extracted_text:
Программа ««Волшебный мир театра» с использованием
театрализованных игр
Согласно ФГОС ДО, значительная часть программы, 40%,  формируется
участниками   образовательного   процесса   ДОО,   обеспечивая   вариативность
образования,  расширение области образовательных услуг для воспитанников.
Программа   «Волшебный   мир   театра»  разработана   с   учетом
традиций   детского   сада   и   возрастных   особенностей   детей   старшего
дошкольного возраста.
Цель   программы:   ввести   ребенка   в   мир   прекрасного,   пробудить
способности к  состраданию  и сопереживанию,  активизировать   мышление и
познавательный   интерес,   раскрепостить   его   творческие   возможности   через
театрализованную деятельность детей.
Задачи программы:
1.   Совершенствовать   эмоциональный   мир   ребенка:   развивать   умение
чувствовать и понимать эмоциональное состояние героя, вступать в ролевое
взаимодействие   с   другими   персонажами;   развитие   психических   процессов,
умения общаться, развивать уверенность в себе и т.д.
2. Развивать речь детей: отчетливость в произношении, интонационная
выразительность, совершенствование диалогической и монологической речи.
3. Прививать самостоятельность в организации театрализованных игр:
уметь самостоятельно организовывать театрализованные игры на имеющемся
материале.
4.   Развивать   интерес   к   творческой   самостоятельности:   раскрывать
творческий   потенциал,   вовлекая   их   в   различные   театрализованные
представления: игры в концерт, цирк, показ сценок из спектаклей, участие в
кукольных постановках.
5.   Развивать   эстетические   и   речевые   способности   средствами
театрального искусства, театрализованных игр.
1 6. Знакомить с театрализованной игрой, ритмопластикой, культурой и
техникой речи; со средствами выразительности драматизации: поза, жесты,
мимика, голос, движения.
7. Познакомить детей с основами театральной культуры.
В  соответствии  с этим была  разработана модель системы работы  по
данной программе.
1.Были созданы специальные условия для реализации программы:
   Пополнена   предметноразвивающая   среда.
  Для   реализации
самостоятельной деятельности в каждой группе ДОО предусмотрен уголок
«Театр»,   оснащенный   «персонажами»   для   пальчикового,   кукольного,
настольного,   теневого   театров   и   другой   атрибутики,   необходимой   для
постановки спектаклей.
–   Разработано   взаимодействие   с   родителями   воспитанников   по
созданию   единого   образовательного   пространства.   Были   запланированы
совместные театрализованные представления, участие родителей в рисовании
театральных   афиш,   изготовлении   костюмов   и   декораций   к   спектаклям,
проведены   лектории   для   родителей,   разработаны   анкеты   обратной   связи,
оформлены для родителей фотоальбомы и электронные папки, отображающие
участие детей в различных постановках.
2. Была разработана совместная деятельность взрослых и детей, в виде
образовательной деятельности, осуществляемой в ходе режимных моментов
(утренний приём детей, прогулка, вторая половина дня и др.).
Продолжительность   реализации   ОД:   20   минут   –   средняя   группа,   25
минут   –   старшая   группа,   30   минут   –   подготовительная   группа.   Общее
количество в год – 25.
Совместная   деятельность   детей   и   педагога,   осуществляемая   в   ходе
режимных моментов, проводится во вторую половину дня индивидуально или
по подгруппам еженедельно.
2 Один   раз   в   квартал   проводятся   постановки   минидиалогов,
инсценировок, драматизаций, включая различные виды театра, в зависимости
от возрастной группы, для детей детского сада и родителей.
3. Самостоятельная деятельность детей.
В контексте реализации задач программы была продумана свободная,
самостоятельная   деятельность   детей.   Для   того   чтобы   у   ребенка   возник
интерес   к   самостоятельной   театрализованной   игре,   в   группе   установили
театральный уголок с разнообразными видами театров.
Каждая ОД по театрализованной игре  имеет определенную структуру.
Работа продолжается в течение трех лет: с детьми средней группы (45 лет), с
детьми старшей группы (56 лет), подготовительной группы (67 лет) детского
сада.
В средней группе детей занятия не имеют четко выраженной структуры.
Для развития интереса к театрализованной игре и вовлечения в нее детей все
занятия имеют определенную тематику, соответствующую данному возрасту.
На   занятии   чередуются   этюды,   элементы   ритмопластики,   речевые
двигательные и хороводные игры, театрализованные игры, работа со сказкой,
по   содержанию   текста;   минидиалоги,   минисценки   по   сюжету   знакомых
сказок, стихов; планируется знакомство с основами театрального искусства.
Каждое   отдельное   занятие   в   старшей   и   подготовительной   группах
состоит из 4х основных разделов и одного дополнительного.
1   раздел   –  «Театрализованная   игра»  направлен   не   столько   на
приобретение   ребенком   профессиональных   умений   и   навыков,   сколько   на
развитие игрового поведения, эстетического чувства, способности творчески
относиться  к   любому  делу,  уметь   общаться   со  сверстниками  и  взрослыми
людьми в различных жизненных ситуациях.
Все игры этого раздела условно делятся на два вида: общеразвивающие
игры и специальные театральные игры.
3 2   раздел   –  «Ритмопластика»  –   включает   в   себя   комплексные
ритмические,   музыкальные,   пластические   игры   и   упражнения,   призванные
обеспечить   развитие   естественных   психомоторных   способностей
дошкольников, обретение ими ощущения гармонии своего тела с окружающим
миром, развитие свободы и выразительности телодвижений.
3 раздел – «Культура и техника речи» – объединяет игры и упражнения,
направленные   на   развитие   дыхания   и   свободы   речевого   аппарата,   умение
владеть правильной артикуляцией, четкой дикцией, интонацией, логикой речи
и орфоэпией.
В этот раздел включены также игры со словом, развивающие связную
образную речь, творческую фантазию, умение сочинять небольшие рассказы и
сказки, подбирать простейшие рифмы.
Таким образом, условно все упражнения можно разделить на 3 вида:
– Дыхательные и артикуляционные упражнения.
– Дикционные и интонационные упражнения.
– Творческие игры со словом.
4   раздел   –  «Основы   театральной   культуры»  –   призван   обеспечить
условия   для   овладения   дошкольниками   элементарными   знаниями   и
понятиями,   профессиональной   терминологией   театрального   искусства.   В
раздел включены следующие основные темы:
– Особенности театрального искусства.
– Виды театрального искусства.
– Рождение театра.
– Театр снаружи и изнутри.
– Культура зрителя.
5   раздел   –   дополнительный   раздел   –  «Работа   над   спектаклем»  –
является   вспомогательным,  основан   на   авторских   сценариях   и   включает   в
себя следующие части:
4 Знакомство с пьесой.
Работа над текстом.
Распределение ролей.
Работа над ролью (диалоги героев, танцы и песни, если есть, и т. д.).
Работа над сценической выразительностью: определение необходимых
действий,   движений,   жестов   персонажа,   мимики,   интонации,   места   на
сценической площадке.
Репетиция всего спектакля: выход всех персонажей, в зависимости от
роли, подготовка к выступлению перед зрителями.
Подготовка театрального костюма.
Подготовка декораций, оформление сцены.
Показ спектакля для детей и родителей детского сада.
Содержание   занятий   по   театрализованной   деятельности   включает   в
себя:
упражнения по дикции (артикуляционная гимнастика);
задания для развития речевой и интонационной выразительности;
пальчиковый игротренинг для развития мелкой моторики рук;
упражнения на развитие выразительной мимики;
элементы искусства пантомимы; упражнение на развитие пластики;
театральные этюды; игрыпревращения;
просмотр кукольных спектаклей и беседы по содержанию»
отдельные упражнения по этике во время драматизаций;
знакомство   с   текстом   сказки   для   драматизации,   средствами   ее
драматизации   –   жестом,   мимикой,   движением,   костюмами,   декорациями,
мизансценой;
подготовка и разыгрывание сказок и драматизаций; игрыдраматизации;
В результате освоения программы дети могут приобрести:
Обобщенные умения:
5 воспитывается в ребенке готовность к творчеству;
развивается   произвольное   внимание,   память,   наблюдательность,
находчивость, фантазия, воображение, быстрота реакции, инициативность и
выдержка;
активизируется мыслительный процесс и познавательный интерес;
прививаются навыки вежливого поведения;
воспитывается зрительская культура;
воспитывается   доброжелательность   и   контактность   в   отношении   со
сверстниками и взрослыми в разных ситуациях.
Театральносценические умения:
развивается чуткость к сценическому искусству;
совершенствуются навыки действий с воображаемыми предметами;
развивается   умение   владеть   своим   телом;   способность   создавать
образы   с   помощью   жеста   и   мимики;   создавать   образы   живых   существ   и
предметов через пластические возможности своего тела;
совершенствуется   умение   действовать   на   сценической   площадке
естественно;   равномерно   размещаться   по   сценической   площадке,   не
сталкиваясь друг с другом, в разных темпах;
развивается   речевой   аппарат   посредством   артикуляционной
гимнастики; правильное речевое дыхание; улучшается дикция; расширяется
диапазон   и   сила   звучания   голоса;   формируется   четкая,   правильная   речь;
пополняется   словарный   запас,   образный   строй   речи;   интонационная
выразительность речи;
появляется интерес и желание импровизировать игры – драматизации
на темы знакомых сказок, как драму, балет, оперу; самостоятельно сочинять
этюды с заданными или нафантазированными сюжетами;
осуществляется знакомство с терминологией театрального искусства; с
6 театральными  профессиями;  с отличием театрального  искусства  от других
видов искусств.
В таблице 1 представлен календарнотематический план по программе
«Волшебный мир театра», разработанный для детей старшего дошкольного
возраста.
Перспективный учебнотематический план по программе
«Волшебный мир театра»
Таблица 1
Вид
Программная задача
Театрализованные игры
Месяц
  Учить
воспитывать
действовать
 Развивать внимание, память
наблюдательность;  быстроту
реакции;

согласованно;
   уметь   ориентироваться   в
пространстве;
 Учить детей действовать в
условиях вымысла, общаться

Игры: «И я тоже», «Поварята»,
«Веселые обезьянки»
Игра   «Что   мы   делаем,   не
скажем,   но   покажем»,   «День
рождение»
Этюды «Покупка театрального
билета», «Утешение»
  Развивать
и   реагировать   на   поведение

  фантазию,
образное мышление;
Разыгрывание   этюдов   на
основные эмоции: радость, гнев,
  удивление,
грусть,
Игра   «Угадай,   что   я   делаю»
«Любительрыболов»
  страх, д
деятельност
и
Театральная
игра
Ритмопластик
Театральная
игра
Театральная
игра
Театральная
игра
Театральная
игра
Театральная
игра
Театральная
игра
года
ь
р
б
я
т
н
е
с
ь
р
б
я
т
к
о
ь
р
б
я
о
н
ь
р
б
а
к
е
ь
р
а
в
н
я
т
р
а
м

 развивать способность

воображение
Развивать

память
детей;

зрительную,
слуховую
   Продолжать   развивать
  фантазию
воображение,
детей;      развивать   умение
   Способствовать   развитию
чувства   правды   и   веры   в
вымысел;  развивать навыки
7
Игра   «Одно   и   то   же   по
«Превращение
разному»,
«Кругосветное ф
ь
л
а
р
в
е

«Король»,

«День
предмета»,
Игры
рождения»
 Упражнения с предметами Театральная
   Уметь   сочинять   этюды   по
Этюды   по   сказкам;   создание
игра
Театральная
игра
сказкам   и   импровизировать
игры   драматизации   на   тему
   Продолжать   развивать
героев;
образов
задания:
наматывать   клубок,   вышивать,
Игра «Сам себе режиссер» Игра

умение   сочинять   этюды   по
сказкам;      создать   условия
«Цирковое
представление»
(показ   на   экране   фрагмента

