extracted_text:
Хачатурян. Концерт для скрипки с оркестром
При первых звуках поэтичного вальса к драме М. Ю.
Лермонтова «Маскарад» или «Танца с саблями» из балета
«Гаянэ» слушатель сразу догадывается, что это музыка
Хачатуряна, в которой чувствуется сочный колорит
восточных мелодий, стремительный танцевальный ритм и
особая красочность звучания оркестра.
Биография
Музыкальный путь композитора начался необычно. В
детстве Хачатурян не учился музыке, только слушал
народные песни и пел сам. Его отец, известный в Тбилиси
мастер переплётного дела, был самодеятельным
музыкантом. Он пел под аккомпанемент народных
инструментов  саза, кеманчи или тара. Настоящие занятия музыкой начались, когда Араму
исполнилось 19 лет. Он приехал в Москву и поступил в
техникум при Институте имени Гнесиных по классу
виолончели. Талант юноши сразу же привлёк внимание
выдающихся педагогов. В классе композитора Гнесина
Хачатурян изучал музыкальных классиков и впервые
попробовал сочинять музыку. Он блестяще оканчивает
музыкальный техникум и поступает в Московскую
консерваторию в класс к известному композитору Н.
Мясковскому. В консерватории Хачатурян пишет свою
первую симфонию, а также камерные и инструментальные
произведения. Любопытно, что созданные им в то время
марши были включены в обязательный репертуар военных
оркестров. В 1934 году Хачатурян закончил Московскую
консерваторию, и его имя, как лучшего выпускника, было
высечено на «золотой доске».
Первая симфония сразу была признана выдающимся
произведением. В ней уже тогда проявилась такая черта
творчества Хачатуряна, как импровизационность.
Импровизировать  это значит сочинять внезапно, без
предварительной подготовки. Здесь же это означало
лёгкость и вместе с тем чёткость мелодии. Недаром
композитор использовал много фольклорного материала
танцевальные мелодии Грузии и Армении.
Вслед за Первой симфонией появляется Концерт для
фортепиано с оркестром. В нём также соединяются яркие
национальные ритмы с чёткостью, свойственной
классическим концертам Чайковского. Композитор
пробует свои силы в самых разных жанрах  пишет балет «Счастье», поставленный впервые Ереванским театром
балета, а также музыку к кинофильмам и ко многим
драматическим пьесам.
По заказу театра им. Вахтангова Хачатурян создаёт
знаменитый «Вальс» к драме М. Лермонтова «Маскарад», а
для спектакля МХАТа «Кремлёвские куранты» пишет
песню «Море Балтийское».
Наиболее крупным произведением стал Концерт для
скрипки с оркестром, посвящённый Давиду Ойстраху, с
которым композитора связывала не только дружба, но и
длительное творческое сотрудничество.
В годы войны Хачатурян пишет свой второй балет –
«Гаянэ», в котором рассказывает о борьбе советских людей
с врагами. С 1950 года он преподавал в Московской консерватории и
впервые начал выступать как дирижёр. Любопытно, что
исполнял он только произведения собственного сочинения,
считая, что композитор не может воплотить музыку,
сочинённую другим.
Центральное произведение послевоенного времени  балет
«Спартак», ставший своеобразной визитной карточкой
Большого театра. Появлению этого балета на сцене
Большого театра предшествовала долгая история.
Премьера «Спартака» состоялась в 1956 году в
Ленинграде. Несмотря на то, что балет был восторженно
принят публикой и критикой, композитор счёл
необходимым доработать его музыку, и на сцене Большого
театра была поставлена практически новая версия балета.
В нём музыкальными средствами рассказана история
восстания древнеримских рабов и воссоздана история любви Спартака и Фригии. Новизна балета в том, что
Хачатурян строит его драматургию на соединении
динамичных массовых сцен и своеобразных танцевальных
монологов героев. Это отражено и в характере музыки.
В последние годы жизни композитор работал над
монументальным сочинением совершенно нового типа. Это
был концертрондо, каждая из частей которого должна
была исполняться оркестром с одним из солистов  на
скрипке, виолончели и на фортепиано. Однако Хачатурян
так и не успел закончить работу над этим новаторским
сочинением.
Значение его творчества заключается в создании им
практически новой музыки, музыки ХХ века, отличающейся
особым динамизмом, драматичностью конфликта,
мелодической выразительностью, специальной
тональностью сольных партий. Вот почему произведения Хачатуряна входят в программу
произведений, обязательных для исполнения участниками
Московского международного конкурса имени П.
Чайковского.
Концерт для скрипки с оркестром
Концерт для скрипки с оркестром написан Хачатуряном в
пору творческой молодости. Его музыка передаёт
характерное для композитора страстное упоение земной
красотой, поющей, животворящей, лучезарной.
Это произведение принадлежит к числу популярнейших
творений советской музыки. Эта популярность во многом
связана с достоинствами сочинения. С особой силой здесь
проявился дар композитора создавать музыку,
опирающуюся на народное творчество. В концерте не использованы подлинные народные мелодии, но весь он
является выражением армянской народной песенности.
Композитор, следуя традициям, варьирует мелодии,
оплетая их кружевом, орнаментом, «играет» ритмами,
оркестровыми красками, перекличками оркестра с
солирующей скрипкой. Праздничный, приподнято
восторженный тон Концерта вызывает ассоциации с
цветущей природой Армении, рождает в сердцах
слушателей ответный восторг: «Да будет свет! И да
будет радость!» (Б. Асафьев.)
Произведение это очень сложно для исполнения и требует
от скрипача огромного мастерства. Но это не просто
виртуозность ради виртуозности. Она является средством
выражения содержания музыки, её жизнерадостности,
праздничности. Концерт посвящён известному скрипачу Давиду Ойстраху, который и был первым исполнителем
этого сочинения.
В концерте три части, которые рисуют три разные картины
из жизни народа, поэтические зарисовки природы Армении.
В центре их  лирическая «песня», которую обрамляют две
танцевальные части.
Первая часть открывается энергичным и напористым
оркестровым вступлением, которое сразу же вводит нас в
сферу активного действия.
Чёткий, упругий ритм и танцевальный характер отличают
главную партию сонатного аллегро. Эта тема, исполняемая
солирующей скрипкой, близка народной музыке Закавказья.
Побочная партия своей импровизационностью напоминает
пение народных певцовашугов. В разработке, состоящей из трёх разделов, подвергаются
развитию все три темы. Результатом этого развития
становится сближение этих тем, когда плавная мелодия
побочной партии наполняется энергичными ритмами, а
танцевальная главная партия становится более лиричной.
Как и положено, разработка завершается блестящей
виртуозной каденцией скрипки. (В концерте есть так
называемая каденция  большой эпизод, который солист
исполняет без оркестра).
В репризе все темы первой части Allegro con fermezzo
варьируются, обрастают подголосками, движение
становится все более динамичным. Такая реприза
называется динамической. Завершает первую часть кода,
утверждающая волевой мужественный образ первой части.
Вторая часть Andante sostenuto  самый лиричный образ
концерта. Это своеобразная «песня без слов», которая «поётся» на фоне прекрасного кавказского пейзажа. Вы
никогда не были на Кавказе? Представьте величественные
горы, освещённые лучами солнца, какаято первозданность
горного пейзажа. Потому и музыка, его рисующая, звучит
как гимн солнцу, красоте, природе.
Финал, 3 часть Allegro vivace  грандиозная картина
народного праздника. Всё в нём полно движения, огня,
энергии. Это как бы общий танец, из которого время от
времени выделяются солисты. Движение танца постепенно
становится всё более стремительным, как будто в
танцевальный круг вливается всё больше людей. Оркестр
подражает народным инструментам.
Большое значение в драматургии концерта играет кода
финала. В ней в стремительном вихревом движении
проносятся темы первой части, что объединяет
произведение в единое целое. Для творчества Хачатуряна характерны оптимизм,
жизнеутверждение. Вот и здесь драматические и
лирические образы первой части превращаются в образы
народного праздника, веселья, буйной пляски.
Вопросы и задания:
Послушайте Концерт для скрипки с оркестром А.
Хачатуряна и запишите свои впечатления от каждой из его
частей в «Творческую тетрадь».
Какие принципы развития  контраст, повтор,
вариационность  использует композитор в каждой части
Концерта? В каком соотношении находятся в Концерте
солирующая скрипка и оркестр?
Если представить себе героя этой непрограммной музыки,
то какими чертами его наделил композитор? Какие черты музыки Концерта Хачатуряна созвучны вашим
мыслям и чувствам, восприятию современных слушателей?

intro:
При первых звуках поэтичного вальса к драме М. Ю. Лермонтова «Маскарад» или «Танца с саблями» из балета «Гаянэ» слушатель сразу догадывается, что это музыка Хачатуряна, в которой чувствуется сочный колорит восточных мелодий, стремительный танцевальный ритм и особая красочность звучания оркестра.

Биография

Музыкальный путь композитора начался необычно. В детстве Хачатурян не учился музыке, только слушал народные песни и пел сам. Его отец, известный в Тбилиси мастер переплётного дела, был самодеятельным музыкантом. Он пел под аккомпанемент народных инструментов - саза, кеманчи или тара.

Настоящие занятия музыкой начались, когда Араму исполнилось 19 лет. Он приехал в Москву и поступил в техникум при Институте имени Гнесиных по классу виолончели. Талант юноши сразу же привлёк внимание выдающихся педагогов. В классе композитора Гнесина Хачатурян изучал музыкальных классиков и впервые попробовал сочинять музыку. Он блестяще оканчивает музыкальный техникум и поступает в Московскую консерваторию в класс к известному композитору Н. Мясковскому. В консерватории Хачатурян пишет свою первую симфонию, а также камерные и инструментальные произведения. Любопытно, что созданные им в то время марши были включены в обязательный репертуар военных оркестров.

