Вопросы и задания:
1.
Какие настроения передаёт «Маленькая ночная серенада» В.
А. Моцарта? Как вы думаете, почему над этой музыкой не
властно время, почему её с удовольствием слушают и взрослые, и
дети во все времена?
2.
3.
4.
Какие интонации звучат в «Lacrimosa» из «Реквиема» В. А.
Моцарта?
Задумайтесь: «Маленькая ночная серенада» и «Реквием»
принадлежат перу одного композитора. Почему, повашему, они
такие разные?
Приведите примеры различных произведений одного автора
(из области литературы или живописи), которые отличались бы
контрастным характером.
Радость и скорбь в произведениях В. А. Моцарта
(6 класс) Стихия музыки – могучая стихия,
Она чем непонятней, тем сильней.
Глаза мои, бездонные, сухие,
Слезами наполняются при ней.
Она и не видна, и невесома,
И мы её в крови своей несём.
Мелодия всемирная истома,
Как соль в воде, растворена во всём…
                             Евгений Винокуров
Немало на свете и весёлых мелодий, рождённых в минуты радости
или в дни праздников. Даже среди серенад  большей частью
грустных и задумчивых – можно найти жизнерадостные и
подвижные мелодии, полные очарования и оптимизма (оптимизм –
бодрость, жизнерадостность).
Кому не знакома прелестная и грациозная (грациозный – изящный,
стройный) «Маленькая ночная серенада» В. А. Моцарта, мелодия
которой полна света и обаяния праздничной ночи!
В Вене XVIII века было принято устраивать небольшие ночные
концерты под окнами того человека, которого хотели отметить вниманием. Разумеется, смысл музыки, исполнявшейся в его честь,
был вовсе не лирическим и не сокровенным, как в любовной
серенаде, а скорее забавным и чуть озорным. В таком ночном
концерте участвовало несколько человек  ведь радость
объединяет людей!
Для исполнения серенады Моцарта требовался струнный оркестр
собрание виртуозных и выразительных инструментов, так волшебно
певших в тишине венской ночи.
Мелодия «Маленькой ночной серенады» пленяет тонкостью и
изяществом. В её звуках оживает облик старой Вены, необычайно
музыкального города, где днём и ночью можно было услышать
чудесную музыку. Лёгкость и ловкость изложения подчёркивает,
что это не драматическая история, а не более чем беззаботная
прелестная музыкальная шутка.
Очарованный светлыми моцартовскими мелодиями, русский певец
Ф. Шаляпин так выразил своё отношение к великому венскому
классику: «Идёшь в дом, простой, без лишних украшений, уютный,
большие окна, море света, кругом зелень, всё приветливо, и тебя
встречает радушный хозяин, усаживает тебя, и так хорошо себя
чувствуешь, что не хочешь уходить. Это Моцарт». В этих искренних словах отражена лишь одна сторона музыки
Моцарта  та, что связана с самыми светлыми образами и
настроениями. Но, пожалуй, во всей многовековой истории музыки
не найдёшь композитора, чьи мелодии были бы только радостными
и гармоничными.
И это понятно: ведь и жизнь никогда не бывает только светлой,
только ясной, в ней неизбежны утраты и разочарования, ошибки и
заблуждения. В ней человек не только занят обычными делами
ходит в детский сад или в школу, занимается спортом или играет
на компьютере. Кроме всего этого он задаётся очень многими
вопросами, пытаясь понять себя, свою жизнь и своё место в
окружающем мире. Он думает не только о том, куда поехать
отдыхать или как отпраздновать день рождения, но и о том, что
составляет более важные и серьёзные проблемы  проблемы добра
и зла, любви и ненависти, жизни и смерти.
Именно в искусстве наиболее ярко проявляют себя те чувства и
раздумья, которыми живёт человек. И поэтому не следует
удивляться, когда тот же самый Моцарт, написавший «Маленькую
ночную серенаду», тот Моцарт, которого композитор А.
Рубинштейн называл Гелиосом  богом солнца музыки, о котором
восклицал: «Вечный солнечный свет в музыке имя тебе Моцарт!»  создаёт одно из самых скорбных во всём мировом искусстве
сочинений  свой Реквием.
Умирающий композитор, последние месяцы своей жизни
посвятивший этому произведению, так писал о нём в одном из
своих писем: «Передо мной моя погребальная (погребальный
похоронный) песнь. Не могу оставить её незавершённой».
«Реквием»  последнее, произведение композитора и одно из самых
вдохновенных и глубоких музыкальных творении XVllI века ...
Заказ написать «Реквием» (траурную мессу) Моцарт получил в
июле 1791 года. Заказчик, незнакомый композитору человек в
тёмном плаще, не пожелал открыть своего имени, но с большой
аккуратностью выплачивал обещанный гонорар.
Впоследствии, много лет спустя после смерти Моцарта,
выяснилось, что таинственный незнакомец был управляющим
некоего графа Вальзега, меломана и музыканталюбителя.
Стремясь прослыть композитором, граф скупал чужие сочинения,
переписывал их от руки и выдавал за свои. Так поступил он и с
«Реквиемом», который в 1793 году был исполнен как произведение
графа Вальзега в память его покойной жены. Когда в начале XIX
века в печати появилось сообщение о предстоящей публикации «Реквиема» Моцарта, возмущённый граф потребовал у вдовы
композитора возмещения убытков».
«Реквием» Моцарта написан на традиционный латинский текст
католической заупокойной службы, которая сложилась в далёком
средневековье. Содержание текста  мольба ... о даровании вечного
покоя умершим, мистические картины страшного суда, образ бога
грозного и милосердного, карающего и прощающего.