ь
л
е
р
п
а
й
а
м
Одной   из   задач   программы   «Волшебный   мир   театра»   является:
ознакомление детей со средствами художественной выразительности развитие
связной   и   выразительной   речи,   построения   речевого   высказывания   при
пересказе   знакомых   сказок   и   сочинении   собственных.   А   это   достигается
путем   проживания   произведений   в   театрализованной   деятельности,
требующей от детей интонационной и мимической выразительности. Сначала
мы   знакомим   детей   со   сказкой,   рекомендуемой   программой,   обсуждаем
содержание   сказки   с   детьми   с   помощью   моих   вопросов.   Затем   дети
пересказывают сказку с опорой на заместители, т.е. кружочки разного цвета,
заменяющие персонажей, разыгрывают ее по эпизодам. Все это происходит на
занятиях.
Но   у   детей   остается   интерес   сказке,   поэтому   мы   предлагаем
разыгрывать   ее   им   в   вечернее   время   с   помощью   настольного,   кукольного,
варежкового   или   пальчикового   театра.   Очень   любят   дети   игры
драматизации, где они могут одеться в костюмы или использовать отдельные
элементы костюмов. Чтобы дети умели вести диалог в театрализованной игре,
т.е. взаимодействуя с партнером, как можно точнее, отвечать на вопрос, мы
стараемся     разучивать   с   детьми   стихотворения,   в   которых   диалог   идет
незаметно.   Драматизировали   сказку   «Теремок»,   в   которой   диалог   в
стихотворной   форме   запоминается   легче,   чем   в   прозе.   Только   потом
переходили   на   диалог,   в   котором   дети   не   только   передавали   содержание
произведения,   но   и   сами   строили.
  Работая   над   интонационной
выразительностью речи, детям предлагали исполнить песенку козы из сказки
8 «Волк и семеро козлят», то от лица Козы, то от лица Волка; песенки героев
мультфильмов,   различные   упражнения   на   подражание,   на   изменение   силы
голоса.   Слушали   сказки   в   записи,   которые   исполнялись   мастерами   слова.
Костюмы, шапочки, маски, атрибуты к сказке делали игру детей желаннее,
эмоциональнее.   Предлагали   детям   такие   игры,   как   «Лягушки»,   где   дети
упражнялись   квакать   то   весело   и   громко,   то   тихо   печально,   с   жалобной
интонацией. Очень любят дети изображать котят из стихотворения «Котята»
С.Я.Маршака,  стараюсь   интонационно   передать   настроение   котят   в  начале
стихотворения   и   конце.   Жесты,   мимика,   движения   –   это   своего   рода
подсказка   при   обучении   детей   перессказыванию.   Поэтому   мы   проводили
занятия   по   развитию   выразительной   мимике.   Детям   очень   нравится   такие
упражнения,   как   «Сердитый   дедушка;   «Обиделись»;   «Получая   желанный
подарок». Они с удовольствием передают мимикой свое настроение и следят
за мимикой своих сверстников.
Для   снятия   мышечного   напряжения   мы   использовали   следующие
упражнения:   «Поздоровайтесь   друг   с   другом   за   обе   руки   поочерёдно»,
«Найди   взглядом   своего   товарища»,   «Не   перепутайте   движения»;   игры:
«Капуста», «Перестройся по росту».
Для   обучения   детей   средствам   речевой   выразительности   мы
использовали   артикуляционную   гимнастику:   «Мама   шинкует   капусту»,
«Жало змеи», «Ставим укольчики», «Лошадка», «Чистим зубки», «Заводим
мотоцикл» (Приложение 8).
Предлагали детям произнести с разной интонацией самые привычные
слова: «возьми», «принеси», «помоги», «здравствуй» (приветливо, небрежно,
просящее,  требовательно).  Привлекала   внимание  детей  к   тому,  как   можно
изменить смысл фразы путём перестановки логического ударения (каждый раз
на другое слово): «Принеси мне игрушку», «Мама ушла на работу». А так же
использовала   задания   –   упражнения   «Разные   настроения»,   «Я   радуюсь,
9 когда…», «Я грущу, когда…».
Для развития дикции мы использовали скороговорки, игры «Подскажи
словечко».
С целью развития воображения, мышления, памяти предлагали детям
закончить «Короткие истории» например:
1. Мальчик вернулся домой с прогулки, его встречает мама и говорит:
«А у меня для тебя новость» Какая новость может быть у мамы?
2. Мальчик говорит себе тихотихо: «Как страшно!». Чего он может
бояться?
3. О чём может думать один карандаш, лёжа в коробке карандашей?
Для   более   яркого   создания   образа   детям   необходимо   владеть
выразительными пластикой и мимикой.
Для развития пластической выразительности мы предлагали детям:
1. Пройти по камешкам через ручей от лица любого персонажа (сказки,
рассказа, мультфильма) по их выбору.
2.   От   лица   любого   персонажа   подкрасться   к   спящему   зверю   (зайцу,
медведю, волку).
3. Изобразить прогулку трёх медведей, но так, чтобы все медведи вели
себя и действовали поразному.
При выполнении этих упражнений детьми, мы следили за тем, чтобы
дети   сами   подмечали   различия   в   исполнении   своих   друзей   и   стремились
находить свои движения, мимику.
    Особенно нравились детям упражнения для развития выразительной
мимики:
1. Солёный чай.
2. Ем лимон.
3. Сердитый дедушка.
10 4. Лампочка потухла, зажглась.
5. Грязная бумажка.
6. Тепло – холодно.
7. Рассердились на драчуна.
8. Обиделись.
9. Мне грустно.
10. Показать, как кошка выпрашивает колбасу.
А   так   же   мы   предлагали   детям   разыграть   маленькие   сценки,   где
необходимо   подчеркнуть   особенности   ситуации   мимикой.   Например,
изобразить, как мальчику подарили новую машину или как ребёнок испугался
медведя.
Пальчиковый   игротренинг   «Утречко»,   «Мальчик   –   пальчик,   где   ты
был?»,   «Барабанщики»,   «Солдаты»,   «Мы   –   мастера»,   «Дятел»,   «Стирка
белья», «Погрозим», «Я играю», «До свидания» помогает развивать мелкую
моторику. Пальчиковая гимнастика, которую включаю не только в занятия, но
и   использовала   в   любое   свободное   время,   помогла   детям   овладеть
пальчиковым театром. Во второй половине дня учили детей управлять куклой
театра бибабо. Сначала выполняла действия с куклами без ширмы, чтобы
дети видели мои руки, затем объясняла, что кукла должна делать наклоны
головой на каждое слово, чтобы казалось, что кукла живая. Родители – наши
помощники.   Для   них   проводились   консультации,   буклеты,   давались
практические   советы,   которые   они   использовали   для   развития   образно
выразительных умений.
Вместе с детьми сочиняли истории, играли в развивающие игры “Мое
настроение”,   игрыдраматизации:   “На   лесной   поляне”,   “На   болоте”,
проигрывали   миниэтюды,   пантомимы,   проводили   конкурсы,   литературные
викторины.   Часто   проводились   развивающие   игры   «Зеркало»,   «Узнай   по
носу», «Тень», «Продолжи  фразу  и  повтори», «Веселые  загадки»,  которые
11 развивают   у   детей   память,   слуховое   внимание,   координацию   движения,
воображение   и   фантазию.   Применялись   упражнения   и   этюды:   «Бродячий
цирк», «Превращение детей» (в насекомых, в зверей), проигрывали этюды на
основные   эмоции   «ГРУСТЬ»,   «РАДОСТЬ»,   «ГНЕВ»,   «УДИВЛЕНИЕ»,
«СТРАХ». Большая роль уделялась работе над самим спектаклем. Сначала
выбирали с детьми сказки, которые хотели бы поставить. Распределяли роли
по желанию детей.  Из простых русских народных сказок “Репка”, “Теремок”
происходило   превращение   в   новую,   более   интересную   сказку.   Дети   с
удовольствием заучивали свои, иногда даже большие роли в стихах. Затем
работа   шла   над   отдельными   эпизодами   с   текстом.   Потом   подбирали   с
музыкальным   руководителем   сопровождение.   Заключительный   этапом
подготовки   спектакля   было   повторный   показ   и   генеральная   репетиция.
Вместе с родителями изготовляли костюмы и декорации к постановкам.
Содержание занятий по театрализованной деятельности, согласовано с
темами других занятий:
1)
Ознакомление   с   окружающим   (в   них   включаются   темы
ознакомления с основами театральной культуры.);
2)
Ознакомлением с художественной литературой (в них включаются
Нетрадиционные методы работы со сказкой);
3)
4)
Развитие речи (упражнения по Культуре и технике речи;
Конструирование,   изобразительная   деятельность   (изготовление
костюмов, атрибутов, декораций, афиш к спектаклям и т. д.);
5) Музыкальных   и   физкультурных
(в   них   включается
Ритмопластика);
ФЭМП (используются
6)
Участвуя   в   театрализованных   играх,   дети   становятся   участниками
разных   событий   из   жизни   людей,   животных,   растений,   что   дает   им
возможность   глубже   познать   окружающий   мир,   умение   ориентироваться   в
12 обществе   среди   сверстников   и   взрослых.   Одновременно   театрализованная
игра прививает ребенку устойчивый интерес к родной культуре, литературе,
театру.
         Театрализованная деятельность в детском саду организационно может
пронизывать   все   режимные   моменты:   включаться   во   все   занятия,   в
совместную   деятельность   детей   и   взрослых   в   свободное   время,
осуществляться   в   самостоятельной   деятельности   детей.   Большую   роль   в
развитии   театрализованной   деятельности   играет   грамотное   педагогическое
руководство.
13


extracted_text:
Итальянское слово «трио» имеет несколько значений. Во
первых, это ансамбль из трёх музыкантовинструменталистов
или певцов. Вокальное трио (или — подругому — терцет)
может быть самостоятельной пьесой или же частью крупного
произведения, например оперы. Если три партии терцета
основаны на одной и той же теме, то тем самым композитор
подчеркивает единство мыслей и чувств всех участников
ансамбля. Таково трио «Не томи, родимый» — ансамбль
Сусанина, Антониды, Собинина из оперы М. И. Глинки «Иван
Сусанин». Но возможны индивидуальные, самостоятельные
партии каждого действующего лица. Это, например, трио Аиды,
Амнерис и Радамеса в опере Дж. Верди «Аида».
Итак, Трио это:
1. ансамбль из трех исполнителей (инструментов);
2. произведение для трех исполнителей (инструментов);
3. средний раздел трехчастной формы в классическом
менуэте, скерцо и др.; нередко обозначается
словом Trio (Трио).
Если среди квартетов главенствует квартет струнный, то, когда
говорят о трио, имеют в виду прежде всего трио фортепьянное
в составе скрипки, виолончели, фортепьяно. Именно этот
ансамбль является типичным. Трио называется арфовым, если
фортепьяно заменяется арфой. Струнное трио — это сочетание
скрипки, альта и виолончели. Встречаются также трио самых
разнообразных однородных и смешанных составов. В давние времена распространено было трио в составе скрипки, флейты и
клавесина; такие трио существуют и теперь, например в
Чехословакии. Назовем еще трио в составе: флейта, арфа, альт;
фортепьяно, скрипка, кларнет и т. д.
Вовторых, трио — это произведение для трех музыкантов.
Фортепьянные трио создавали Й. Гайдн, В. А. Моцарт, Л.
Бетховен, Ф. Шуберт, Р. Шуман, И. Брамс, П. И. Чайковский,
С. В. Рахманинов, С. И. Танеев, М. Равель, Д. Д. Шостакович, Б.
Н. Лятошинский. Некоторые трио имеют названия. Трио
Чайковского «Памяти великого художника» создавалось с
мыслью о безвременно ушедшем Н. Г.Рубинштейне, а
«Элегическое трио» Рахманинова написано под впечатлением
кончины Чайковского. «Патетическое трио» для фортепьяно,
кларнета и фагота принадлежит перу Глинки. Много трио
написано для оригинальных составов: автор трио для
фортепьяно, скрипки и валторны — Брамс, трио для флейты,
арфы и альта принадлежит К. Дебюсси, трио для скрипки,
кларнета и фортепьяно — Б. Бартоку и А. И. Хачатуряну, трио
для валторны, трубы и тромбона — Ф. Пуленку. Многие
советские композиторы пишут трио для оригинальных
составов: Э. В. Денисов — для скрипки, кларнета и фагота, В.
В. Сильвестров — для флейты, трубы и челесты, Г. И.
Уствольская — для фортепьяно, флейтыпикколо и тубы и т.
д.
Втретьих, трио называли средние разделы многих пьес и
танцев, написанных в так называемой трехчастной форме.
Среди них — менуэты, скерцо, марши. Такие разделы обычно
отличаются более напевным, спокойным характером от
подвижных, энергичных крайних частей. В XVII—XVIII вв. при
оркестровом исполнении менуэтов и других танцев средние разделы поручались трем инструментам, по контрасту с
крайними, исполнявшимися всем оркестром. В прошлом
общеупотребительное, постепенно это название вышло из
обихода и сейчас применяется только в маршах для духового
оркестра.
Наконец, под трио понимают еще и строго трехголосные
полифонические пьесы для органа, где все три голоса
самостоятельны и исполняются: два — на разных ручных
клавиатурах (мануалах), а третий — на ножной, то есть,
педальной, клавиатуре. Необходимый тембровый контраст
между голосами достигается подбором соответствующих
органных регистров. Прекрасные образцы органных трио
встречаются в творчестве И. С. Баха.

intro: Итальянское слово «трио» имеет несколько значений. Во-первых, это ансамбль из трёх музыкантов-инструменталистов или певцов. Вокальное трио (или — по-другому — терцет) может быть самостоятельной пьесой или же частью крупного произведения, например оперы. Если три партии терцета основаны на одной и той же теме, то тем самым композитор подчеркивает единство мыслей и чувств всех участников ансамбля. Таково трио «Не томи, родимый» — ансамбль Сусанина, Антониды, Собинина из оперы М. И. Глинки «Иван Сусанин». Но возможны индивидуальные, самостоятельные партии каждого действующего лица. Это, например, трио Аиды, Амнерис и Радаме-са в опере Дж. Верди «Аида».