музыка

group: Дисциплины


extracted_text:
Шуберт. Симфония №8 си минор, «Неоконченная»
Музыку Бетховена, в которой слышались ещё отголоски
Великой французской революции, вытесняли произведения
развлекательных жанров. Внешним фоном жизни Франца
Шуберта, который был современником Бетховена, была
весёлая, «танцующая» Вена. Интерес к судьбам
человечества, гармония разума и действительности
отодвигались на задний план. Творческие планы Шуберта,
потребность в духовном общении находили сочувствие и
поддержку лишь в небольшом кругу друзей, людей,
преданных искусству. В музыке Шуберта впервые
раскрылись черты характера, эмоционального строя
человека нового тогда XIX в. Своё отношение к жизни,
окружающему миру художник выражает через лирику
чувств и переживаний реального, обычного человека. А для этого нужны иные формы и иные средства выражения,
передающие непосредственность высказывания.
Живое чувство ритма музыки, непрерывно длящуюся
мелодию можно сравнить с речью человека, ощущением его
дыхания. Мы всегда слышим, спокоен он или взволнован,
радуется или печалится, как меняется его состояние.
Вслушиваясь в музыкальную интонацию, всегда можно
понять смысл музыки, почувствовать её выразительность,
силу воздействия.
Франц Шуберт  непревзойдённый автор сонат, симфоний,
струнных квартетов и более шестисот песен. Шуберт был
одним из основоположников немецкой романтической
музыки. Жизнь Шуберта была короткой и полной
разочарований. Но он оставил после себя музыкальное
наследие, беспрецедентное по выразительности и богатству
мелодий. Биография
Франц Петер Шуберт родился в предместье Вены, местечке
Лихтенталь. Семья была многодетной – четырнадцать
детей, из которых выжили только пятеро. Его отец Франц
Теодор Шуберт, был школьным учителем, и в юности
будущий композитор пробовал свои силы в педагогике. Но
вскоре стало ясно, в чём его истинное призвание. Шуберт
пел в хоре Венской императорской капеллы, где его
педагогом был капельмейстер Антонио Сальери, в прошлом
соперник Моцарта.
Годы юности были полны обещаний и надежд. Коренастый
и некрасивый, Шуберт всё же не испытывал недостатка в
друзьях и почитателях – людях, которые распахивали
двери своих домов, оказывали протекцию в музыкальных
кругах и исполняли его музыку. Затем начались знаменитые «Шубертиады» в венских
салонах или при поездках за город, на которых впервые
прозвучали многие сочинения композитора. Это помогало
его имени приобретать известность в венском обществе, в
том числе и в артистических кругах. Однако во всём
остальном Шуберта преследовали неудачи. Он упорно
работал над несколькими операми и другими сценическими
произведениями, в частности над музыкой к «Розамунде»,
но мало какие получили широкое признание. Его здоровье
быстро ухудшалось. В состоянии глубочайшего отчаяния
он писал о себе как о «проклятом, несчастнейшем в мире
создании».
Повороты судьбы
Через общих знакомых в венском обществе Шуберт был
представлен баритону Иоганну Михаэлю Фоглю. Благодаря
прекрасному голосу и импозантной внешности тот уже был звездой Венской Оперы, и на него не сразу произвёл
впечатление неопытный и неуклюжий молодой композитор.
«Вы разбрасываетесь мыслями»,  ворчал он на Шуберта.
Но вскоре распознал гений юноши и стал его самым пылким
сторонником.
Фогль способствовал постановке нескольких опер Шуберта
и в некоторых из них пел. Ещё большее значение имела его
поддержка Шуберта как первопроходца и первого мастера
немецкой художественной песни.
Фогль пел многие песни композитора из «Шубертиад», а
также брал друга на гастроли.
Гастрольная поездка 1819 годы была для композитора
особенно счастливой. Они с Фоглем поселились в сельской
местности вместе со своим другом Альбертом Штадлером.
В это время Шуберт сочинил прелестный фортепианный квинтет, в который включил мелодию своей песни
«Форель», вероятно, часто и с удовольствием
исполнявшуюся Фоглем. После смерти композитора Фогль
ещё много лет продолжал исполнять его песни.
Известность в узких кругах
Вена славилась традициями домашнего музицирования,
распространёнными среди людей всех сословий. Однако,
несмотря на успех его музыки среди любителей и на
продолжение «Шубертиад», в остальном удача всё реже
ему улыбалась. Несколько опер подряд – «Альфонсо и
Эстрелла», «Заговорщики, или домашняя война»,
«Феррабрас»  не были поставлены (в первую очередь, в их
прискорбной судьбе повинны либреттисты). Успешное
исполнение музыки к «Розамунде» несколько вознаградило
композитора. Произведения печатались, но чаще –
небольшие, не приносившие существенных гонораров. Лето 1824 года он провёл в качестве учителя в семействе
Эстерхазе, в 1825 году вместе с Фоглем вновь отправился в
Верхнюю Австрию.
1826 год принёс ещё одно разочарование: не было
удовлетворено ходатайство Шуберта о предоставлении ему
места капельмейстера Придворной капеллы, где он когда
то пел ребёнком и, выступив в последний раз, оставил
запись в альтовой партии мессы Петера Винтера: «Шуберт,
Франц, прокукарекал в последний раз 26 июля 1812 года».
Безвременная смерть
Концертные поездки вскоре тоже стали для него
невозможны изза ухудшения здоровья. Образ жизни
композитора, от природы очень общительного, поневоле
становился всё более и более замкнутым, часто он был
вынужден проводить время взаперти. Шуберт испытывал благоговение перед Бетховеном,
который также жил и работал в Вене. Он был на премьере
Девятой симфонии великого композитора. Казалось, что
Шуберт предчувствовал собственную кончину и
лихорадочно работал, чтобы завершить свои последние и
лучшие сочинения – вокальный цикл «Зимний путь»,
Девятую симфонию и Струнный квинтет До мажор.
Окрыляющей была дошедшая до Шуберта весть об
одобрении его таланта самим Бетховеном. По словам
Шиндлера, друга Бетховена, познакомившего его с
шубертовскими песнями, Бетховен долго не расставался с
ними и многократно восклицал: «Воистину, в Шуберте
живёт божественная искра».
Сковывающая Шуберта робость, изза которой он лишь
издали осмеливался взирать на своё божество, полная глухота Бетховена, его замкнутость помешали их
сближению.
1828, последний, год жизни композитора принёс ему,
наконец, признание венской публики. Организованный в
Вене авторский концерт вызвал долгожданный крупный
успех. Но частичные удачи последнего времени уже не
могли восстановить подорванный внутренней
напряжённостью и длительными лишениями организм. С
осени 1828 года здоровье Шуберта ухудшилось.
Франц Шуберт умер 19 ноября 1828 года и был похоронен
рядом с Бетховеном. Друг композитора, драматург Франц
Грильпарцер написал на его могиле: «Музыка похоронила
здесь богатое сокровище и ещё более прекрасные
надежды».
Шуберт. Симфония № 8 си минор, «Неоконченная» Благодаря Шуберту появился новый тип лирико
драматической симфонии. Одним из первых шедевров
мировой музыкальной культуры стала его симфония
№8. «Я пел песни и пел их много лет. Когда я пел о
любви, она приносила мне страдания, когда я пел о
страдании, оно превращалось в любовь. Так любовь и
страдания раздирали мне душу»,  писал Ф. Шуберт. Эта
идея и определила содержание симфонии №8. Она явилась
обобщением образов вокальных сочинений композитора,
разросшимся до значения жизненно важных проблем:
человек и судьба, любовь и смерть, идеал и
действительность.
В 1865 году один из венских капельмейстеров составлял
программу концерта старой венской музыки. Для этого он
перебирал кипы старинных рукописей. В одном
неразобранном архиве он обнаружил неизвестную ранее партитуру Шуберта. Это была симинорная симфония. Она
была исполнена впервые в декабре 1865 года  через 43 года
после создания.
В то время, когда Шуберт писал эту симфонию, он уже был
известен как автор прекрасных песен и фортепианных пьес.
Но ни одна из написанных им симфоний не была публично
исполнена. Новая симинорная симфония создавалась
сначала в виде переложения для двух фортепиано, а затем
уже  в партитуре. В фортепианном варианте сохранились
наброски трёх частей, но в партитуре композитор записал
только две. Поэтому впоследствии она получила название
«Неоконченной».
До сих пор во всём мире ведутся споры, является ли она
незавершённой, или Шуберт полностью воплотил свой
замысел в двух частях вместо принятых в то время
четырёх. Существует мнение, что композитор собирался писать
обычную четырёхчастную симфонию. Его идеалом, к
которому он стремился приблизиться, был Бетховен. Это
доказала Большая До мажорная симфония Шуберта. А
написав эти две части, он мог просто испугаться  так они
не были похожи на всё написанное в этом жанре до него.
Вероятно, композитор не понял, что созданное им  шедевр,
открывающий новые пути в развитии симфонии, счёл
симфонию неудачей и оставил работу.
Однако две части этой симфонии оставляют впечатление
удивительной цельности, исчерпанности. Неоконченная
симфония  новое слово в этом жанре, открывшее дорогу
романтизму. С ней в симфоническую музыку вошла новая
тема  внутренний мир человека, который остро ощущает
свой разлад с окружающей действительностью. Симфония почти через сорок лет после смерти
композитора завоевала огромную популярность. Шуберту
удалось невозможное: невероятно гармонично поведать о
тоске и одиночестве, превратить своё отчаяние в
прекрасные мелодии. «Неоконченную» симфонию много
раз пытались окончить, но в концертной практике эти
версии не прижились.
Первая часть симфонии написана в форме сонатного
allegro.
Симфония начинается с сумрачного вступления  своего
рода эпиграфа. Это небольшая, лаконично изложенная тема
 обобщение целого комплекса романтических образов:
томления, «вечного» вопроса, тайной тревоги, лирических
раздумий. Она рождается откудато из глубины в унисоне
виолончелей и контрабасов. Она застывает, словно неразрешённый вопрос. А дальше
трепетный шелест скрипок и на его фоне  распев главной
темы. Эту выразительную, словно молящую о чемто
мелодию исполняют гобой и кларнет. По музыкально
поэтическому образу и настроению тема главной партии
близка к произведениям типа ноктюрна или элегии.
Постепенно лента мелодии разворачивается, становится все
более напряжённой. На смену ей приходит мягкая
вальсовая тема побочной партии. Она похожа на островок
безмятежного покоя, светлую идиллию. Но эту идиллию
прерывает оркестровое tutti. (Слово tutti поитальянски
означает «все». Так называют фрагмент музыкального
произведения, исполняемый всем оркестром). Драма
вступает в свои права. Тема побочной партии как будто
пытается пробиться на поверхность сквозь сокрушительные
аккорды. И когда эта тема, наконец, возвращается, как сильно она изменена  надломлена, окрашена скорбью. В
конце экспозиции все застывает.
Разработка построена на теме вступления. Музыкальное
развитие достигает колоссальной кульминации. И вдруг
полное опустошение, остаётся звучать лишь одинокая
тоскливая нота. Начинается реприза. Ещё один круг
драматического развития приходится на коду. В ней  то же
напряжение, пафос отчаяния. Но сил для борьбы больше
нет. Последние такты звучат как трагический эпилог.
Вторая часть  мир других образов. Это поиски новых,
светлых сторон жизни, примирённость с ней. Как будто
герой, переживший душевную трагедию, ищет успокоения.
Изумительной красотой отличаются обе темы этой части: и
широкая песенная главная, и побочная, проникнутая
тонкими психологическими оттенками. Очень эффектно завершает композитор симфонию:
постепенно затухает, растворяется начальная тема.
Возвращается тишина...
«Музыка Шуберта,  писал Б. Асафьев,  может сказать
гораздо больше, чем любые мемуары и записки, потому что
она сама звучит, как неистощимо содержательный,
эмоционально объективный дневник».
Вопросы:
В каком году симфония была написана? Когда состоялось
её первое исполнение?
Почему симфонию называют «Неоконченной»?
Сколько всего симфоний написал Шуберт?
Чем отличается тематизм симфонии?
Как характер произведения влияет на оркестровку? Расскажите о строении частей симфонии.

description: Расскажите о строении частей симфонии.