Этот канонизированный текст послужил Моцарту лишь канвой, по
которой устремилась его творческая мысль. Гений композитора
возвысился над церковными канонами. Не погребальную мессу
Моцарт создал бесценный памятник своей эпохи великих
философов, революционеров, музыкантов... Его «Реквием»  это
глубокая и мудрая трагическая поэма о жизни и смерти, о судьбах
личности и всего человечества; это взволнованная, трогательная
исповедь человеческой души, живущей между отчаянием и
надеждой, правдивый рассказ о её сомнениях и страхах. И что
особенно важно, в музыке Моцарта рядом с религиозным
смирением, с готовностью предстать перед «высшим судом»,
клокочет мужественный, страстный протест и неприятие смерти.
Вот почему католическая церковь весьма неохотно допускала
исполнение моцартовского «Реквиема» в своих службах, вот почему он стал преимущественно достоянием концертной эстрады
и пользуется несравненной популярностью в наши дни.
Реквием был заказан Моцарту неким незнакомцем, одетым во всё
чёрное, который однажды постучался в дом композитора и передал
этот заказ как поручение очень важного лица. Моцарт с увлечением
принялся за работу, в то время как болезнь уже подтачивала его
силы.
Душевное состояние Моцарта в период работы над Реквиемом с
огромной драматической силой передал Пушкин в маленькой
трагедии «Моцарт и Сальери». Вот как говорил композитор о
своих тревогах незадолго до смерти.
Мне день и ночь покоя не даёт
Мой чёрный человек. За мною всюду
Как тень он гонится. Вот и теперь
Мне кажется, он с нами сам  третий
Сидит…
Популярная легенда о том, что композитор был отравлен своим
соперником Антонио Сальери, определённо не имеет под собой
оснований. Моцарт не успел завершить свой Реквием. Незаконченные разделы
после смерти композитора были дописаны его учеником Ф.
3юсмайром, который был посвящён Моцартом в замысел всего
сочинения.
Не в этих ли во многом трагических обстоятельствах создания
Реквиема заключена его непостижимая глубина и сила,
воплотившая в себе последнюю волю великой души, уже овеянной
дыханием вечности?
Моцарт остановился в начале «Lacrimosa», дальше он не мог уже
продолжать. В этой части, входящей в кульминационную зону
сочинения, после гнева, ужаса, мрака предшествующих частей
наступает состояние возвышенной лирической скорби.
Мелодия «Lacrimosa» («Слёзный день») основана на интонации
вздоха и плача, одновременно являя образец глубокой искренности
и благородной сдержанности чувства. Необычайная задушевность и
красота этой музыки сделали её широко популярной.
Вопросы и задания:
5.
Какие настроения передаёт «Маленькая ночная серенада» В.
А. Моцарта? Как вы думаете, почему над этой музыкой не 6.
7.
8.
властно время, почему её с удовольствием слушают и взрослые, и
дети во все времена?
Какие интонации звучат в «Lacrimosa» из «Реквиема» В. А.
Моцарта?
Задумайтесь: «Маленькая ночная серенада» и «Реквием»
принадлежат перу одного композитора. Почему, повашему, они
такие разные?
Приведите примеры различных произведений одного автора
(из области литературы или живописи), которые отличались бы
контрастным характером. Мелодия  важнейшее средство музыкальной
выразительности (6 класс)
Мелодия всегда будет самым чистым
выражением человеческой мысли…
Ш. Гуно
Если ритм присутствует везде  и в природе, и в искусствах, то
мелодия всецело принадлежит музыке. Именно с мелодии и
начинается музыка как особое искусство.
В переводе с греческого это слово означает «пение» «песня»,
«напев» ... Самая первая в мире мелодия была, наверное,
колыбельная. С той поры люди сочинили столько мелодий, что
если каждый день с утра до ночи их слушать, то жизни не хватит,
чтобы познакомиться хотя бы с половиной из них.
Давайте и мы попробуем сочинить мелодию. Заманчиво сверкают
клавиши рояля: пожалуйста, мы к твоим услугам, говорят они.
Кажется, легче всего сочинить какуюнибудь песенную мелодию.
Вспомните какиенибудь стишки, ну, скажем, такие:
    Чижик, пыжик, где ты был?
    На Фонтанке воду пил... А теперь, читая про себя эти незамысловатые строчки, ритмично
ударяйте по клавишам. По каким? Да по каким придётся... Ну,
что? Не получается мелодия? Ничего удивительного. Далеко не
каждый набор звуков  мелодия.
Оказывается, мелодия создаётся по определённым законам, а
устанавливает эти законы музыкальный слух человека. Звуки в
мелодии должны ладить между собой, как бы вытекая друг из
друга, продолжая друг друга.
Мелодии песен и танцев нам всегда понятны. Но вот иногда,
слушая серьёзную музыку, мы встречаемся с мелодиями, которые
кажутся нам... немелодичными. А знатоки и любители музыки
слушают их с удовольствием. В чём тут дело?
Композитор С. С. Прокофьев говорил: ...Когда Бетховен сочинял
свои мелодии, они были так новы, что многие современники
говорили: «Этот глухой старик не слышит, что он сочиняет».
Между тем Бетховен правильно угадал будущее, и его мелодии
доставляют нам наслаждение через 100 лет после его смерти. То же
самое было с Вагнером, Листом и многими другими
замечательными композиторами».