музыка

group: Дисциплины

доп. образование детей

group: Другое

title: Что такое трио


extracted_text:
СОЕДИНЯЯ ОКЕАНЫ      ИЗВЕСИНЫЕ СУДОХОДНЫЕ КАНАЛЫ.
1.   Судоходные каналы (искусственные водные пути)  каналы, осуществляющие транспортные функции,
например, для доставки грузов или людей.
Судоходные каналы — пресноводные и морские, — которые соединяют реки, озёра и моря, рассчитаны, как
правило, на всевозможный водный транспорт — от маленьких лодок до огромных сухогрузов. Судоходные
каналы подразделяются на открытые и шлюзованные. Первые из них соединяют водные пути с одинаковым
уровнем воды, вторые — водоёмы с разными уровнями. Из открытых каналов можно назвать
крупные Суэцкий и Коринфский, однако подавляющее большинство подобных сооружений — второго типа: их
шлюзовые системы позволяют судам подниматься из низких участков канала на более высокие, и наоборот.
Самые знаменитые шлюзовые каналы — Панамский и Кильский. В свою очередь, пресноводные каналы делятся
на транзитные (соединяют несколько водоёмов), водораздельные (связывают бассейны двух рек), обходные
(обводные) или спрямляющие (огибают порожистые или бурные участки, а также сокращают путь между двумя
пунктами извилистого русла) и соединяющие (их прокладывают от водных путей к крупным промышленным
центрам).
            2.  Судоходные каналы по основным функциям
Судоходные каналы по основным функциям бывают:




соединительные каналы между судоходными реками и морями (Суэцкий, построенный в 1869,
Панамский (1914) каналы и др.);
обходные (обводные) каналы, проходящие в обход труднопроходимых участков открытых водоемов,
например, озёр и морей (каналы Онежский, Приладожский, Береговой Мексиканский и др.), или в обход
участков рек с порогами;
выпрямительные каналы — для уменьшения извилистости реки и сокращения длины водного пути;
подходные каналы — судоходные подходы с моря, озера или реки к населённым пунктам, внутренним
портам, промышленных предприятий, сельскохозяйственных районов (Морской канал в Санкт
Петербурге, Манчестерский канал и др.).
3.  Обходные, выпрямительные и подходные каналы строят обычно открытыми (нешлюзоваными). Почти все
соединительные каналы — шлюзованные, изза значительной, разности уровней в реках (морях), соединяемых, а
также изза необходимости уменьшения объёмов земляных работ при проведении каналов через водоразделы.
Вода в шлюзованные каналы подается самотеком (самотечные каналы) или насосными станциями (машинные
каналы).
    Судоходные каналы характеризуются значительной протяженностью (например, длина берегового канала в
США от НьюЙорка до полуострова Флорида около 1,8 тыс. Км, БеломорскоБалтийского канала — 227 км,
ДнепровскоБугского канала — 196 км, Суэцкого канала — 171 км, Панамского канала — 81,6 км) и
большими размерами поперечного сечения (ширина по зеркалу Суэцкого канала 120—150 м, глубина 1213 м).
Каналы существенно улучшили связь между океанами, и с момента их открытия отпала необходимость плыть
вокруг материков, чтобы попасть с Атлантики до Тихого океана или со  Средиземноморья до Индийского
океана.
4. Крупные судоходные каналы Канал
протяженнос
ть
глубина
камер
шлюзов
ширина по
зеркалу/
глубина
/Размеры
камер
шлюзов
Locati
on
Notes
Беломорско

Балтийский
канал
227 км (141 ми
ль)
3,5 м(11 фу
та)
135 м × 14.3 м ×
3.5 м
 Rus
sia
Канал Рейн
Майн
Дунай
171 км (106 ми
ль)
4 м (13 фут
а)
lock dimensions:
190m x 11.45 m
x 4 m
Суэцкий
канал
193,30 км(120
миль)
No locks,
but
24 м(79 фут
а) deep.
Волго
Донской
канал
101 км (63 миль
)
3,5 м(11 фу
та)
205 м(673 футов
) в ширину
lock dimensions:
140m x 16.7 m x
3.5 m
Кильский
канал
98 км (61 миль)
14 м(46 фут
ов)
lock dimensions:
310m x 42 m x
14 m
Хьюстонски
й
судоходный
канал
80 км (50 миль)
14 м(46 фут
ов)
161 м (528 фут)
в ширину
Панамский
канал
77 км (48 миль)
25,9 м(85 ф
ута)
lock dimensions:
320m x 33.53 m
x 25.9 m
Канал
Дунай —
Чёрное
море
(Румыния)
64,4 км (40 мил
ь)
5,5 м(18 фу
та)
lock dimensions:
138 m x 16.8 m x
5.5 m









Открыт в 1933, частично
состоит из бывших рек и
озер, в остальном
искусственно созданный
канал.
Малая глубина
ограничивает проход
современных судов по
каналу.
Открыт в 1992.
Соединяет крупные
реки Рейн и Дунай, вместе с
этим даёт проход
от Северного
моря к Чёрному.
Открыт в 1869,
связывает Средиземное и Кр
асное моря.
Открыт в 1952,
связывает Черное, Азовское
и Каспийское моря.
Открыт в 1895.
Сокращает время прохода
межу Северным и Балтийски
м морями.
Связывает Хьюстон и
Техас с Мексиканским
заливом.
Opened in 1914. Links
the Caribbean Sea to
the Pacific Ocean, creating a
shortcut.
Opened in 1984. Links
the Danube to the Black Sea. Канал
протяженнос
ть
глубина
камер
шлюзов
ширина по
зеркалу/
глубина
/Размеры
камер
шлюзов
Locati
on
Notes



Opened in 1894. Links the
inland city
of Manchester to Irish Sea.
Opened on August 6,
1932. Links Lake Erie to Lake
Ontarioand is part of the Saint
Lawrence Seaway.
Links Montreal with Lake
Superior.
Манчестерс
кий канал
58 км (36 миль)
8,78 м(29 ф
ута)
lock dimensions:
170.68 m x 21.94
m x 8.78 m
lock dimensions:
225.5 m x 23.8 m
x 8.2 m
lock dimensions:
225.5 m x 23.8 m
x 8.2 m
Уэллендски
й канал
43,4 км (27 мил
ь)
8,2 м(27 фу
та)
600 км (370 ми
ль)
8,2 м(27 фу
та)
Канал
Святого
Лаврентия
1

2.
 3. 4.
5.
6. самые выдающиеся судоходные каналы планеты
Панамский канал лет

всю
110
зону будущего Панамского канала за символическую цену, размером с годовую арендную плату, что позволило
начать строительствовеличайшего судоходного канала за
всю историю человечества.
К этой дате мы подготовили обзорсамых выдающихся судоходных каналов планеты.
назад правительство США приобрело "навечно" ывают венцом инженерной мысли своего времени, величайшим каналом в истории человечества и
Этот канал наз
одним из наиболее важных водных экономических объектов.
А ещё Панамский канал известен как «Мост двух Америк».
Панамский канал, соединяющий Тихий и Атлантический океаны,
 это система шлюзов и водозаборников, которые «выравнивают» уровень моря между двумя океанами. Этот ка
нал, протяжённость которого 77 км, был открыт 12 июня 1920 года, но
и сегодня остается одним изважнейших судоходных путей, представляющих огромную экономическую ценност
ь. Его строительство, стало одним из наиболее сложных и емких проектов в истории человечества.
Известен факт, что символическое нажатие кнопки для открытия канала произвёл 28ой президент
того времени было фактом беспрецедентным. После нажатия кнопки сигнал ушёл по телеграфу в Панаму
США Вудро Вильсона прямо из своего кабинета. Что для
и взрывчатка на плотине детонировала. Взрыв привёл к
тому, что воды искусственного озера Гатун заполнили канал Кулебра, и суда смогли курсировать между Тихим
и Атлантикой. Сегодня Панамский канал не только важнейший судоходный путь, но
и популярный туристический объект.
 Суэцкий канал Открытие канала соединившего Средиземное море   и Красное море состоялось в   1869
канал является условной границей между Африкой и Евразией. Задумывался канал как альтернативный
морской путь из Средиземноморья в Индийский океан.
колеблется от
4560 метров,
Канал является важным экономическим и стратегическим объектом, соединяя два крупных порта: Суэц и
ПортСаид.
  Его протяженность 163   км,

году. Суэцкий

  ширина   по дну
а глубина около 20 метров. Сегодня Суэцкий канал, наряду с добычей нефти и туризмом,  один из главных источников дохода Египта. За
сутки по каналу проходит в среднем 48 судов, а чтобы преодолеть канал потребуется порядка14 часов.
БеломорскоБалтийский канал БеломорскоБалтийский канал
(Беломорканал) возводили заключенные ГУЛАГа. Строительство этогоканала стало настоящей трагедией для о
течественной истории и   символом индустриализации.   Канал был построен в рекордные сроки (за   1   год   и
9 месяцев)
и стал важной водной артерией для судоходства, коей является и сегодня. Общая протяжённость Беломорско
Балтийского канала от Онежского озера   до Белого моря   227   км, глубина 4   метра,   ширина   36 метров.
Канал включает 19 шлюзов.
В

с очень высоким содержанием смол, ставшие популярными изза своей низкой цены.
году были выпущены папиросы «Беломорканал»
СССР
1932

в

Среднегерманский канал
и является важной
Свой каналгигант есть и
судоходной артерией, соединяя Рейн   через   канал   ДортмундЭмс и   канал   РейнХерне   с   такими реками
в Германии. Называется он Среднегерманский канал как Эльба, Везер, Эмс и   озером   с   Одером. Длина Среднегерманского канала    325,7   км. Известен этот
канал чрезвычайно живописными видами на его берегах, что привлекает в эти места много туристов, а так же
мостами
и необычными постройками для переправы судов. Наиболее известны на этом канале Минденский и Магдебург
ский судоходный каналы, которые и по сей день привлекают толпы зрителей.
Гётаканал

Гетаканал
Канал представляет собой кратчайший путь между этими морями.
Канал был открыт 26 сентября 1832, принадлежит Швеции и
– водный путь, соединивший в первой половине 19го века Балтийское и Северное море.