extracted_text:
Шуберт. Форель
Франц Шуберт  австрийский композитор XIX века.
Главное место в его творчестве занимает. Будучи автором
более 600 песен, Шуберт сделал этот жанр столь же
значительным и серьёзным, как соната, симфония.
«Из числа музыки не для театра, не для церкви, не для
концерта есть особенно замечательный отдел  романсы и
песни для одного голоса с фортепиано. От простой,
куплетной формы песни этот род развился до целых
маленьких единичных сценмонологов, допускающих всю
страстность и глубину душевной драмы. Этот род музыки
великолепно проявился в Германии, в гении Франца
Шуберта», писал А. Н. Серов.
Шуберт  «соловей и лебедь песенности». В песне вся его
творческая сущность. Именно шубертовская песня является своеобразной границей, отделяющей музыку
романтизма от музыки классицизма.
Одна из самых известных песен композитора – «Форель»
написана на стихи близкого друга, немецкого поэта К. Ф. Д.
Шубарта.
По воспоминаниям друзей, Шуберт, сочинив эту песню, в
тот же день принёс её на суд слушателей. Песню с
величайшим удовольствием повторили несколько раз и
признали, что это «одно из наиболее грациозных и нежных
его произведений».
В этой песне поэт и композитор создали образ хрупкой
беззащитной красоты. Следуя за стихами и мелодией, мы
как бы глазами авторов видим безмятежную картину: яркий
солнечный день на берегу ручья, изящную игру быстрых
форелей в прозрачной воде. На душе радостно и светло. Эта спокойная радость, гармония человека и природы
идеально выражена музыкой Шуберта. Простой,
безыскусной мелодией, куплетным строением песня
«Форель» близка народным австрийским и немецким
песням. В её оживлённом движении ощущается игривая
танцевальность.
Мелодию украшает изящный аккомпанемент.
Фортепианные пассажи подобны лёгким ритмичным
всплескам волн. Они переливаются в прозрачных звуках
аккордов, как струи журчащего ручья под лучами солнца.
Начало первых двух куплетов песни пронизано
интонациями радости  фанфарными мотивами. Как и в
народных австрийских и немецких песнях, гармония здесь
опирается на простейшие аккорды  трезвучия Т, S, D.
Звучит только мажор. Но вот в мир безмятежной красоты и
гармонии вторгается нечто враждебное, чуждое. Беспечная рыбка попалась на крючок рыбака... Поэт описывает
выразительную сценку:
Но скучно стало плуту
Так долго ждать,
Поток взмутил он в ту ж минуту
Уж дрогнул поплавок,
Он дёрнул прут свой гибкий,
А рыбка бьётся там.
Следуя за поэтическим текстом, композитор резко
изменяет характер музыки в третьем куплете песни. Теперь
вместо мажора звучит минор, вместо консонансов
диссонансы, мрачнеет регистр аккомпанемента. Мелодию
сменяет речитатив, его дыхание становится взволнованным,
сбивчивым, в нем выделяются резкие восклицательные
интонации. Партия сопровождения прерывается паузами  в
них чувствуется напряжённое ожидание. Разрушен мир красоты, исчезли покой и радость...
Однако законы музыкальной целостности произведения
требуют обрамления, музыкального повтора. Поэтому
третий куплет завершается вновь короткими
закруглёнными песенными фразами у фортепиано,
звучавшими в самом начале песни.
Шуберт. Форелленквинтет
В самую счастливую пору своей жизни написал Шуберт
этот квинтет. Шёл 1819 год.
Вместе с Михаэлем Фоглем композитор путешествует по
Верхней Австрии. Фогль, уроженец этих краёв, щедро
«делится» с Шубертом. Но не только радость узнавания
новых мест и людей принесло Шуберту это путешествие.
Он впервые воочию убедился в том, что его знают не
только в Вене, в узком кругу друзей. Что почти в каждом хоть немного «музыкальном» доме есть рукописные копии
его песен. Собственная популярность не просто удивила
его — она его ошеломила.
В верхнеавстрийском городке Штейре Шуберт и Фогль
повстречали страстного почитателя шубертовских песен,
промышленника Сильвестра Паумгартнера. Ещё и ещё раз
просил он друзей исполнить для него песню «Форель». Он
мог слушать её бесконечно. По заказу Сильвестра
Паумгартнера Шуберт (больше всего на свете любивший
доставлять радость людям) и написал инструментальный
квинтет «Форель»  его красиво называют «Фореллен
квинтет», в четвертой части которого звучит мелодия
песни «Форель». Он пожелал, чтобы финал представлял
собой вариации на мелодию песни Шуберта «Форель». Он
же настоял на необычном для классического квинтета составе инструментов: фортепиано, скрипка, альт,
виолончель и контрабас.
В квинтете бурлит, переливаясь через край, молодая
энергия. Порывистые мечты сменяются грустью, грусть
вновь уступает место мечтам, звонкому счастью бытия,
которое только и возможно в двадцать два года.
Тема четвертой части, простая, почти наивная, грациозно
ведомая скрипкой, расплёскивается множеством вариаций.
Первоначально излагается сама тема песни. За ней следует
ряд вариаций, каждая из которых не похожа на другую, и
каждый из инструментов маленького ансамбля успевает
сказать своё слово.
А завершается «Форель» безудержным, искрящимся
танцем, навеянным Шуберту, вероятно, танцами
верхнеавстрийских крестьян. Вопросы и задания:
Расскажите о песне Шуберта «Форель», спойте её.
В чем проявилось сходство этой песни с народными
немецкими и австрийскими песнями?
Почему в песне появился речитативный эпизод? Каковы его
особенности?
Какие изобразительные детали фортепианного
аккомпанемента дополняют музыкальный образ песни?
Послушайте фрагмент из «Форелленквинтета» и
постарайтесь ответить на вопросы: как развивается музыка
в квинтете? Какие инструменты солируют в каждой из
вариаций?

intro:
Франц Шуберт - австрийский композитор XIX века. Главное место в его творчестве занимает. Будучи автором более 600 песен, Шуберт сделал этот жанр столь же значительным и серьёзным, как соната, симфония.

«Из числа музыки не для театра, не для церкви, не для концерта есть особенно замечательный отдел - романсы и песни для одного голоса с фортепиано. От простой, куплетной формы песни этот род развился до целых маленьких единичных сцен-монологов, допускающих всю страстность и глубину душевной драмы. Этот род музыки великолепно проявился в Германии, в гении Франца Шуберта»,- писал А. Н. Серов.

Шуберт - «соловей и лебедь песенности». В песне вся его творческая сущность. Именно шубертовская песня является своеобразной границей, отделяющей музыку романтизма от музыки классицизма.

title: Шуберт. «Форель» и «Фореллен-квинтет»


extracted_text:
«В каждой мимолётности вижу я миры…»