Но неужели, нам, чтобы понять новую музыку и привыкнуть к ней,
придётся ждать сто лет? Нет, конечно. Если вы будете почаще встречаться с самой разной музыкой, ваш слух станет гибким,
послушным и научится понимать самые разные музыкальные языки.
Первая услышанная, первая пропетая мелодия становится
одновременно и первой музыкой в жизни человека. В ней есть то,
что позволяет нам провести границу между звучаниями природы и
той музыкой, в которой выражена человеческая душа. Не случайно
П. Чайковский, этот великий создатель мелодий, говорил:
«Мелодия  душа музыки», ибо где, как не в ней  то светлой и
радостной, то тревожной и сумрачной  слышатся нам
человеческие надежды, печали, тревоги, раздумья...
Человек нередко сравнивал с мелодией то, что казалось ему
наиболее прекрасным в окружающем мире,  пение лесной птицы,
журчание ручья, а порой и вообще далёкие от звучаний образы:
плавно изогнутую линию реки или силуэт далёких гор.
У Пушкина в «Каменном госте» есть такое сравнение: «Из
наслаждений жизни одной любви музыка уступает; но и любовь
мелодия». Великий поэт видит в мелодии вдохновляющую силу, ту
силу, которая есть высший предел человеческих чувств.
Если музыкальный ритм всё вокруг приводит в движение, рождая
танец и присущие ему жесты, то мелодия воздействует совсем иначе. Она не требует никаких внешних физических проявлений
ни движений, ни постукиваний в такт. Её восприятие происходит в
глубинном, скрытом плане. Иногда, слушая волнующую мелодию,
хочется даже закрыть глаза  ведь переживание музыки относится к
самым сокровенным человеческим чувствам.
Чем же объясняется воздействие мелодии?
Может быть, тем, что вначале, задолго до создания музыкальных
инструментов, она принадлежала голосу – человеческому голосу,
пением выражавшему то, что бессильны были выразить слова?
Послушайте чудесную мелодию «Серенады» Ф. Шуберта  одну из
самых проникновенных лирических (лирический – нежный,
задушевный) мелодий, созданных для голоса. Как и любая другая
серенада, она поётся ночью в честь возлюбленной.
Жанр серенады появился как вокальное или инструментальное
произведение, исполнявшееся обычно вечером или ночью в знак
уважения или любви к какомулибо лицу. Часто это была песня с
гитарным аккомпанементом под окном любимой.
После смерти Шуберта его последние четырнадцать песен,
написанные летом 1828 года, были выпущены в свет в сборнике
«Лебединая песня». Туда вошли такие шедевры художественной песни, как «Город», «Двойник» и знаменитая «Серенада»,
помещённая в сборнике четвёртой.
Выдающуюся популярность эта лирическая песня на слова
немецкого поэта Людвига Рельштаба приобрела, прежде всего
благодаря певучей мелодии широкого дыхания. Большинство её
фраз завершаются мечтательными взлётами. Они звучат, как
нежные призывы к возлюбленной прийти на тайное ночное
свидание. Звучанию гитары подражает и фортепианное
сопровождение в «Вечерней серенаде» Шуберта. Оно много раз
вторит в различных регистрах вокальной партии, как бы создавая
атмосферу нежной мечтательности  то трепетной, то
восторженной. Этому способствуют красочные сопоставления с
минором одноименного мажора  приём, очень характерный для
гармонического языка композитора.
Серенада (текст песни)
Русский текст Н. Огарёва, музыка Ф. Шуберта
Песнь моя летит с мольбою тихо в час ночной.
В рощу лёгкою стопою ты приди, друг мой.
При луне шумят уныло листья в поздний час,
Листья в поздний час. И никто, о друг мой милый, не услышит нас,
Не услышит нас.
Слышишь, в роще зазвучали трели соловья,
Звуки их полны печали, молят за меня.
В них понятно всё томленье, вся тоска любви,
Вся тоска любви.
И наводят умиленье на душу они,
На душу они.
Дай же доступ их призванью, ты душе своей,
И на тайное свиданье ты приди скорей!
Ты приди скорей!
В мелодии «Серенады» мы угадываем все чувства, которыми живёт
сердце возлюбленного в этот ночной час: и нежную грусть, и
томление, и надежду на скорую встречу. Наверное, «Серенада»
Шуберта  о счастливой любви: наступит день, влюблённые
встретятся. И всё же её мелодия открывает нам очень многое  то,
чего нет в словах и о чём вообще рассказать очень трудно.
Молодость, возлюбленная, ночная песня, летящая к ней,  вот
содержание произведения, в котором перечислено всё, кроме
самого главного. Главное же заключено в мелодии,
рассказывающей нам о том, как много печали даже в самой счастливой любви и как может быть печален человек даже в своей
радости.
Серенада Ф. Шуберта существует и как вокальное, и как
инструментальное произведение для фортепиано и даже для
оркестра.
Слушание «Серенады» на выбор педагога:
1. Шуберт. «Серенада» из сб. «Лебединая песнь» (исп. И.
Архипова на русском языке)
2. Шуберт. «Серенада» из сб. «Лебединая песнь»
(симфонический оркестр)
3. Шуберт. «Серенада» из сб. «Лебединая песнь» (в исп. Дж.
ШирлиКвёрка – баритон, Ян Партридж – фортепиано)
4. Шуберт. «Серенада» из сб. «Лебединая песнь». Музыкальная
каверверсия, сделанная композитором и аранжировщиком А.
Волковым на музыку «Серенады» Франца Шуберта. Вокальные
партии исполняют: Ирина Туманова  женский вокал, Андрей
Дунаев  мужской вокал.