не одно десятилетие прослужил верой и правдой ее торговым интересам.
Однако, со временем тоннаж торговых судов изменился и надобность в   канале   угасла. Протяженность   Гета
канала,
км. Сегодня Гета
канал сталобъектом интереса туристов, любителей водных прогулок и   парусного спорта. Каждый год, здесь
собираются тысячи туристов и спортсменов.
на котором, кстати, расположено 58 шлюзов,
 около 420

Клонг
Клонг – сложнейшая система каналов,
равнины Таиланда.
благодаря этой системе каналов торговцам и путешественникам удавалось попасть из одного уголка
страны в другой.
характеристик Клонг перестал представлять какойлибо экономический интерес. Многие каналы этой
«Азиатская Венеция» раскинувшаяся в центральной части
На протяжении столетий Клонг был главным водным путём в Таиланде. Только
с развитием судоходства, изза своих инженерных
великому сожалению,
К системы были засыпаны уже   в   наше время.   Вернуть былую славу   каналом   удалось благодаря развитию
в стране туризма.
Августовский канал
Августовский канал является судоходным путём межу Польшей и Беларусью. Этот памятник
гидротехнического зодчества соединяет реку Вислу
с рекой Неман и расположен в охраняемой зоне
ЮНЕСКО. Протяжённость канала – 101 км. Он включает в себя сложную систему шлюзов и разводных мостов.
Инициаторами строительства Августовского канала стали Ксаверий ДруцкийЛюбецкий министр
финансов Польши и Станислав Сташиц, польский общественный деятель. Решение о строительстве
этого канала принял лично император Александр І, после того, как проект, подготовленный на
листах группой военных инженеров, возглавляемой Игнатием Прондзинским, был рассмотрен
специальной технической комиссией в Петербурге. Необходимость в строительстве канала возникла
после того, как в первой четверти 190го века Пруссия ввела
для морских грузоперевозчиков, направлявшихся в порты Балтики, высокие таможенные пошлины.
Известно, что на строительстве Августовского канала работало более 7 тыс. рабочих разных
национальностей: русские, белорусы,
информация, что евреи на строительстве канала занимались самой,
при этом и самой высокооплачиваемой работой  вычерпывали воду из канав.
Достаточно долгое время по Августовскому каналу вёлся сплав леса.   Ходили   по   каналу   и   «берлины»
При движении против течения использовали лошадиные
 деревянные суда, которые перевозили товары.
упряжки,
а иногда и бурлаков.
Сегодня Августовский канал   – своеобразная Мекка   для туристов водников, которые стремятся сюда со
всего мира.
  В   документах   того времени сохранилась
но
  поляки   и евреи.
500

пожалуй трудоёмкой и грязной, Коринфский канал
Коринфский канал, длина которого всего 6
При этом глубина и
а переоценить его важность для греческого судоходства просто невозможно. Своей актуальности он
не потеряет хотя быпотому, что привлекает большое количество туристов. Фирменная фишка Коринфского ка
нала его высокие стены –   до   76 метров над водой. Коринфский канал впечатляет с   любого ракурса и является
настоящим раем для экстремалов.
км, считается самой короткой судоходной артерией.
по нему даже самым большим кораблям,

ширина позволяют пройти С Коринфским каналом связан весьма необычный рекорд. Перепрыгнуть этот канал мечтали многие   райдеры,
а осуществить мечту экстремалов смог Робби Мэддисон.   В   2010   году   он разогнался до скорости 125   км/ч
на своей «Хонде CR500», пролетел над
и приземлился на
его противоположной стороне. Максимальная высота прыжка
95 метров. Мэддисон рассказывал, чтосамой сложной для него оказалось преодолеть полосу разгона и своё стр
ах.
каналом

Каледонский канал
Каледонский канал некогда был важным торговым и транспортным объектом для Великобритании. Сегодня же
баржах. Этот
этот канал

живописный шотландский канал соединяет два известных озера ледникового типа –
  Лох
Лохи. Путешествовать по этому каналу можно с марта по октябрь.
– место для туристических прогулок на речных теплоходах
  ЛохНесс и
и

Кильский канал Кильский канал, соединяющий Балтийское и Северное моря, расположен в Германии. Название своё он получи
л в   честь одноименной бухты и города Киль. Сегодня этот канал протяженностью 98   км   и шириной более 100
м, является одним из наиболее загруженных каналов Европы. Используется канал
с

все крупные суда
1895 года. Движение на этом канале организовано с немецкой пунктуальностью,
обязательно сопровождает лоцман.
С завидной частотой на
канале устроены паромные переправы. Примечательно то, что до   1948 года он носил другое название    Канал
кайзера Вильгельма.
а

file_name: СОЕДИНЯЯ ОКЕАНЫ.docx

intro: Уникален мир географических объектов. И работая с текстами, мы встречаем множество названий объектов. Но только их названия. Мы предлагаем расширить данные, которые кратко описаны в тексте учебника, понимая, что всё и обо всём невозможно написать из - за ограничения. Глухие обучающиеся с интересом воспринимают такой материал.

дефектология

group: Педагогика

title: Рабочий материал по географии. 10 класс. Тема. Мировой транспорт.


extracted_text:
Токката (итал. toccata от toccare — трогать, толкать) —
первоначально всякое произведение для клавишных
инструментов, в современном смысле — инструментальная
пьеса быстрого, чёткого движения равными короткими
длительностями. Обычно токката пишется для фортепиано или
органа, но встречаются также токкаты для других
инструментов.
В эпоху Возрождения так называли праздничную фанфару для
духовых инструментов и литавр; в XVII в. — фанфарного типа
вступления к операм и балетам.
Характерная черта токкат состоит в том, что технические
фигуры постоянно проводятся в пьесе то в левой, то в правой
руке. Образцы фортепианных токкат — у Р. Шумана, Ф.
Мендельсона, К. Дебюсси, М. Равеля, С. С. Прокофьева, А. И.
Хачатуряна, Д. Д. Шостаковича. В 1618 веках органные
токкаты писалась в свободной импровизационной форме,
близкой к прелюдии или фантазии; обычно они создавались как
вступительная часть инструментального цикла (например,
циклы токкат у И. С. Баха).
Токката — это и виртуозная пьеса для лютни, клавира, органа.
Первоначально токката для клавишных инструментов
сочинялась как вступление (прелюдия) к хоровому
произведению, например мотету, и являлась жанром церковной
музыки, а затем она становится самостоятельным концертным
жанром светской музыки. Композиторы включают ее в сюиту, делают начальной частью полифонического цикла (токката и
фуга ре минор для органа И. С. Баха). Для токкаты характерна
фактура, отражающая стиль пальцевой, клавишной игры, т. е.
игры аккордами, пассажами, фигурациями мелодическими и
гармоническими. Аккордовые и пассажные разделы чередуются
в ней с имитационнополифоническими. В токкатах Баха
красота формы и небывалая виртуозность соединились с
глубиной и значительностью содержания.
В XIX—XX вв. токката развивалась как самостоятельная
виртуозная пьеса этюдного плана (токкаты для фортепьяно Р.
Шумана, К. Черни, К. Дебюсси, М. Равеля, С. С. Прокофьева,
А. И. Хачатуряна). Токката как часть цикла встречается в 5м
концерте для фортепьяно Прокофьева, в сюите «Пульчинелла»
И. Ф. Стравинского.

intro:
Токката (итал. toccata от toccare — трогать, толкать) — первоначально всякое произведение для клавишных инструментов, в современном смысле — инструментальная пьеса быстрого, чёткого движения равными короткими длительностями. Обычно токката пишется для фортепиано или органа, но встречаются также токкаты для других инструментов.

В эпоху Возрождения так называли праздничную фанфару для духовых инструментов и литавр; в XVII в. — фанфарного типа вступления к операм и балетам.

Характерная черта токкат состоит в том, что технические фигуры постоянно проводятся в пьесе то в левой, то в правой руке. Образцы фортепианных токкат — у Р. Шумана, Ф. Мендельсона, К. Дебюсси, М. Равеля, С. С. Прокофьева, А. И. Хачатуряна, Д. Д. Шостаковича. В 16-18 веках органные токкаты писалась в свободной импровизационной форме, близкой к прелюдии или фантазии; обычно они создавались как вступительная часть инструментального цикла (например, циклы токкат у И. С. Баха).

Токката — это и виртуозная пьеса для лютни, клавира, органа. Первоначально токката для клавишных инструментов сочинялась как вступление (прелюдия) к хоровому произведению, например мотету, и являлась жанром церковной музыки, а затем она становится самостоятельным концертным жанром светской музыки. Композиторы включают ее в сюиту, делают начальной частью полифонического цикла (токката и фуга ре минор для органа И. С. Баха). Для токкаты характерна фактура, отражающая стиль пальцевой, клавишной игры, т. е. игры аккордами, пассажами, фигу-рациями мелодическими и гармоническими. Аккордовые и пассажные разделы чередуются в ней с имитационно-полифоническими. В токкатах Баха красота формы и небывалая виртуозность соединились с глубиной и значительностью содержания.

В XIX—XX вв. токката развивалась как самостоятельная виртуозная пьеса этюдного плана (токкаты для фортепьяно Р. Шумана, К. Черни, К. Дебюсси, М. Равеля, С. С. Прокофьева, А. И. Хачатуряна). Токката как часть цикла встречается в 5-м концерте для фортепьяно Прокофьева, в сюите «Пульчинелла» И. Ф. Стравинского.

title: Что такката


description:
Токката (итал. toccata от toccare — трогать, толкать) —
первоначально всякое произведение для клавишных
инструментов, в современном смысле — инструментальная
пьеса быстрого, чёткого движения равными короткими
длительностями. Обычно токката пишется для фортепиано или
органа, но встречаются также токкаты для других
инструментов.
В эпоху Возрождения так называли праздничную фанфару для
духовых инструментов и литавр; в XVII в. — фанфарного типа
вступления к операм и балетам.
Характерная черта токкат состоит в том, что технические
фигуры постоянно проводятся в пьесе то в левой, то в правой
руке. Образцы фортепианных токкат — у Р. Шумана, Ф.
Мендельсона, К. Дебюсси, М. Равеля, С. С. Прокофьева, А. И.
Хачатуряна, Д. Д. Шостаковича. В 1618 веках органные
токкаты писалась в свободной импровизационной форме,
близкой к прелюдии или фантазии; обычно они создавались как
вступительная часть инструментального цикла (например,
циклы токкат у И. С. Баха).
Токката — это и виртуозная пьеса для лютни, клавира, органа.
Первоначально токката для клавишных инструментов
сочинялась как вступление (прелюдия) к хоровому
произведению, например мотету, и являлась жанром церковной
музыки, а затем она становится самостоятельным концертным
жанром светской музыки. Композиторы включают ее в сюиту,

description:
делают начальной частью полифонического цикла (токката и
фуга ре минор для органа И. С. Баха). Для токкаты характерна
фактура, отражающая стиль пальцевой, клавишной игры, т. е.
игры аккордами, пассажами, фигурациями мелодическими и
гармоническими. Аккордовые и пассажные разделы чередуются
в ней с имитационнополифоническими. В токкатах Баха
красота формы и небывалая виртуозность соединились с
глубиной и значительностью содержания.
В XIX—XX вв. токката развивалась как самостоятельная
виртуозная пьеса этюдного плана (токкаты для фортепьяно Р.
Шумана, К. Черни, К. Дебюсси, М. Равеля, С. С. Прокофьева,
А. И. Хачатуряна). Токката как часть цикла встречается в 5м
концерте для фортепьяно Прокофьева, в сюите «Пульчинелла»
И. Ф. Стравинского.

intro:
Интонация (от латинского «интоно» — «громко произношу») — в широком смысле: воплощение художественного образа в музыкальных звуках. Ее называют душой музыки, основой музыкального мышления и общения.

Как она устроена? Подобно слову, интонация — единство звука и смысла. Но и звук, и смысл, и характер их связи радикально отличны в слове и интонации. Звуковой материал слова — строго ограниченный набор фонем. Можно сказать, что фонема — основная единица звукового строя языка, предельный элемент, выделяемый линейным членением речи. Музыкальная интонация опирается на звук во всей полноте его свойств. Вместо нескольких десятков фонем здесь бесконечные тембровые оттенки, способы артикуляции, различие темпа, ритмических рисунков, уровней громкости, меняемых во времени. Слово называет явление, интонация же заставляет ощутить и пережить его.

Интонация в музыке это:

музыкально-теоретическое и эстетическое понятие, имеющее несколько взаимосвязанных значений. Интонация, в самом широком смысле — это высотная организация музыкальных звуков (тонов) в их последовательности (сравни с временной организацией — ритмом). Музыкальная интонация отличается от речевой, фиксированностью звуков по высоте и подчинением их системе лада. Под интонацией понимают, также, манеру («склад», «строй») музыкального высказывания, обусловливающую его экспрессивное (определяющееся выражаемыми в музыке чувствами), синтаксическое (утвердительное, вопросительное и т. п.), характеристическое (национальное, социальное и т. п.) и жанровое (интонация песенная, ариозная, речитативная и т. п.) значения. Выразительность музыкальной интонации опирается на обусловленные слуховым опытом людей ассоциации с другими звучаниями, прежде всего с речью, и некоторые психо-физиологические предпосылки. Интонация, в узком смысле — это наименьшее сопряжение тонов в музыкальном высказывании, обладающее относительно самостоятельным выразительным значением, семантическая ячейка (единица) в музыке. Обычно подобная интонация состоит из 2—3, иногда и из одного звука. Чаще всего это частица мелодии, попевка, хотя на её выразительность оказывают влияние ритм, гармония, тембр. Иногда интонацию метафорически называют музыкальным словом. Однако, в отличие от слова, музыкальная интонация не имеет точно определенного конкретного смысла. Лишь условно можно говорить и об «интонациональном словаре» как совокупности интонаций, применяемых каким-либо композитором, группой композиторов, а также встречающихся в музыке многих стран в определённый период («интонациональный словарь эпохи»).