«Я придерживаюсь того убеждения, что композитор,
как и поэт, ваятель, живописец, призван служить
человеку и народу...»
(С. Прокофьев)
Константин Бальмонт был необычайно захвачен музыкой
Прокофьева. В ней он находил ту звучащую магию, которая
стала основой всего поэтического творчества. В августе
1917 года Бальмонт вписал в альбом Сергея Прокофьева
«Что вы думаете о солнце» свой сонет:
Ребёнку богов, Прокофьеву
Ты  солнечный богач. Ты пьёшь, как мёд, закат.
Твое вино  рассвет. Твои созвучья, в хоре,
Торопятся принять в спешащем разговоре
Цветов загрезивших певучий аромат. Вдруг в золотой поток ты ночь обрушить рад.
Там гдето далеко рассыпчатые зори
Как нитка жемчугов, и в световом их споре
Темнеющий растёт в угрозном гуле сад.
И ты, забыв себя, но сохранивши свет
Степного ковыля, вспоенного весной,
В мерцаниях мечты, все новой, все иной,
С травинкой поиграл в вопросы и ответы,
И в звук свой, заронив поющие приметы,
В ночи играешь в мяч с серебряной луной.
(К. Бальмонт)
Сергей Прокофьев принадлежит к числу тех музыкантов,
которые составили славу русской музыки ХХ в. Он был
выдающимся пианистом, дирижёром, композитором,
который работал во всех жанрах и в каждом оставил
образцы непревзойдённого совершенства. Начало столетия  взрывчатое, бурное время, и в этот
вихревой поток Прокофьев ворвался как нечто
неповторимое и новаторское. Неудивительно, что
представители «серебряного века» (так называли этот
период в искусстве) не поняли его музыку, и только
немногие смогли увидеть в нём создателя нового искусства.
Он был художником дерзким, своенравным, не терпевшим
никаких штампов, и его произведения, как правило, были
новым словом в искусстве.
Прокофьев был творцом светлого, жизнелюбивого
искусства. Иносказательным портретом композитора могут
служить строки из поэмы Маяковского «Облако в штанах»:
От вас, которые влюблённостью мокли,
От которых в столетья слеза лилась,
Уйду я, солнце моноклем
Вставлю в широко растопыренный глаз. Действительно, он был солнечным композитором. Широко
известно, что композитор завёл альбом с названием «Что вы
думаете о солнце?» Ответ на этот вопрос в альбом
записывали многие крупные музыканты, литераторы,
художники.
Известнейший пианист Артур Рубинштейн написал в этом
альбоме такие слова: «Лучше всего я постигаю Солнце
благодаря нескольким гениальным личностям, с которыми
имею счастье быть знакомым. КорольСолнце сказал:
«Государство  это я!»  Вы, мой дорогой Прокофьев, могли
бы сказать: «Солнце  это я!»
Этот солнечный свет был неистребим, и Прокофьев пронёс
его через все коллизии своей нелёгкой жизни.
Биография На Украине, недалеко от города Донецка, есть скромное
село Красное (бывшая Сонцовка), где родился и провёл
своё детство замечательный  русский композитор Сергей
Сергеевич Прокофьев.
С детства композитор рос в атмосфере крепких традиций
русской музыки. Его мать отлично играла на рояле и с
четырёхпяти лет приобщила талантливого мальчика к
серьёзной музыке.
В своей «Автобиографии» композитор вспоминает такой
эпизод из детства: «...кувыркался в постели моего отца.
Вокруг стоят родные. В передней звонок – приехали гости.
Все бегут встречать. Продолжаю кувыркаться и, слетев с
постели, ударяюсь лбом о железный сундук.
Нечеловеческий рёв, все бегут обратно. Удар был
здоровенный  шишка на лбу сравнялась только к тридцати
годам. Когда, уже молодым человеком, я дирижировал в Париже, художник Ларионов трогал её пальцем и говорил:
«А может быть, в нейто и весь талант?»
К июню 1900 г. была закончена первая опера Серёжи
Прокофьева «Великан».
«Тётя Таня водила к фотографу, снявшему меня перед
картонным пианино, на пюпитре которого стоял белый
лист. Готовые фотографии были отнесены к тёти
Таниному сослуживцу, обладателю каллиграфического
почерка, и он мелко вывел на них: Опера «Великан», соч.
Серёжи Прокофьева».
Новаторство было характерной приметой музыки
Прокофьева на протяжении всего его творческого пути.
Поиски собственного стиля композитор начал ещё в раннем
детстве. Наблюдая за интенсивным развитием музыкальных
способностей ребёнка, родители отвезли его в Москву к известному композитору и педагогу Сергею Ивановичу
Танееву.
11летний мальчик показал маэстро увертюру к опере «На
пустынных островах», где музыкальными  средствами
попытался изобразить дождь, ветер, бурю. Танеев с
большим интересом отнёсся к юному дарованию,
посоветовал начать систематические занятия композицией,
но отметил чрезвычайную простоту и однотипность
гармоний, использованных в произведении. Спустя
несколько лет, услышав новые сочинения Прокофьева,
Танеев пожаловался, что в них «очень уж много фальшивых
нот». Молодой композитор напомнил ему о предыдущем
отзыве, и Сергей Иванович, шутя, воскликнул «Неужто это
я толкнул вас на такую скользкую дорогу!» В 13летнем возрасте Серёжа поступил в Петербургскую
консерваторию, где его наставниками были Н. А. Римский
Корсаков, А. К. Лядов, Н. Н. Черепнин, А. Н. Есипова.
Прокофьев обучался по трём специальностям
композитора, пианиста и дирижёра.
Несмотря на то, что Прокофьев с детства занимался игрой
на рояле, его пианистическая подготовка оставляла желать
лучшего. Замечательный консерваторский педагог А. Н.
Есипова долго не могла совладать с неправильными
навыками музыканта, и однажды вынуждена была
пригрозить. «Или Вы будете держать, как следует руки, или
уходите из моего класса!»
Наконец, все трудности были пройдены, и в 1914 году для
Прокофьева наступил решающий момент. По итогам
концерта выпускников лучшему пианисту присуждалась премия им А. Г Рубинштейна. Мечтая о призе победителя
новом великолепном рояле фирмы «Шредер», амбициозный
молодой человек пошёл на хитрость. Не надеясь обойти
своих сильных соперников с классическим произведением,
он включил в программу собственный Первый
фортепианный концерт (1911).  В случае неудачи,
объяснял Прокофьев, «Не ясно было бы изза чего я
проиграл, изза плохого концерта или изза плохой игры».
Ни Концерт, ни его исполнение строгая комиссия не
посчитала неудачным. С начальными звуками Концерта в
зал ворвалась свежесть, энергия молодости, упругие и
неожиданные ритмы. Становилось ясно, что создать и
исполнить такую яркую музыку может только необычайно
талантливый человек.
Премию присудили Прокофьеву. Но восторженным
овациям большей части зала противостояла негативная реакция на новый, непривычный музыкальный язык и
содержание сочинения. В будущем композитор ещё не раз
становился свидетелем жарких споров вокруг своих
произведений. С присущей ему остротой и резкостью
суждений он парировал любые обвинения.
Летом 1917 г. Прокофьев поехал на курорт в Ессентуки.
Мятежи на Дону отрезали его от Москвы и Петрограда. За
эти месяцы «кавказского плена» появились Концерт для
скрипки с оркестром, Третья и Четвертая фортепианные
сонаты, цикл «Мимолётности» и «Классическая
симфония». После революции Прокофьев выезжает за
рубеж. Делает он это очень своеобразно: через всю страну,
объятую пламенем гражданской войны, он поехал поездом
из Петрограда во Владивосток. Так он добрался до Токио,
два месяца ждал визу на въезд в США, где с успехом
проходят его концерты. Потом, практически без гроша в кармане, он оказывается в
СанФранциско и, наконец, с большими сложностями в
начале сентября  в НьюЙорке. Начинается его
«завоевание» Америки.
Жизнь вне России не была лёгкой. Его музыку не всегда
принимали. Поначалу американская публика не проявляла
к нему интереса: там интересовались только тем, что
проверено в Европе и имело громкий успех. Музыка была
там товаром, который тоже нуждался в рекламе.
Прошло два года, и Прокофьев понял, что в Америке ему
делать нечего. Он перебирается в Париж, оттуда совершая
гастрольные поездки.
Здесь он сближается с Онеггером, Мийо, Пуленком,
общается с Рахманиновым, Равелем, композиторами
«Шестёрки», художниками Пикассо, Матиссом, Чарли Чаплином, дирижёрами Стоковским, Кусевицким,
Тосканини, продолжает сотрудничество с Дягилевым. Для
его труппы композитор пишет балеты «Стальной скок»,
«Блудный сын», «На Днепре».
В 1927, 1929, 1932 гг. Прокофьев приезжает в Россию с
гастролями. Его концерты проходят с триумфом. Проводя
на родине недели, он не мог представить себе истинной
жизни в стране. Он видел лишь «фасад» этой жизни –
«будни великих строек» как пелось в популярной песне,
энтузиазм людей. Повидимому, не представляя, какова на
самом деле жизнь в давно покинутой им стране, Прокофьев
считал, что, вернувшись в Россию, сможет жить так, как
сам захочет, то есть выезжать на гастроли, писать то, что
пожелает. Но он глубоко ошибался. В 1933 г. композитор вернулся на родину. Первые пять лет
гастроли ещё продолжались, но затем выезд ему был
запрещён.
Резко изменилась тематика его творчества. Были написаны
музыка к кинофильму «Александр Невский», оперы
«Семён Котко», «Повесть о настоящем человеке»,
оратория «На страже мира» и многое другое. Конечно,
наряду с этими уступками господствующей идеологии,
которые тоже стали шедеврами русского искусства, им
были написаны балеты «Ромео и Джульетта», «Золушка»,
«Сказ о каменном цветке», опера «Дуэнья», увертюры,
концерты, фортепианные произведения.
Когда началась Великая Отечественная война, Прокофьев
был эвакуирован на Кавказ. Только в 1943 г. он вернулся в
Москву. Всё это время композитор работал над оперой
«Война и мир». Эта работа заняла много лет. Послевоенные годы обернулись для композитора тяжкими
испытаниями. Резко ухудшилось его здоровье, а главное, он
попал в жерло советской идеологии. Его музыка, так же как
и произведения Шостаковича, была признана критикой в
1948 г. формалистической и антинародной. Неизвестно, как
реагировал Прокофьев, избалованный всемирной славой, на
эту жестокую критику. Он никогда не высказывался по
этому поводу. Он молчал. Но, конечно, это не могло не
отразиться на нём. Возможно, именно эти преследования
окончательно подорвали его здоровье.
Последним произведением, которое довелось композитору
услышать в концертном зале, была Седьмая симфония. Это
было в 1952 г. Гениальный симфонический цикл, в котором
всё дышит одухотворёнными, чистыми красками, стал
настоящим завещанием великого Мастера потомкам. Прокофьев умер 5 марта 1953 г., в один день со Сталиным.
С этим и было связано то, что смерть его, на фоне
официальной скорби, прошла совершенно незамеченной. О
ней не было сообщено ни в одной газете. Поэтому хоронили
одного из крупнейших композиторов ХХ в. лишь самые
близкие друзья.
Вопросы:
Назовите годы жизни композитора.
Какие жанры были ему особенно близки?
Перечислите известные вам крупнейшие произведения
Прокофьева.
В каком году композитор уехал за границу? Когда он
вернулся на родину? Почему Прокофьева называли «солнечным композитором»?
Что сказал о нем А. Рубинштейн?
Где Прокофьев учился? Кто были его учителями?
Прокофьев! Музыка и молодость в расцвете…
Жизнь  череда мгновений, быстро сменяющихся
настроений, сиюминутных впечатлений и картин.
Задуматься об этом позволяет цикл фортепианных
миниатюр «Мимолётности» С. Прокофьева.
В 1915 году Сергей Прокофьев сблизился с Константином
Дмитриевичем Бальмонтом  популярнейшим русским
поэтом. Бальмонт был одним из зачинателей нового
направления в литературе  символизма. Поэтический мир
поэта  мир тончайших мимолётных наблюдений и хрупких
чувствований, мир «солнечности» и стремления к
постоянному обновлению  оказался близок творчеству молодого композитора. Близок оказался Прокофьеву и
мистицизм, занимавший столь большое место в воззрении
поэта.
После одной из встреч с К. Бальмонтом Прокофьев пишет с
восторгом о созерцании небесных тел над ночными
осенними улицами Петрограда: «Идя от Бальмонта,
любовался звёздами. Наконецто отдёрнулся облачный
полог – и какая радость было увидеть и красавца Ориона, и
красный Альдебаран, и красный Бетельгейзе, и чудный
зеленоватобледный бриллиант Сириуса. Я смотрел на них
новыми, открывшимися глазами, я узнавал их по заученным
расположениям на звёздных картах – и будто какието нити
связывали меня с небом! Было четыре часа ночи, надо было
спать, а белый Сириус стоял прямо под окнами и не давал
глазам оторваться от него!» Познакомившись со стихотворением К. Бальмонта «Я не
знаю мудрости», композитор увлёкся идеей огненной
изменчивости, «мгновенности» и решил взять из него
название для своего сочинения  «Мимолётности».
Я не знаю мудрости
Я не знаю мудрости годной для других,
Только мимолётности я влагаю в стих.
В каждой мимолётности вижу я миры.
Полные изменчивой радужной игры.
Не кляните, мудрые. Что вам до меня?
Я ведь только облачко, полное огня.
Я ведь только облачко. Видите: плыву.
И зову мечтателей… Вас я не зову!
(К. Бальмонт) «Мимолётности» объединили в себе и живописные, и
литературные впечатления композитора.  Стремление
передать минутные впечатления, «игру мгновения»,
изменчивость и неуловимость состояния мира, души
человека перекликается с творческим кредо художников
импрессионистов, с живописными беспредметными
образами.
Философская идея нашла отражение и в самой
музыкальной ткани произведения. Каждая пьеса цикла
настолько коротка, что её сравнивают с миражом в
пустыне, который то исчезает, то появляется снова. В
музыке «Мимолётностей» нет какихлибо реальных
пейзажей, портретов, она построена на сочетании ломаных
линиймелодий, ритмов, необычных гармоний,
напоминающих красочные пятна картины. Будучи своеобразными страницами дневника,
«Мимолётности» стали и своего рода «кратким словарём»
стиля Прокофьева. Они вобрали в себя основные типы
прокофьевских образов, сконцентрировали основные
элементы речи.
Пьесы совершенно самостоятельны и обособлены, но в то
же время образуют единое целое. Не случайно Прокофьев в
«Автобиографии» упоминает о порядке, а Мясковский
пишет в статье о «Мимолётностях», что «...чем больше
проникаешь в их своеобразие и неисчерпаемое богатство
содержания, тем более чувствуешь, что мимолётность таит
в себе какуюто неразрывность дневника, рисующего в
своей прерывности, быть может с ещё большей ясностью,
нежели при преднамеренной связанности, единую сущность
выявившейся в нём души?» По жанровому наклонению «Мимолётности» разделяются
на три группы, разнообразные и даже контрастные внутри.
Наибольшая группа, которая и приближает цикл к
страницам дневника,  лирические мимолётности. В них
Прокофьев создаёт тонкие оттенки лирики и использует
многообразные выразительные средства: от простейших
песенных до изысканно импрессионистичных.
«Мимолётность» № 1 основана на двух темах песенного,
лирического склада: в мелодии первой подчёркнута
простота диатонических интонаций. Но она обладает
типичным для прокофьевского стиля свойством: мелодия
развивается в широком диапазоне, охватывающем две
октавы. Простота второй темы оборачивается
загадочностью и таинственностью: начало с уменьшенного
трезвучия, низкий регистр, черты хоральности. Из всего цикла выделяется «Мимолётность» № 7, где
фортепиано подражает нежному и живописному звучанию
арфы.
Другую область составляют мимолётности скерцозного
типа. Градации скерцозных тем широки  от шутливости до
иронии и гротеска. В скерцозности Прокофьев
подчёркивает момент игры: регистрами, тембрами,
акцентами, динамикой. Нередко пьесы представляют собой
миниатюрные инструментальные сценки с ярко
театральными образами. В них узнаются маски скоморохов,
шутников, трогательных кукольных героев, напоминающих
Петрушку.
Такова «Мимолётность» № 10. Её характер определён
Прокофьевым в ремарке «Ridicolosamente», что означает
«смешно». Петрушечный образ в этой мимолётности
создаётся противопоставлением строгого, равномерного движения аккомпанемента и не укладывающегося в точные
логические схемы движения мелодии. Причудливы как
ритмика мимолётности, так и сопоставление гармоний,
акцентов, регистров, динамики.
В 1968 году фортепианный цикл «Мимолётности» дал
рождение балету, превратившему сочинение С. Прокофьева
в вереницу зримых хореографических картин. А в 1975м
анимационному фильму, в котором персонажи и пейзажи
оживают под звуки фортепианных миниатюр.
Благодаря стараниям выдающегося отечественного
дирижёра Рудольфа Баршая, фортепианный цикл
«Мимолётности» получил новую художественную
интерпретацию. Музыкант сделал аранжировку
произведения для струнного оркестра. По богатству
тембров, певучести звука струнных инструментов оно не уступает фортепианному оригиналу,  утверждают
музыковеды.
Довольно часто приходится слышать утверждение о том,
что талантливый человек талантлив многогранно. Г.
Сковорода  поэт и музыкант; Т. Шевченко  поэт и
художник; М. Чюрленис  композитор и художник. В этом
же ряду: А. Грибоедов, А. Серов, А. Скрябин, А. Шенберг,
А. Онеггер и т. д. Можно назвать ещё многих.
В. В. Кандинский известен большинству как художник
авангардист первой половины XX столетия, однако мало
кто знает о его поэтических и особенно музыкальных
дарованиях. Они проявились очень многогранно. Поэтому
возникающая отсюда проблема взаимодействия музыки и
живописи в жизни и творчестве В. Кандинского вполне
заслуживает самостоятельного исследования. Её можно
рассматривать с разных точек зрения: это музыкальные таланты самого В. Кандинского и его деятельность как
музыкантапрофессионала; творческие и дружеские связи с
музыкантами; музыка в его живописном и литературном
творчестве.
Художник хорошо владел фортепиано и виолончелью. В
своих теоретических работах он затрагивал проблемы
музыки, часто прибегал к параллелям между
изобразительным и музыкальным искусством, упоминал
имена композиторов, среди которых наиболее любимыми
им были Р. Вагнер, М. Мусоргский, К. Дебюсси, А.
Скрябин.

intro:
Константин Бальмонт был необычайно захвачен музыкой Прокофьева. В ней он находил ту звучащую магию, которая стала основой всего поэтического творчества. В августе 1917 года Бальмонт вписал в альбом Сергея Прокофьева «Что вы думаете о солнце» свой сонет:

Ребёнку богов, Прокофьеву

Ты - солнечный богач. Ты пьёшь, как мёд, закат.
Твое вино - рассвет. Твои созвучья, в хоре,
Торопятся принять в спешащем разговоре
Цветов загрезивших певучий аромат.
Вдруг в золотой поток ты ночь обрушить рад.
Там где-то далеко рассыпчатые зори
Как нитка жемчугов, и в световом их споре
Темнеющий растёт в угрозном гуле сад.
И ты, забыв себя, но сохранивши свет
Степного ковыля, вспоенного весной,
В мерцаниях мечты, все новой, все иной,
С травинкой поиграл в вопросы и ответы,
И в звук свой, заронив поющие приметы,
В ночи играешь в мяч с серебряной луной.

(К. Бальмонт)

Сергей Прокофьев принадлежит к числу тех музыкантов, которые составили славу русской музыки ХХ в. Он был выдающимся пианистом, дирижёром, композитором, который работал во всех жанрах и в каждом оставил образцы непревзойдённого совершенства.

Начало столетия - взрывчатое, бурное время, и в этот вихревой поток Прокофьев ворвался как нечто неповторимое и новаторское. Неудивительно, что представители «серебряного века» (так называли этот период в искусстве) не поняли его музыку, и только немногие смогли увидеть в нём создателя нового искусства. Он был художником дерзким, своенравным, не терпевшим никаких штампов, и его произведения, как правило, были новым словом в искусстве.