Музыкальная каверверсия  авторская музыкальная композиция
(часто известная) в исполнении другого музыканта или коллектива.
Исполнение каверверсии может содержать элементы оригинальной музыкальной композиции, на которую
накладываются элементы новой музыкальной аранжировки.
В современной интерпретации эта песня, летящая в пространстве,
обрела сегодня куда большую масштабность и мощь, динамику и
энергию, стремящиеся к свету. Чтото потеряла, чтото нашла, но
она, как и весь мир, находится в процессе развития  не всегда
простого.
Мелодия  «одно из древнейших и универсальных проявлений
творчества человека», не зря мы говорим: «найти свою мелодию,
свою ноту». Чудес не бывает  чтобы развиваться, быть творческим
человеком, нужно этому учиться: впитывать опыт других,
впитывать красоту. Каждый жанр может подарить свои открытия,
но в проверенной временем музыке великих композиторов: Баха,
Моцарта, Вивальди, Бетховена, Вагнера, Чайковского,
Рахманинова, Форе и других  так много состояний, образов,
оттенков, что можно её открывать всю жизнь. Вопрос не в самой
музыке, но в том, что мы можем услышать и понять в ней, а что
может пройти мимо нас. «Музыка своей мелодией доводит нас до самого края вечности и
даёт нам возможность в течение нескольких минут постичь её
величие», — писал Томас Карлейль.
Вопросы и задания:
1.
В чём заключаются главные отличия выразительности мелодии
от выразительности ритма?
2.
3.
Как вы понимаете слова П. Чайковского: «Мелодия  душа
музыки»? Объясните на примере «Серенады» Ф. Шуберта.
Какие музыкальные инструменты могли бы исполнить
мелодию в «Серенаде» Ф. Шуберта?
Основные темпы в музыке (6 класс)
 «Библия музыканта начинается словами:
Вначале был ритм»
(Г. фон Бюлов)
Стремление музыкального ритма к преодолению «земного
притяжения» метрической пульсации – одно из проявлений эмоциональности в музыке. Ведь и у человека пульс бьётся не
всегда ровно, он ускоряется или замедляется в зависимости от его
переживаний, волнений и тревог.
Если проследить поведение ритма в музыкальном произведении, то
обнаружится, что оно не всегда одинаково. Гдето ритм
поддерживает спокойное и неторопливое повествование, гдето,
наоборот, включается в стремительное движение музыкального
потока, гдето нарочито (нарочито – намеренно, специально)
замедляется и даже как будто замирает.
Здесь мы подходим к ещё одному средству ритмической
выразительности музыки  её скорости, или темпу.
Музыка за долгие века своего существования научилась движению
во множестве темпов  от медленных до самых стремительных.
Каждый из музыкальных темпов имеет своё название, обычно на
итальянском языке. Так, например,
Adagio (адажио) означает «медленно»,
Moderato (модерато) – «умеренно»,
Аllеgrо (аллегро) – «скоро»,
Presto (престо) – «быстро», Presto prestissimo (престо престиссимо) – «в высшей степени
быстро».
Рядом с этими названиями могут применяться обозначения
усиливающего (molto  мольто – «очень») или сдерживающего
характера (mа nоn troppo  ма нон троппо – «но не слишком»).
Музыкальный темп в огромной степени зависит от содержания и
характера произведения, от тех настроений и эмоций, которые в
нём преобладают.
Музыка созерцательного, углублённого характера редко имеет
быстрый темп. Музыка же весёлого или шуточного характера,
наоборот, почти никогда не бывает медленной. Вот почему, даже
не зная многих музыкальных произведений, мы можем заранее
угадать их темп по тому, что известно об их содержании или
жанре.
Например, органные хоральные прелюдии И. С. Баха. Как должны
они звучать?
Прежде всего вспомним, что орган был первоначально церковным
инструментом и с его звучанием связывались самые светлые и
возвышенные образы. Точно так же и хорал возник как церковное песнопение, и лишь со временем некоторые композиторы стали
включать мелодии хоралов в свои инструментальные сочинения.
Духовная музыка, просветлённая, свободная от суеты мира,
представляет собой царство медленных и величественных темпов,
то спокойноотрешённых, то исполненных затаённой горести, но
всегда благородносдержанных. «Прекрасное должно быть
величаво»  эти слова А. Пушкина в полной мере относятся к
данной области музыкального искусства.
Органная хоральная прелюдия «Я взываю к Тебе, Господи» И. С.
Баха отличается особой, печальной красотой, свойственной
многим произведениям композитора. Мелодия хорала, изложенная
в верхнем голосе, столь выразительна, что напоминает пение.
Неторопливый темп в этой прелюдии предстаёт как выражение
строгости и собранности, глубокой сосредоточенности
музыкальной мысли.
Совсем поиному звучат в музыке быстрые темпы. Быстрые темпы
 это мир живых и радостных эмоций, стремительных танцев,
движений, душевных порывов.
3авязалась, закипела,
Все идёт живей, живей, Обуяла тарантелла
Всех отвагою своей ...
Эй, простору! Шибче, скрипки!
Юность мчится! С ней цветы,
Беззаботные улыбки,
Беззаветные мечты!
Эти слова из «Неаполитанской тарантеллы» итальянского
композитора Дж. Россини.
Тарантелла  один из самых жизнерадостных и зажигательных
народных танцев Италии.
Быстрый темп  Allegro con brio (аллегро кон брио) – «быстро, с
жаром»  кажется ещё более стремительным благодаря
непрерывному движению трёхдольных ритмических фигур, а также
многочисленным подбадривающим возгласам и повторам.