Степень акустической точности воспроизведения высоты тонов и их соотношений при музыкальном исполнении. Интонация воспринимается слухом как верная в тех случаях, когда звучащий тон располагается внутри некоторой области частот, близких к абсолютно точной, — так называемой зоны.

В производстве и настройке музыкальных инструментов с фиксированной высотой звуков (фортепиано, органа и др.) — ровность и точность звучания каждого тона звукоряда инструмента по высоте, громкости и тембру.

Музыкальная интонация черпает свою выразительность из многих источников. Один из самых богатых — речевая интонация. Представим беседу на незнакомом языке. Что можно узнать из нее? Оказывается, очень многое. Можно узнать о том, кто говорит: ребенок, взрослый, девушка, старик, как они друг к другу относятся. Можно узнать о характере и темпераменте участников разговора, об их физическом и эмоциональном состоянии — усталости или возбуждении, гневе или печали. О тоне говорящего: просит ли он, или же рассказывает о сокровенном. Почувствуем мы и атмосферу беседы, ее эмоциональный настрой.

Все эти разнообразные связи с речевым опытом использовали музыканты, иногда непроизвольно, но часто и вполне сознательно. Еще в 1581 г. лютнист Винченцо Галилей, отец знаменитого астронома Галилео Галилея, настойчиво советовал композиторам прислушиваться к тому, как речевая интонация отражает характеры и чувства людей, социально-психологические отношения, а затем претворять услышанное в музыке. Совет не пропал даром: «Флорентийской камерате» — кружку музыкантов и поэтов, участником которого был Галилей, — человечество обязано рождением жанра оперы с ее новым, более жизненным типом интонирования. Впоследствии тем же путем вслушивания в музыку речи осознанно шли многие композиторы, среди них — А. С. Даргомыжский, М. П. Мусоргский.

Музыкальная интонация опирается на специфические средства гармонии, лада, метра, которые музыкально ее организуют. Другая опора музыкальной интонации — жесты, движения, «немые интонации тела», как их назвал выдающийся советский музыковед Б. В. Асафьев. Способность музыки точно воспроизводить самые разные движения — бурные, мощные, грандиозные, угловатые, раскованные — поразительна. Вот несколько примеров: вкрадчивые движения кошки, неуклюже переваливающаяся походка утки — в симфонической сказке С. С. Прокофьева «Петя и волк», неслышно плывущий шаг патера Лоренцо, спотыкающиеся движения смертельно раненного Меркуцио — в его же балете «Ромео и Джульетта».

Музыкальное искусство опирается и на свой собственный многовековой опыт интонационного выражения. Простейшие интонации типизировались в обобщенные интонации музыкальных жанров и стилей. Например, интонация скорби — в арии «ламенто», арии плача, характерной для ранней оперы эпохи барокко. Иная интонация — в музыкальной элегии сентиментализма: печаль ее легка и просветленна. Безошибочно различаются на слух интонации тревожно-напряженной баллады и безмятежной пасторали, эпической былины и лирически восторженной поэмы, торжественного гимна, возвышенного хорала и удалого гопака. У каждого композитора свой интонационный почерк. Один — у И. С. Баха, другой — у В. А. Моцарта, третий — у Прокофьева. И исторический стиль тоже обладает интонационной неповторимостью. Наполненная разочарованием, томящаяся по недостижимому идеалу интонация романтической музыки непохожа, например, на живую, общительную, склонную к игре и неожиданностям интонационную манеру музыки середины XVIII в.

От первых звуков колыбельной интонация ведет человека ко все более глубокому пониманию жизни, воплощенной в музыке.
Слово «интонация» иногда понимается в более узком значении. Говорят, например, о чистой или фальшивой интонации. Здесь имеются в виду тончайшие оттенки высоты, градации, возникающие в процессе исполнения.

title: Интонация в музыке


extracted_text:
Музыковедение — наука о музыке, одна из областей
искусствознания. Это верно, но лишь отчасти. В музыковедении
действительно есть научное ядро — система объективных
знаний о музыке и музыкальной культуре. Есть в нем, однако, и
литературнохудожественные интерпретации музыки,
музыкальнокритические эссе, художественно
публицистические очерки. Поэтому музыковедение правильнее
понимать как особую сферу общественного сознания и
деятельности, промежуточную между искусством и наукой,
связывающую художественное и научное познание,
содействующее развитию музыкальной культуры общества.
Отрасли музыковедения — теория музыки, история музыки,
музыкальная этнография, музыкальная критика. Музыкальная
акустика, изучающая акустические предпосылки музыкального
искусства, и музыкальная психология, изучающая психологию музыкального творчества и восприятия, входят в
музыковедение как самостоятельные разделы и вместе с тем
являются частью физики (музыкальная акустика) или
психологии (музыкальная психология). В 60—70е гг. 20 в.
выделилась как особая дисциплина музыкальная социология,
изучающая конкретные формы жизни музыки в обществе.
На комплексное понимание музыковедения указывает и сам
термин. «Ведение» — знание. Знания о музыке, оформленные в
систему, образуют музыкальную науку. Ведение — это и
интуитивное схватывание сути вещей. Не случайно в
этимологическом родстве с ним состоит слово «видение». И эта
сторона тоже присутствует в музыковедении: ведь только
путем полного непосредственного духовного слияния с
музыкой можно постичь ее внутренний смысл.
Так рождаются проникновенные музыковедческие толкования
произведений. Связи с этимологически родственными словами
«совесть», «вежливый» прочерчивают еще одну — ценностно
этическую сторону в музыковедении. Оно и в самом деле
оценивает музыку, стремится отделить произведения вечные,
способные обогатить человечество, поднять его на новую
ступень нравственного совершенства, от произведений ложного
искусства — безликих, вульгарных, слащавых и фальшивых,
лишь внешне занимательных. Этой задаче посвящает себя
музыкальная критика.
Есть в этом корне еще один важный смысловой оттенок — «заведовать». Музыковедение несет ответственность перед
обществом за состояние дел в музыкальной культуре. Оно
пронизывает собой всю систему музыкального образования и
воспитания, исследует эффективность бытия музыки в
обществе, с помощью музыкальной публицистики стремится
совершенствовать организацию музыкальной жизни и культуры.
Наука о музыке, средоточие объективных знаний, представляет
собой разветвленную систему исторических и теоретических
дисциплин. История музыки рассматривает процесс развития
музыкальной культуры (в масштабах истории человечества в
целом, отдельных национальных культур, различных эпох).
Народная музыка изучается фольклористикой. Бытие музыки в
обществе изучается музыкальной социологией, закономерности
музыкальной деятельности — психологией музыки, физические
предпосылки — музыкальной акустикой. Комплекс
музыкальнотеоретических учений направлен на познание
самого устройства музыки: гармония изучает высотные связи
звуков, полифония — соединения голосов фактуры, учение о
музыкальных формах — принципы композиции. Исследования в
этих и многих других частных дисциплинах опираются на
философскоэстетические основоположения музыкознания. К
ним относятся, например, представления о музыкальной
культуре, о содержании и форме в музыке, об интонации как
основе выразительности и др. Музыкальная наука развивается в
содружестве с науками об искусстве, культуре, о человеке,
обществе, истории. На знания, выработанные музыкальной
наукой и проверенные практикой, опираются музыкальная критика и публицистика.
Теоретическое музыковедение исследует: вопрос о способах
отражения действительности в музыке, основные
закономерности музыки, установившиеся в процессе её
исторического развития (в этом смысле оно сближается с
эстетикой); композиционные средства и приёмы, имеющие как
общее значение для всего музыкального искусства, так и
частное, в пределах какоголибо одного исторического периода.
Изучению отдельных элементов музыки посвящены такие
музыкальнотеоретические дисциплины, как мелодика,
ритмика, метрика, гармония, полифония, инструментовка,
учение о музыкальных формах. Эти дисциплины имеют не
только теоретическое, научнопознавательное значение, но и
представляют основу для выработки композиторской техники и
практического овладения различными средствами музыкальной
выразительности. Целостное изучение конкретного
музыкального произведения на основе совокупных данных
отдельных теоретических дисциплин определяет сущность
метода и предмета особой дисциплины — анализа музыкальных
произведений, рассматривающего форму и содержание
произведения в их единстве. К области теоретического
музыковедения относятся также научнометодические
дисциплины, разрабатывающие принципы музыкального
исполнения (сольного и хорового пения, дирижёрского
искусства, игры на различных инструментах) и развития
музыкального слуха (сольфеджио). Историческое музыковедение имеет целью воссоздание
целостной картины развития музыкальной культуры в тесной
взаимосвязи различных её сторон и в зависимости от изменения
условий жизни общества.
В исследовании явлений музыкального творчества история
музыки опирается на данные музыкальнотеоретического
анализа. Вместе с тем выводы теоретического музыковедения
не могут быть достаточно полными и научно обоснованными без
учёта исторической обусловленности изучаемых явлений.
Наряду со всеобщей историей музыки, охватывающей историю
музыкальной культуры всех времён и народов и выясняющей
общие закономерности музыкальноисторического процесса на
различных ступенях развития человеческого общества,
историческое музыковедения включает в себя историю музыки
отдельных народов и стран, историю жанров и форм музыки
(например, оперы, симфонии, сонаты), видов исполнительского
искусства (пианизма, скрипичного искусства и т. п.), отдельных
областей музыковедения (например, история учения о
гармонии). Изучение народной музыки (музыкального фольклора) входит
как необходимая и органическая составная часть во всеобщую
историю музыки, так же как и в историю музыки каждой
отдельной страны. Вместе с тем изучением народного
музыкального творчества и его специфических особенностей
занимается также особая наука — музыкальная этнография.
Важная роль в музыкальной культуре принадлежит
музыкальной критике, т. е. анализу и оценке явлений
современной музыкальной практики.
Музыковедение зародилось во времена античности. В
настоящее время музыковедение как особая специальность
включено в систему музыкального образования.
Музыковедческие отделения музыкальных училищ и вузов
готовят преподавателей соответствующих дисциплин,
критиков, лекторов, работников музыкальных издательств,
радио и телевидения. Научная работа ведется в
исследовательских институтах, в консерваториях и других
высших учебных заведениях. Музыковедческой деятельностью
часто занимаются также композиторы и исполнители.
Ценнейшее музыкальнокритическое и музыкально
теоретическое наследие оставили Ж. Ф. Рамо, Р. Вагнер, Г.
Берлиоз, Р. Шуман, К. Дебюсси, М. И. Глинка, А. Н. Серов, Н.
А. РимскийКорсаков, П. И. Чайковский.
Музыковедческие труды пишутся в самых различных жанрах.
Одни из них, направленные на совершенствование музыкальной науки, адресуются к самим же музыковедам — таковы
диссертации, статьи и книги, исследующие сложные и
достаточно специальные проблемы. Другие — обращаются к
музыкантам, третьи — к самому широкому читателю, в
частности к детской и молодежной аудитории. Данный словарь
представляет собой один из жанров популярной
музыковедческой литературы. Задаче начального вхождения в
музыку служат и многие другие книги. Представление о них
дает список рекомендованной литературы в конце этой книги.

intro: Музыковедение — наука о музыке, одна из областей искусствознания. Это верно, но лишь отчасти. В музыковедении действительно есть научное ядро — система объективных знаний о музыке и музыкальной культуре. Есть в нем, однако, и литературно-художественные интерпретации музыки, музыкально-критические эссе, художественно-публицистические очерки. Поэтому музыковедение правильнее понимать как особую сферу общественного сознания и деятельности, промежуточную между искусством и наукой, связывающую художественное и научное познание, содействующее развитию музыкальной культуры общества.