Прокофьев был творцом светлого, жизнелюбивого искусства. Иносказательным портретом композитора могут служить строки из поэмы Маяковского «Облако в штанах»:

От вас, которые влюблённостью мокли,
От которых в столетья слеза лилась,
Уйду я, солнце моноклем
Вставлю в широко растопыренный глаз.

title: Сергей Прокофьев. «В каждой мимолётности вижу я миры…»


extracted_text:
Технологическая карта урока
Дисциплина:  «Физическая культура»
Тип урока: комбинированный
Технология: личностноориентированное обучение.
ТДЦ (триединая дидактическая цель) учебного занятия: создание условий для
успешного усвоения знаний, умений, навыков, при обучении техническим
элементам гимнастики.
Общие компетенции. ОК.2  Организовывать собственную деятельность,
выбирать типовые методы и способы выполнения профессиональных задач,
оценивать их эффективность и качество.
Формы организации: фронтальная, групповая, индивидуальная.
Группа: №11, профессия «Сварщик»
Дата проведения: 27 марта 2017 года.
Место проведения: спортивный зал   КОГ ПОАУ Техникума промышленности
и народных промыслов г.Советска.
Тема урока: Совершенствование техники элементов гимнастики
Задачи урока:
Образовательные:     1.  Совершенствование техники акробатических
                                         элементов: кувырок вперед, кувырок назад,
                                         стойка на голове, колесо, прыжок вверх
                                          прогнувшись.
                                    2.  Совершенствование техники прыжка через козла
                                         согнутыми вперед ногами.
3.  Развитие двигательных качеств, подготовка к
     выполнению испытаний норм комплекса ГТО
Воспитательные:       Воспитывать дисциплинированность, трудолюбие.
Развивающие:            Развитие координации, силы, скоростносиловых
                                     качеств.
Оздоровительные:      Содействовать укреплению здоровья формированию
                                       правильной осанки и повышению уровня
                                       работоспособности, приобщение к здоровому образу
                                       жизни.
Методическая:              Умение обучающихся применять основные
                                        технические элементы в практической деятельности
Методы обучения:      1. Словесные: рассказ, объяснение, анализсравнение.
2. Наглядные: показдемонстрация.
3. Практические: физические упражнения.
Оборудование и инвентарь: гимнастические маты, оборудование:
гимнастический мостик, гимнастический снаряд .
Время проведения:  9.5011.20 Литература:   Программа по физической культуре
                        В.И. Лях, А.А. Зданевич  «Физическая культура»

                                     Структурные элементы урока
          Этапы
Дидактическая цель
   Содержание деятельности Подготовительная
часть
1. Организация начала
урока
2. Подготовка
    оборудования и
    спортивного
     инвентаря
3. Разминка
Основная часть урока
1. Актуализация
2. Мотивация
Настроить на работу,
повысить уровень
физической
работоспособности,
направить внимание
обучаемых на
предстоящее занятие
Построение группы, приветствие,
сообщение задач урока.
Перестроение, повороты на месте,
повороты в движении

Подготовить организм
занимающихся к
предстоящей
деятельности
Выявление имеющихся у
учащихся знаний,
умений, навыков по
ранее изученным
техническим элементам
гимнастики
Определение целей
  урока.
До урока вынести из раздевалки в зал
гимнастические маты, сложить их  в
углу зала.
Разминка: ходьба по залу, бег по
залу,  упражнения в движении:
Подготовительные упражнения для
выполнения акробатических
элементов выполняемые учащимися
на гимнастических матах, стойка на
руках, с последующим выполнением
кувырка вперед.
Техника выполнения кувырка
вперед, кувырка назад, стойки на
голове.
Правильно освоенная техника будет
способствовать формированию
устойчивого навыка, и
безошибочному выполнению
элементов гимнастики на зачетном
уроке 3. Совершенствование
    техники выполнения
    комбинации
    упражнений по
    акробатике.
 Добиться устойчивого
умения безошибочно
выполнять
акробатические
элементы.
Комбинация упражнений по
акробатике: длинный кувырок
вперед, кувырок назад, стойка на
голове, колесо, прыжок вверх
прогнувшись
4. Совершенствование
    техники прыжка
через козла с разбега
способом согнув ноги

Подготовить организм
занимающихся к
предстоящей
деятельности
Добиться устойчивого
умения  выполнять
опорный прыжок через
гимнастический снаряд
5. Развитие
двигательных,
выполнять    испытания
норм комплекса ГТО
Средствами ОФП
способствуем
укреплению силы мышц
рук и брюшного пресса
Заключительная
часть урока
Организованное
завершение урока
Постепенное снижение
физической нагрузки,
организм занимающихся
необходимо привести в
более спокойное
состояние
Подготовительные упражнения, для
выполнения правильного
отталкивания ногами от мостика, (с
места стоя ногами на
гимнастическом мостике),
подготовительные упражнения для
выполнения правильного
приземления на ноги после
выполнения прыжка через
гимнастический  снаряд(с места,
стоя ногами на гимнастической
скамейке)
Опорный прыжок через
гимнастический снаряд сперва с
небольшого разбега, (затем с 7 шагов
разбега).
 подтягивание на перекладине  на
количество раз;
 Жим штанги из положения лежа на
скамейке   на количество раз;
 упражнение на пресс выполняемое из
положения лежа на спине на колво раз.
 приседание со штангой или (с партнером)
на плечах на количество раз.
Построение группы. Подведение
итогов урока. Отметить учащихся у
которых не плохо получается
выполнять освоенные на уроках
технические элементы гимнастики,
назвать ошибки, что не получается
при выполнении основных элементов.
Отметить в журнале отсутствующих
на уроке, поставить оценки за урок
22 марта 2017 года          Преподаватель: Бахтина Е.Н.

file_name: Технокарта-гимнастика.doc

intro: В разработке представлена технологическая карта урока физической культуры по теме "Совершенствование техники элементов гимнастики", где представлены элементы комбинированного урока по совершенствованию техники акробатических элементов: кувырок вперед, кувырок назад, стойка на голове, колесо, прыжок вверх  прогнувшись. Может быть использована преподавателями физкультуры техникумов.

title: Технологическая карта урока "Совершенствование техники элементов гимнастики"


extracted_text:
Джордж Гершвин. Рапсодия в блюзовых тонах
Джордж Гершвин стал настоящим воплощением
американской мечты, поднявшись от положения
скромного иммигранта к вершинам славы и богатства.

О чем рассказывает его музыка? О простых людях, об их
радостях и горестях, об их любви, об их жизни.
Вот почему его музыка понастоящему национальна...
Д. Шостакович

Джордж Гершвин
С именем американского композитора и пианиста Дж.
Гершвина связана одна из интереснейших глав истории
музыки. Становление и расцвет его творчества совпали с «веком джаза» — так называл эпоху 2030х гг. XX в. в
США крупнейший американский писатель С.
Фитцджеральд. Это искусство оказало основополагающее
влияние на композитора, который стремился выразить в
музыке дух своего времени, характерные черты жизни
американского народа. Гершвин считал джаз народной
музыкой. «Я слышу в нем музыкальный калейдоскоп
Америки — наш огромный бурлящий котел, наш...
национальный жизненный пульс, наши песни...» — писал
композитор.
Джордж Гершвин родился в НьюЙорке в 1898 году в семье
еврейских эмигрантов из России. Настоящие имя и
фамилия композитора  Янкель Гершовиц.
Его детство прошло в одном из районов города — Ист
Сайде, где его отец был владельцем небольшого ресторана.
Озорной и шумный, отчаянно проказничавший в компании своих сверстников, Джордж не давал родителям повода
считать себя музыкально одаренным ребенком. Все
изменила покупка пианино для старшего брата. Редкие
уроки музыки у различных учителей и, главное,
самостоятельные многочасовые занятия импровизацией
определили окончательный выбор Гершвина.
Гершвин не получил систематического музыкального
образования и всем своим достижениям в области
композиции он в основном обязан самообразованию и
требовательности к себе в сочетании с неуемным интересом
к крупнейшим музыкальным явлениям своего времени.
Будучи уже всемирно известным композитором, он не
стеснялся обращаться с просьбами о занятиях композицией
и инструментовкой к М. Равелю, И. Стравинскому, А.
Шенбергу. В 16 лет Джордж стал штатным пианистом в издательстве
Ремика, «рекламируя» новые песни на знаменитой улице в
НьюЙорке, где располагалась группа нотных издательств,
которую окрестили «Тин Пен Элли». Он также начал
писать собственные песни и к 1917 году был готов
двигаться дальше.

Стечение обстоятельств
Его первый большой успех случился в 1919 году. Гершвин
работал на постановке мюзикла «Лала, Люсиль!» и вместе
с поэтомпесенником Ирвингом Цезаром написал песню
«Swanee» («Суони»). Исполненная великим Элом
Джолсоном, она стала шлягером. К началу 1920х годов
Гершвин был восходящей звездой среди композиторов
бродвейских мюзиклов. Он продолжал свое музыкальное образование, оттачивал мастерство как пианист и никогда
не боялся пробовать чтото новое. Случай преставился в
1924 году, когда дирижер джазоркестра Пол Уайтмен
попросил его написать произведение для фортепиано с
оркестром – «Рапсодию в блюзовых тонах». Она стала
настоящей сенсацией.

Невиданный успех
В 1930е годы карьера Джорджа Гершвина могла считаться
одной из величайших историй успеха ХХ века. В основном
работая со своим братом, талантливым поэтомпесенником
Айрой, он стоял плечом к плечу с Ирвингом Берлином,
Джеромом Керном и Коулом Портером сочиняя
музыкальные шоу для Бродвейской сцены и Голливуда. Он также пополнил список своих инструментальных
сочинений Фортепианным концертом фа мажор и
мечтательной поэмой «Американец в Париже». Его
пианизм удивлял талантливейших композиторов  Равеля и
Прокофьева, Стравинского и Шёнберга. Гершвина
чествовали во время частых визитов в Европу, где многие
из его музыкальных постановок пользовались таким же
успехом. В 1935 году он закрепил свою популярность
оперой «Порги и Бесс».

Трагичный финал
В 1937 году Джордж и Айра вернулись в Голливуд работать
над экранизацией еще двух мюзиклов, где в главной роли
выступал их старый друг Фред Астер. Внезапно у Джорджа
начались головокружения и головные боли, несколько раз он падал в обморок. У него обнаружились симптомы
опухоли головного мозга, композитор перенес операцию, но
было уж слишком поздно. Джордж Гершвин умер в июле
того же года, не дожив до своего 39го дня рождения. Айра
продолжил свою карьеру в музыкальном театре и кино и
прожил до 1983 года.