Вопросы и задания:
1.
Почему органная хоральная прелюдия И. С. Баха «Я взываю к
Тебе, Господи» звучит в неторопливом темпе? 2.
3.
Представьте мысленно, что «Неаполитанская тарантелла»
зазвучала бы в медленном темпе. Изменился бы её характер?
Назовите известные вам музыкальные произведения,
написанные в быстром или медленном темпе. Как вы думаете,
почему эти произведения написаны именно в этих темпах?
Зависимость музыкального темпа от характера
музыкального произведения.(6 класс)
Как мы уже отмечали, единый темп редко сохраняется на
протяжении всего произведения. Только в маленьких пьесах может
быть выдержано одно настроение от начала до конца. Гораздо чаще
темп чутко следует поворотам и нюансам музыкального развития,
то чуть ускоряясь, то замедляясь.
Более крупные произведения вообще, как правило, строятся по
принципу контрастного чередования разделов: быстрые части или
фрагменты сменяются медленными. Это помогает более глубоко раскрыть музыкальное содержание и способствует большему
вниманию со стороны слушателей.
Давайте вспомним, как звучит хор «Поёт зима – аукает» из
кантаты Г. Свиридова «Поэма памяти Сергея Есенина».
Музыкальный темп на протяжении звучания неоднократно
меняется, следуя за изменениями поэтического сюжета. Но и само
стихотворение имеет свою собственную динамику темпа,
рассказывая нам о «песнях и плясках» суровой зимы.
Поёт зима  аукает,
Мохнатый лес баюкает
Стозвоном сосняка.
Кругом с тоской глубокою
Плывут в страну далёкую
Седые облака.
А по двору метелица
Ковром шелковым стелется,
Но больно холодна.
Воробышки игривые,
Как детки шаловливые,
Прижались у окна. Озябли пташки малые,
Голодные, усталые,
И жмутся поплотней.
А вьюга с рёвом бешеным
Стучит по ставням свешенным
И злится всё сильней.
И дремлют пташки нежные
Под эти вихри снежные
У мёрзлого окна,
И снится им прекрасная,
В улыбках солнца ясная
Красавица весна.
В начале стихотворения мы слышим, как звенит мохнатый лес,
укачиваемый зимним ветром, затем как кружит во дворе холодная
метелица, наконец, как злится и ревёт вьюга, стуча по ставням.
Усилению злого зимнего образа соответствует нарастание темпа:
музыка звучит всё быстрее и быстрее. И лишь на словах «И снится
им прекрасная, / В улыбках солнца ясная / Красавица весна» в
музыке наступает успокоение, темп становится неторопливым,
принося ощущение весеннего тепла и безмятежности. Вот как выглядит схема темповых изменений в хоре «Поёт зима –
аукает»:
«Поёт зима аукает»  = 84
«А по двору метелица»  = 88
«А вьюга с рёвом бешеным»   = 92
Оркестровый эпизод  =104108
«И снится им прекрасная»  = 88
Заключение  = 63
Раньше темпы в музыке определялись приблизительно, по
настроению. Но иногда композиторы хотели обозначить темп очень
точно. В начале XIX века немецкий механик Иоганн Мельцель
специально для этого изобрёл метроном. Теперь часто можно
встретить в нотах кроме обычных обозначений темпа ещё и
метрономические, цифровые. Например, ♩ = 120. Это означает, что
за одну минуту должно прозвучать 120 четвертных нот. Нужная
скорость легко находится по метроному. Иногда перед такими
обозначениями ставятся буквы ММ, что означает «Метроном
Мельцеля».
О чём же рассказывает музыкальный ритм? Что слышится нам в мерной поступи метра, в причудливом и порой
неожиданном рисунке ритма; какую загадку таят музыкальные
темпы? И как всё это, сочетаясь множеством связей, преобразуется
в стройное, совершенное и гармоничное целое  музыкальное
произведение?
Наверное, в каждом из нас живут представления о красоте.
И мы, современные люди, в этих представлениях ушли не так уж
далеко от древних греков, живших двадцать столетий назад. То,
что казалось прекрасным в те далёкие века, что породило такие
неумирающие шедевры гармонии, как Парфенон или афинский
Акрополь, остаётся прекрасным и сейчас, рождая красоту не
только в симфониях и сонатах, но и в детских стихах, рисунках
или песнях.
Мы видим, что из всех искусств только музыка способна показать
нам красоту в движении, в развитии, в её становлении. А. Блок
говорил, что в мире «…катятся звуковые волны, волны духа». Но
точно так же, как сейчас, эти волны катились и сто, и двести лет
назад. В них  наши радости и надежды, поражения и
разочарования, всё, чем полна человеческая жизнь. Лишь музыке
подвластно выразить это грандиозное непрекращающееся движение  движение звёзд и земли, океанов и рек, людских судеб и чувств.
Лишь музыка доносит до нас живой ритм давно ушедших времён.
И хотя мы знаем, что музыка никогда не воздействует какойлибо
одной своей стороной, выступая всегда в единстве всех
выразительных средств, всё же отдадим должное ритму. Ведь не
случайно выдающийся музыкант Г. фон Бюлов сказал: «Библия
музыканта начинается словами: вначале был ритм».
Вопросы и задания:
1.
Почему в хоре «Поёт зима – аукает» из кантаты Г. Свиридова
«Поэма памяти Сергея Есенина» темп многократно изменяется? С
чем это связано?
2.
3.
4.
5.
Почему именно ритм является основой музыки?
Как вы думаете, могла бы музыка существовать без ритма?