title: Музыковедение


extracted_text:
Квартет

В музыке квартетом называют ансамбль, состоящий из четырех
музыкантов или певцов. Наибольшее распространение среди
них получил струнный квартет, состоящий из двух скрипок,
альта и виолончели.
Возник он еще в XVIII в., когда музыкантылюбители,
собираясь вместе по вечерам, проводили свой досуг в игре на
струнных инструментах. Со временем в квартеты стали
объединяться и выдающиеся музыканты. Такие ансамбли
выступали при дворах князей, в дворянских гостиных, а с XIX
в. — в концертных филармонических залах. Сейчас струнный
квартет — один из самых распространенных видов камерного
ансамбля. Однако существует еще целый ряд разновидностей квартетов.
По составу инструментов квартеты бывают однородные
(смычковые, деревянные духовые) и смешанные (например,
смычковые с гобоем или фортепьяно). Квартет в составе трех
струнных смычковых инструментов — скрипка, альт,
виолончель — и фортепьяно принято называть фортепьянным.
Вокальные квартеты бывают женские, мужские, смешанные
(сопрано, альт, тенор, бас и др.).
Квартетом называют не только музыкальный коллектив, но и
музыкальное произведение для четырех исполнителей.
Квартет — произведение для 4 инструментов — ведущий жанр
камерной музыки. Распространены квартеты из однородных
инструментов (2 скрипки , альт, виолончель) и смешанный
(струнный , с духовыми или фортепианными ).
Сочинения для струнного квартета стали создавать начиная с
середины XVIII в., то есть, тогда, когда такие коллективы уже
сложились. Квартеты великих композиторовклассиков
прошлого и наших дней занимают почетное место в
сокровищнице мировой камерной музыки. Среди них —
произведения Й. Гайдна, В. А. Моцарта, Л. Бетховена, Ф.
Шуберта, Р. Шумана, И. Брамса.
Первыми использовали квартеты композиторы Мангеймской
школы. В Италии много струнных квартетов написали Антонио Саккини (1730—1786) и Луиджи Боккерини (1743—1805).
Первый квартет Гайдна был создан в 1755 г. До 80х гг. XVIII
в.Квартет сохранял свойственную дивертисментам и серенадам
форму сюиты. К концу XVIII в. Гайдн (83 струнных квартетах ,
в том числе 6 «русских») и Моцарт (23 струнных , 2
фортепианных квартета ) окончательно утвердили в квартете
форму сонатного цикла.
Эту форму сохранил в своих квартетах и Бетховен. Ему
принадлежат 16 квартетов , в том числе 3 «русских» (соч. 59,
1807), написанных на темы русскух народных песен. В
последних 5 квартетах (соч. 127 — Мибемоль мажор, соч. 130
— Сибемоль мажор, соч. 131—додиез минор, соч. 132—ля
минор, соч. 135 — Фа мажор) новое идейнофилософское
содержание привело к значительному усложнению формы.
Квартеты заняли видное место в творчестве Шуберта (19
струнных Квартетов; 3 из них утеряны, наиболее известен 7й с
вариациями на тему его песни «Смерть и девушка» — ре минор,
1824), Шумана (3 струнных квартета, фортепианный квартет ),
Мендельсона (6 струнных квартетов, 3 фортепианных квартетов
), Брамса (6 струнных квартетов). Со 2й половине XIX в.
струнные квартеты стал излюбленным камерным жанром
большинства композиторов различных школ; широкой
известностью пользуются квартеты французских композиторов
Шоссона, Дебюсси, Равеля. Яркий колорит характеризует
квартет Грига (2, 2й не окончен), Сибелиуса (2, 2й — «Интимные голоса»).
Струнные квартеты писали польские композиторы Монюшко
(2), Шимановский (2), Казимеж Сикорский (р. 1895), Збигнев
Турский (р. 1908), Витольд Рудзинский (р. 1913). Выдающиеся
квартеты создали композиторы Джордже Энеску (3),
Константин Сильвестри (р. 1913), Бедржих Сметана (2), Леош
Яначек (2), йозеф Сук (2), Бела Барток (6) (1й —1908, 6й—
1939), Пауль Хиндемит, Семюэл Барбер (р. 1910), Бенджамин
Бриттен (р. 1913), Веселии Стоянов (р. 1902), Клаудиу Сантору
(р. 1919), Иосип Словенский (1896—1955), Петар Коньович (р.
1883). В России струнный квартет начал культивироваться с
XVIII в. В этом жанре писали: Бортнянский, Алябьев (3
струнных и 1 для 4 флейт), Даргомыжский (2), Рубинштейн
(10). Новым этапом в развитии жанра квартета явились
произведения Бородина (2 струнных квартета ; 2й — с
Ноктюрном), Чайковского (3, 2й с Andante cantabile), Танеева
(9).
Тонким мастерством отличаются 7 квартета Глазунова
(наиболее известен 3й, «Славянский»). В творчестве советских
композиторов струнный квартет занимал значительное место.
Известностью пользовался квартет Мясковского (13),
Прокофьева, Глиэра, Шебалина. Крупнейший вклад в
квартетную музыку внес Шостакович — автор 10 квартетов.
Основоположники русского классического квартета — А. П.
Бородин и П. И. Чайковский. Квартетам Чайковского свойственны могучий размах, страстный темперамент и в то же
время задушевность (особенно их медленным частям). Так, в
основу широко известной второй части Первого струнного
квартета положена русская песня «Сидел Ваня на диване». Оба
квартета Бородина отличаются поэтичностью, спокойным,
уравновешенным лиризмом, картинностью. Русская квартетная
музыка многим обязана С. И. Танееву и А. К. Глазунову.
Советские композиторы внесли огромный вклад в квартетное
наследие. Среди них — Н. Я. Мясковский, С. С. Прокофьев, Д.
Д. Шостакович, Д. Б. Кабалевский, Б. Н. Лятошинский, М. С.
Вайнберг, Б. А. Чайковский, А. Г. Шнитке, В. В. Сильвестров.

intro:
В музыке квартетом называют ансамбль, состоящий из четырех музыкантов или певцов. Наибольшее распространение среди них получил струнный квартет, состоящий из двух скрипок, альта и виолончели.

Возник он еще в XVIII в., когда музыканты-любители, собираясь вместе по вечерам, проводили свой досуг в игре на струнных инструментах. Со временем в квартеты стали объединяться и выдающиеся музыканты. Такие ансамбли выступали при дворах князей, в дворянских гостиных, а с XIX в. — в концертных филармонических залах. Сейчас струнный квартет — один из самых распространенных видов камерного ансамбля.

title: Квартет


extracted_text:
Ансамбль (от фр. ensemble — вместе, множество) — означает
совместное исполнение музыкального произведения
несколькими участниками или музыкальное произведение для
небольшого состава исполнителей; излюбленный с давних
времен тип музицирования. В соответствии с количеством
исполнителей (от двух до десяти), ансамбль называется дуэтом,
трио (терцетом), квартетом, квинтетом, секстетом, септетом,
октетом, нонетом или дециметом — по латинским названием
цифр. Как самостоятельные произведения ансамбли
принадлежат к области камерной музыки, но входят также и в
состав опер, ораторий, кантат. ВИА (вокально
инструментальные ансамбли) были распространены в России в
семидесятых годах.
История подсказывает нам один из возможных путей
образования ансамбля: к поэтическому напеву рожка пастуха
присоединяется другой инструментальный «голос», он робко
ищет себе путь и находит его, оплетая мелодию первого
исполнителя выразительным орнаментом звуковых кружев, не
мешающих слушать этот напев, но оттеняющих его красоту, как
бы подчеркивающих изобретательные находки.
Несколько певцов задорно выводят русскую народную
хороводную песню. Они поют ее вместе. У одного просто не
вышло бы такое многообразие эмоциональных оттенков,
многоцветье вокальных узоров, создаваемых различными
сочетаниями голосов. Это тоже ансамбль. Им не назовешь
соревнование певцов, где каждый из претендентов на победу
стремится показать прежде всего собственное мастерство. В
ансамбле, напротив, каждый старается соразмерять свою
художественную индивидуальность, свой исполнительский
стиль, технические приемы с индивидуальностью, стилем, приемами исполнения партнеров, что обеспечивает слаженность
и стройность исполнения того или иного музыкального
произведения в целом. То же самое можно сказать и об
искусстве танцевальных ансамблей.
Составы инструментальных ансамблей немногочисленны.
Каждую партию в них исполняет один музыкант (камерные
ансамбли: дуэт, трио, квартет, квинтет и др.). Наиболее
распространенные по составу: фортепьянный дуэт, струнный
квартет, квинтет духовых инструментов, дуэт скрипки с
фортепьяно, трио (скрипка, виолончель, фортепьяно) и другие
— можно часто слышать на отечественной и зарубежной
концертной эстраде.
В XVI—XVIII вв.. существовали различные формы
полифонического ансамбля. В эпоху венской классики
образовались характерные ансамблевые жанры, сохранившие
свое значение до настоящего времени (дуэт скрипки с
фортепьяно, струнный квартет и т. д.).
Мы живем в эпоху расцвета ансамблевого музицирования,
породившую самые различные ансамбли: ударных инструментов, старинной музыки («Мадригал») и др. Большой
известностью пользуются и «Виртуозы Москвы». Участников в
ансамбле обычно немного, поэтому во время совместного
музицирования слышна игра каждого из них, что предъявляет
особые требования к мастерству исполнителя: он должен
обладать особой чуткостью, отзывчивостью, творческой
интуицией, подсказывающей определенный настрой в сложной и
увлекательной ансамблевой игре с партнерами.
Умение соразмерять свои возможности и возможности другого
и называется ансамблевостью исполнения. Высокие образцы
ансамбля показали трио Л. Н. Оборин, Д. Ф. Ойстрах, С. Н.
Кнушевицкий или дуэт С. Т. Рихтер и Ойстрах. Подлинными
виртуозами слывут скрипач В. Т. Спиваков и альтист Ю. А.
Башмет, интерпретирующие дуэты В. А. Моцарта. Игра их
захватывает своим темпераментом, неожиданным звучанием и в
то же время необычайной степенью взаимного понимания, без
которого невозможен истинный ансамбль.
В каждом ВИА есть свой лидер (возможно и не один). Это и
высокопрофессиональный музыкант, сочиняющий и
аранжирующий для ансамбля, и художественный руководитель,
заботящийся об общем «классе» ансамбля, о его стиле, о
создании и постоянном обновлении репертуара; это и менеджер,
способный сочетать разумную гастрольную нагрузку ансамбля с
репетиционным периодом, необходимым для творческого роста
музыкантов; наконец, это зачастую и режиссер, умеющий из
множества разрозненных музыкальных произведений выстроить единую программу с соблюдением специфических законов
эстрадного зрелища. Именно на лидерах лежит основная
ответственность за творческую судьбу ансамбля, за отбор
приемов, средств, которые при общих жанровых признаках
придают конкретному ВИА «лица не общее выражение».

intro: Ансамбль (от фр. ensemble — вместе, множество) — означает совместное исполнение музыкального произведения несколькими участниками или музыкальное произведение для небольшого состава исполнителей; излюбленный с давних времен тип музицирования. В соответствии с количеством исполнителей (от двух до десяти), ансамбль называется дуэтом, трио (терцетом), квартетом, квинтетом, секстетом, септетом, октетом, нонетом или дециметом — по латинским названием цифр. Как самостоятельные произведения ансамбли принадлежат к области камерной музыки, но входят также и в состав опер, ораторий, кантат. ВИА (вокально - инструментальные ансамбли) были распространены в России в семидесятых годах.