«Рапсодия в блюзовых тонах»
Однажды Гершвин случайно прочитал в газете, что по
заказу Уайтмена работает над джазовым концертом, хотя
на самом деле даже не собирался писать подобное
произведение. Решив, что это ошибка, он позвонил своему
«шефу» и выяснил, что тот действительно внес еще
несуществующее сочинение в программу предстоящего
концерта, где авторитетные музыкальные критики на основе прослушанного должны были ответить на
животрепещущий вопрос «что есть американская музыка?».
Гершвину не оставалось ничего, кроме как согласиться.
Так родилась «Рапсодия в стиле блюз» («Rhapsody in
Blue»), в названии которой обыгрываются два значения
английского слова «Ыuе» лирическая песня (блюз) и
голубой цвет.
Композитор вспоминал о создании «Рапсодии»: «Внезапно
мне пришла в голову идея. Так много болтали об
ограниченности джаза, так неверно понимали его функцию.
Принято считать, что джаз должен звучать в одном темпе и
основываться только на танцевальных ритмах. Я решил,
насколько возможно, разбить эту ошибочную концепцию
одним ударом. Вдохновленный этой целью, я принялся
писать с непривычной скоростью». В день премьеры, 12 февраля 1924 года, в Иоулиэнхолле
Нью–Йорка собрались певцы, пианисты из «Тин Пен Элли»,
звезды джаза и мюзикла, выдающиеся критики и
академические композиторы среди которых Сергей
Рахманинов и Игорь Стравинский. Программа концерта,
объявленного «экспериментом в современной музыке»,
включала произведения множества авторов с
использованием элементов джаза. Поначалу «эксперимент»
явно не вызвал восторга у публики.
Некоторые слушатели уже начали покидать зал. Но вот за
рояль сел Джордж Гершвин. Зазвучала «Рапсодия в
блюзовых тонах» («Рапсодия в стиле блюз»). От прежней
скуки не осталось и следа. Оркестранты играли, словно
выворачивая себя наизнанку от эмоций, искренне, от души.
Дирижер Пол Уайтмен не замечал, что по его щекам
катятся слезы восторга. Гершвин играл на фортепиано неподражаемо. Отзвучали последние звуки «Рапсодии». Зал
захлебнулся бурей оваций!
Критика единодушно приветствовала гениальный
мелодический дар Гершвина, «оригинальное чувство
гармонии» и «ритмическую изобретательность». Но самое
главное достоинство сочинения заключалось в том, что
впервые произошло органичное соединение состава
оркестра, ассоциирующегося с произведениями Моцарта,
Бетховена или Чайковского, и блюзового стиля. С легкой
руки Уайтмена новое направление стали именовать
симфоджазом.
Впоследствии «Рапсодия в стиле блюз» оказалась наиболее
часто исполняемым во всем мире произведением,
написанным американским композитором. И уже к ней
были вполне применимы слова, сказанные дирижером и
музыкальным критиком Уолтером Дамрошем о Концерте для фортепиано с оркестром Гершвина, созданном в 1925
году: «Многие композиторы ходили вокруг джаза,  как
коты вокруг тарелки с горячим супом, ожидая пока он
остынет, чтобы насладиться им, не опасаясь обжечь языки,
поскольку они привыкли к тепловатой, дистиллированной
жидкости, приготовленной поварами классической школы.
Леди Джаз, украшенная интригующими ритмами, шла
танцующей походкой через весь мир, вплоть до эскимосов
на Севере и полинезийцев на Южных островах. Но нигде ей
не встретился рыцарь, который ввел бы ее как уважаемую
гостью в высшее музыкальное общество. Джордж Гершвин
совершил это чудо. Он  принц, который взял Золушку за
руку и открыто провозгласил ее принцессой, вызывая
удивление мира и бешенство ее завистливых сестер». «Рапсодия в блюзовых тонах» стала визитной карточкой
Гершвина. Ныне она с равным успехом исполняется
музыкантами и академического и джазового направлений.

ῥαψῳδία
  эпическая песнь)
Рапсодия (греч.
инструментальное или вокальное произведение,
написанное в свободном, импровизационном, эпическом
стиле. Для рапсодии характерно чередование
разнохарактерных эпизодов на народнопесенном
материале.

intro:
С именем американского композитора и пианиста Дж. Гершвина связана одна из интереснейших глав истории музыки. Становление и расцвет его творчества совпали с «веком джаза» — так называл эпоху 20-30-х гг. XX в. в США крупнейший американский писатель С. Фитцджеральд. Это искусство оказало основополагающее влияние на композитора, который стремился выразить в музыке дух своего времени, характерные черты жизни американского народа. Гершвин считал джаз народной музыкой. «Я слышу в нем музыкальный калейдоскоп Америки — наш огромный бурлящий котел, наш... национальный жизненный пульс, наши песни...» — писал композитор.

Джордж Гершвин родился в Нью-Йорке в 1898 году в семье еврейских эмигрантов из России. Настоящие имя и фамилия композитора - Янкель Гершовиц.


extracted_text:
Музыкальные инструменты. Ударные инструменты
Вот мы с вами и подошли к знакомству с самыми древними
инструментами. Десятки тысяч лет назад человек взял в обе
руки по камню и начал стучать ими друг о друга. Так
появился первый ударный инструмент. Это примитивное
приспособление, которое ещё не могло дать музыки, но уже
могло произвести ритм, сохранилось в быту некоторых
народов до наших дней: например, у аборигенов Австралии
и сейчас два обыкновенных камня играют роль ударного
инструмента.
Ударные гораздо старше всех остальных инструментов:
почти все исследователи сходятся во мнении, что
инструментальная музыка началась с ритма, а потом уже
возникла мелодия. Есть этому и подтверждение: при раскопках в селе Мезин
под Черниговом были обнаружены ударные инструменты
уже довольно сложной формы, сделанные из челюстей,
черепных и лопаточных костей животных. Были даже
колотушки из бивней мамонта. Целый ансамбль из шести
инструментов, возраст которых 20 000 лет. Конечно же,
просто ударить камнем о камень человек догадался ещё
раньше.
Название этой группы произошло от способа извлечения
звука  удара по натянутой коже или металлическим
пластинкам, деревянным брускам и т. д. Но внимательно
присмотритесь, и вы увидите, что во всём остальном
ударные различаются: и формой, и величиной, и
материалом, и характером звучания.
Кроме того, ударные принято делить на две большие
группы. К первой относятся те ударные инструменты, которые имеют настройку. Это  литавры, колокольчики,
колокола, ксилофон и др. На них можно сыграть мелодию,
и звуки их на равных правах с голосами других
инструментов могут войти в оркестровый аккорд или
мелодию.
А звук барабана, например, содержит так много
неупорядоченных частот, что мы не можем соотнести его
ни с каким звуком фортепиано, не может определить,
настроен ли барабан на соль, ми или си. С точки зрения
физики, барабан издаёт шум, а не музыкальный звук. То же
самое можно сказать о бубне, тарелках, кастаньетах. Но,
несмотря на такую, вроде бы, немузыкальность, эти
инструменты очень нужны  одни для ритма, другие  для
разных эффектов и нюансов. Это инструменты второй
группы, не имеющие определённой высоты звука. Обратили ли вы внимание на то, что барабан и литавры,
очень похожие друг на друга, попали в разные группы. Но
существует ещё одна система деления ударных
инструментов  на мембранные (у которых звучит
натянутая кожа  мембрана) и самозвучащие. Тут барабан и
литавры попадут в одну группу, так как звучащий элемент
у них одинаков  мембрана. А тарелки, которые изза
неопределённой высоты звука были в одной группе с
барабаном, теперь попадут в другую, так как звук у них
образуется самим корпусом инструмента. Для нас с вами
важно то, что они играют в музыке очень большую роль.
Барабан  один из самых распространённых ударных
инструментов. Две разновидности барабана  большой и
малый  уже давно входят в состав симфонического и
духового оркестров. Звук барабана не имеет определённой высоты, поэтому его
партию записывают не на нотном стане, а на «нитке»
одной линейке, на которой обозначен только ритм.
Слушание: Большой барабан, звучание инструмента.
Играют на большом барабане с помощью деревянных палок
с мягкими колотушками на конце. Их делают из пробки или
войлока.
Большой барабан звучит мощно. Его голос напоминает
раскаты грома или пушечные выстрелы. Поэтому его часто
используют в изобразительных целях. Например, в Шестой
симфонии Л. Бетховен с его помощью передал звук грома.
А в Одиннадцатой симфонии Шостаковича большой
барабан изображает выстрелы пушки.
Слушание: Л. Бетховен. Симфония № 6 «Пасторальная»,
IV часть. «Гроза». Слушание: Малый барабан, звучание инструмента.
Малый барабан имеет сухой и отчётливый звук. Его дробь
хорошо подчёркивает ритм, иногда оживляет музыку,
иногда вносит тревогу. Играют на нём двумя: палочками.
Многие считают, что играть на барабане – проще простого.
Хочу привести вам пример: когда исполняется «Болеро»
Равеля, малый барабан выдвигают вперёд и ставят рядом с
дирижёрским пультом, потому что в этом произведении
Равель поручил барабану очень ответственную роль.
Музыкант, играющий на малом барабане, должен
выдержать единый ритм испанского танца, не замедляя и не
ускоряя его. Постепенно нарастает экспрессия,
прибавляются все новые и новые инструменты,
барабанщика так и тянет играть чуточку быстрее. Но это
исказит замысел композитора, и у слушателей впечатление
получится уже другое. Видите, какое искусство требуется от музыканта, играющего на таком простом в нашем
понимании инструменте. Д. Шостакович ввёл в первую
часть своей Седьмой симфонии даже три малых барабана:
они зловеще звучат в эпизоде фашистского нашествия.
У барабана были когдато и зловещие функции: под его
мерную дробь вели на казнь революционеров, прогоняли
сквозь строй солдат. А сейчас под звуки барабана и трубы
строем идут на парад. Африканские барабаны были когда
то средством связи, наподобие телеграфа. Звук барабана
разносится далеко, это подмечено и использовано.
Барабанщикисвязисты жили друг от друга на расстоянии
слышимости. Как только один из них начинал передавать
закодированное в барабанном бое сообщение, другой
принимал и передавал следующему. Так радостная или
печальная весть распространялась на огромные расстояния.
Со временем телеграф и телефон сделали ненужным такой вид связи, но и сейчас в некоторых африканских странах
есть люди, знающие язык барабана.
Слушание: М. Равель. «Болеро» (фрагмент).
Слушание: Звучание ударной установки.
В состав симфонического или духового оркестра обычно
входят два барабана – большой и малый. А вот в джазовом
оркестре или эстрадном ансамбле ударная установка кроме
этих двух включает ещё до семи тамтамов. Это тоже
барабаны, корпус у них похож на удлинённый цилиндр.
Характер звучания: у них иной. В ударную установку
входят также и бонги  два небольших барабана, один чуть
больше другого. Их соединяют в единую пару и играют на
них чаще всего кистями рук. В установку могут войти и
конги  их корпус сужается: книзу, и кожа натянута только
с одной стороны. Слушание: Литавры. Звучание инструмента.
Литавры  тоже обязательный участник симфонического
оркестра. Это очень древний музыкальный инструмент. У
многих народов издавна встречались инструменты,
состоящие из полого сосуда, отверстие которого обтянуто
кожей. Именно от них произошли современные литавры. Их
роль так важна, что некоторые дирижёры на гастроли возят
с собой своего литавриста.
У литавр огромный диапазон силы звука: от подражания:
раскатам грома до тихого, еле уловимого шороха или гула.
Устроены они сложнее, чем барабан. У них металлический
корпус в виде котла. Корпус имеет определённые, строго
рассчитанные размеры, что позволяет добиться строгой
высоты звука. Поэтому композитор может писать для
литавр ноты. Корпус бывает разного размера, а значит, и
звук разной высоты. И если в оркестре три литавры, значит, уже три ноты. Но инструмент этот можно перестраивать и
на несколько звуков. Тогда получается даже небольшой
звукоряд.
Раньше перестройка литавры занимала некоторое время. И
каждый композитор знал: если требуется звук другой
высоты, надо дать литавристу время, чтобы подкрутить
винты и перестроить инструмент. В середине XIX в.
музыкальные мастера оснастили литавры специальным
механизмом, который перестраивает литавры простым
нажатием педали. Теперь у литавристов появилось новое
качество  им стали доступны небольшие мелодии.
В давние времена любая война буквально не мыслилась без
барабанов, литавр, труб. Один англичанин говорил:
«Обычно пытаются сделать армию бессильной, отрезав её
от продовольствия; я же советую, если у нас когданибудь
будет война с французами, прорвать им как можно больше барабанов».
Литавристы и барабанщики пользовались огромным
авторитетом. Они должны были быть очень смелыми, ведь
шли во главе войска. Главным трофеем в любой битве было,
конечно, знамя. Но и литавры были также своего рода
символом. Поэтому музыкант был готов умереть, но не
сдаться с литаврами.
Слушание: Пуленк. Концерт для органа, литавр и симф.
оркестра (фрагмент).
Слушание: Ксилофон, диапазон инструмента.
Слово ксилофон можно перевести с греческого языка как
«звучащее дерево». Оно удивительно подходит к
музыкальному инструменту, состоящему из деревянных
брусков, на которых играют двумя деревянными
палочками. Что бы получить привычный звукоряд из дерева, его
специально обрабатывают. Из клёна, ели, ореха или
палисандра выпиливают бруски разного размера, причём
подбирают размер так, чтобы каждый брусок при ударе
издавал звук строго определённой высоты. Их располагают
в таком же порядке, как клавиши у фортепиано, и
скрепляют между собой шнурками на некотором
расстоянии друг от друга.
Слушание: Моцарт. «Серенада» (ксилофон).
Слушание: Маримба, диапазон инструмента.
Маримба. Разновидность ксилофона  маримба.
Это те же деревянные брусочки, но в маримбе они
снабжены металлическими трубками  резонаторами. Это
делает звучание маримбы более мягким, не таким
щелкающим как у ксилофона. Маримба родом из Африки, где бытует и сейчас. Но
африканская маримба имеет не металлические резонаторы,
а тыквенные.
Слушание: Альбенис. «Астурия» из «Испанской сюиты» в
исп. Т. Черемухиной (маримба).
Слушание: Вибрафон, диапазон инструмента.
Интересно устройство ещё одного ударного инструмента
 вибрафона. Как ясно из названия, он даёт вибрирующий
звук. Звучащие элементы у него делаются не из дерева, а из
металла. Под каждой металлической пластинкой
располагается резонаторная трубка, как у маримбы.
Верхние же отверстия трубок прикрываются крышечками,
которые могут вращаться, то открывая, то закрывая
отверстие. Частое перемещение крышечек даёт эффект
вибрации звука. Чем больше скорость вращения крышек, тем чаще вибрация. Сейчас на вибрафонах устанавливают
электрические двигатели. Ксилофон и маримба пришли к
нам из глубины веков, а вибрафон  инструмент очень
молодой. Он создан в Америке в двадцатые годы ХХ в.
Слушание: Челеста, диапазон инструмента.
Челеста. На полвека старше вибрафона челеста,
изобретённая в 1886 году во Франции. Внешне челеста
небольшое пианино. Клавиатура тоже фортепианная, такая
же молоточковая система. Только вместо струн в челесте
звучат металлические пластинки, вставленные в
деревянные коробочкирезонаторы. Звук у челесты тихий,
но очень красивый и нежный. Не случайно ей дали такое
название: челеста полатыни – «Небесная».
Слушание: И. Бах. Шутка (челеста). Эти инструменты  ксилофон, маримба, вибрафон и челеста
 многозвучные, на них можно играть мелодию.
В 1874 году французский композитор СенСанс написал
произведение, названное им «Пляска смерти». Когда её
исполняли в первый раз, некоторых слушателей охватил
ужас: они услышали стук костей, как будто в самом деле
плясала Смерть  страшный скелет с черепом, глядящим
пустыми глазницами, с косой в руках. Композитор добился
такого эффекта использованием ксилофона.
Семейство ударных инструментов очень разнообразно и
многочисленно. Давайте просто перечислим некоторые
другие ударные...
Слушание: Колокола, звучание инструмента.
Колокола  набор металлических трубок разной длины,
подвешенных в специальной раме. Слушание: Глокэншпиль (оркестровые колокольчики),
звучание инструмента.
Колокольчики  очень похожие на игрушечный металлофон,
только в нём больше пластин и сами пластины
благозвучнее.
Слушание: Тарелки, звучание инструмента.
Всем хорошо знакомые тарелки.
Слушание: Гонг, звучание инструмента.
Гонг  большой массивный диск с загнутыми краями,
который как никто другой умеет создавать впечатление
таинственности, мрака, ужаса;
Слушание: Тамтам, звучание инструмента.
Разновидность гонга, имеющего определённую высоту
звука,  тамтам, не настраиваемый точно. Слушание: Треугольник, звучание инструмента.
Треугольник – стальной прутик, изогнутый треугольником,
при ударе по нему металлическим стержнем издающий
прозрачный, нежный приятный звук. Список ударных
инструментов можно и продолжать.
Вопросы и задания:
Какой из ударных инструментов является самым древним,
а какой самым молодым?
Перечислите как можно больше ударных инструментов.
Что такое мембрана?
На какие группы и по какому принципу делятся ударные
инструменты?
Назовите ударные инструменты, имеющие определённую
высоту звучания.