Как вы можете объяснить слова: «Порядок, симметрия
коренные свойства ритма».
Приведи примеры, где ещё, кроме музыки, проявляет себя
ритм. Отличие между метром и ритмом (6 класс)
Каждое музыкальное произведение обязательно написано в каком
нибудь определённом размере: 2/4, 3/4, 4/4 и т. д. Однако размер
редко совпадает с ритмическим рисунком музыки. Ритм обычно
намного богаче и разнообразнее простой метрической пульсации.
Метр. В музыке важную роль играет пульсация, организующая её
движение. Метр  это равномерная пульсация и он всегда один и
тот же для данного музыкального размера. Метр задаёт норму
отсчёта ритмического движения. Единица пульсации называется
долей. Доли неравноценны: есть сильные и группирующиеся вокруг
них слабые. Чередование сильных и слабых долей образует метр
произведения.
Ритм. Для того чтобы создать выразительную мелодию,
недостаточно взять один за другим несколько звуков разной
высоты. Их нужно организовать, соразмерить. Слово «ритм» и означает «соразмерность». Звуки разной продолжительности,
чередуясь, выстраиваются в определённый звуковой рисунок. По
этому рисунку мы узнаем вальс, мазурку, тарантеллу, марш.
Если метр мы изменить никак не можем, то ритм или ритмический
рисунок даёт нам тот самый простор для деятельности и
творчества, ибо рисунков ритмических можно придумать и сыграть
массу.
В сочетании равномерной пульсации метра и постоянной
изменчивости ритма, возможно, и заключён секрет
завораживающей власти ритма над человеческим сердцем.
Во всём многообразии музыки практически не найдёшь
произведения, в котором бы метр и ритм полностью совпадали.
Гораздо чаще встречаются произведения, в которых они вступают в
диалог, а порой и в спор, где ритм то и дело пытается преодолеть
сдерживающую силу метра. В таких сочинениях ритм становится
необыкновенно изобретательным. Он всячески избегает совпадения
с метрическими долями, то перенося их с сильной доли на слабую,
то прерываясь акцентами и синкопами, как, например, в
знаменитом фрагменте из балета А. Хачатуряна «Гаянэ»,
получившем название «Танец с саблями». Своей яркой выразительностью эта музыка во многом обязана
именно ритму. Его зажигательность, изменчивость,
непредсказуемость сразу же вовлекают слушателя, в живое и яркое
эмоциональное действие.
Балет «Гаянэ» написан Хачатуряном в 1942 г. В сложное и
трагичное время эта музыка прозвучала как жизнеутверждающий
рассказ о любви к Родине, великом подъёме духа советских людей.
Мы сегодня можем поразному относиться к этой эпохе, но то, что
миллионы людей в то время жили единым порывом, с энтузиазмом
строили свою жизнь, является фактом.
Об этом времени рассказывает и балет «Гаянэ». Герои балета
колхозники и воины Красной Армии. Действие происходит на
полях армянского колхоза и в становище курдов. Молодая
колхозница Гаянэ разоблачает диверсантов  поджигателей складов
с колхозным хлопком. Среди поджигателей и муж Гаянэ. Но это не
останавливает молодую женщину, которая едва не стала жертвой
мщения. В борьбе с мужемдезертиром она утвердила своё право
на самостоятельную жизнь. Теперь Гаянэ узнала и новое чувство
любви. Заканчивается балет большим народным праздником.
Действие балета развивается по двум самостоятельным, но вместе с тем и глубоко связанным линиям: с одной стороны  это драма
Гаянэ, с другой  картины народной жизни и в будни, и в
праздники. Главной идеей, объединяющей их, является тема любви
к Родине, радости свободного труда, дружбы.
Музыка балета глубоко связана с музыкальной культурой народов
Закавказья. Мелодии его близки народным интонациям, в них
проявляются ладовые, ритмические особенности армянской
музыки. Тембры инструментов оркестра как бы подражают
звучанию народных инструментов. Народные сцены, в которых
особенно ярко проявляется эта близость с народным искусством,
занимают в балете большое место. Причём жизнь народа Хачатурян
показывает с разных сторон  и в будни  в работе, и в бедствии, и в
день праздничного веселья.
Огромной популярностью среди любителей музыки пользуются
такие фрагменты балета, как «Танец розовых девушек» и
знаменитый «Танец с саблями».
Музыка балета «Гаянэ» сразу же шагнула со сцены театра и в виде
трёх оркестровых сюит сегодня живёт самостоятельной жизнью,
украшая программы концертов симфонических оркестров в разных
странах мира. Иногда ритм или даже короткий ритмический оборот может стать
основой яркого образа всего музыкального произведения. Таково,
например, начало симфонии № 5 Л. Бетховена, которая является
очень известным и значительным сочинением. При этом вырастает
оно из короткого мотива, состоящего всего из нескольких нот.
Именно об этом мотиве композитор сказал: «Так судьба стучится в
дверь»  слова, ставшие в дальнейшем крылатыми. «Мотив судьбы»
 с таким названием эти четыре ноты навсегда вошли в историю
музыки.
Послушайте фрагмент из 1ой части Симфонии № 5 Л. Бетховена.
Первые такты симфонии образуют главную ритмическую
интонацию.  Удивительная сила мощной музыкальной энергии,
заключённая всего в четырёх нотах, пронизывает всё развитие
произведения – от первых звуков до финала.
Вопросы и задания:
1.
Согласны ли вы, что в «Танце с саблями» А. Хачатуряна
главнейшим средством музыкальной выразительности является
ритм? В чём заключаются его особенности? 2.
3.