title: Ансамбль


extracted_text:
Симфония (от греч. «созвучие») — жанр симфонической
инструментальной музыки многочастной канонизированной
формы фундаментального мировоззренческого содержания.
Симфония, обычно, является сочинением для оркестра,
состоящее, как правило, из нескольких частей. Это один из
главнейших жанров европейской музыки. В современном
понимании слово «симфония» вошло в обиход сравнительно
недавно, в 70х гг. XVIII в., само же оно очень древнего
происхождения.
«Симфония» погречески означает «созвучие». В античные
времена так называли пение хора или ансамбля в унисон, а
также любое гармоническое, благозвучное сочетание тонов. В
средние века слово исчезло из употребления, и новая жизнь его
началась в эпоху Возрождения. Но теперь в слово «симфония»
вкладывался иной смысл. В музыке Возрождения были
распространены многоголосные вокальные сочинения —
мадригалы, канцоны. Они обычно открывались
инструментальным вступлением, которое и называлось
симфонией. Когда в XVII в. возникла опера, то она также
начиналась симфонией — позднее такое вступление
превратилось в увертюру.
В XVIII в. симфония постепенно отделилась от вокальной
музыки и начала свое самостоятельное существование.
Классический вид она обрела в 1780—1790е гг. в творчестве
великих австрийских композиторов Й. Гайдна и В. А. Моцарта. С этого времени начинается блестящий путь симфонии в
европейской и мировой музыке, именно тогда она становится
самым важным, центральным жанром музыкального творчества.
Симфония классического типа состоит из четырех контрастных
частей. Вместе они образуют сонатносимфонический цикл.
Циклическое строение позволяет композитору выразить самые
разные чувства и настроения, создать музыкально обобщенный
образ эпохи. Симфонии Моцарта, Л. Бетховена, Л. И.
Чайковского, И. Брамса, Г. Малера, Д. Д. Шостаковича дают
нам возможность ощутить неповторимую атмосферу времени
подобно тому, как это делает роман или театральная пьеса.
Первая часть классической симфонии — энергичная,
действенная, в быстром темпе, как правило, занимает
главенствующее положение в цикле. Для нее композиторы
избирают одну из самых сложных форм — сонатную. Сонатная
форма дает возможность сопоставить контрастные, даже
конфликтные образы — героический и лирический, сумрачный
и светлый, торжественный и нежный. Эти образы затем
развиваются, изменяются и в результате приобретают новый
характер, новые черты. Первая часть симфонии отличается
поэтому осо: бенной многоплановостью и богатством.
Вторая часть обычно медленная. Характер ее определяется
лирическими, созерцательными настроениями, в ней
встречаются мелодии, близкие песне, романсу. Это передышка
после бурных событий первой части. Но бывают и отступления. Например, в одной из симфоний Гайдна и в «Героической
симфонии» Бетховена во второй части звучит траурный марш,
скорбный и величественный.
Третья часть в симфониях Гайдна и Моцарта — менуэт.
Менуэты в классических симфониях подобны зарисовкам,
картинкам с натуры. Менуэты Гайдна полны простонародного
веселья, близки крестьянским танцам; у Моцарта они лиричны,
порой с оттенком драматической серьезности. Бетховен
заменил менуэт скерцо — музыкой стремительного, живого
характера, нередко с юмористической окраской.
Четвертая часть — финал. Как и первая, она пишется в
быстром темпе, но внутренне не столь контрастна. Если смысл
первой части заключается в конфликтном сопоставлении
образов и драматическом развитии действия, то в финале на
первый план выступает утверждение, подведение итогов. Не
случайно финалы часто пишутся в форме рондо, основанной на
круговом возвращении одной и той же темы, т. е. на
провозглашении одной и той же музыкальной мысли.
Одновременно с сонатносимфоническим циклом сложился и
оркестровый состав, для которого создавались симфонии,—
симфонический оркестр.
Вершиной в историческом развитии симфонии по праву
считается творчество Бетховена. Каждая его симфония —
новый, индивидуальный вариант жанра, каждая из них
заключает целый мир философских идей, является итогом
напряженной работы мысли композитора. 9я симфония Бетховена, венчающая его творческий путь,
открывает новую страницу в истории жанра. В ее финальной
части звучит ода «К радости» Ф. Шиллера, утверждающая идею
всемирного братства человечества. Эта центральная для
творчества Бетховена идея провозглашается в мощном звучании
хора и оркестра. Так симфония становится вокальной. Ее
унаследовали композиторы последующих поколений: вокальные
симфонии писали Г. Берлиоз, Малер, А. Н. Скрябин, И. Ф.
Стравинский, Шостакович.
Поэтический текст делает содержание симфонии более
конкретным, и такие сочинения относятся к программной
музыке. Программной симфония может стать и в том случае,
если композитор просто предпосылает ей название. Подобные
произведения были еще у Гайдна, например оригинальная
«Прощальная симфония», завершающаяся постепенным уходом
музыкантов. В 6й («Пасторальной») симфонии Бетховена
озаглавлены все пять частей. Мы видим, что программный
замысел заставил Бетховена увеличить количество частей в
симфонии и отойти от классического построения цикла.
Позднее композиторы еще свободнее обращаются с формой
симфонии, увеличивая количество частей или, напротив,
сжимая цикл до одночастности. Каждый раз это связано с идеей
сочинения, с индивидуальным замыслом.
Крупнейшие симфонисты после Бетховена — Ф. Шуберт,
Брамс, А. Брукнер, А. Дворжак, Малер. Мировое значение имеет симфоническое наследие русских
композиторов — Чайковского, А. П. Бородина, А. Г. Глазунова,
Скрябина, С. В. Рахманинова. Их великие традиции получили
богатое и яркое развитие в творчестве советских композиторов
всех поколений — Н. Я. Мясковского, С. С. Прокофьева. А. И.
Хачатуряна, Т. Н. Хренниковаа, К. А. Караева, Я. А. Иванова,
Ф. М. Амирова и других мастеров. Величайшим симфонистом
современности был Шостакович. Его 15 симфоний —
настоящая летопись XX в.
Вследствие сходства по строению с сонатой, сонату и
симфонию объединяют под общим названием "сонатно
симфонический цикл". В классической симфонии (в том виде, в
котором она представлена в творчестве венских классиков
Гайдна, Моцарта и Бетховена) обычно имеется четыре части. 1
я часть, в быстром темпе, пишется в сонатной форме; 2я, в
медленном движении, пишется в форме вариаций, рондо, рондо
сонаты, сложной трёхчастной, реже в форме сонаты; 3я —
скерцо или менуэт — в трёхчастной форме da capo с трио (то
есть по схеме AtrioA); 4я часть, в быстром темпе — в
сонатной форме, в форме рондо или рондосонаты.
Программной симфонией называется та, которая связана с
известным содержанием, изложенным в программе
(выраженной, например, в названии или эпиграфе), например,
"Пасторальная симфония" Бетховена, «Фантастическая
симфония» Берлиоза и пр. Первыми ввели программу в
симфонию Диттерсдорф, Розетти и Гайдн.

intro:
Симфония (от греч. «созвучие») — жанр симфонической инструментальной музыки многочастной канонизированной формы фундаментального мировоззренческого содержания.

Симфония, обычно, является сочинением для оркестра, состоящее, как правило, из нескольких частей. Это один из главнейших жанров европейской музыки. В современном понимании слово «симфония» вошло в обиход сравнительно недавно, в 70-х гг. XVIII в., само же оно очень древнего происхождения.

«Симфония» по-гречески означает «созвучие». В античные времена так называли пение хора или ансамбля в унисон, а также любое гармоническое, благозвучное сочетание тонов. В средние века слово исчезло из употребления, и новая жизнь его началась в эпоху Возрождения. Но теперь в слово «симфония» вкладывался иной смысл. В музыке Возрождения были распространены многоголосные вокальные сочинения — мадригалы, канцоны. Они обычно открывались инструментальным вступлением, которое и называлось симфонией. Когда в XVII в. возникла опера, то она также начиналась симфонией — позднее такое вступление превратилось в увертюру.

В XVIII в. симфония постепенно отделилась от вокальной музыки и начала свое самостоятельное существование. Классический вид она обрела в 1780—1790-е гг. в творчестве великих австрийских композиторов Й. Гайдна и В. А. Моцарта. С этого времени начинается блестящий путь симфонии в европейской и мировой музыке, именно тогда она становится самым важным, центральным жанром музыкального творчества.

Симфония классического типа состоит из четырех контрастных частей. Вместе они образуют сонатно-симфонический цикл. Циклическое строение позволяет композитору выразить самые разные чувства и настроения, создать музыкально обобщенный образ эпохи. Симфонии Моцарта, Л. Бетховена, Л. И. Чайковского, И. Брамса, Г. Малера, Д. Д. Шостаковича дают нам возможность ощутить неповторимую атмосферу времени подобно тому, как это делает роман или театральная пьеса.

Первая часть классической симфонии — энергичная, действенная, в быстром темпе, как правило, занимает главенствующее положение в цикле. Для нее композиторы избирают одну из самых сложных форм — сонатную. Сонатная форма дает возможность сопоставить контрастные, даже конфликтные образы — героический и лирический, сумрачный и светлый, торжественный и нежный. Эти -образы затем развиваются, изменяются и в результате приобретают новый характер, новые черты. Первая часть симфонии отличается поэтому осо: бенной многоплановостью и богатством.

Вторая часть обычно медленная. Характер ее определяется лирическими, созерцательными настроениями, в ней встречаются мелодии, близкие песне, романсу. Это передышка после бурных событий первой части. Но бывают и отступления. Например, в одной из симфоний Гайдна и в «Героической симфонии» Бетховена во второй части звучит траурный марш, скорбный и величественный.

Третья часть в симфониях Гайдна и Моцарта — менуэт. Менуэты в классических симфониях подобны зарисовкам, картинкам с натуры. Менуэты Гайдна полны простонародного веселья, близки крестьянским танцам; у Моцарта они лиричны, порой с оттенком драматической серьезности. Бетховен заменил менуэт скерцо — музыкой стремительного, живого характера, нередко с юмористической окраской.

Четвертая часть — финал. Как и первая, она пишется в быстром темпе, но внутренне не столь контрастна. Если смысл первой части заключается в конфликтном сопоставлении образов и драматическом развитии действия, то в финале на первый план выступает утверждение, подведение итогов. Не случайно финалы часто пишутся в форме рондо, основанной на круговом возвращении одной и той же темы, т. е. на провозглашении одной и той же музыкальной мысли. Одновременно с сонатно-симфоническим циклом сложился и оркестровый состав, для которого создавались симфонии,— симфонический оркестр.
Вершиной в историческом развитии симфонии по праву считается творчество Бетховена. Каждая его симфония — новый, индивидуальный вариант жанра, каждая из них заключает целый мир философских идей, является итогом напряженной работы мысли композитора.

9-я симфония Бетховена, венчающая его творческий путь, открывает новую страницу в истории жанра. В ее финальной части звучит ода «К радости» Ф. Шиллера, утверждающая идею всемирного братства человечества. Эта центральная для творчества Бетховена идея провозглашается в мощном звучании хора и оркестра. Так симфония становится вокальной. Ее унаследовали композиторы последующих поколений: вокальные симфонии писали Г. Берлиоз, Малер, А. Н. Скрябин, И. Ф. Стравинский, Шостакович.

Поэтический текст делает содержание симфонии более конкретным, и такие сочинения относятся к программной музыке. Программной симфония может стать и в том случае, если композитор просто предпосылает ей название. Подобные произведения были еще у Гайдна, например оригинальная «Прощальная симфония», завершающаяся постепенным уходом музыкантов. В 6-й («Пасторальной») симфонии Бетховена озаглавлены все пять частей. Мы видим, что программный замысел заставил Бетховена увеличить количество частей в симфонии и отойти от классического построения цикла. Позднее композиторы еще свободнее обращаются с формой симфонии, увеличивая количество частей или, напротив, сжимая цикл до одночастности. Каждый раз это связано с идеей сочинения, с индивидуальным замыслом.
Крупнейшие симфонисты после Бетховена — Ф. Шуберт, Брамс, А. Брукнер, А. Дворжак, Малер.

Мировое значение имеет симфоническое наследие русских композиторов — Чайковского, А. П. Бородина, А. Г. Глазунова, Скрябина, С. В. Рахманинова. Их великие традиции получили богатое и яркое развитие в творчестве советских композиторов всех поколений — Н. Я. Мясковского, С. С. Прокофьева. А. И. Хачатуряна, Т. Н. Хренниковаа, К. А. Караева, Я. А. Иванова, Ф. М. Амирова и других мастеров. Величайшим симфонистом современности был Шостакович. Его 15 симфоний — настоящая летопись XX в.

Вследствие сходства по строению с сонатой, сонату и симфонию объединяют под общим названием "сонатно-симфонический цикл". В классической симфонии (в том виде, в котором она представлена в творчестве венских классиков - Гайдна, Моцарта и Бетховена) обычно имеется четыре части. 1-я часть, в быстром темпе, пишется в сонатной форме; 2-я, в медленном движении, пишется в форме вариаций, рондо, рондо-сонаты, сложной трёхчастной, реже в форме сонаты; 3-я — скерцо или менуэт — в трёхчастной форме da capo с трио (то есть по схеме A-trio-A); 4-я часть, в быстром темпе — в сонатной форме, в форме рондо или рондо-сонаты.