доп. образование детей

group: Другое

title: Музыкальные инструменты: Ударные инструменты


extracted_text:
ПЛАНКОНСПЕКТ ОТКРЫТОГО  УРОКА  В 7 КЛАССЕ ФГОС
по теме: Плотность вещества
Используемые технологии

 : урок построен на проблемнодеятельностном подходе с
использованием стратегии чтения, работы в парах группах,
информационной технологий.
Форма урока :  Эвристическая беседа, практическая работа.
Цель урока: Сформировать практические умения определения массы, плотности вещества,
углубить понятие плотности
Оборудование:  мультимедийный проектор, компьютер, тела разного объема, весы,
разновесы, картофель, тела правильной и неправильной формы.
План  урока:
1. Организационный момент. Создание проблемной ситуации.  Актуализация знаний.
2. проверка  изученного материала
3. Применение изученного  знания
4. Домашнее задание, подведение итогов.
Планируемые образовательные результаты
Предметные
Знать  понятие плотности
вещества, зависимости
плотности от массы  и
объема, умения работать с
оборудованием.
Метапредметные
развивать интеллектуальные
умения (наблюдать, размышлять,
сравнивать, делать выводы),
умения работать с таблицей,
текстом.
Личностные
воспитывать умение работать
в микрогруппах, продолжить
формирование культуры
общения, воспитывать
трудолюбие, аккуратность.
5. Рефлексия
1.Организационный момент. Создание проблемной ситуации.  Актуализация знаний
ОРГАНИЗАЦИОННАЯ СТРУКТУРА УРОКА
Деятельность учителя
Деятельность учителя
 Здравствуйте ребята, садитесь.
Определение темы урока: сегодня у нас  необычный  урок!
И знаете почему? Нам важно помочь с расчетами
необычному старичку из магазина строительных материалов,
определить процентное содержание крахмала в картофеле,
который выращивается в огородах Белоярки, и выбрать
лучший сорт, ответить на  вопросы учителя. И для начала
вспомните какую тему мы проходим?
Судя по моему вступлению определите тему урока.
Какие цели мы будем преследовать?
Что нам для этого нужно?
Работаем с поурочной картой.
Деятельность ученика
Деятельность учащихся
Ученики приветствуют
учителя.
Дети отвечают на вопросы
учителя
плотность
Практическое применение
плотности вещества.
решать задачи, использовать
изученные формулы.
повторить изученный материал
мин
3
2.Провекрка изученного материала
 Для этого нам сейчас с вами нужно  вспомнить понятия,
которые  нам пригодятся сегодня на уроке. физическую величину – масса.
Вам предлагается дополнить предложенные высказывания.
Слайд «Масса»
Физическая величина, характеризующая инертные
свойства тел называется  …
Обозначение массы   …
Единица измерения массы  …
Прибор,  с помощью которого измеряют массу тела  …
Округлите показания приборов…..
Слайд «взаимопроверка»
Работа у доски
У доски перевести массу в кг:
350г=0,350кг
……..
…………
Фронтальный опрос:
А теперь повторим то, что вы знаете про физическую
величину – объём.
У вас на столах набор цилиндров разного объема.
покажите тела одинакового объема
самый большой объем
самый маленький
цилиндры из одинакового материала.
Молодцы! Очень хорошо. Вы с заданием справились
К столу вызываю ученика.
на столе находятся тела разной формы:правильной и
неправильной. Укажи на эти тела.
Вопрос классу: какие способы измерения объема мы с вами
знаем?
Соотнесите данные тела к способу измерения. Как найти
объем прямоугольного параллелепипеда?
 Как найти объем тела неправильной   формы?
 Демонтрационный эксперимент
Скажите, ктонибудь из вас слышал загадку: «Что тяжелее,
килограмм пуха или килограмм золота?».
 А теперь посмотрим на мой опыт. У меня на столе
различные вещества разных объёмов. Но они имеют
одинаковую массу (сравниваю массы на рычажных весах).
Почему?
найдите у себя цилиндры одинаковых объемов, какой на
ваш взгляд имеет меньшую плотность.Почему? Что такое
плотность?Соотнесите картинку и цилиндры по слайду.
Какой вывод?
Слайд «Самопроверка»
Найдите ошибки на  слайде
1.Р=m*v
2. единицы измерения объема см3, мл, л
3.m=v\p
4. единицы измерения плотности кг/мин
Работают в паре.
Взаимопроверка.
Работа у доски
Показывают свои ответы
Работа у стола
Отвечают на вопросы 5.v=abc
3.Применение изученного  знания
Работа с текстом. «Оловянная чума»
относится ли этот текст к нашей теме?Почему?
какие процессы происходят?
как они влияют на свойство вещества.
почему наш текст так  называется.
Слайд с оловом.
Вставить пропущенные слова в текст
,,,,,Знать плотность вещества очень важно для практических
целей. Строитель по плотности и объему может определить
массу строящегося здания.
 Свойства вещества меняются, если меняется его
плотность. Например: при уменьшении плотности олова
увеличивается его объем и оно превращается из белого в
серое олово,  рассыпается в порошок.
Физразминка.
Группы встали на носочки! А потом на пяточки!
Плечики подвигали, головку размяли.
А теперь покажите малую плотность вещества.
А теперь большую.
Молодцы.
это один из примеров зависимости свойств вещества от его
плотности.
Мы исследуем с вами как зависит от плотности картофеля
его вкусовые качества. У вас на столах находится не все
необходимое, каждая группа совещается и недостающее
оборудование добирает на столе.
самопроверка
Работа в паре
Оценивают работу.
Сообщение учащихся.
состав картофеля
применение сортов
Работают, заполняют таблицу
Делают вывод.
Практическая работа
«  определение процентного содержания крахмала в
картофеле по его плотности»
Вывод
На слайде информация про применение катрофеля
Слайд с формулами на доске.
Заполните и оцените свою работу в группе.
Работа в группе, выведение
результатов на доску, делают
вывод о пригодности
картофеля.
Рефлексия работы в группе.
4 Домашнее задание, подведение итогов. Предлагают решить задачу,
записывают данные.
 Подведем итоги. Все ли мы сегодня сделали, что
запланировали. Нужно помочь старичку!!! А история такая:
я  проходила мимо строительного магазина, там один
старичок покупал кирпичи. У него в руках была только
линейка. И он с улыбкой меня спросил, а ты можешь
посчитать при помощи линейки, сколько кирпичей я увезу на
своей старенькой машине, если грузить можно до 120 кг? Ну
как сможем?
Видео.
5. .Рефлексия
Обведите ладонь на листе. Отметьте свою позицию, ставя +
или — на пальце: большой палец — мне было интересно на
уроке; указательный палец — я узнал новое для себя;
средний — мне было трудно выполнять задания;
безымянный — мне было комфортно на уроке; мизинец —
мне не понравилось.

file_name: план-конспект.doc

intro:
План-конспект открытого урока  урока по теме "Плотность" был разработан с целью обмена опытом с молодыми учителями физики по ФГОС.
данный урок построен на основе основе прблемно-деятельностного подхода в обучении. Это пример интерактивного урока-взаимодействия учителя и учащихся на основе различного вида деятельности, а именно: работа в группе, исследовательская работа в паре, стратегия чтения.