Как повашему, в музыке А. Хачатуряна взаимодействуют
метр и ритм – совпадают, дополняют друг друга или «спорят и
борются»?
Какую роль играет «мотив судьбы» в Симфонии № 5 Л.
Бетховена?
Музыкальный жанр (6 класс)
1.
2.
3.
Разнообразие претворения трёхдольности в танцевальных
жанрах.
Своеобразие ритма мазурки (на примере мазурки сибемоль
мажор, соч. 7 № 1 Ф. Шопена).
Церемонная поступь, выраженная в музыке полонеза (на
примере полонеза ля мажор, соч. 40 № 1 Ф. Шопена).
Претворение испанских народных ритмов в Болеро М. Равеля.
4.
Музыкальный материал:
1.
(слушание);
Ф. Шопен. Мазурка сибемоль мажор, соч. 7 № 1. Фрагмент 2.
Ф. Шопен. Полонез ля мажор, соч. 40 № 1. Фрагмент
(слушание);
3.
4.
М. Равель. «Болеро» (слушание);
Г. Струве, стихи А. Барто. «Бьют тамтамы» из кантаты для
хора и солиста «Голубь мира» (пение, музыкальноритмические
движения).
Характеристика видов деятельности:
1.
Осознавать интонационнообразные, жанровые особенности
музыки (с учётом критериев, представленных в учебнике).
Сравнивать и определять музыкальные произведения разных
жанров и стилей (с учётом критериев, представленных в
учебнике).
Творчески интерпретировать содержание музыкальных
2.
3.
произведений в пении, в музыкальноритмическом движении.
Так же как многообразны музыкальные ритмы, как многообразны и
музыкальные размеры. Например, размер 3/4, только что названный
основным признаком вальса, в той же мере является обязательным
и для мазурки, и для полонеза, и для болеро! При этом, несмотря
на общий размер, эти жанры очень трудно спутать друг с другом. Обратимся к жанрам мазурки и полонеза.
Мазурка
Мазурка – старинный польский танец, исполняемый в быстром
темпе. Он возник в XII веке в крестьянской среде среди мазуров,
смелых польских наездников, и потому в мазурке мы видим
движения, напоминающие пришпоривание. Танец сопровождался
игрой на волынке. Обычно в нём участвовали четыре, восемь или
двенадцать пар.
Как это часто бывало, народный танец приходил в танцевальные
залы, салоны, нарядные гостиные и там менял свой облик. Начиная
с XIII века мазурка известна как бальный танец не только в
Польше, но и во многих европейских странах.
Но не так просто было «справиться» с мазуркой. Уж очень
характерная у неё музыка. Не даёт танцевать гладко и благочинно.
Огневой танец!
...Когда гремел мазурки гром,
В огромной зале всё дрожало,
Паркет трещал под каблуком...
Так описывает мазурку Александр Сергеевич Пушкин. Но мазурка не только музыкальное сопровождение танца. Как и
вальс, она стала инструментальной музыкой. Очень любил мазурки
польский композитор Ф. Шопен. В форме этого народного танца он
сочинил множество фортепианных пьес.
Вот как звучит мазурка сибемоль мажор Ф. Шопена.
Ритмический рисунок мазурки далёк от размеренной плавности
вальса. Он полон острых и угловатых интонаций, резких акцентов.
Полонез
Ещё один трёхдольный танец – полонез. Он тоже имеет польское
происхождение, что видно даже из его названия. Пофранцузски
слово polonaise означает «польский», поитальянски оно так и
записывается – polacca, в России было распространено название
«польский»
Полонез представляет собой торжественный бальный танец
шествие, поэтому в его трёхдольности слышится не лёгкое
кружение вальса, а церемонная поступь придворных дам и их
кавалеров  полузабытая картина давно ушедших времён.
Интересно, что полонез, как и мазурка, поначалу не являлся
бальным танцем. В XVI веке он исполнялся на свадьбах и
торжественных церемониях, сопровождаясь пением. Лишь позднее полонез стал придворным и чисто инструментальным танцем –
символом польского национального духа.
В полонезах, которые сочинял для фортепиано Ф. Шопен, мы
слышим «поступь людей, выступающих с доблестной отвагой
против всего самого несправедливого»  так сказал Ференц Лист о
полонезах Ф. Шопена.
Болеро
Обратимся ещё к одному танцу – болеро.
Трёхдольность болеро  танца, родившегося в Испании, в свой ритм
заключила характерный стук кастаньет, выражающийся в
ритмической звукоподражательности.
Традиции музыки болеро с огромной яркостью воплотил в своём
«Болеро» для оркестра М. Равель. Тонкое, глубинное постижение
им национального духа этого испанского танца было столь точным,
что имя Равеля – французского композитора первой половины ХХ
века  до сих пор связывается с Испанией.
«Испания  моя вторая родина»,  нередко говорил Равель.
Испанская тематика проходит красной питью через весь его
творческий путь: «Испанская рапсодия», «Испанский час»,
«Болеро» и др. Испанские мотивы постоянно встречаются в его фортепианных и вокальных пьесах. В его испанских опусах живёт и
дышит Испания с её неповторимыми красками, ароматом её садов,
движениями её народных плясок.
Стихия танца пронизывает всё творчество Равеля. Но ни в одном
произведении композитора эта завораживающая сила танцевальных
ритмов не проявилась так ярко и безудержно, как в
симфонической пьесе «Болеро».
Музыка «Болеро» в самый короткий срок завоевала широкое
признание во всём мире, подлинно всенародную популярность. Не
прошло и двухтрёх лет, как сочинение это, выйдя за пределы
концертных залов, стало достоянием всевозможных
аранжировщиков, переложивших его для самых неожиданных
ансамблей.