Программной симфонией называется та, которая связана с известным содержанием, изложенным в программе (выраженной, например, в названии или эпиграфе), например, "Пасторальная симфония" Бетховена, «Фантастическая симфония» Берлиоза и пр. Первыми ввели программу в симфонию Диттерсдорф, Розетти и Гайдн.

title: Симфония


extracted_text:
Нестандартный урок
по физической культуре ЗОЖ.
Тема урока: «Большие гонки»
Чтоб расти и закаляться
Не по дням, а по часам,
Физкультурой заниматься,
Заниматься нужно нам!
Цели и задачи:
1. Пропаганда здорового образа жизни. Формировать знания и
представления, учащихся о правилах подвижных игр, эстафет.
2. Развитие личности ребенка на основе овладения физической культурой.
Развивать координацию движений в пространстве, скоростные качества,
ловкость.
3. Воспитание чувства коллективизма, товарищества, взаимовыручки,
творческого мышления.
Инвентарь: листы с  буквами, б/мячи, скакалки,, гимнастическая стенка,
стойки, щиты с кольцами.
Этапы урока:
1. Вступительное слово учителя.
2. Эпиграф нашего урока.
3. Путешествие в страну «ЗОЖ».
4. Инструктаж по правилам выполнения заданий.
5. Программа соревнований.
6. Подведение итогов.
Вступительная часть:
Учитель приветствует детей, знакомит с программой соревнований.
Ход занятия:

Представление команд (название, девиз).
Представление жюри.
  Если мы дружнее станем,
Будем, мы прочнее стали,
Чтоб друг другу помогать,
Надо нам дружнее стать
Чтоб устроить испытанье,
Проведём соревнования.
После этого он задает вопросы на развитие мышления:
Вопросы и загадки командам. 1.Хоккей, борьба и биатлон, и бокс, и плавание он… (спорт)
2. Вот стоит стеклянный дом,
Есть большая ванна в нем,
А еще под крышу поднялась вышка… (бассейн)
3. Какая страна является родиной футбола? (Англия)
4. Где и когда проводилась первая олимпиада? (в Греции в 776г. до н. э.)
5. Как на языке спортсменов будет называться начало спортивных
соревнований? (Старт.)
6. Этот конь не ест овса,
Вместо ног – два колеса.
Сядь верхом и мчись на нем,
Только лучше правь рулем… (Велосипед.)
7. Мы – проворные сестрицы,
Быстро бегать мастерицы.
В дождь – лежим,
В снег – бежим,
Уж такой у нас режим… (Лыжи.)
8. Есть, ребята, у меня
Два серебряных коня.
Езжу сразу на обоих,
Что за кони у меня? (Коньки.)
9. Как на языке спортсменов называется конец спортивных соревнований?
(Финиш.)
10. Как на языке спортсменов будет называться начало спортивных
соревнований? (Старт.)

Задания  для команд:
1. БЕГ   (ведение мяча):
Участвует вся команда. Первый участник бежит при этом выполняет ведение
мяча,  обегает стойку и возвращается к команде и так один за другим пока не
прибежит последний.
2. ПЕРЕДАЙ МЯЧ:
Игроки каждой команды строятся один за другом в колонну. Первые
участники держать в руках по мячу. За сигналом ведущего  первый игрок в
каждой команде передает мяч тому, кто находится сзади.
3. ЭСТАФЕТА СО СКАКАЛКОЙ: Игроки каждой команды строятся за общей линией старта в колонну по
одному. Перед каждой колонной на расстоянии 1012м ставится стойка. По
сигналу направляющий в колонне выбегает изза линии обегает стойки и
возвращается к команде, передает скакалку следующему участнику и так
пока не пройдет вся команда.
4. КОНКУРС КАПИТАНОВ:
Подтягивание на гимнастической стенке. Побеждает тот, кто подтянется
наибольшее количество раз.
5. БЕГ В МЕШКАХ:
Команды выстраиваются в колонны по одному. Перед первым игроком
каждой команды лежит мешок. Игроки залазают в мешок. И начинают бег в
мешках до конца зала и обратно. Побеждает та команда, которая быстрее
справится с заданием
6. ЭСТАФЕТА «ПРАЗДНИЧНАЯ»:
Добежать до противоположной стороны зала, взять 1 лист с буквой и
вернуться обратно. Эстафета считается закончиной, когда команда
выстроилась, держа перед собой составленное слово. (СЧАСТЬЕ, КРАСОТА,
ВЕСЕЛЬЕ
7.ЭСТАФЕТА «ЧЕХАРДА»
Бегут все участники, перепрыгивая  через друг друга.
7. ОТЖИМАНИЕ
Два участника команды отжимаются. Суммируется количество отжиманий  8.МЯЧ В КОЛЬЦОЦО:
Забрасывание мяча в кольцо. Команды построены в одну колонну по одному
перед баскетбольными щитами на расстоянии 23м. по сигналу первый игрок
выполняет бросок мяча по кольцу, затем кладет мяч, второй игрок берет мяч,
пока не пройдет вся команда.
10.   ПЕРЕНОСКА МЯЧЕЙ:
Первый участник бежит, с мячами оставляя, их у стойки и возвращается к
команде, второй бежит и забирает, третий  наоборот относит, и так пока не
пройдут все.
Подведение итогов эстафет.
Заключительная часть.   Итог проведенному уроку.

file_name: план проведения веселых стартовч м.у.doc

intro:
Веселые старты среди учащихся 7класса .Пропаганда здорового образа жизни. Формировать знания и представления, учащихся о правилах подвижных игр, эстафет.Развитие личности ребенка на основе овладения физической культурой. Развивать координацию движений в пространстве, скоростные качества, ловкость.
Воспитание чувства коллективизма, товарищества, взаимовыручки, творческого мышления.

title: Веселые старты


extracted_text:
Рондо (от фр. rondeau — «круг», «движение по кругу») —
музыкальная форма, в которой неоднократные (не менее 3х)
проведения главной темы (рефрена) чередуются с
отличающимися друг от друга эпизодами
A — B — A — C — A — … — A
Неизменная главная тема — рефрен— подобна припеву,
побочные темы — эпизоды — по смыслу являются запевами.
Число эпизодов может быть от двух и более (на что указывают
точки в схеме). Рондо — форма старинная. Она происходит от
хороводных песен с припевом, который повторялся без
изменения, а в запеве обновлялись только стихи, но не мелодия
(A B A B1 A B2 A... A). В профессиональной музыке — это
одна из самых распространенных форм.
В средневековой Франции трубадуры и труверы сочиняли в
форме рондо и стихи, и музыку. Средневековые музыкально
поэтические рондо имеют особое строение, не совпадающее с
приведенной выше общей схемой, но и оно основано на
возвращении рефрена. Сочинялись они как одноголосные или
трехголосные композиции и исполнялись с сопровождением
инструментов.
С XVII в. рондо (со схемой ABAC A... A) получает большое
распространение в оперной, балетной, инструментальной
музыке. Повидимому, первый образец рондо в опере
встречается в прологе оперы «Орфей» К Монтеверди, который
построен на чередовании оркестрового отыгрыша (ритурнеля) и пения Музы, т. е. на чередовании инструментального рефрена с
несколькими вокальными эпизодами. Французские композиторы
Ф. Куперен, Ж. Ф. Рамо, Л. К. Дакен писали в форме рондо
небольшие пьесы для клавесина с программными заголовками
(«Жнецы» Куперена, «Венецианка» Рамо, «Кукушка» Дакена).
Этим пьесам свойственны тонкая звукоизобразительность,
изящество, грациозность, танцевальные ритмы. Рефрен и
эпизоды миниатюрны, их число колеблется от 5 до 17 и более.
По характеру эпизоды близки рефрену и скорее дополняют,
оттеняют его, чем контрастируют.
В произведениях Й. Гайдна, В. А. Моцарта, Л. Бетховена рондо
— типичная форма финалов сонатносимфонических циклов,
лишь изредка — самостоятельная пьеса. В финалах характер
музыки обычно песеннотанцевальный, с оттенком юмора. Но
встречаются у них и произведения лирического, углубленного
содержания (рондо ля минор для фортепьяно Моцарта). Новым
в рондо венских классиков были подчеркнутый контраст между
рефреном и эпизодами, строгое ограничение пятью широко
развитыми частями.
Рондо в творчестве композиторов последующих поколений
отличается большой свободой: в нем возрождается
многочастность, рефрен при возвращении может изменяться,
богатство образных контрастов граничит с калейдоско
пичностью («Венский карнавал» Р. Шумана). В форме рондо
пишутся отдельные пьесы, части сонатносимфонического
цикла или сюиты, романсы («Спящая княжна» А. П. Бородина), оперные арии, (рондо Фарлафа из оперы «Руслан и Людмила»
М. И. Глинки), оперные сцены (сцена музицирования из оперы
С. С. Прокофьева «Дуэнья»), эпизоды балетной музыки
(четвертая картина в балете И. Ф. Стравинского «Петрушка»).
Принцип рондо даёт множество возможностей. Прежде всего,
это чрезвычайная ясность и стройность структуры, её
законченность и устойчивость за счёт повторения рефрена. При
этом рондо имеет замечательные возможности для контрастов
разного рода (между рефреном и эпизодами). Кроме того,
важной является возможность насытить всю конструкцию
развитием, хотя при этом к принципу рондо добавляется какой
то иной принцип формообразования, который отчасти
подавляет первый. Форма рондо замечательно сочетает в себе
единство и динамизм.
Принцип рондо включает множество форм различной
протяжённости и конструкции. Кроме самостоятельных пьес
или частей циклов, принцип рондо часто проникает в другие
формы (например, рондосоната). По принципу рондо может
быть написана целая оперная сцена (Интродукция из «Руслана и
Людмилы» Глинки — хоровые фрагменты образуют подобие
рефрена).
Рондосоната — музыкальная форма класса стабильных
смешанных форм, имеющая черты рондо и сонатной формы.
Форма состоит из трёх основных разделов, в которой по
принципу рондо строятся крайние разделы (оба или один из них), а средний представляет собой разработку,
заимствованную от сонатной формы.
Форме рондо родственна старинная концертная форма (своим
принципом многократного проведения темы и чередования её с
иным материалом). Однако она не является разновидностью
рондо в силу масштаба изменений, которым подвергается
главная тема, и разработочности, нехарактерной для рондо.
Рондо, в современных понятиях, отличается очень
разнообразным применением. Оно может использоваться более
традиционно (финал цикла), или более свободно — например,
самостоятельная миниатюра (некоторые ноктюрны Шопена —
как превращение медленной части цикла в самостоятельную
пьесу), самостоятельная вокальная пьеса (Бородин. «Море»), по
принципу рондо могут строиться очень крупные конструкции
(Интродукция из «Руслана и Людмилы» Глинки).
Меняется и образное содержание рондо. Теперь это может быть
экстатическая музыка («Поганый пляс Кащеева царства» из
«Жарптицы», финал «Весны священной» Стравинского),
драматическая и трагическая (Танеев. Романс «Менуэт»). Хотя
сохраняется и традиционная лирическая сфера (Равель.
«Павана»).
Исчезает классическая унификация формы, сильно возрастает
её индивидуализация. Две одинаковых конструкции —
редкость. Рондо может иметь любое количество частей не меньше пяти. Рефрен может проводиться в разных
тональностях (что иногда встречалось уже у венских
классиков), нередко нарушение регулярности следования
частей (2 эпизода подряд).
Такой тип рондо смыкается с другими формами, в частности, с
контрастносоставной (это выражается в усилении контраста
между разделами) или сюитной (формально сюита «Картинки с
выставки» Мусоргского — рондо).

intro:
Рондо (от фр. rondeau — «круг», «движение по кругу») — музыкальная форма, в которой неоднократные (не менее 3-х) проведения главной темы (рефрена) чередуются с отличающимися друг от друга эпизодами

A — B — A — C — A — … — A

Неизменная главная тема — рефрен— подобна припеву, побочные темы — эпизоды — по смыслу являются запевами. Число эпизодов может быть от двух и более (на что указывают точки в схеме). Рондо — форма старинная. Она происходит от хороводных песен с припевом, который повторялся без изменения, а в запеве обновлялись только стихи, но не мелодия (A B A B1 A B2 A... A). В профессиональной музыке — это одна из самых распространенных форм.

title: Что такое рондо?