title: ПЛАН-КОНСПЕКТ ОТКРЫТОГО  УРОКА  В 7 КЛАССЕ ФГОС по теме: Плотность вещества


extracted_text:
Музыкальные инструменты. Струнные
Сначала я расскажу вам одну легенду...
Однажды по улице итальянского города Кремона шёл
волшебник. Из окна одного дома он услышал прекрасные
звуки. Войдя в дом, волшебник увидел юношу, который
играл на только что изготовленной им скрипке.
 Подари мне эту скрипку, и я исполню любое твоё
желание.
Юноша был молод, и ему хотелось жить вечно. Но
волшебник поставил одно условие:
 Ты должен сделать ещё девятьсот девяносто девять
таких же прекрасных инструментов, но на тысячном
ты умрёшь. Шли годы. Мастер работал, делал скрипки, альты,
виолончели, гитары. Когда их количество стало
подходить к тысяче, он заболел. Тогда мастер собрал
своих сыновей и учеников, рассказал им о пророчестве и
добавил:
 Я считаю, что волшебник выполнил своё слово. Я
сделал тысячу музыкальных инструментов, я отдал им
свою душу, всю свою жизнь. Мои инструменты будут
жить, а вместе с ними буду жить и я.
Вы, конечно, догадались, что эта легенда о замечательном
итальянском скрипичном мастере Антонио Страдивари. Он
действительно изготовил около тысячи музыкальных
инструментов, многие из которых живы и сейчас. В них
поёт душа мастера. Наверняка вы безошибочно отличите скрипку от любого
другого инструмента и по голосу и по внешнему виду.
Но скрипка утвердилась в музыкальной практике как
сольный и ансамблевый инструмент с середины XVI в.
Давайте вспомним сначала инструмент, преемником
которого стало современное струнное семейство  виолу.
Вернее даже целое семейство виол.
По внешнему виду и некоторым приёмам игры их можно
считать предшественниками наших струнных. Правда, были
черты, которые роднили их с ещё более древней лютней.
Количество струн у виолы доходило до семи. Расположены
они были близко друг к другу. Это давало возможность
играть на виоле различные аккорды.
Большой популярностью в XV XVI вв. пользовались две
разновидности виолы. Виола да гамба по технике игры была похожа на
виолончель. Её аналогично держали при игре. Не случайно
её так назвали  слово gamba в переводе с итальянского
означает «нога».
Название ещё одной предшественницы этого семейства
переводится как виола любви  виола д'амур. Она обладала
очень мягким, нежным тембром и напоминала звучание
скрипки.
Эти инструменты были очень популярны в своё время. Да и
позже, в XIXXX вв., некоторые композиторы включали их
в свои оперные партитуры. Но с появлением скрипки виолы
отошли на второй план.
Скрипка  самый распространённый струнный смычковый
инструмент. Её часто называют королевой инструментов.
Значение скрипки понимали ещё в XVII в. и говорили: «Она в музыке является столь же необходимым инструментом,
как в человеческом бытии хлеб насущный».
«Стенки» скрипки называют деками. На верхней
расположены отверстия в форме буквы f  эфы. Струны
натягивают на грифе при помощи колков. В середине
корпуса на двух ножках стоит подставка, которая
поддерживает четыре струны. Они носят названия тех
звуков, на которые настроены: ми, ля, ре и соль. Диапазон
скрипки от соль малой октавы до соль четвёртой. Высоту
звука можно изменять, прижимая струну к грифу.
Конечно, вы знаете, что для удобства скрипку кладут на
плечо и прижимают её подбородком. Играют на скрипке
смычком, от которого во многом зависит характер
звучания. Смычок состоит из трости и натянутого на неё
конского волоса. Значение смычка очень велико. Ведь если
просто ущипнуть струну, звук быстро угаснет. А смычок можно вести по струне долго, и звук тогда тоже будет
тянуться долго. Отсюда удивительная напевность скрипки.
Посмотрите внимательно на скрипку. А теперь представьте
себя самого. Похожа скрипка на человека? Правда, похожа.
Кстати, даже детали её имеют похожие названия: головка,
шейка, какие плавные у неё закругления, какая тонкая
«талия». Вот видите, как интересно. Когдато давно
человек создал совершеннейшее из своих созданий
скрипку и сделал её похожей на совершеннейшее создание
природы  самого себя.
А ещё научил её петь, как умеет петь трепетный
человеческий голос. Но она умеет не только петь. Есть
много способов игры на скрипке. Их называют штрихами.
Можно одновременно играть на двух соседних струнах,
тогда звучат две мелодии. Больше чем два звука на скрипке
не сыграешь, потому что струны расположены на закруглённой подставке. Но можно особым приёмом
арпеджиато  извлекать на ней и аккорды. Тогда звуки
берутся не одновременно, а один за другим, скользнув по
струнам смычком. Иногда скрипачи играют не смычком, а
щипком пальцев. Такой приём называется пиццикато.
Както во сне ему явился дьявол и предложил показать
конец сонаты, если Тартини продаст ему за это свою
душу. Композитор согласился. Тогда дьявол схватил
скрипку и сыграл музыку неслыханной красоты.
Проснувшись в экстазе, Тартини повторил сыгранную
мелодию. Соната получила название «Дьявольские
трели» и до сих пор пользуется огромной известностью.
Немало легенд сложено о гениальном Никколо Паганини.
Его обвиняли в колдовстве, потому что в те времена не
могли поверить, что обыкновенный человек без помощи
волшебства может так великолепно играть на скрипке.  Сколько человек играет на эстраде?
Тогда слепой музыкант встал, схватил своего друга за
руку и дрожащим голосом сказал:
До наших дней дошла ещё одна история о Паганини.
 Примите её от меня. У меня было две одинаковые
шкатулки. Одну я подарил врачу, исцелившему моё тело,
другую дарю вам, исцелившему мою скрипку.
Паганини не расставался со скрипкой до конца жизни и,
умирая, завещал её музею родного города Генуи. До сих
пор она хранится там под стеклянным колпаком, и зовут её
«Вдова Паганини». Лишь немногие прославленные
музыканты удостаиваются чести играть на ней.
А ещё Паганини был первым в истории исполнителем,
который стал играть во время концерта наизусть, без
пюпитра. Рассказывают, что...
Один американский миллионер, очень кичившийся своим
богатством, пришёл в музыкальный магазин и попросил
показать ему самую дорогую скрипку. Продавец принёс
уникальный инструмент, сделанный в 1730 году
знаменитым итальянским мастером.
 Скажите, обратился миллионер к продавцу, а эта
фирма ещё существует?
 Конечно, нет,  ответил продавец.
 В таком случае я не могу купить скрипку. Где же я
найду к ней запасные части?
Альт тоже часто называют скрипкой, только побольше.
Если судить по его внешнему виду, то это так. Но он имеет
свой характерный тембр. Словом «альт» называют низкий
детский голос. Самый низкий женский голос, контральто, раньше тоже называли альтом. Потом это название перешло
к одному из струнных инструментов. Наверное, потому что
тембр его похож на контральто  мягкий, грудной,
выразительный.
Я хочу привести вам слова замечательного альтиста Юрия
Башмета из его книги «Вокзал мечты». Этот музыкант всю
свою жизнь посвятил тому, чтобы альт стал популярным
сольным инструментом. Как образно, как о живом
существе, говорит он о родном инструменте: «Альт больше
скрипки по размерам. Он крупнее, массивнее, но... Он ведь
и старше скрипки, древнее. Поитальянски альт называется
«виолой», а скрипка – «виолино», то есть «маленькая
виола». Можно сказать, что скрипка –
усовершенствованный потомок альта.
Альт гораздо глуше скрипки, звучание его направлено как
бы внутрь себя, слабее резонирует, даже гнусавит. Но зато его звук  теплее, объёмнее, а в смысле виртуозности альт
почти так же совершенен, как скрипка»
Диапазон альта от до малой октавы до ре второй октавы.
История альта драматична. Ему не везло, да и сейчас не
очень везёт. Дело в том, что корпус альта, если делать его
по акустическим расчётам, исходящим из строя
инструмента, должен быть довольно большим  около 46
сантиметров. Прибавьте к этому длину грифа. Чтобы
играть на таком инструменте, музыкант должен иметь
очень длинные и сильные пальцы.
Вот как пишет об этом Ю. Башмет: «Изза большей длины
грифа альт заметно менее подвижен, и от исполнителя:
требуется соответствующая растяжка пальцев и часто
недюжинная сила и ловкость. Представьте себе: вот рука
нормального человека; если он её поднимает, происходит отлив крови. Но потом эту руку нужно развернуть локтём
перед собой, а потом ещё и отдельно кисть. И при этом все
время нужно работать («шагать») пальчиками. Ощущение
похоже на то, когда берут кровь из вены, перевязывают
руку выше локтя: и просят сжимать и разжимать кулак,
чтобы вены вздулись. А если играть форте в конце смычка
и, значит, особым способом распределить вес руки –
происходит отдача в позвоночник. В общем, вы поняли, что
играть на альте сложно даже физически.»
Вы можете спросить: «А как же тогда играют на
виолончели и контрабасе, ведь они гораздо больше альта?»
Тут есть отличие. Левая рука скрипача и альтиста делает
сразу два дела: прижимает струну к грифу и поддерживает
инструмент. Виолончелист и контрабасист от второго
освобождены  их инструменты имеют другую опору. Если
бы альтист мог свободно держать руку над грифом, никаких бы проблем не было. Но его большой палец все
время должен оставаться: внизу. Очень неудобно и трудно.
Поэтому у музыкантов возникло стремление уменьшить
размер альта.
Креманские мастера делали полные, правильные альты, и
звучали они изумительно. Но получался парадокс: если
скрипач всегда мечтал о хорошей скрипке и искал её, альт
часто сам искал музыканта.
Сейчас в современном оркестре помимо обычных
требований к музыкантуальтисту предъявляют ещё одно
его альт должен быть не короче 42 сантиметров. Альт не
столь популярен, как скрипка, но очень важен как средний
голос в хоре струнных.
Виолончель уже никто не назовёт большой скрипкой, хотя
они достаточно похожи. У неё совершенно другой тембр звучания и совсем другой характер. Когда нужно выразить
в музыке скорбь, отчаяние, печаль, виолончели нет равных,
настолько глубоко она передаёт эти чувства.
Эти инструменты строили уже первые скрипичные мастера
 Бертолотти, Маджини, Амати. Но довёл виолончель до
совершенства А. Страдивари.
Диапазон виолончели от до большой октавы до ми третьей
октавы.
Если скрипку и альт музыкант держит горизонтально на
плече, то виолончель слишком велика для этого. Её ставят
вертикально. В давние времена на ней играли стоя,
поместив её на специальный стул. Потом приспособили
металлический шпиль, который упирают в пол, и
исполнитель играет на ней сидя. Виолончель тоже не сразу заняла достойное место в
музыке. Сначала ей поручали только сопровождение. Но со
временем необыкновенные качества этого инструмента
были по достоинству оценены. Для неё написано много
замечательных произведений, в симфонических сочинениях
ей часто поручают выразительные соло.
И, наконец, последний представитель струнной смычковой
группы – контрабас – самый низкий из них по звучанию. Его
роль в музыке очень велика. Он является своеобразным
фундаментом, на который опирается звучание всех
остальных инструментов.
Это самый громоздкий и большой по размерам инструмент.
Играют на нём стоя или сидя на специальном высоком
стульчике. Диапазон контрабаса  от ми контроктавы до соль первой
октавы. Представьте, сколько добавочных линий
понадобится, чтобы записать его партию. Поэтому принято
записывать её на октаву выше.
Играть на контрабасе достаточно сложно. Причём это
касается не только чистоты интонации. Сколько силы надо
приложить, чтобы заставить вибрировать его струны!
Поэтому как солирующий инструмент он применяется
нечасто. Хотя многие музыканты контрабасисты достигли
такой виртуозности, что на своём огромном контрабасе
играют сложнейшие произведения, написанные для
виолончели.
Контрабасы популярны в эстрадных и джазовых оркестрах.
Там на них, как правило, играют щипком  пиццикато. Необходимо, конечно, назвать и ещё один струнный
инструмент. Правда, играют на нём не смычком, а щипком.
Это арфа. А кроме неё и целую армию национальных
струнных щипковых инструментов, таких как балалайка,
домра и многие другие...
Вопросы и задания:
Какие вы знаете струнные смычковые инструменты?
Какой из них обладает самым низким звучанием?
Что такое штрихи, и какие штрихи вы знаете?
Назовите диапазоны звучания всех струнных инструментов.
Назовите предшественницу современных струнных
инструментов.

intro:
Сначала я расскажу вам одну легенду...
Однажды по улице итальянского города Кремона шёл волшебник. Из окна одного дома он услышал прекрасные звуки. Войдя в дом, волшебник увидел юношу, который играл на только что изготовленной им скрипке.
- Подари мне эту скрипку, и я исполню любое твоё желание.
Юноша был молод, и ему хотелось жить вечно. Но волшебник поставил одно условие:
- Ты должен сделать ещё девятьсот девяносто девять таких же прекрасных инструментов, но на тысячном ты умрёшь.
Шли годы. Мастер работал, делал скрипки, альты, виолончели, гитары. Когда их количество стало подходить к тысяче, он заболел. Тогда мастер собрал своих сыновей и учеников, рассказал им о пророчестве и добавил:
- Я считаю, что волшебник выполнил своё слово. Я сделал тысячу музыкальных инструментов, я отдал им свою душу, всю свою жизнь. Мои инструменты будут жить, а вместе с ними буду жить и я.

title: Музыкальные инструменты: Струнные