Знаменитую тему «Болеро» насвистывали на улице люди, даже и не
подозревавшие её происхождения. «Болеро», совсем неожиданно
для Равеля, принесло ему при жизни такую славу, какой
удостаиваются лишь великие композиторыклассики.
В чём же «секрет» огромного обаяния этого произведения?
Прежде всего в редкой красоте темы. Зародившись в легчайшем звучании флейты на фоне абсолютно
неизменной ритмической формулы (два малых барабана рр), эта
тема многократно повторяется всё время на том же ритмическом
фоне, но каждый раз в новой инструментальной «одежде». От
повтора к повтору с неумолимой настойчивостью нарастает сила
звучания, расцветает тембровая палитра, усиливается
динамическое напряжение. Новое появление темы  новая краска.
После флейты  кларнет, затем фагот в высоком регистре, за ним
малый кларнет, потом гобой д'амур. Когда общая сила звучания
оркестра уже достигла известной интенсивности, композитор
поручает тему двум голосам  флейте и трубе с сурдиной. Далее
мелодия звучит поочерёдно у нескольких саксофонов, у флейт,
поддержанных валторной и челестой, у гобоев, английского рожка
и кларнетов, наконец вступает молчавший до сих пор тромбон,
после которого мелодия передаётся всему составу деревянных
инструментов и саксофону. Так растёт и ширится эта неудержимая
лавина.
Н. Заболоцкий, посвятивший своё стихотворение «Болеро»
замечательному творению французского мастера, намеренно
называет Равеля «испанцем». И это звучит как высшая награда! Итак, Равель, танцуем болеро!
Для тех, кто музыку на сменит на перо,
Есть в этом мире праздник изначальный
Напев волынки скудный и печальный
И эта пляска медленных крестьян...
Испания! Я вновь тобою пьян!
Но жив народ, и песнь его жива.
Танцуй, Равель, свой исполинский танец,
Танцуй, Равель! Не унывай, испанец!
Вращай, История, литые жернова,
Будь мельничихой в грозный час прибоя!
О, болеро, священный танец боя!
«Испанец» Равель в этом стихотворении Заболоцкого предстаёт
как музыкант, сумевший, подобно истинному испанцу, войти в
изначальную стихию испанских народных ритмов, плениться их
завораживающей красотой и поднять скромный крестьянский танец
на пьедестал общечеловеческого
восхищения.
Вопросы и задания: 1.
2.
3.
4.
5.
Что объединяет и что различает мазурку и полонез?
Расскажите на примере мазурки сибемоль мажор и полонеза ля
мажор Ф. Шопена.
В чём причина столь сильного воздействия музыки «Болеро»
М. Равеля? Только ли ритм участвует в создании музыкального
образа этого произведения?
«Болеро» написано в форме вариаций. Можно ли считать
выбор композитором данной формы закономерным? Почему?
Во время прослушивания обратите внимание на ритмическое
подражание звуку кастаньет. Что оно привносит в восприятие
музыки?
Как вы думаете, почему из всех музыкальных жанров именно
танцы отличаются наибольшей ритмической характерностью?
Многообразные проявления ритма в окружающем мире
 (6 класс) В ритме есть нечто волшебное;
Он заставляет нас верить,
Что волшебное принадлежит нам…
И. В. Гёте
Ритм обнаруживает себя повсюду в окружающем мире. Ритмично
чередуются времена года, месяцы, недели, дни и ночи. Ритмичны
человеческое дыхание и биение сердца.
Ритмичны архитектурные сооружения, дворцы и дома с их
симметрично расположенными окнами, колоннами и лепными
украшениями. Всё это говорит о том, что ритм является одной из
первооснов жизни: он присутствует в живой и неживой
природе, мы его слышим и видим – в шуме морского прибоя, в
узоре на крыльях бабочки, в срезе любого дерева, любого сучка.
Может быть, во всеобщей ритмичности бытия и заключён ответ на
вопрос, отчего мы так чувствуем музыкальные ритмы и отчего это
чувство пробуждается в нас уже с первых дней жизни, задолго до
того, как мы научимся различать и понимать слова.
Приходилось ли вам задумываться когданибудь, почему
маленькие дети так быстро и легко засыпают под звуки
колыбельной песни? Почему они тут же начинают приплясывать,

intro:
Кому не знакома прелестная и грациозная (грациозный – изящный, стройный) «Маленькая ночная серенада» В. А. Моцарта, мелодия которой полна света и обаяния праздничной ночи!
В Вене XVIII века было принято устраивать небольшие ночные концерты под окнами того человека, которого хотели отметить вниманием. Разумеется, смысл музыки, исполнявшейся в его честь, был вовсе не лирическим и не сокровенным, как в любовной серенаде, а скорее забавным и чуть озорным. В таком ночном концерте участвовало несколько человек - ведь радость объединяет людей!
Для исполнения серенады Моцарта требовался струнный оркестр - собрание виртуозных и выразительных инструментов, так волшебно певших в тишине венской ночи.
Мелодия «Маленькой ночной серенады» пленяет тонкостью и изяществом. В её звуках оживает облик старой Вены, необычайно музыкального города, где днём и ночью можно было услышать чудесную музыку. Лёгкость и ловкость изложения подчёркивает, что это не драматическая история, а не более чем беззаботная прелестная музыкальная шутка.

доп. образование детей

group: Другое

title: В произведениях В. А. Моцарта звучит  радость и скорбь